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Análisis de ‘Predator. Colección 4 películas’

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Los Depredadores llegan a nuestras casas con esta pedazo de edición en 4K

Tenemos en nuestras manos, uno de los packs mejor preparados que ha sacado Divisa Films. Estamos muy acostumbrados a todo lo que nos regala, pero os aseguro que tenéis horas y horas de extras en este pedazo de pack.

Tenemos un pack de las cuatro primeras películas de Predator. ‘Depredador’, ‘Depredador 2’, ‘Predators’ y ‘The Predator’. No nos vamos a enrollar demasiado en la presentación de las películas y os vamos a desgranar un poquito los extras sin desarrollarlos demasiado. No por nada, si no que realmente lo que merece la pena es verlos y disfrutarlos en la pantalla de nuestras casas.

Os dejamos una pequeña galería de imágenes a continuación y al final del todo tendréis un pequeño vídeo con el unboxing por si queréis verlo un poquito más detallado. Comenzamos con el análisis de este maravilloso pack.

 

‘Depredador’

Dirigida por John McTiernan, la cinta nos lleva a la selva centroamericana, cuando un grupo de mercenarios contratados por la CIA tienen que rescatar a unos pilotos. Allí les está esperando un ser misterioso e invisible, que va cazándoles uno a uno. La película protagonizada por Arnold Schwarzenegger fue un tremendo éxito en 1987 y sigue siendo un gran clásico de la ciencia ficción y del cine de acción.

Imagen: 1987/Color/107 min./ Ratio: 1.85:1

Idiomas: Inglés – DTS-HD Master Audio 5.1; Castellano – DTS 5.1; Italiano – DTS 5.1; Español Latino – Dolby Digital 5.1; Inglés – DTS Master Audio 4.0

Subtítulos: Castellano, Italiano, Cantonés, Danés, Finés, Mandarín, Noruego, Sueco, Inglés para sordos.

EXTRAS (1 h 30 min aprox)

Evolución de las especies: Cazador perfecto (11:13 min)

  • Nos adentra un poquito en el mundo de ‘Depredador’ y de como influyó en el género.

Película comentada por John McTiernan

Si sangra, podemos matarlo: La creación de Depredador (28:47 min)

Tenemos un montón de entrevistas e imágenes del rodaje. Nos cuentan lo complicado de este rodaje tanto físicamente como psicológicamente. Pero, aun así, lo felices que estaban los actores, ya que este tipo de entrenamiento no se aprende en las escuelas de actuación. Y por supuesto escuchamos un montón de anécdotas.

Dentro del Depredador

  • Acción clasificada (05:21 min)
  • Arnold Invisible (04:42 min)
  • Viejo y sin dolor (03:30 min)
  • La vida interior: un homenaje a Kevin Peter Hall (04:26 min)
  • Camuflaje (04:54 min)
  • Bienvenidos a la jungla (02:40 min)
  • Diseño de personajes (04:41 min)

Efectos especiales

  • Traje rojo, efectos especiales
  • Depredador (rojo) mirando hacia abajo (00:57s)
  • Depredador (rojo) en la jungla (00:54s)
  • Depredador (rojo) caminando (00:17s)
  • Test de Camuflaje
  • Camuflaje efecto polilla (00:35s)
  • Camuflaje efecto capas (01:16 min)

Tomas cortas

  • John McTiernan sobre el aprendizaje de la película (03:05 min)
  • Jesses, objetivo final (02:18 min)
  • Stan Winston: bromista práctico (03:02 min)
  • No bebas el agua (01:58 min)

Escenas eliminadas

  • Huyendo del depredador (01:43 min)
  • Camaleón (00:28 s)
  • Contruyendo una trampa (02:12 min)
  • Deslizándose cuesta abajo (00:56 s)

Tráilers

‘Depredador 2’

Dirigida por Stephen Hopkins, en 1990 se estrenó la segunda parte de ‘Depredador’. Pero dejamos atrás la selva sudamericana, para adentrarnos en la terrible selva de Los Ángeles. Con un escenario tan distinto, este cazador alienígena va a poder tener una gran diversidad de víctimas. Esta vez es Danny Glover quien se pone en la piel protagonista de esta película que sin duda es una de las mejores de la saga.

Imagen: 1990/Color/108 minutos. Ratio: 2.40:1

Idiomas: Inglés – DTS-HD Master Audio 5.1, Castellano – DTS5.1, Italiano DTS – 5.1, Español Latino – Dolby Digital 5.1

Subtítulos: Castellano, Italiano, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Cantonés, Mandarín, Inglés para sordos

EXTRAS (1 hora aprox.)

El cazador y los cazadores (35.41 min)

Nos hablan un poquito de la diferencia de rodar en la selva que en la ciudad. Se escuchan a los diferentes protagonistas, guionistas y directores.

Evolución (06:16 min)

La evolución de los efectos especiales de la primera a la segunda película, al final siempre hay mejoras a partir de los que se aprendió en la primera parte.

  • Algo en el tejado
  • Enemigo en el callejón
  • Duelo en el metro

Armas a elegir (06:49 min)

En estos extras nos van mostrando las distintas armas que vemos en la película y nos las van desgranando.

  • Guanteletes con cuchillas
  • Autodestrucción
  • Cañón de plasma
  • Lanzador de red
  • Arma inteligente
  • Lanza telescópica

Hard core segments (07:05 min)

Reportajes, como si fuesen reales de la televisión de la situación de la ciudad en los momentos de la película

  • Hard core special report: City at war
  • Hard core from penthouse to slaughterhouse: a special report

Galería promocional

  • El predator va a la ciudad (1990)
  • Making of internacional
  • Creando al cazador final

‘Predators’

Un grupo de mercenarios son llevados a otro planeta con el simple fin de servir de prensa para nuestros cazadores extraterrestres favoritos: los Depredadores.

Dirigida por Nimród Antal, la película está protagonizada por Walton Goggins, Adrien Brody, Laurence Fishburne, Alice Braga, Topher Grace, Mahershala Ali, Louis Ozawa Oleg Taktarov, Danny Trejo, entre muchos otros.

Imagen: 2010/Color/107 minutos. Ratio: 1.85:1

Idiomas: Ingles – DTS-HD Master Audio 5.1, 5.1 Dolby Digital-Audiodescripción en Inglés. Castellano DTS 5.1, Español Latino – Dolby Digital 5.1, Italiano – DTS 5.1

Subtítulos: Castellano, Italiano, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Chino, Inglés para sordos.

EXTRAS  (1 h. 30 min. aprox.) 

Audio comentario de Robert Rodríguez y Nimrod Antal

Robert Rodríguez presenta la exclusiva precuela en viñetas, con voces del reparto de Predators. (10:56 min)

  • Momentos de extracción
  • Isabelle
  • Cuchillo
  • Hanzo
  • Mombasa
  • Crucificado

Evolución de las especies: Predator renacido (40.12 min)

Vamos conociendo uno a uno los diferentes seres que vamos encontrando en la cinta. Los nuevos depredadores.

