Peter Jackson presenta por sorpresa un film que explorará los pasajes olvidados de El Señor de los Anillos

Un regreso inesperado al mundo de Tolkien y aún a la espera de la película de Gollum

El universo de la Tierra Media podría expandirse con una nueva película (al margen del filme en solitario que se prepara sobre Gollum) que promete recuperar algunos de los pasajes más olvidados de la obra de J. R. R. Tolkien. Según la información desvelada recientemente, Stephen Colbert estará trabajando como guionista principal en ‘The Lord of the Rings: Shadows of the Past’, un proyecto que ha sido presentado de forma inesperada por Peter Jackson.

La noticia ha generado un gran revuelo entre los fans, especialmente por el perfil de Colbert, conocido no solo por su carrera televisiva, sino también por su profundo conocimiento del universo Tolkien. Durante años, el presentador ha demostrado ser un auténtico experto en el legendarium, lo que ha alimentado la expectativa sobre su implicación creativa.

Tom Bombadil y el Bosque Viejo: lo que nunca vimos en cine

El proyecto se centraría en adaptar un tramo concreto de ‘La Comunidad del Anillo’ que quedó fuera de las películas originales: desde el capítulo “Tres es compañía” hasta “Niebla en las Quebradas de los Túmulos”. En este recorrido aparecen elementos icónicos como el Bosque Viejo, los Tumularios y, sobre todo, Tom Bombadil, uno de los personajes más enigmáticos de toda la obra.

La inclusión de Bombadil supone uno de los mayores atractivos del proyecto, ya que su ausencia fue una de las decisiones más debatidas en las adaptaciones cinematográficas de principios de los 2000. Su peculiar relación con el Anillo y su naturaleza casi ajena al conflicto central podrían aportar un tono completamente distinto al relato.

Una historia que conecta pasado y legado

Según las informaciones disponibles, la película no sería una simple adaptación literal, sino que incorporaría una estructura narrativa más compleja. La historia se situaría años después de los acontecimientos principales, con personajes como Sam, Merry y Pippin revisitando los primeros pasos de su aventura.

En paralelo, nuevas tramas ampliarían el universo, incluyendo secretos ocultos que podrían recontextualizar la Guerra del Anillo. Este enfoque permitiría combinar nostalgia y expansión narrativa, algo clave para mantener el interés del público actual sin traicionar la esencia original.

Más proyectos en marcha en la Tierra Media

Este posible desarrollo se enmarca dentro de una estrategia más amplia por parte de Warner Bros. para revitalizar la franquicia. Entre los proyectos confirmados se encuentra ‘The Hunt for Gollum’, dirigida por Andy Serkis y prevista para 2027, con el regreso de nombres clave como Ian McKellen y Elijah Wood.

Además, la implicación de Philippa Boyens, pieza fundamental en las trilogías originales, refuerza la continuidad creativa del proyecto.

La silla lanza tráiler y cartel: un thriller psicológico que promete tensión extrema

Jaime Lorente protagoniza lo nuevo de Ángel de la Cruz

Ya está disponible el tráiler oficial de ‘La silla’, el nuevo largometraje del director gallego Ángel de la Cruz, conocido por su trayectoria en la animación y ganador de cuatro premios Goya. Con esta película, el cineasta da un paso más en su carrera con un thriller psicológico que se adentra en los rincones más oscuros del ser humano.

La propuesta supone su quinta producción y marca un cambio de registro hacia un tono más adulto, íntimo y perturbador. El propio director define la película como una historia cargada de simbolismo, donde la culpa, el remordimiento y la redención se convierten en los ejes centrales del relato.

Un reparto centrado en la tensión emocional

El film está encabezado por Jaime Lorente, que interpreta a Daniel Lonces, un escritor de novelas de misterio cuya vida aparentemente perfecta se transforma en una pesadilla. Junto a él, completan el reparto Christina Ochoa y Eva Rufo, en una historia donde los personajes se enfrentan a situaciones límite.

El tráiler ya deja entrever una interpretación física y emocional exigente por parte de Lorente, con gran parte del metraje centrado en un espacio reducido, lo que refuerza la sensación de claustrofobia y angustia.

Una premisa inquietante y minimalista

La historia gira en torno a Daniel, un escritor de éxito que, en el transcurso de una prueba para una de sus novelas, queda accidentalmente atado a una silla sin posibilidad de liberarse. Lo que comienza como un incidente aparentemente controlable evoluciona rápidamente hacia una situación desesperada.

A partir de ese punto, la película desarrolla una espiral de tensión creciente, donde el protagonista deberá enfrentarse no solo a sus limitaciones físicas, sino también a sus propios miedos y decisiones pasadas. Este enfoque minimalista, centrado en un único conflicto, refuerza el carácter psicológico del relato.

Estreno en cines y apuesta por el suspense español

‘La silla’ llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio, distribuida por AF Pictures. La película forma parte de una producción en la que participan varias compañías del sector audiovisual, consolidando una apuesta por el thriller de corte autoral dentro del panorama nacional. Está basada en una novela de David Jasso editada por Apache Libros.

Con su atmósfera opresiva y su planteamiento narrativo directo, la película se perfila como una de las propuestas más intensas del cine español en 2026, apostando por una experiencia emocional que combina suspense, drama y reflexión.

Crítica: ‘Shelter: El protector’

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Un título repetido para una historia mil veces contada

Hay algo casi irónico y desde luego revelador, en el hecho de que ‘Shelter: El protector’ llegue a nuestras carteleras con un título que parece reciclado de una cadena de montaje. No es la primera vez que vemos algo así: en su día con Stallone, Dolph Lundgren, Denzel Washington, Liam Neeson e incluso con Banderas y hasta con Santiago Segura y su ‘Torrente 3’ ya tuvimos un “protector”. De hecho, ‘Homefront’ (2013) y ‘Beekeeper’ (2024) ya se tradujeron en España como ‘El protector’. Estamos ante una fórmula harto explotada, que demuestra que lo de Jason Statham ya no es pasión por hacer cine sino ir en piloto automático.