  • Bloodline
  • Decolaking the invisble: Alien Terrain
  • Intelligent Design: The hunting camp
  • Predators as Prey
  • Yautja Transformed
  • Rite of passage

El elegido (04:52 min)

Quien sobrevivirá, nos presentan a los personajes de la película

Fox movie Channel presents Making a Scene (07.06 min)

Deleted and extended scenes (11:21 min)

  • Dead man’s parachute
  • Cuchillo and Isabelle
  • Equipo orienteal
  • Third most wanted
  • Cuchillo unleashes
  • “Why are you here?”
  • “They’re smarter tan that”
  • Stans and Isabelle naked
  • “they’re still coming”

‘Predator’

Cuando un niño, accidentalmente desencadena el regreso a la Tierra de los Depredadores, solo un grupo de ex soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizás el fin de la raza humana. Ahora, los cazadores son más letales y más inteligentes que nunca gracias a su mejora genética con ADN de otras especies.

Protagonizada por Boyd Holbrook, Olivia Munn, Trevante Rhodes, Sterling K. Brown, Jacob Tremblay, Jake Busey, Yvonne Strahovski, Thomas Jane entre otros. Y dirigida por el gran Shane Black.

Imagen: 2018/Color/107 minutos. Ratio 16:9 Widescreen 2.39:1

Idiomas: Inglés – DTS-HD Master Audio 5.1, 5.1 Dolby Digital – Audiodescripción en Inglés, Castellano – DTS 5.1, Español Latino – Dolby Digital 5.1, Italiano – DTS 5.1

Subtítulos: Castellano, Italiano, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos.

EXTRAS (1 hora aprox.)

Escenas eliminadas (6.55 min)

  • Traeger meets McKenna
  • Lynch Ggoes Shopping
  • Surveying the House
  • Nettles’ Outtakes

A touch of black (10:28 min)

Nos habla un poco de como entro Shane Black en el proyecto y tenemos entrevistas con varias personas del equipo, incluido el propio director.

Predator evoluction (20:11 min)

Como crean a la criatura y como la mejoran para darle una pequeña evolución y hacerla un poco más moderna, al final ellos también evolucionan. Es una maravilla ver la máscara funcionar mecánicamente, los efectos prácticos de esta película es inmensa.

The Takedown Team (16:14 min)

Nos habla un poco de los personajes humanos de la película.

Predator Catch-up (09:07 min)

Vamos viendo escenas de todas las películas con el Predator como protagonistas

Galeria de imágenes

Diferentes imágenes de los diseños de la película, naves, también del rodaje y los diseños del alienígena.

Palmarés del BCN Film Fest 2026

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‘La isla de Amrum’, de Fatih Akin, nombrada Mejor Película

El BCN Film Fest 2026 ha contado con más de 23.000 espectadores que han podido ver 90 películas, entre ellas, 19 premieres mundiales, 1 internacional, 21 españolas y 19 catalanas. Además se han celebrado 44 presentaciones y coloquios con presencia de talents, entre otros, Willem Dafoe, Fatih Akin, Arantxa Echevarría, Albert Serra, Damiano Michieletto, Jean-Paul Salomé, Haifaa Al-Mansour, Emma Vilarasau, José Luis Garci, Lolita, Carlos Cuevas, Hombres G, María Valverde, Janicke Askevold o Remi Bezançon.

“Estamos muy satisfechos de ver cómo ha fluido esta primavera cultural a pie del Verdi. Es espectacular comprobar la respuesta entusiasta del público frente al gran esfuerzo de programación de un festival inspirador, plenamente arraigado a la ciudad y a su calendario. Hemos celebrado el cine, tal y como nos habíamos propuesto, en este encadenado de aniversarios que se nos presentaban, combinando talentos y miradas. Cerramos una edición que ha sido de reconocimiento y que refuerza nuestro vínculo con el público y con Barcelona”, ha valorado Conxita Casanovas, directora del BCN FILM FEST.

Palmarés BCN Film Fest 2026

El jurado oficial de esta edición ha estado formado por Joaquim Oristrell, Àngels Gonyalons y Miki Esparbé.

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA

  • ‘La isla de Amrum’ de Fatih Akin

PREMIO LA VANGUARDIA A LA MEJOR DIRECCIÓN

  • Damiano Michieletto por ‘Primavera’

PREMIO AL MEJOR GUION

  • Janicke Askevold, Jorgen Faeroy Flasnes, Mads Stegger por ‘Solomamma’

PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ 

  • Lisa Loven Kongsli por ‘Solomamma’

PREMIO AL MEJOR ACTOR

  •  Reda Kateb por ‘La copia perfecta’

*Mención interpretativa para:

  • Jasper Billerbeck (‘La isla de Amrum’) y Katerina Falbrová (‘Las chicas de Praga’)

PREMIO AL MEJOR MONTAJE

  • Walter Fasano por ‘Primavera’

 

PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICA

  • Belén A. Doroste por ‘Por qué no escribo nada’

 

PREMIO DE LA CRÍTICA (ACCEC)

  • ‘Solomamma’ de Janicke Askevold

 

PREMIO NOUS TALENTS AL MEJOR CORTOMETRAJE

  • ‘Hi ha un forat a terra’ de Harper FX Barcelona Film School

*Menció Especial:

  • ‘Dissecció d’una incoherència en crisi’ de Nausicaa Serra ESCAC

Edición 2027

Ya se ha anunciado que la undécima edición del BCN FILM FEST tendrá lugar del 15 al 22 de abril de 2027. Probablemente se mantengan las sede de esta edición que han sido Cines Verdi, CaixaForum, Casa Seat, Filmoteca de Catalunya, Institut Français, Ateneu Barcelonès, Biblioteca Jaume Fuster y Teatre Principal de Vilanova i la Geltrú.

Crítica: ‘Depredador dominante’

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En qué plataforma ver Depredador dominante

Adrenalina sin poso y acción de catálogo

Hay películas que nacen ya encapsuladas en un molde reconocible, y ‘Depredador dominante’ no disimula su filiación. Su punto de partida remite de forma casi programática a la lógica de “máximo peligro en entorno hostil” que popularizó ‘Máximo riesgo’ (con Sylvester Stallone suspendido entre abismos) y que el propio Baltasar Kormákur, director de este nuevo estreno de Netflix, ya había transitado en ‘Everest’ (con un reparto coral enfrentado a la montaña como fuerza indiferente). Aquí, el dispositivo es más directo: persecución constante, amenaza que se desplaza (y nos desplaza) y una geografía convertida en antagonista.

El problema es que ese armazón, eficaz sobre el papel, se queda en lo meramente funcional. ‘Depredador dominante’ opera como producto de acción sin ambición de ir más allá de su premisa: encadenar set pieces, dosificar el peligro y sostener la tensión durante noventa y pocos minutos. No hay voluntad de expandir el subtexto ni de trabajar en exceso el fuera de campo emocional (más allá de un par de pinceladas biográficas que buscan humanizar a los protagonistas o hablar sobre el instinto de supervivencia). Todo responde a una economía de estímulos muy medida, casi industrial que esboza por encima el concepto de apex predator (depredador ápice), es decir, el organismo que se sitúa en lo más alto de la cadena trófica y no tiene depredadores naturales.

Persecución, deporte extremo y star power

La película se inclina más por la persecución que por la acción en sentido clásico. En esa línea, dialoga con títulos como ‘Blanco humano’ (1993) o ‘La caza’ (2020), donde el motor dramático es el desplazamiento continuo y la sensación de ser presa. Aquí, los deportes de riesgo (escalada, piragüismo, saltos controlados) funcionan como vehículo narrativo y como excusa para coreografiar el peligro.