En este contexto, el filme de Ric Roman Waugh no solo no intenta diferenciarse, sino que parece abrazar sin complejos el piloto automático. No estamos ante una revisión del arquetipo, ni siquiera ante una variación especialmente ingeniosa: es, sencillamente, otra iteración. Y eso se nota desde el primer minuto.

El cine de acción contemporáneo ha encontrado en esta plantilla un refugio seguro, quizá el título es ‘Shelter’. Se sienten cómodos dentro de la misma receta: protagonista masculino, pasado oscuro, intento fallido de vida calmada y una espiral de violencia que lo arrastra de nuevo a lo que mejor sabe hacer para salvar a alguien y alcanzando a una organización criminal. ‘Shelter: El protector’ no solo encaja en este molde, sino que lo reproduce con una fidelidad casi académica.

Jason Statham y el héroe funcional

El rostro visible de esta maquinaria es Jason Statham, quien lleva años perfeccionando un tipo de personaje que aquí alcanza su forma más depurada (o más vacía, según se mire). En esta ocasión, su profesión alternativa roza lo pintoresco: farero, una elección que parece diseñada más por su carga simbólica que por su credibilidad narrativa. Al final va a conseguir interpretar más profesiones que Homer Simpson. Creo que esta broma ya la había hecho, pero si Statham se puede permitir repetir una y otra vez lo mismo, ¿por qué yo no?

Y sí, hay perro. Un detalle que, en el cine de acción contemporáneo, funciona casi como un presagio: si alguien amenaza a ese animal, la violencia posterior estará no solo justificada, sino emocionalmente amplificada. Es un recurso tan eficaz como previsible.

Statham cumple, como siempre. Su presencia física, su economía gestual y su capacidad para transmitir amenaza siguen intactas. Pero también lo está su falta de evolución. El actor británico no parece interesado, ni quizá necesitado, de salir de esta zona de confort, y ‘Shelter: El protector’ no le exige lo contrario.

Ric Roman Waugh y el agotamiento del modelo

Si hay un responsable último de esta sensación de déjà vu constante, ese es su director. Ric Roman Waugh lleva años orbitando este tipo de cine, con títulos como ‘Angel Has Fallen’ dentro de la conocida saga de acción institucional. Su filmografía revela una clara inclinación por relatos de hombres al límite enfrentados a sistemas corruptos o amenazas desproporcionadas.

En ‘Shelter: El protector’, esa tendencia alcanza un punto de saturación. No hay riesgo formal, no hay búsqueda estética ni narrativa. Todo está calculado para funcionar dentro de unos parámetros conocidos: ritmo constante, escenas de acción eficaces pero intercambiables y una progresión dramática que avanza sin sorpresas.

Algunas curiosidades de producción, como el énfasis en realizar escenas de acción con el menor uso posible de efectos digitales o la insistencia de Statham en ejecutar personalmente muchas de sus secuencias físicas, aportan cierto valor artesanal. Sin embargo, estos detalles, que podrían enriquecer la experiencia, quedan diluidos en un conjunto que nunca aspira a ser más que correcto. Es una película que no ofende, pero tampoco entusiasma ni defiende un género que hoy en día busca nuevos códigos para reivindicarse. Funciona como entretenimiento inmediato, pero carece de cualquier tipo de resonancia. Es cine de consumo rápido, diseñado para ser olvidado con la misma facilidad con la que se ve.

Ficha de ‘Shelter: El protector’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: Shelter. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Ward Parry. Música: David Buckley. Fotografía: Martin Ahlgren. Reparto principal: Jason Statham, Bill Nighy, Bodhi Rae Breathnach, Naomi Ackie, Daniel Mays. Producción: Black Bear, CineMachine Media Works, Eastern Film, Fire Hawk Productions, Punch Palace Productions, Quebec Film and Television Tax Credit, RVK Studios, Stampede Ventures. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial.

Análisis del Blu-ray de ‘Bugonia’

Conspiraciones y extraterrestres llegan a casa gracias a Arvy Licensing

Bugonia llega a nuestras casas gracias a Arvy Licensing. La nueva película de Yorgos Lanthimos nos envuelve en un extraño thriller, donde dos hombres, bastante conspiranoicos, deciden secuestrar a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que en realidad es un extraterrestre. En su cabeza, piensan que esta mujer pertenece a una raza de alienígenas que quieren destruir la Tierra.

La verdad que la película es bastante turbia y tenemos las increíbles actuaciones de Emma Stone y Jessey Plemons, ambos tienen un duelo increíble durante todo el film y se nota que el director ha exprimido hasta el final a los dos actores para que den lo mejor de ellos mismos.

El Blu-ray es bastante sencillo, pero aun así tenemos un extra bastante jugoso. A continuación os dejamos con las imágenes de esta edición y con el análisis del mismo.

 

Audio: Castellano, Francés, Italiano y Alemán Dolby Digital 5.1; Inglés Dolby Atmos; Servicio de Audiodescripción en Inglés y Francés.

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Francés, Italiano, Alemán, Danés, Holandés, Fineés Noruego y Sueco.

EXTRA

El nacimiento y las abejas: el making of de Bugonia. (23:06 min)

El contenido adicional está en V.O. Audio y subtítulos no disponibles en castellano.

Aquí tenemos el making of de la película, con entrevistas con diferentes componentes del equipo monstrándonos imágenes tras las cámaras y también pequeñas anécdotas de este viaje, que ha sido el rodaje de ‘Bugonia’.

Crítica: ‘La sonrisa del mal’

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Inquietante historia de terror religioso

Tenemos un estreno en cines que llega de la mano de Alfa Pictures que va a sorprender a más de uno. Y es que ‘La sonrisa del mal’ nos trae una de estas películas de terror que no te esperas.

Ya se pudo ver en festivales como Sitges o SEMINCI, además de llevarse el reconocimiento en el Festival Europeo de Cine Fantástico de Estrasburgo con el Méliès de Plata a la Mejor Película Fantástica Europea y el Premio del Público. También se estrenó fuera de concurso en el Festival de Venecia, donde recibió el Premio FEDIC.

Pero, ¿Qué vamos a encontrarnos en ‘La sonrisa del mal’?