Charlize Theron sostiene la película con su presencia física y su estatus de heroína de acción. Su personaje se mueve con solvencia entre paredes de roca y crestas afiladas (la producción presume de un periodo de entrenamiento junto a la escaladora Beth Rodden, detalle que se percibe en la verosimilitud de ciertos movimientos, aunque buena parte de las secuencias se apoyen en dobles y refuerzos de CGI). Theron cumple (como suele), pero lo hace en piloto automático, sin encontrar capas adicionales en un guion que no se las ofrece.

A su lado, Taron Egerton aporta energía y un contrapunto más impulsivo, aunque su arco queda esbozado con trazo grueso. La química entre ambos funciona lo justo para sostener los diálogos de transición, pero nunca alcanza la fricción dramática que permitiría elevar el conjunto. Se percibe, en definitiva, ese aroma a “película de currículum”: un título que suma en la filmografía sin comprometer demasiado ni exigir riesgos interpretativos.

Un territorio desaprovechado (y peligrosamente domesticado)

Uno de los elementos más sugerentes es el viaje a Australia, un territorio que el imaginario popular define como letal por naturaleza (ese lugar donde “todo puede matarte”). Sin embargo, la película apenas explota esa condición. La geografía está filmada con pulcritud (Kormákur conoce bien cómo capturar la escala y la textura del entorno), pero rara vez se convierte en un agente dramático con identidad propia. Falta una mirada que haga del paisaje algo más que un decorado espectacular.

En términos de producción, hay curiosidades que encajan con esa voluntad de verosimilitud controlada: varias secuencias se rodaron en localizaciones reales combinadas con extensiones digitales para garantizar seguridad (y continuidad visual), y el equipo de especialistas diseñó maniobras que replican técnicas de escalada deportiva para reforzar la credibilidad. Son decisiones que suman en el acabado técnico, aunque no compensan la ausencia de riesgo creativo en el relato.

Kormákur, que en ‘Everest’ encontraba un equilibrio entre espectáculo y tragedia humana, aquí opta por la inmediatez. La puesta en escena privilegia la claridad espacial (se entiende dónde están los personajes y qué está en juego en cada momento), pero rehúye cualquier deriva más incómoda o ambigua. Todo está calculado para que el espectador no se pierda, pero tampoco para que descubra algo nuevo.

Ficha de ‘Depredador dominante’

Estreno en España: 24 de abril de 2026. Título original: Apex. Duración: 93 min. País: Australia, EE.UU., Islandia, Canadá. Dirección: Baltasar Kormákur. Guion: Jeremy Robbins. Música: Högni Egilsson. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Charlize Therion, Taron Egerton, Eric Bana. Producción: Chernin Entertainment, Ian Bryce Productions, Netflix, RVK Productions, Secret Menu. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial.

‘Coyote vs. Acme’ ya tiene tráiler y fecha en España

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El regreso de los Looney Tunes apuesta por la comedia judicial más absurda y meta

Tras meses de incertidumbre en torno a su futuro, ‘Coyote vs. Acme’ ya tiene tráiler oficial y fecha de estreno en España: el 18 de septiembre. Distribuida por Beta Fiction Spain, la película se presenta como una de las propuestas más atípicas del año, mezclando acción real y animación con un enfoque abiertamente satírico y que rememora a ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’.

Humor físico, tono meta y espíritu Looney Tunes

El avance deja claro que estamos ante una comedia que no renuncia a sus raíces cartoon, pero que introduce una capa de ironía contemporánea. La premisa es tan simple como brillante: el Coyote, harto de los fallos constantes de los productos ACME en su persecución del Correcaminos, decide demandar a la corporación.

Este punto de partida permite al tráiler jugar con el humor físico clásico (explosiones, caídas imposibles, artefactos defectuosos) mientras introduce un tono meta que apunta directamente a la cultura corporativa y a la lógica absurda del propio universo Looney Tunes.

La implicación de James Gunn

Uno de los nombres clave detrás del proyecto es James Gunn, responsable de la historia original. Su participación no es menor: su trayectoria en mezclar humor irreverente con narrativa de género (especialmente en el ámbito superheroico) encaja perfectamente con el enfoque de la película.

El guion corre a cargo de Samy Burch, junto a Jeremy Slater, mientras que la dirección está en manos de Dave Green, conocido por su trabajo en proyectos que combinan espectáculo y tono ligero.

Reparto y personajes

El elenco en imagen real está encabezado por Will Forte, que interpreta al abogado encargado de llevar el caso contra ACME. Le acompañan Lana Condor, P. J. Byrne y John Cena, en un reparto que combina comedia y carisma.

Por supuesto, el gran atractivo sigue siendo el propio Wile E. Coyote, acompañado por la presencia inevitable del Correcaminos, aunque el foco narrativo parece desplazarse hacia el conflicto legal más que hacia la persecución clásica.

De proyecto cancelado a estreno en cines

‘Coyote vs. Acme’ no es una película cualquiera dentro de la industria reciente. Durante su desarrollo, el proyecto estuvo en riesgo de no ver la luz debido a decisiones corporativas que apuntaban a su cancelación. Sin embargo, el interés generado y el respaldo de parte del sector acabaron impulsando su recuperación.

Este contexto añade una capa adicional de lectura al propio argumento: una historia sobre enfrentarse a una gran corporación que, en cierto modo, refleja lo que ocurrió detrás de cámaras. Todo ello muestra como síntoma que un título a priori tan entrañable de Warner Bros. no vaya a llegar a través de una distribuidora menor.

‘Clayface’ muestra su primer tráiler

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Un avance breve y perturbador que deja clara la dirección artística del proyecto

El primer tráiler de ‘Clayface’ ya está aquí, y aunque su duración es escueta, funciona como toda una declaración de intenciones. Mike Flanagan se aleja de los códigos tradicionales del cine de superhéroes para adentrarse en un terreno mucho más incómodo y físico: el body horror. Se suma así a otras películas tipo one shot de DC y Warner en las que se exploran y explotan facetas de los villanos más icómicos.

El barro como elemento narrativo

Lo más llamativo del tráiler es su apuesta visual. El efecto del barro (elemento central del personaje) se presenta con una textura que recuerda deliberadamente a la plastilina, generando una sensación táctil y perturbadora. No hay aquí una búsqueda de realismo digital pulido, sino una estética más cruda, casi artesanal, que conecta con el cine de horror corporal más clásico.

Esta decisión no parece casual. El montaje del avance, compuesto casi exclusivamente por flashazos y fragmentos inconexos, evita cualquier exposición narrativa clara. En su lugar, prioriza la atmósfera y la incomodidad, dejando al espectador con imágenes que sugieren transformación, pérdida de identidad y deformación física.

Lejos de ser un simple teaser, el tráiler funciona como un manifiesto creativo. Flanagan parece decidido a reinterpretar a Clayface desde una óptica más cercana al terror psicológico y corporal que al espectáculo superheroico convencional.

Un protagonista que refuerza el tono

El peso del personaje recae en Tom Rhys Harries (‘White lines’) quien deberá mostrar a ese personaje habitualmente mostrado como una mole imparable y que probablemente ofrecerá aquí una versión más contenida que encaja con la idea de alguien en constante descomposición física y mental.

Aunque el tráiler apenas permite ver desarrollo interpretativo, sí deja entrever que la transformación no será solo física, sino profundamente psicológica.

¿Por qué Clayface y por qué ahora?

La elección de este personaje dentro del catálogo de DC Comics no es arbitraria. A diferencia de otros villanos más orientados a la acción, Clayface ofrece un terreno fértil para explorar temas recurrentes en la obra de Flanagan: identidad, trauma y la fragilidad del cuerpo humano.