Después de un trágico suceso en la vida de Sergio Rossetti, marcha a trabajar a un instituto en un pequeño pueblo apartado en las montañas. Todos los habitantes parecen terriblemente felices. Todo esto es, gracias a que una noche a la semana lo habitantes se reúnen para abrazar a un joven adolescente.

Una historia que podría estar sacada de la mente de Stephen King, por lo bien que está reflejado todo el día a día de una pueblo donde todos se conocen. Esa cercanía entre unos y otros y a la vez ese secretismo extraño que invade todo el ambiente hace que la película te cree cierta incomodidad viendo la película.

Mola mucho ir viendo todo el misterio de ese pueblo, el como comienzan a suceder cosas extrañas como si de una secta se tratase.

Solo le pongo una pega, y es que la terminan alargando bastante sin necesidad, pero aun así, pienso que es una buena película con una historia bastante potente.

Equipo de la película

Paolo Strippoli es el encargado d dirigir esta cinta tan turbia, después de su éxito con la película ‘A classic horror story’ que dirigió junto a Roberto De Feo.

En el reparto encontraos a Michele Riondino, que está estupendo como este hombre perturbado por su pasado y que intenta averiguar que pasa en este lugar donde todo el mundo es feliz.

Romana Maggiora Vergano, Roberto Citran, Giulio Feltri, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, son parte del reparto de esta cinta.

Conclusiones

Tiene sin duda uno de los mejores comienzos y desenlace de este año. ‘La sonrisa del mal’ es de estos estrenos pequeñitos que suelen pasar inadvertidos en pantalla, pero sinceramente, son de estas pequeñas sorpresas que te puedes encontrar una buena tarde en el cine. Como he dicho, una película diferente, donde la religión y la fe logra crear una  gran historia de terror.

Ficha de La sonrisa del mal

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: La valle dei sorrisi. Duración: 122 min. País: Italia. Dirección: Paolo Strippoli. Guion: Jacopo del Giudice, Paolo Strippoli, Milo Tissone. Música: Federico Bisozzi, Davide Tomat. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Reparto principal: Michele Riondino, Giulio Feltri, Paolo Pierobon, Romana Maggiora, Roberto Citran, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, Diego Nardini. Producción: Fandango Produzione, Nightswim, SPOK Films, Vision Distribution, Ministero della Cultura, Friuli Venezia Giulia Film Commission, Intromagine Pictures. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama, terror. Web oficial.

SONAFILM presenta su octava edición

Trevor Jones y Roque Baños los grandes invitados de SONAFILM 8

La SGAE ha sido la sede elegida para presentar los contenidos de la octava edición de SONAFILM, el Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta. Se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto con ocho conciertos repartidos en las localidades de Ondara, Dénia, Calp, Beniarbeig, Xábia y Pego. Este año, dedicado al cine épico e histórico. El evento contará con grandes invitados como los compositores Trevor Jones o Roque Baños.

Al acto de presentación ha sido inaugurado por Juanjo Solana, presidente de la Fundación SGAE. Han asistido Javier Gil Pérez, director de SONAFILM y gerente de la Universal Symphony Orchestra, orquesta residente del festival. Pedro J. Mérida, productor de SONAFILM. Federico Jusid e Iván Martínez Lacámara, compositores. José Ramiro Pastor, alcalde de Ondara. Rosana Marí Blasco, concejala de Cultura de Ondara. Guillermo Sendra Guardiola, concejal de Cultura de Calp. Mavi Pérez Font, concejala de Cultura de Xàbia/Jávea y Ricardo Sendra García, concejal de Turismo de Pego.

La elección de Trevor Jones no ha sido casual. Con partituras que han contribuido de manera decisiva a definir la identidad emocional de películas como ‘Excalibur’, ‘El último mohicano’, ‘Cristal Oscuro’ o ‘Dentro del laberinto’.

Roque Baños, uno de los grandes referentes de la música de cine española contemporánea, el compositor murciano ha demostrado a lo largo de su trayectoria una especial capacidad para dotar de carácter, tensión y emoción a relatos de gran ambición dramática e histórica. Lo demuestra de forma especialmente significativa su trabajo en ‘Alatriste’.

Jones y Baños participarán en ‘La era de los imperios’, el concierto central de SONAFILM 8, que correrá a cargo de la Universal Symphony Orchestra. Se celebrará e 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara. ‘Ben-Hur’, ‘Gladiator’, ‘Troya’, ‘El último mohicano’ o ‘Alatriste’ es lo que escucharemos esta noche tan especial.

Otras celebridades en el festival

Además, al festival también acudirán destacados compositores vinculados al audiovisual español como Federico Jusid (“El secreto de sus ojos”), Arnau Bataller (“Mediterráneo”), Aránzazu Calleja (“Akelarre”), Juanjo Molina (“Crushed Wings”), Iván Martínez Lacámara (“La casa de papel”), Álvaro Peire (“Zorro”) y Maite Arroitajauregi (“Akelarre”). Todos ellos serán los protagonistas de “Música de Cine: Made In Spain 4”, que se celebrará el 14 de agosto en el Auditori de Calp a las 20:00 horas. Se trata de la cuarta entrega de uno de los formatos más celebrados de la trayectoria de SONAFILM, un concierto sinfónico muy singular dentro del panorama nacional por estar dedicado a partituras de películas y series de televisión españolas.

Tendréis toda la información y entradas a la venta en su web, os dejamos a continuación el enlace. SONAFILM.

Crítica: ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’

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Un crepúsculo con menos profundidad y más ruido

Tras seis temporadas que redefinieron el drama criminal televisivo hasta el punto de ser comparada con gigantes como ‘El padrino’ o ‘Los Soprano’, Peaky Blinders da el salto definitivo al cine con ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, una película dirigida por Tom Harper (‘Wild Rose’) y escrita por su creador original, Steven Knight. Rodada en 2024, esta clausura cinematográfica no solo busca cerrar tramas o servir de relevo, sino encapsular el legado de una de las ficciones británicas más influyentes del siglo XXI.

Un regreso marcado por la guerra y la decadencia

La película retoma la historia de Tommy Shelby (uno de los papeles más icónicos de Cillian Murphy) en un momento de retiro autoimpuesto. Alejado del poder, escribe sus memorias mientras contempla los restos de un imperio que ya no reconoce como propio. Este punto de partida conecta directamente con el tono crepuscular que impregna todo el filme, ambientado en plena Segunda Guerra Mundial, donde la violencia ya no es solo un instrumento de poder, sino una consecuencia inevitable del derrumbe moral. Y con este toque histórico llega otro hecho, la serie ha llevado a sus personajes más allá de lo que fueron en la realidad, con este largometraje les otorga las sombras a las que la historia les condenó.

Harper y Knight optan por una narrativa más introspectiva, en la que el enemigo (como en cada temporada) vuelve a mutar, aunque aquí se diluye en una amenaza más abstracta y sistémica, profundamente ligada al contexto bélico europeo. Ya no hay una mafia concreta que derribar, el antagonista es el propio tiempo, la búsqueda de paz interior, la historia y el peso de las decisiones pasadas.

Visualmente, la película mantiene la estética que convirtió a la serie en un referente: encuadres estilizados, uso simbólico de la cámara lenta y una banda sonora anacrónica pero eficaz. Sin embargo, el paso al formato cinematográfico también impone limitaciones. Lo que antes se cocía a fuego lento ahora debe resolverse en poco más de dos horas, lo que afecta especialmente al desarrollo de conflictos secundarios y del desarrollo de nuevos personajes.

Un reparto ampliado para una despedida ambiciosa

Siguiendo la tradición de incorporar grandes nombres en cada temporada, esta película eleva la apuesta con la presencia de Rebecca Ferguson, Tim Roth, Sophie Rundle y Barry Keoghan, entre otros. A ellos se suma el regreso de Stephen Graham, consolidando un elenco de enorme peso interpretativo.

Especial mención merece Keoghan, quien da vida a Erasmus “Duke” Shelby en una versión más adulta del personaje. Su presencia no es anecdótica: Duke se convierte en una pieza clave del relato, representando la herencia más cruda y peligrosa de los Shelby. Su interpretación aporta una energía impredecible que contrasta con el agotamiento emocional de Tommy, generando un interesante relevo generacional.

No obstante, el filme también evidencia ciertas carencias estructurales. La progresiva desaparición de miembros clave de la familia Shelby obliga a introducir nuevos personajes y conflictos que, en algunos casos, se resuelven con giros que rozan lo telenovelesco. Esta sensación de urgencia narrativa impide que algunos secundarios alcancen la profundidad que sí tenían en la serie.

Entre la épica y la melancolía: un cierre imperfecto pero digno

‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’ es, ante todo, una elegía. Un relato sobre el desgaste, la culpa y la imposibilidad de escapar del propio legado. La película insiste en los temas que definieron la serie (familia, poder, traición y redención) pero los aborda desde una perspectiva más sombría y definitiva.

Uno de los aspectos más interesantes, es el esfuerzo por mantener más que nunca la autenticidad histórica: parte del vestuario se confeccionó utilizando técnicas tradicionales de sastrería británica, algunos exteriores se rodaron en localizaciones reales afectadas por bombardeos durante la guerra y la trama principal se basa en un hecho real de la II Guerra Mundial. Se refuerza así esa sensación de mundo en ruinas.

Sin embargo, la película no logra escapar del todo a la sensación de condensación. La psique de Tommy Shelby, uno de los personajes más complejos de la televisión reciente, ya había sido ampliamente explorada, y aquí se encuentra en una fase más contemplativa que transformadora. Esto puede resultar anticlimático para quienes esperaban una conclusión más explosiva, restando incluso emoción al cierre.

Aun así, el filme acierta al no traicionar su esencia. No busca un final complaciente, sino coherente con el universo que ha construido durante años. El precio del poder, parece decirnos, no es la muerte, sino la supervivencia. ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’ no alcanza del todo la grandeza sostenida de la serie, pero sí ofrece un cierre digno, cargado de simbolismo y con momentos de gran intensidad. Es una despedida que, como su protagonista, avanza entre las cenizas: imperfecta, agotada, pero imposible de ignorar.

Ficha de ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Peaky Blinders: The Immortal Man. Duración: 112 min. País: Reino Unido. Dirección: Tom Harper. Guion: Steven Knight. Música: Antony Genn, Martin Slattery. Fotografía: George Steel, Ben Wilson. Reparto principal: Cillian Murphy, Rebecca Ferguson, Tim Roth, Sophie Rundle, Barry Keoghan, Stephen Graham. Producción: Netflix, BBC. Distribución: Netflix. Género: drama, suspense. Web oficial.

Clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Primer vistazo al nuevo caso del mítico inspector que llega a cines el 27 de marzo

La adaptación cinematográfica de ‘Maigret y la muerte del embajador’ calienta motores antes de su llegada a salas, y tenemos la suerte de poder brindaros un clip exclusivo que adelanta el tono y la atmósfera de este nuevo caso protagonizado por el legendario comisario creado por Georges Simenon.

La película se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de ADSO Films, tras su paso por la Sección Mosaico: Panorama Internacional del Festival de Málaga, que se celebró del 6 al 15 de marzo.

Un regreso al crimen clásico con el sello de Pascal Bonitzer

El encargado de dirigir esta nueva adaptación es Pascal Bonitzer, cineasta con una sólida trayectoria en el cine europeo y reconocido en festivales internacionales. Bonitzer recupera la esencia más pura del personaje de Maigret, alejándose del thriller moderno para apostar por una investigación más introspectiva y psicológica.

En palabras del propio director, la figura de Maigret representa “el fin de un mundo”, una forma de investigar previa al dominio de la tecnología forense y digital. Por ello, la historia se sitúa en un tiempo anterior a la omnipresencia de los smartphones e Internet, reforzando ese carácter clásico.

Denis Podalydès encabeza un reparto de alto nivel

El protagonista de la película es Denis Podalydès, quien da vida al icónico inspector en esta ocasión. El actor, nominado en cuatro ocasiones a los premios César, aporta una interpretación sobria y cargada de matices. Le acompañan nombres destacados del cine francés como Irène Jacob, Olivier Rabourdin, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Dominique Reymond, Laurent Poitrenaux y Micha Lescot.