Tras consolidarse con títulos como ‘The Haunting of Hill House’ o ‘Doctor Sleep’, el director ha demostrado una clara preferencia por historias donde el horror emerge desde lo interno, desde lo emocional y lo físico.

En un momento en el que el cine de cómics busca reinventarse, ‘Clayface’ se posiciona como una propuesta singular. El tráiler sugiere una ruptura con los códigos habituales del género, apostando por una experiencia más sensorial y menos convencional.

Un adelanto que sabe a poco… pero inquieta

El principal problema del tráiler es, precisamente, su brevedad. La acumulación de imágenes fragmentadas deja muchas incógnitas abiertas y apenas ofrece información sobre la trama. Sin embargo, esa misma opacidad juega a su favor: el desconcierto probablemente formará parte de la experiencia.

Confiando en que Mike Flanagan no suele dar puntada sin hilo hay que creer que esta podría convertirse en una de las propuestas más atípicas pero eficientes dentro del género en los próximos años. Recordemos igualmente que el proyecto se estrena el 23 de octubre y viene avalado, escrito por Flanagan, está dirigido por James Watkins, autor de la estupenda ‘Eden Lake’.

Crítica: ‘Michael’

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En qué plataforma ver Michael

Casi una hagiografía, sin zonas incómodas y justo con la parte artística

Hay una decisión estructural que define por completo ‘Michael’: su límite temporal. El relato se detiene prácticamente a mediados de los ochenta y apenas roza los noventa. Es una elección que condiciona tanto el tono como el contenido, porque deja fuera (de forma deliberada) las polémicas más espinosas asociadas a Michael Jackson. Conviene advertirlo de entrada: quien acuda buscando el morbo de las acusaciones de abuso infantil no lo encontrará aquí. Ese material estuvo en versiones tempranas del guion, pero se eliminó tras una reconfiguración sustancial del proyecto (con un sobrecoste de 15 millones) y bajo las presiones de la familia de Jordan Chandler (primer niño en acusarle y en obtener un dinero sin ni siquiera presentar cargos).

El resultado es un biopic curado y encapsulado, que prioriza la construcción del mito temprano. La producción, además, no es ajena al círculo íntimo del artista: familiares como hermanos o el hijo de Michael Jackson se encuentran en la producción y su sobrino (Jaafar Jackson) es quien le interpreta. Este dato no es menor: predispone a una mirada edulcorada, que aquí se confirma en numerosos pasajes. El guion insiste en un Michael casi angelical, con un punto de ingenuidad que, en algunos momentos, roza lo caricaturesco: infantil, inocente y a ratos sorprendentemente temeroso. Algo en la línea de lo que vimos con ‘Bob Marley one love’.

La película sí introduce las tensiones domésticas. El padre, interpretado por Colman Domingo, aparece como un patriarca severo, convencido de la eficacia de sus métodos y poco dado a la empatía. ‘Michael’ no esquiva los episodios de maltrato y control férreo, y en ese pulso íntimo encuentra su mejor material dramático y el propio eje del largometraje. La trayectoria del joven artista se dibuja entonces como una fuga progresiva del yugo familiar, una batalla por la autonomía creativa que conecta con biopics de corte más sobrio como ‘El método Williams’, antes que con las fantasías musicales estilizadas de ‘Bohemian Rhapsody’ o ‘Rocketman’. Esta contienda paternofilial se siente como tema recurrente si buscamos casos contemporáneos con artistas como Britney Spears o mirando un poco más atrás con lo que pasó con Amy Winehouse.

Entre la fábrica familiar y el nacimiento del icono

El arco narrativo recorre desde la infancia en un entorno obrero hasta la última gran gira con sus hermanos, con especial atención al tránsito de producto familiar a artista total. ‘Michael’ insiste en la idea de “juguete roto”, un eco que el propio filme subraya al asociarlo, en términos de percepción pública, a figuras como su amigo y defensor Macaulay Culkin y la combina con un relato de superación y emancipación.

Hay destellos bien elegidos que ayudan a humanizar al icono: su fascinación por Disney, la identificación con Peter Pan, las sesiones de cine con su madre, o su conocida faceta filantrópica. También se abordan los cambios de imagen, tanto como construcción consciente de marca como consecuencia de episodios como el accidente durante el rodaje con Pepsi. Este último lance es utilizado por el director Antoine Fuqua con más o menos veracidad como bisagra dramática.

Donde el filme sí brilla notablemente es en la recreación de algunos instantes icónicos. Por ejemplo, el momento ‘Thriller’. La secuencia vinculada al trabajo con John Landis está rodada con un respeto casi fetichista por el original, hasta el punto de recurrir a su localización original y coreografías con una precisión que, más que imitación, busca revivir un hito cultural. Es ahí donde ‘Michael’ se permite respirar y recordar por qué estamos ante un artista que no solo dominó la música, sino que redefinió el videoclip como forma narrativa.

Entre el mito y el mensaje

Aunque Antoine Fuqua ha explorado en su filmografía temas de empoderamiento afroamericano en una industria históricamente desigual, aquí opta por un enfoque menos frontal. Aun así, el subtexto es evidente: contar la historia de Michael Jackson es, indirectamente, narrar cómo un artista negro rompió techos de cristal y abrió camino a generaciones posteriores (como la de Bruno Mars, al que Fuqua ya dirigió un videoclip). La película no verbaliza en exceso esta lectura, pero la deja flotando, especialmente en la representación de los obstáculos iniciales y la conquista de espacios de visibilidad en la industria.

En términos interpretativos, Jaafar Jackson cumple con solvencia. El maquillaje y el vestuario hacen a veces un trabajo mimético, pero es en el movimiento donde se legitima: los números de baile transmiten una disciplina y una memoria corporal que conectan con el original. No siempre hay gran parecido ni volvemos a él como estamos resucitando a James Gandolfini viendo a su hijo en ‘Daredevil born again’, pero si se rememora con honestidad el espíritu de alguien a quien se busca recordar con mucho cariño en esta película.

El gran límite de ‘Michael’ es, precisamente, su voluntad de control. Al evitar los claroscuros más incómodos, el filme se queda a medio camino entre el retrato y la hagiografía. Funciona como crónica de la forja y como celebración de un talento irrepetible, pero no como radiografía completamente real. Ahora bien, el propio cierre sugiere una estrategia mayor: la sensación de que estamos ante la primera mitad de un díptico. Si la taquilla acompaña, es razonable pensar en una continuación que aborde los años más complejos y con ellos, algo más de objetividad examinando al mito. Pero quién sabe, quizás se conformen únicamente con retratar la red de relaciones con otros gigantes de la época, como por ejemplo la amistad y posterior distanciamiento, con Paul McCartney y Freddie Mercury o sus muchos trabajos colaborativos con otras estrellas que si llegaron a marcar nuestra cultura popular.

Ficha de ‘Michael’

Estreno en España: 22 de abril de 2026. Título original: Michael. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Antoine Fuqua. Guion: John Logan. Música: Lior Rosner. Fotografía: Dion Beebe. Reparto principal: Jaafa Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller, Colman Domingo. Producción: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Web oficial.

Crítica: ‘La ahorcada’

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En qué plataforma ver La ahorcada

La obsesión no es buena amiga de la vida

El terror vuelve a nuestras salas de la mano de ‘La ahorcada’. Una historia con un fantasma de estos violentos que mejor sacarla de casa cuanto antes.

El amor fou y sus terribles consecuencias

Rosa Martín, una cantautora, se suicida en el jardín de su representante y amante Fran. La historia sería sencilla, si no fuese, porque Rosa no se marcha, se queda en aquella casa como fantasma acosador. No solo le hace la vida imposible a Fran, si no que también intentará captar la atención de sus hijas.

Una película que de verdad me ha parecido entretenida, no me he aburrido ni un momento, pero creo que en este caso hubiese sido una buena opción hacerla en miniserie. Va demasiado rápido para contar todo lo que quiere y supongo que es por falta de tiempo. Una pena, porque creo que la historia tenía bastante potencial.

Nos habla de lo malo del amor obsesivo, de como nos hacemos unas ideas en la cabeza que no son y al final se nos puede ir todo de las manos.

La novela y sus protagonistas llevados a la gran pantalla

Mayte Navales, escritora de la novela, es la encargada de escribir el guion de esta película. Creo que hace buen trabajo, como digo, para el poco tiempo del que dispone. Se nota mucho, que el tramo final, un giro bastante interesante, necesitaba más para poder haberse desarrollado de mejor manera. Por eso, mi apunte anterior, a que pienso que si hubiese sido una miniserie, la historia hubiese estado mucho mejor contada.

Miguel Ángel Lamata es el encargado de dirigir esta cinta. Ha dado un salto bastante valiente al dirigir esta cinta en la que vemos terror, thriller y amor obsesivo. Ya que estamos acostumbrados a verle en comedias.

En el reparto encontramos a Amaia Salamanca, como este fantasma ocupa que les va hacer la vida imposible a esta familia. Eduardo Noriega, Cosette Silguero y Anastasia Fauteck son los encargados de dar vida a esta familia al completo.

Localizaciones y final

La casa y su jardín son los otros protagonistas de la película. Una casa rústica, moderna y con bastante oscuridad en su interior. El ambiente de la película está bastante cuidado, con una fotografía bastante tenebrosa en general.

‘La ahorcada’ es un entretenimiento curioso con un giro a mitad de película bastante curioso. Ya que en mi caso, pensé que iba a ir por unos derroteros bastante diferentes y me ha logrado sorprender, sin ser una película perfecta.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2026. Título original: La ahorcada. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Lamata. Guion: Mayte Navales. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Teo Delgado. Reparto principal: Amaia Salamanca, Eduardo Noriega, Cosette Silguero, Norma Ruiz, Anastasia Fauteck. Producción: Bemybaby Films, Imposible Films, El Árbol y el Ruiseñor, RTVE. Distribución: Filmax. Género: Terror. Web oficial.

Crítica: ‘Turno de noche’

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En qué plataforma ver Turno de noche

ADN de serie B y espíritu tan naif como gamberro

Más adelante tocaremos la fuente de esta película rebautizada como ‘Turno de noche’. Pero desde sus primeros compases, ‘Cold Storage’ establece una conexión inevitable con ‘Horrorstör’ de Grady Hendrix. La idea de un espacio cotidiano (un entorno comercial o logístico aparentemente banal en el que el protagonista trabaja resignado) convertido en foco de lo sobrenatural remite directamente a esa novela que jugaba con el terror dentro de una gran superficie. Sin embargo, donde Hendrix articulaba una sátira feroz del consumismo y del corporativismo, la película de Jonny Campbell opta por un camino muy distinto. Aquí no hay intención crítica ni subtexto ideológico: el film prescinde por completo de cualquier lectura política o social para abrazar un tono más ligero, cercano a la comedia de terror desenfadada.

Esta diferencia no es menor. Si ‘Horrorstör’ construía su identidad en torno a la incomodidad y la crítica a entidades como Ikea. ‘Turno de noche’ se posiciona como un producto de entretenimiento puro, más interesado en el ritmo, el humor y la interacción entre personajes que en lanzar mensajes. El detonante fantástico (que a muchos recordará a ‘The last of us’) también marca distancia: la amenaza aquí no nace de lo paranormal y lo simbólico, sino de un elemento más físico y pulp, alineado con el gusto de su autor original, David Koepp. No conviene olvidar que Koepp, además de novelista de la obra que inspira este filme, es el guionista detrás de títulos como ‘Jurassic Park’, ‘Misión: imposible’, ‘Spider-Man’ o ‘Ángeles y demonios’. Esa experiencia se deja notar en la construcción de set pieces y en una narrativa que prioriza la eficacia sobre la profundidad, acercándose a

Liam Neeson y el arte de reírse de uno mismo

Uno de los elementos más llamativos del reparto es la presencia de Liam Neeson en un papel que, aunque secundario, resulta especialmente significativo. El actor, que en los últimos años ha quedado encasillado en thrillers de acción de corte similar, parece aquí consciente de su propia imagen pública y decide jugar con ella. Su personaje funciona casi como una parodia del arquetipo de tipo duro que él mismo ha contribuido a consolidar.

Neeson aporta un componente meta que eleva sus escenas por encima del conjunto. Su interpretación introduce una capa de ironía muy bienvenida cuando se deciden realmente a explotarla. No es el héroe infalible de antaño, sino una figura desgastada, consciente de sus limitaciones físicas y del paso del tiempo. Ese matiz, tratado con humor y cierta melancolía, conecta con la idea de un actor que se enfrenta a su propia evolución dentro de la industria. En este sentido, ‘Turno de noche’ encuentra en él un valor añadido que compensa su limitada presencia en pantalla.

Joe Keery y Georgina Campbell: química sin romance y humor sin freno

El verdadero motor de la película reside en la dupla formada por Joe Keery y Georgina Campbell. La dinámica entre ambos recuerda inevitablemente a la que Keery desarrollaba en ‘Stranger Things’, especialmente en su interacción con un contrapunto más racional. Aquí vuelve a encarnar a ese personaje bocazas, que lo quiere molar y algo inconsciente, que se lanza a la aventura sin medir las consecuencias. Frente a él, Campbell aporta el equilibrio intelectual y emocional necesario para sostener la narrativa.

Lo interesante es que, pese a moverse dentro de un esquema bastante reconocible, la película logra evitar uno de los clichés más agotados del género: el romance forzado. En lugar de empujar a los personajes hacia una relación sentimental predecible, ‘Turno de noche’ apuesta por mantener su vínculo en el terreno de la camaradería y la supervivencia compartida. Esta decisión no solo refresca la propuesta, sino que permite que el humor fluya de manera más orgánica.

La interacción entre Keery y Campbell se convierte así en el principal atractivo del film. Sus diálogos, marcados por el contraste de personalidades, generan situaciones cómicas que alivian la tensión sin romper el ritmo. Aunque el guion no profundiza especialmente en sus arcos individuales, sí consigue que resulten lo suficientemente carismáticos como para sostener el interés del espectador.

Teniendo en cuenta que el director Jonny Campbell suele moverse por terrenos ácidos o agridulces como los de ‘Shameless’, ‘Westworld’ e incluso el ‘Drácula’ protagonizado por Claes Bang, cabía esperar algo más de mordacidad en el guión. Pero si uno capta el guiño a ‘The Body Snatchers’, la novela precursora de ‘Los ladrones de cuerpos’, y reconoce el viraje a lo salvaje y sanguinolento, puede disfrutar desde lo naif esta propuesta.