Un caso de intrigas diplomáticas y pasiones ocultas

Basada en la novela ‘Maigret et les Vieillards’, la trama arranca con el asesinato de un antiguo embajador francés. La investigación conducirá a Maigret a un entorno de secretos, relaciones ocultas y tensiones sociales, marcado por la relación sentimental entre la víctima y una princesa recientemente viuda.

Este nuevo caso promete recuperar la esencia del noir europeo más clásico, donde la psicología de los personajes es tan importante como la resolución del crimen.

Ya puedes ver el clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Un primer vistazo imprescindible para los amantes del cine policiaco clásico y de las adaptaciones literarias con personalidad propia.

Crítica: ‘Proyecto Salvación’

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Bonita, original y visualmente una gozada

‘Proyecto salvación’ es de estas películas que se quedan en la retina y en la cabeza. Una buddy movie que no me esperaba para nada. Admito que no había visto tráiler ni nada, solo que salía Ryan Gosling para salvar a la Tierra. Eso y que también se basaba en la novela del creador de ‘Marte’. Me esperaba un drama, si, me alegro de no habérmelo encontrado, también.

Pero que gusto es ver películas tan bonitas en la sala de cine. Ya no sólo visualmente, si no también de un contenido tan especial que te deja con una sonrisa al salir del visionado.

Andy Weir y Drew Goddard un gran dúo

El novelista Andy Weir, vuelve a crear algo tan distinto y a la vez tan cercano. Junto a él tenemos al guionista Drew Goddard, que también se encargó del guion de ‘Marte’ y sin duda ambos crean algo muy personal.

En este caso conocemos a Grace, un astronauta que se ha quedado solo en una misión suicida. Todo esto sin apenas recordando quien es, al estar tanto tiempo en coma inducido. Mientras va recordando toda su situación, conoce a alguien especial que tiene su misma misión, salvar su planeta.

Una historia de amistad, de volver a recordar, de trabajo en equipo y sobre todo de confianza. Es que no puedo negar que la he disfrutado tanto.

Nuestros dos protagonistas

Ryan Gosling es un actor que siempre me ha gustado, todo lo que hace, lo hace bien y punto. En este caso, tiene un papel tan tierno, tan humano. Una persona con curiosidad, con ganas de vivir aunque se crea que tiene una mísera vida y también con miedo de perder esa simple vida. Es un reflejo a la vida humana, esas personas que tienen un gran talento, pero se conforman con ir a trabajar y vivir una vida sencilla. Un héroe al que obligan a serlo.

Además es un profesor con ganas de enseñar, le dan un montón de herramientas para hacer que un equipo de astronautas tengan una gran cantidad de información en muy pocos días y aunque es poco, le ves disfrutar investigando y aprendiendo.

Y luego está Rocky, un ser que se encuentra en su viaje que tiene su misma misión. Este ser tiene la voz de James Ortiz y para mí lo más importante, es un animatrónico. Sabéis que adoro los efectos visuales, no odio los digitales para nada, siempre nos dan maravillas y aquí también lo tenemos, pero es que un buen efecto práctico es lo mejor que puede haber en una cinta. Y sin duda, aquí están muy bien hechos y aprovechados.

Resto de equipo

Y aunque el personaje de Ryan Gosling es el único humano que vemos en la nave, también parte de la película son flash backs en los que va recordando como ha llegado hasta allí. Junto a él tenemos a la actriz Sandra Hüller, que tiene un papel crucial en la vida de nuestro personaje y lo borda. También vemos a Ken Leung, Milana Vayntrub o Lionel Boyce.

Y que decir de la banda sonora de Daniel Pemberton, no puede ser mejor. Con una música muy evocadora, con canciones muy bien escogidas, hace que todo el conjunto se vea y se escuche perfecto. Y como he comentado en el otro punto, el tema de los efectos, tanto digitales como prácticos, me han parecido de lo mejor en mucho tiempo.

‘Proyecto Salvación’ llega a nuestras pantallas el próximo 20 de marzo y como habéis podido leer, solo puedo recomendárosla. Disfrutadla y comentadme que os ha parecido.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Project Hail Mary. Duración: 156 min. País: Estados Unidos. Dirección: Phil Lord, Christopher Miller. Guion: Drew Goddard, Andy Weir. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Ryan Gosling, Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, James Ortiz, Orion Lee. Producción: MGM, Amazon MGM Studios, Pascal Pictures, Lord Miller, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Ciencia Ficción. Web oficial.

Crítica: ‘Elon Musk al descubierto’

El sueño eléctrico del tecnofeudalismo y sus ovejitas

Dirigido por Andreas Pichler y conocido internacionalmente como ‘Elon Musk Unveiled: The Tesla Experiment’, este filme no es un retrato complaciente del magnate, sino una disección incómoda de la figura de Elon Musk y, sobre todo, del sistema que ha contribuido a construir. Lejos de la narrativa heroica que suele rodear al fundador de Tesla o SpaceX, la película se adentra en un territorio más cercano al cyberpunk distópico que al relato de innovación que tantas veces se ha vendido.

Una narrativa que desmonta el mito tecnológico

Pichler no intenta narrar el nacimiento del coche eléctrico, de hecho, se encarga de subrayar que Tesla no inventó esta tecnología, sino que centra su enfoque en algo mucho más inquietante: el control. El documental expone cómo una empresa puede moldear el discurso público, presionar instituciones y redefinir los límites de lo aceptable en nombre del progreso y a costa del rebaño que le sigue fielmente.

En este sentido, ‘Elon Musk al descubierto’ funciona como una advertencia. La acumulación masiva de datos (hablamos de volúmenes que superan con creces el concepto tradicional de Big Data) convierte a los vehículos en nodos de vigilancia permanente. Cada trayecto, cada frenada, cada error humano o mecánico se transforma en información procesable. Lo que el filme sugiere, apoyándose en testimonios y material documental, es que esta recolección no solo busca mejorar la tecnología, sino consolidar una posición de poder sin precedentes.