Ficha de ‘Turno de noche’

Estreno en España: 22 de abril de 2026. Título original: Cold Storage. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Jonny Campbell. Guion: David Koepp. Música: Mathieu Lamboley Fotografía: Tony Slater Ling. Reparto principal: Joe Keery, Georgina Campbell, Liam Nesson. Producción: StudioCanal, Ciné+OCS, Bibi Film tv, HunkyDory Films, Moroco Shooting and Support. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial.

La experiencia inmersiva de Michael Jackson aterriza en Madrid antes del estreno de ‘Michael’

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Un viaje gratuito al universo del Rey del Pop en plena Gran Vía

Madrid se convierte estos días en una parada obligatoria para los fans de la música y el cine con la llegada de una experiencia inmersiva dedicada a Michael Jackson. Hemos podido conocer de primera mano esta propuesta instalada en el Espacio Movistar, un evento que sirve como antesala al estreno en cines de la película ‘Michael’, la cual llega a cines este 22 de abril.

Una experiencia sensorial para revivir el mito

La instalación, abierta al público del 17 al 26 de abril, ofrece un recorrido que abarca desde los inicios del artista con los Jackson 5 hasta su consolidación como icono global. A través de diferentes espacios interactivos, los visitantes pueden sumergirse en el proceso creativo y la evolución artística de Jackson.

Durante nuestra visita, destacaba especialmente el cuidado en la ambientación, con elementos visuales y sonoros que recrean algunas de sus actuaciones más emblemáticas. La experiencia busca no solo apelar a la nostalgia, sino también contextualizar su impacto cultural y su influencia en la industria del entretenimiento.

Acceso libre y enfoque para todos los públicos

El acceso es completamente gratuito, aunque está sujeto a aforo. La organización ha apostado por una propuesta accesible, pensada tanto para seguidores de toda la vida como para nuevas generaciones que quieran descubrir la figura del artista antes del estreno cinematográfico.

El horario amplio —de lunes a sábado de 10:00 a 21:00 y domingos de 12:00 a 20:00— facilita la afluencia continua de visitantes en una de las zonas más transitadas de la capital.

La película sobre Michael Jackson: el gran evento cinematográfico

La experiencia funciona como antesala directa del estreno de ‘Michael’, previsto para el 22 de abril. La película aborda la trayectoria del artista desde sus primeros pasos hasta su consagración mundial, combinando su faceta pública con aspectos más íntimos de su vida.

El filme está protagonizado por Jaafar Jackson, acompañado por nombres como Nia Long, Miles Teller y Colman Domingo. La dirección corre a cargo de Antoine Fuqua, responsable de títulos como ‘Training Day’ o ‘Equalizer’.

Un retrato más allá de la música

Más allá de los grandes éxitos musicales, la película promete profundizar en la personalidad de Jackson, explorando su ambición creativa, su impacto mediático y las contradicciones que marcaron su vida. Todo ello con una puesta en escena que aspira a capturar la magnitud de su figura.

Con esta propuesta, el legado de Michael Jackson vuelve a cobrar vida, no solo como recuerdo, sino como una vivencia directa que anticipa uno de los biopics musicales más esperados del año.

 

Los lanzamientos en formato físico de Arvi para mayo

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Cine, anime y series se suman a una potente oleada de estrenos en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD

El mes de mayo se presenta especialmente atractivo para los aficionados al cine en formato físico, con una batería de lanzamientos que combinan grandes estrenos recientes, clásicos imprescindibles y ediciones coleccionistas en alta definición. Estas novedades estarán disponibles en preventa a comienzos de la próxima semana, consolidando una oferta pensada tanto para nuevos espectadores como para coleccionistas exigentes.

En esta entrada incluiremos además una galería completa con todas las imágenes de los lanzamientos, permitiendo revisar en detalle cada edición y sus características.

Estrenos destacados: del drama a la animación

Entre los títulos más relevantes se encuentra ‘Hamnet’, una adaptación literaria que ha destacado por su sensibilidad narrativa y su cuidada puesta en escena. Protagonizada por Jessie Buckley, la película ofrece una interpretación intensa en una historia centrada en la pérdida y la memoria.

En un registro completamente distinto, Como cabras apuesta por el público familiar con una propuesta de animación ligera y optimista. Por su parte, el anime ‘Scarlet’, dirigido por Mamoru Hosoda, promete ser uno de los grandes reclamos visuales del mes gracias a su estilo reconocible y su combinación de fantasía y emoción.

Cine de autor, clásicos y grandes historias

El catálogo también incluye propuestas como ‘Blue Moon’, un drama íntimo centrado en una noche crucial en la vida del compositor Lorenz Hart. A ello se suma la llegada por primera vez en formato físico de El hombre menguante, ampliando la oferta para los amantes del cine clásico.

En animación, destaca el regreso de ‘El castillo en el cielo’, una de las obras más queridas de Studio Ghibli, que vuelve a estar disponible en nuevas ediciones para seguir ampliando la filmoteca personal.

Series y universos expandido

El terror también tiene su espacio con ‘It: Bienvenidos a Derry,’ la esperada serie ambientada en el universo de Stephen King. Esta producción profundiza en los orígenes del inquietante pueblo de Derry, ampliando el lore de una de las historias más populares del género.

Ediciones 4K Ultra HD y steelbook para coleccionistas

El apartado técnico cobra especial protagonismo con varias ediciones en 4K Ultra HD que llegan por primera vez al mercado. Entre ellas destacan ‘Speed Racer’, ‘El código Da Vinci’ y ‘La boda de mi mejor amiga’, muchas de ellas en formato steelbook limitado.

A estas se suman nuevas ediciones especiales de títulos como ‘Ha nacido una estrella’, ‘Al filo del mañana’ y ‘Atrapado por su pasado’, reforzando el atractivo para quienes buscan versiones definitivas de sus películas favoritas.

Reediciones para completar la colección

Más allá de los estrenos, mayo también apuesta por reediciones que permiten recuperar títulos clave en nuevas versiones. Esta estrategia no solo revitaliza el catálogo, sino que ofrece a los usuarios la oportunidad de actualizar su colección con mejoras técnicas y nuevos formatos.

Con una oferta variada que abarca géneros, estilos y épocas, los lanzamientos de mayo confirman el buen momento del formato físico como alternativa sólida para disfrutar del cine en casa con la máxima calidad.

Abierta la convocatoria de Another Way Film Festival 2026

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El certamen abre inscripciones hasta el 28 de junio en busca de documentales y cortos sobre sostenibilidad y cambio social

El Another Way Film Festival ha abierto oficialmente la convocatoria para su duodécima edición, invitando a cineastas nacionales e internacionales a formar parte de su programación. El festival, convertido en una referencia dentro del cine documental medioambiental en España, celebrará su próxima edición en octubre en formato híbrido, combinando sesiones presenciales y online.

Desde el 9 de abril y hasta el 28 de junio, los creadores podrán inscribir sus obras a través de la plataforma FilmFreeway o en la web oficial del certamen. La organización busca propuestas con una mirada valiente, emocional y visualmente potente, centradas en los grandes retos del desarrollo sostenible.

Temáticas clave: medioambiente, sociedad y economía

El festival mantiene su apuesta por contenidos que aborden tres ejes fundamentales: el impacto ambiental, el bienestar social y la responsabilidad económica. Bajo este enfoque, se buscan historias que analicen desde la protección del planeta hasta cuestiones como la igualdad, la justicia social o los modelos de desarrollo.

En el caso de los largometrajes, el género requerido será el documental, mientras que los cortometrajes podrán abarcar ficción, animación o documental, siempre que mantengan coherencia con la temática del festival.