El material se nutre de filtraciones internas y testimonios recogidos durante años, en ocasiones bajo condiciones de anonimato. Este detalle refuerza la sensación de estar ante una obra que no solo informa, sino que revela. Y es que todo el reportaje gira en torno a una muerte, un accidente o fallo de sistema que desde el año pasado ha puesto en jaque la fiabilidad del famoso Autopilot.

Voces desde dentro: el coste humano del progreso

Uno de los mayores aciertos del documental es dar voz a empleados y ex-empleados de Tesla. Sus testimonios construyen un retrato de Musk alejado del visionario carismático: lo describen como alguien obsesionado con la perfección tecnológica, especialmente en proyectos vinculados a SpaceX, pero profundamente desconectado en lo humano hasta el punto de ser incapaz de hacer amigos de verdad.

Las declaraciones coinciden en un patrón: jornadas extenuantes, presión constante y una cultura corporativa donde el error no es una posibilidad, sino un paso necesario en un proceso de ensayo y error llevado al extremo. El problema, como subraya el film, es que ese “error” no siempre se queda en un laboratorio. En ocasiones, se traslada a la carretera.

Aquí es donde el documental golpea con más fuerza. Casos de “frenada fantasma” y “aceleración involuntaria”, fenómenos ampliamente discutidos por usuarios, son presentados con pruebas y testimonios. No como fallos anecdóticos, sino como síntomas de un sistema que experimenta en tiempo real con sus propios clientes. La idea es inquietante: los usuarios no son solo consumidores, sino participantes involuntarios en un experimento a escala global para mejorar un producto.

Tecnofeudalismo y legado: la historia que no se contará

‘Elon Musk al descubierto’ trasciende la figura de su protagonista para plantear una reflexión más amplia: vivimos en una era que podría definirse como tecnofeudalismo. Grandes corporaciones tecnológicas acumulan poder económico, informativo y político hasta niveles que rivalizan o superan ya a los estados.

El documental deja una pregunta en el aire: ¿cómo será recordado Elon Musk? Probablemente, como el impulsor del coche eléctrico moderno y una figura influyente en la política global, con conexiones que han llegado hasta Donald Trump en su etapa de presidente de los Estados Unidos. Pero lo que difícilmente aparecerá en los libros de historia son las historias individuales: trabajadores quemados, usuarios afectados, vidas alteradas por decisiones tomadas en despachos donde la ética parece secundaria frente a la innovación.

Pichler construye así un relato incómodo pero necesario. No demoniza la tecnología, pero sí cuestiona el sistema que la impulsa. Y en ese cuestionamiento reside su mayor valor: obligar al espectador a replantearse hasta qué punto estamos dispuestos a ceder control a cambio de progreso.

Ficha de ‘Elon Musk al descubierto’

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Elon Musk Unveiled: The Tesla Experiment. Duración: 90 min. País: Alemania. Dirección: Andreas Pichler. Guion: Andreas Pichler, Christian Beetz, Anne von Petersdorff. Música: Henning Fuchs. Fotografía: Tom Bergmann, Jakob Stark. Reparto principal: Elon Musk, John Bernal, Lukasz Krupski, Esben Pedersen. Producción: Beetz Brothers Film Production. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial.

10 años de Moviementarios

Moviementarios, una década viviendo el cine desde dentro

Cumplir diez años en internet no es solo una cifra redonda: es una declaración de resistencia, constancia y, sobre todo, pasión. En Moviementarios llevamos una década sumergidos en el universo del cine y las series, construyendo un espacio que ha crecido sin renunciar a sus principios y llegando a los mismos lugares a los que muchos medios de comunicación solo llegan a través del dinero o a base de vender su objetividad periodística.

Una década dedicados al entretenimiento sin descanso

Si algo define este recorrido es el volumen y la dedicación. Durante estos diez años hemos visto centenares de películas cada año, explorando desde los grandes estrenos comerciales hasta propuestas independientes, cine de autor, festivales y plataformas.

No ha sido simplemente consumir contenido: ha sido analizarlo, reflexionarlo y compartirlo con una comunidad que también entiende el audiovisual como algo más que entretenimiento pasajero. Cada crítica, cada entrevista y cada cobertura ha sido fruto de horas de visionado y viajes con un criterio que hemos ido afinando con el tiempo. Y esta constancia y meticulosidad nos ha llevado a formar parte misma del cine en España participando de algún proyecto y siendo, por ejemplo, patrocinadores y/o jurados en CutreCon o CortoEspaña.

Llevar a cabo un repaso completo con todo lo que hemos vivido se nos hace inabarcable. Hemos hecho un vídeo con aquellos artistas que nos han marcado de alguna manera y a los que hemos conocido de manera estrecha. Pero hay muchos má. Mucho que podéis descubrir a través de los más de 9000 artículos publicados aquí y todo el contenido de nuestros canales o redes sociales.

Codo con codo con la industria audiovisual

Uno de los mayores privilegios de Moviementarios ha sido poder estar cerca de lo mejor del mundo audiovisual. A lo largo de estos años hemos coincidido con actores, actrices, directores y profesionales del sector que forman parte del presente y el futuro del cine.

Festivales, premieres, entrevistas y eventos nos han permitido no solo ver el cine desde fuera, sino también comprender cómo se construye desde dentro. Ese contacto directo ha enriquecido nuestra perspectiva y ha dado profundidad a los contenidos que publicamos.

Principios claros en un entorno que premia lo contrario

En una era dominada por la inmediatez y la viralidad, hemos tomado decisiones que no siempre juegan a favor del crecimiento rápido, pero sí de la coherencia.

Cero spoilers

  • Respetar la experiencia del espectador siempre ha sido una prioridad. Creemos que el cine debe vivirse sin interferencias, sin adelantar giros ni arruinar momentos clave.

Sin clickbait

  • Nunca hemos apostado por titulares engañosos o estrategias diseñadas para atraer clics a cualquier precio. Cada contenido intenta responder a lo que promete, sin trampas.