Secciones y premios para largometrajes

Los documentales seleccionados formarán parte de dos secciones principales: Oficial e Impacto. La Sección Oficial estará reservada a producciones recientes e inéditas en España, mientras que la Sección Impacto dará cabida a obras que, pese a su relevancia, han tenido una menor visibilidad en el circuito nacional.

Entre los galardones destaca el Premio del Jurado a Mejor Película, dotado con 1.500 euros, así como el Premio WWF Inspirando el planeta, que alcanza los 1.000 euros. Además, el público tendrá un papel activo con premios en ambas secciones, reforzando la conexión entre las obras y la audiencia.

Cortometrajes: espacio para el talento emergente

El certamen también abre sus puertas a cortometrajes de entre 1 y 15 minutos, tanto nacionales como internacionales. Con una inscripción accesible, esta sección busca fomentar la participación de nuevos talentos y propuestas innovadoras.

Los cortos seleccionados competirán por premios como el del Jurado, dotado con 300 euros, y el Premio Plasencia Encorto, que ofrece la posibilidad de acceder a un circuito que puede desembocar en la preselección de los Premios Goya. En el ámbito internacional, el público decidirá el ganador a través de visualizaciones en el canal online del festival.

Un escaparate para el cine con impacto

Another Way Film Festival continúa consolidándose como un espacio clave para el cine que busca generar conciencia social. Su apuesta por una programación comprometida con la sostenibilidad lo sitúa como una plataforma relevante tanto para cineastas como para espectadores interesados en el impacto del audiovisual.

La convocatoria ya está en marcha y representa una oportunidad estratégica para creadores que deseen posicionar sus obras dentro de un circuito especializado en cine ambiental y social.

‘La habitación de Mariana’, clip exclusivo

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Un vistazo exclusivo a una nueva historia marcada por el Holocausto

En Moviementarios presentamos en exclusiva un clip de más de tres minutos de ‘La habitación de Mariana’ gracias a Hayeda Cultura y a la distribuidora Surtsey Films. Esta es una película que traslada a la gran pantalla la obra del novelista Aharon Appelfeld, basada en su best seller ‘Flores de sombra’. Este relato, profundamente conmovedor, bebe directamente de las vivencias del autor como superviviente del Holocausto en el territorio de la actual Ucrania.

El film está dirigido por Emmanuel Finkiel, un cineasta de prestigio internacional y discípulo de figuras clave como Jean-Luc Godard, Krzysztof Kieslowski y Bertrand Tavernier. Finkiel aporta a la historia una mirada autoral que intensifica su carga emocional y simbólica, consolidando lo que ya es considerada por la crítica como una de sus obras más destacadas.

Mélanie Thierry y una interpretación de alto nivel

La protagonista es la reconocida actriz francesa Mélanie Thierry (‘Un día perfecto’, ‘Babylon A.D.’, ‘Teorema Zero’), quien vuelve a colaborar con Finkiel por tercera vez tras los éxitos de ‘Un hombre decente’ y ‘Marguerite Duras. París 1944’. En esta ocasión, da vida a Mariana, una prostituta que sobrevive en un burdel de la ciudad de Chernivtsí durante la ocupación nazi.

Su trabajo ha sido ampliamente aclamado, hasta el punto de recibir una nueva nominación a los Premios César. Thierry ha descrito este papel como uno de los mayores retos de su carrera, para el que se preparó durante más de dos años, incluyendo el aprendizaje del idioma ucraniano, en el que se ha rodado íntegramente la película. El resultado es una interpretación que la crítica ha calificado como “descarnada, impresionante y profundamente humana”.

Una historia de supervivencia, vínculo y esperanza

Ambientada en 1942, en plena ocupación nazi, la película sigue la historia de Hugo, un niño de 12 años que es escondido por Mariana para evitar la deportación. Oculto en un armario, su percepción del mundo queda limitada a sonidos, sombras y fragmentos de realidad, mientras fuera continúa el horror de la guerra.

El vínculo entre Hugo y Mariana se convierte en el núcleo emocional de la película: una relación compleja que evoluciona entre la protección, la necesidad y una forma de amor profundamente humana. Según el propio Finkiel, el personaje de Mariana representa “la voluntad de vivir”, un símbolo de resistencia emocional frente a la devastación.

Estreno en España y expectativas

Tras superar los 200.000 espectadores en Francia y recibir críticas que la sitúan como la mejor obra de su director hasta la fecha, ‘La habitación de Mariana’ llegará a los cines españoles el próximo 17 de abril de 2026 de la mano de Surtsey Films.

Este clip exclusivo que compartimos anticipa una película intensa, íntima y profundamente conmovedora, que apunta a convertirse en uno de los títulos europeos más relevantes del año.

Crítica: ‘La Momia de Lee Cronin’

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En qué plataforma ver La Momia de Lee Cronin

Una fiesta no apta para todos los estómagos

Con el sello de Jason Blum y James Wan, llega a nuestras pantallas ‘La Momia de Lee Cronin’. Una salvaje y divertida historia de terror que no pierde la tensión en ningún momento.

¿Qué vamos a ver en esta momia?

Katie, desaparece de su casa sin dejar rastro, unos ocho años más tarde, la familia recibe una gran noticia y es que ha aparecido con vida. Lo que no saben es que su situación es un tanto especial. Mientras se van adecuando a su nueva vida, en su casa comienzan a pasar cosas extrañas y siniestras.

Me ha gustado mucho, tiene bastante gore, creo que me esperaba mucho más, pero aun así, no es apta para todos los estómagos. Tiene muchos momentos de tensión y muy bien llevaba. Y por supuesto momentos divertidos, ese humor tan ácido que tanto necesitas cuando hay tanto nerviosismo en el ambiente.

Por ponerle un poquito de pega, si que puede ser el tema del final, que quizás sea demasiado sencillo para todo lo que llevamos viendo durante la película. Aun así, compro la película y su historia y volvería a repetir en el cine. Además otro de sus puntos fuertes, es la investigación, tenemos un poco de cine detectivesco para averiguar que fue lo que le ocurrió a Katie durante esos ocho años e igual, está muy bien llevado y hace que la película sea un poco diferente.

Director y reparto

Lee Cronin escribe y dirige esta cinta, ya nos sorprendió con ‘Evil Dead Rise’, donde el gore también estaba bastante presente. Y sin duda, aquí, aparte de este detalle tenemos una película muy bien dirigida. Donde los primeros planos de esta niña dan bastante mal rollo.

Ha reunido a un elenco de actores muy curioso, Jack Reynor y Laia Costa, con los encargados de dar vida a estos padres que después de llevarse el gran disgusto de sus vidas, tienen que lidiar con una situación muy complicada al ver regresar a su hija en unas nefastas condiciones. Pero sin duda los que mejor están son los chavales.

Natalie Grace tiene una actuación espectacular, si que es cierto, que el maquillaje hace bastante. Los movimientos que nos muestra la actriz son espectaculares y muy trabajados, esto es gracias a Marina Mazepa, coreógrafa de la película.

Shylo Molina y Billie Roy son los encargados de dar vida a los otros dos hijos de esta familia. Ambos actores están fantásticos, pero destaco la actuación de Billie Roy que me parece muy divertida y macabra, y esta niña lo hace de maravilla.

Otro de los puntos fuertes de la cinta es sin duda el maquillaje. Es brutal todo el tema de esa piel con aspecto quemado y momificado. Esa piel que se desprende tan fácil del cuerpo, dándonos escenas bastante desagradables.