Fuera de polémicas artificiales

  • En un ecosistema donde generar conflicto suele traducirse en visibilidad, hemos optado por no entrar en guerras innecesarias ni debates vacíos diseñados únicamente para generar ruido.

¿El precio de mantener los principios?

Es posible que esta forma de hacer las cosas tenga una consecuencia evidente: no somos virales en el sentido más actual que tanto explotan los «creadores de contenido». No protagonizamos polémicas, no generamos controversias diseñadas para explotar en redes y no buscamos el impacto inmediato a cualquier coste.

Y quizá por eso no somos “famosos” en el ecosistema digital actual. Pero también es cierto que hemos construido algo más sólido: credibilidad, coherencia y una comunidad que valora precisamente eso. En un entorno donde todo es efímero, mantenerse fiel a una identidad durante diez años es, en sí mismo, un logro.

Mirando al futuro

Este décimo aniversario no es un punto final, sino un checkpoint para mirar atrás y tomar impulso. Seguiremos viendo cine, descubriendo historias y compartiendo contenido con el mismo enfoque que nos ha traído hasta aquí. Porque si algo hemos aprendido en esta década es que el verdadero valor no está en el ruido, sino en la constancia. Y en Moviementarios, eso nunca ha estado en duda.

A los que nos seguís, gracias por vuestro apoyo. A los que han intentado atacarnos en algún momento, lo de siempre, gracias por los insultos y perdón por el respeto.

mk2 cine Paz será el primero en proyectar ‘Kill Bill’ en 70mm

El cine madrileño se convierte en la única sala en programar la película de Tarantino

El emblemático mk2 Cine Paz da un paso histórico al convertirse en la primera sala de Madrid en proyectar películas en formato de 70mm, una tecnología que ofrece una calidad de imagen muy superior al estándar tradicional. Con esta iniciativa, el cine refuerza su apuesta por una experiencia cinematográfica más auténtica, combinando proyecciones digitales con el regreso del celuloide.

Fundado en 1943, el Cine Paz ya fue pionero en su momento en la exhibición en gran formato, y ahora recupera ese espíritu innovador posicionándose como un referente para los cinéfilos más exigentes de la capital. La iniciativa lo sitúa además como uno de los pocos espacios en toda España que mantienen vivo este tipo de proyección.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair inaugura el formato

El arranque de estas sesiones especiales llegará con una proyección muy esperada: ‘Kill Bill: The Whole Bloody Affair’, la versión definitiva que unifica las dos entregas de la saga dirigida por Quentin Tarantino, el cual, acaba de estrenar una escena en el videojuego Fornite. Esta edición no solo presenta la historia como una única película, sino que incorpora metraje adicional nunca visto en salas, ofreciendo la visión más completa del director.

La proyección, distribuida por Elastica Films, supone un evento cinematográfico en sí mismo, especialmente al poder disfrutarse en 70mm, un formato que potencia la textura, el color y la profundidad de la imagen de manera única. Las entradas estarán disponibles a partir del 20 de marzo, mientras que las sesiones comenzarán el 10 de abril en versión original subtitulada.

Más títulos en camino, incluido lo nuevo de Christopher Nolan

La apuesta por el 70mm no se limitará a este título. Entre los próximos estrenos confirmados destaca ‘La Odisea’, el nuevo proyecto del aclamado director, conocido por su defensa del celuloide y de los formatos de gran resolución. Además, mk2 ha adelantado que su programación incluirá tanto clásicos como futuros estrenos en 70mm y 35mm, consolidando una oferta que combina innovación tecnológica con respeto por la tradición cinematográfica.

Una experiencia para cinéfilos en busca de autenticidad

La iniciativa refuerza el posicionamiento de mk2 como uno de los circuitos más comprometidos con la diversidad cultural y la experiencia en sala. Su lema, “Otra idea de cine”, cobra especial sentido con este tipo de propuestas, que buscan diferenciarse en un contexto dominado por el consumo digital.

Con esta apuesta, el mk2 Cine Paz no solo recupera una forma de ver cine prácticamente desaparecida, sino que la acerca a nuevas generaciones, convirtiéndose en un punto de encuentro imprescindible para quienes buscan redescubrir el séptimo arte en su forma más pura.

La Film Symphony Orchestra presenta un viaje musical por las bandas sonoras más legendarias del cine del Oeste

Un homenaje sinfónico al alma del western

Los sonidos del lejano Oeste regresan con fuerza a los auditorios españoles gracias a WANTED, el nuevo espectáculo de la Film Symphony Orchestra, una propuesta que rinde tributo a algunas de las composiciones más icónicas de la historia del cine. Bajo la dirección de Constantino Martínez-Orts, este concierto se plantea como una experiencia inmersiva donde la música se convierte en narradora de duelos, paisajes infinitos y héroes solitarios.

El repertorio se apoya en piezas que han definido el imaginario colectivo del western, desde los silbidos y guitarras características hasta las orquestaciones más grandilocuentes. La propuesta no solo apela a la nostalgia, sino que reivindica el valor de la música como elemento esencial en la construcción del género.

De Ennio Morricone a John Williams: un recorrido por los grandes maestros

Uno de los pilares del espectáculo es la presencia de la mítica Trilogía del Dólar compuesta por Ennio Morricone, con temas de ‘Por un puñado de dólares’, ‘La muerte tenía un precio’ y ‘El bueno, el feo y el malo’. Estas piezas, reconocibles desde sus primeros compases, representan la esencia del spaghetti western.

El programa también incluye composiciones de otros grandes nombres del género como Elmer Bernstein con ‘Los siete magníficos’, Dimitri Tiomkin con ‘Solo ante el peligro’ o ‘El Álamo’, y Alfred Newman con ‘La conquista del Oeste’.

Además, el repertorio se abre a obras más modernas con compositores como James Newton Howard (‘Wyatt Earp’) o John Barry con ‘Bailando con lobos’, así como la aportación de John Williams en ‘Los Cowboys’.

Cuatro citas imprescindibles de WANTED en España

El espectáculo WANTED tendrá un recorrido limitado con solo cuatro conciertos en distintas ciudades españolas:

  • Madrid – 10 de abril – Auditorio Nacional de Música
  • Valencia – 24 de mayo – Palau de la Música
  • Gijón – 13 de junio – Teatro de La Laboral
  • Valladolid – 14 de junio – Centro Cultural Miguel Delibes

Estas citas prometen reunir a miles de espectadores en torno a una experiencia que combina cine, música y espectáculo en directo.

Una experiencia para fans del cine y la música

La Film Symphony Orchestra continúa consolidándose como una de las formaciones más populares en la interpretación de bandas sonoras en España. Su capacidad para trasladar al directo la emoción del cine convierte cada concierto en una experiencia sensorial completa.

Con WANTED, la orquesta apuesta por un género que ha dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte, ofreciendo al público la oportunidad de revivir sus momentos más emblemáticos a través de la potencia de la música sinfónica.

‘Spider-Man: Brand New Day’ lanza su esperado tráiler con un nuevo comienzo para Peter Parker

Tom Holland regresa como Spider-Man en una historia que redefine su identidad

El primer tráiler de’ Spider-Man: Brand New Day’ ya está aquí y confirma lo que muchos fans esperaban: un reinicio emocional y narrativo para el personaje de Peter Parker dentro del Marvel Cinematic Universe. Tras los acontecimientos de ‘Spider-Man: No Way Home’, el mundo ha olvidado quién es Spider-Man, lo que abre la puerta a una etapa más solitaria y vulnerable del héroe.

Las primeras imágenes muestran a un Peter Parker reconstruyendo su vida desde cero, sin el apoyo de sus seres queridos y enfrentándose a una ciudad que ya no le reconoce. El tono del tráiler apunta a una historia más urbana, con un enfoque más cercano al Spider-Man clásico de los cómics.

Reparto confirmado y personajes clave

Tom Holland vuelve a ponerse el traje del trepamuros, consolidándose como una de las versiones más queridas del personaje. Junto a él regresa Zendaya como MJ, aunque su papel parece evolucionar tras la pérdida de memoria provocada en la anterior entrega. También vuelve Jacob Batalon en el papel de Ned Leeds, cuya relación con Peter será uno de los puntos emocionales clave si el personaje recupera sus recuerdos.

El tráiler deja entrever la presencia de enemigos como Scorpion, Boomerang, La Mano y Tombstone y por supuesto luce al ya anunciado Punisher de Jon Bernthal .

Un enfoque más callejero y clásico

Uno de los aspectos más comentados del tráiler es su estética, que parece alejarse de las grandes amenazas multiversales para centrarse en conflictos más terrenales. Nueva York vuelve a ser el eje principal de la acción, con persecuciones, combates cuerpo a cuerpo y una sensación constante de peligro urbano.

Este cambio de tono recuerda a las primeras historias del personaje en los cómics, donde Peter Parker debía equilibrar su vida personal con su responsabilidad como héroe, enfrentándose a enemigos más cercanos pero igualmente peligrosos. De hecho una escena del tráiler evoca a su primera portada.

Expectativas ante una nueva trilogía

‘Spider-Man: Brand New Day’ no solo plantea una nueva etapa, sino que podría sentar las bases de una futura trilogía dentro del universo Marvel. La idea de reconstruir al personaje desde sus cimientos, con un enfoque más humano y emocional, ha generado una gran expectación entre los seguidores. Aunque los detractores comentan que estamos ante un nuevo mefistazo.

Con este primer adelanto, Marvel deja claro que el camino de Spider-Man está lejos de terminar y que, en esta nueva fase, el héroe deberá enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a la soledad y las consecuencias de sus decisiones.

Lanzamientos de Arvi Licensing para abril de 2026

Todo disponible el 22 de abil

El mercado del formato físico sigue demostrando su vigencia con una nueva oleada de lanzamientos que aterrizarán el próximo 22 de abril, llevando a los hogares algunos de los títulos más comentados del panorama reciente. Estas ediciones estarán disponibles en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD, muchas de ellas acompañadas de versiones especiales pensadas para coleccionistas, como steelbooks y ediciones metálicas limitadas.

Entre los lanzamientos más destacados que preparan desde Arvi Licensing se encuentra Núremberg’, un intenso drama judicial protagonizado por Russell Crowe y Rami Malek. La película aborda uno de los episodios más relevantes del siglo XX, centrado en los juicios que sentaron las bases del derecho internacional moderno.

Terror, ciencia ficción y secuelas esperadas

El género fantástico y de terror tendrá también un peso importante con la llegada de ‘28 años después: El templo de los huesos’, una nueva entrega que amplía su universo con un tono más oscuro y visceral. Este lanzamiento contará igualmente con ediciones especiales en alta definición, reforzando su atractivo para los seguidores de la saga.

Por otro lado, ‘El médico II’ continúa la historia iniciada en la exitosa adaptación literaria, combinando ciencia, fe y aventura en una propuesta épica. A su vez, el terror psicológico toma protagonismo con Keeper’, dirigida por Osgood Perkins, que promete transformar lo cotidiano en una experiencia inquietante.

Cine de autor y relatos íntimos

El catálogo también deja espacio para propuestas más personales y autorales. ‘The History of Sound’, protagonizada por Paul Mescal y Josh O’Connor, se presenta como un viaje emocional en torno a la identidad y la música.

Especial atención merece ‘Anémona’, un proyecto muy personal de Daniel Day-Lewis, quien da un paso más retomando su carrera participando también tras las cámaras. Este título se perfila como una de las propuestas más singulares de la temporada.

Clásicos reinventados y homenajes musicales

El tono más ligero llega con ‘Song Sung Blue’, protagonizada por Hugh Jackman y Kate Hudson, que rinde homenaje al legado musical de Neil Diamond.

En el extremo opuesto, ‘Bambi: La venganza’ reinterpreta el clásico desde una perspectiva completamente oscura, transformando un relato conocido en una pesadilla contemporánea que apuesta por el terror.

Con este abanico de títulos, el 22 de abril se presenta como una fecha clave para coleccionistas y cinéfilos que siguen apostando por el formato físico como una forma de disfrutar del cine con la máxima calidad y contenidos adicionales.