‘La momia de Lee Cronin’ es una fiesta gore que como he comentado, se quede un poco floja al final. Aun así, es una cinta que no aburre y que os va a mantener pegados a la butaca desde el minuto uno. Así que ya sabéis, id al cine y disfrutarla.

Ficha de ‘La Momia de Lee Cronin’

Estreno en España: 17 de abril de 2026. Título original: Lee Cronin’s The Mummy. Duración: 133 min. País: Estados Unidos. Dirección: Lee Cronin. Guion: Lee Cronin. Música: Stephen McKeon. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Gracie, Verónica Falcón, Shylo Molina, Billie Roy. Producción: Atomic Monster, Blumhouse Productions, Doppelgängers, New Line Cinema, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial.

Acudimos a la presentación de ‘Una conversación pendiente’ en Madrid

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El peso de lo nunca dicho como motor dramático

Esta mañana ha tenido lugar la presentación en Madrid del cortometraje ‘Una conversación pendiente’. Se celebró con una notable asistencia de rostros conocidos que desfilaron por el photocall, consolidando el interés que ha despertado el proyecto.

Acudieron al acto la directora Cecilia Gessa y sus dos actores protagonistas: Salva Reina y Carlos Bardem. Pero por el photocall previo a la proyección pasaron artistas como Mónica Bardem, Javier Botet, Víctor Clavijo, Carolina Bona, Nerea Barros, Christian Checa, Denise Peña, Mauricio Morales, David Pareja, David M. Santana, Arlette Torres, Mario Mayo, Sara Escudero Tati Ballesteros, Sara Jiménez o Aldhara que es la cantante del cortometraje. Podéis ver a estos y otros asistentes en la galería que ubicamos al pie de esta noticia.

La proyección: una propuesta muy íntima y desafiante dirigida por Cecilia Gessa

Tras el paso por el photocall, tuvo lugar la proyección de ‘Una conversación pendiente’, el nuevo trabajo de Cecilia Gessa, quien planteó una obra de corte íntimo centrada en el poder de la palabra y los sentimientos reprimidos.

El cortometraje, protagonizado por Carlos Bardem y Salva Reina, presenta interpretaciones sostenidas por el peso emocional que ambos actores han sabido transmitir. No solo ha sido buena decisión contar con estos dos actores, sino que es muy interesante que dos hombres interpreten esta obra en la que los tópicos y la educación de hermetismo volcada en la niñez están en tela de juicio.

Una historia sobre lo no dicho

Rodado en localizaciones de Cuenca, el cortometraje construyó su atmósfera a partir de espacios cerrados. La ciudad de las casas colgantes es el escenario para tocar esos temas que a muchos les quedan pendientes hasta bien entrada su adultez. El relato no puede recibir otro calificativo que el de íntimo y quizá por ello la pantalla recorta el espacio presentándose en 4:3.

La historia aborda temas como la amistad, la verdad en la vida y el deseo contenido, proponiendo una reflexión sobre cómo las palabras que no se pronuncian pueden condicionar profundamente las relaciones personales y el devenir de nuestras relaciones. Y hace todo esto en poco más de 10 minutos, poca broma.

Web oficial del corto.

Crítica: ‘Prime Crime: A True Story’

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En qué plataforma ver Prime Crime: A True Story

Van Sant recupera el eco incómodo de una Norteamérica que nunca se fue

Hablar de Gus Van Sant es hablar de un cineasta que siempre ha transitado entre lo experimental y lo profundamente humano. En ‘Prime Crime: A True Story’, el director vuelve a esa línea difusa entre realidad y recreación que ya exploró en títulos como ‘Elephant’ o ‘Last Days’, pero aquí lo hace con una intención casi arqueológica: reconstruir un fragmento de la historia criminal estadounidense desde la textura visual y emocional de otra época.

Desde varios de sus compases, la película se posiciona como un falso documento que bebe del lenguaje televisivo de los años 70. La fotografía granulada, el uso de zooms abruptos y los encuadres imperfectos no son un capricho estético, sino una declaración de intenciones. Van Sant no quiere que el espectador vea la película; quiere que la experimente como si estuviera viendo una retransmisión olvidada en un archivo.

Este enfoque se refuerza con decisiones técnicas que el uso de lentes vintage y cámaras adaptadas para replicar las limitaciones tecnológicas de la época. Incluso algunas escenas fueron rodadas con iluminación mínima para mantener esa sensación de crudeza casi accidental. El resultado es una obra que parece encontrada más que filmada, todo un acierto en ese sentido. Nunca sabremos cómo habría salido esta película con Werner Herzog dirigiendo y Nicolas Cage protagonizando pues así se proyectó en principio.

Un relato potente que se diluye en su tramo central

Sin embargo, no todo en ‘Prime Crime: A True Story’ funciona con la misma eficacia. Si bien su arranque es magnético y su cierre tiene un peso social notable, el tramo central acusa una cierta fatiga narrativa. La acción, si es que puede definirse así, se vuelve completamente estática, apoyándose casi exclusivamente en diálogos tensos y silencios prolongados.

Aquí es donde la propuesta de Van Sant puede dividir al público. Los tira y afloja psicológicos, que en un principio resultan absorbentes, terminan por saturar. Hay una reiteración de dinámicas que no siempre aportan nuevas capas al conflicto, lo que provoca que el ritmo se resienta. No estamos ante un thriller al uso ni ante una película de acción, es más bien un estudio de comportamiento, y como tal exige paciencia.

Este tipo de narrativa recuerda, en cierto modo, al minimalismo extremo de ‘Gerry’, donde el tiempo y el espacio se dilatan hasta incomodar. Pero mientras en aquella propuesta la experiencia era casi hipnótica, aquí se percibe un ligero estancamiento que puede desconectar al espectador menos predispuesto. También hay que reconocer que el magnetismo de dos actores como Bill Skarsgård y Colman Domingo juegan a favor de este nuevo estreno.

Un retrato cultural inquietantemente vigente

Donde la película recupera toda su fuerza es en su lectura cultural. ‘Prime Crime: A True Story’ no es solo la recreación de un crimen real en busca de enganchar a los fans del true crime. Es un retrato de una Norteamérica que construyó sus héroes a base de violencia, coraje individual y una fe casi ciega en la justicia por mano propia.

Los créditos finales, que incorporan imágenes de archivo, funcionan como un golpe de realidad. De pronto, lo que parecía una estilización se revela como un reflejo directo de una época. Van Sant inserta fragmentos que evocan el imaginario del western clásico, con referencias implícitas a figuras como John Wayne, símbolo de ese héroe solitario que resolvía conflictos a punta de pistola.

No es casualidad. La película sugiere, sin subrayarlo de forma explícita, que esa mitología sigue latente. Que existe una pulsión social que añora a esos “héroes de a pie”, cansados del sistema y dispuestos a actuar al margen de él. En este sentido, aunque no establece un paralelismo directo con la actualidad, el subtexto resulta inquietantemente contemporáneo.

Y es aquí donde inevitablemente surge la comparación con ‘Tierra prometida’ o ‘No te preocupes, no llegarás lejos a pie’, obras que abordaban de forma más clara y comprometida las tensiones sociales modernas. Frente a ellas, ‘Prime Crime: A True Story’ parece menos intencional y más conmemorativa a efectos de mostrar un país que no deja de estar enfermo.

Ficha de ‘Prime Crime: A True Story’

Estreno en España: 17 de abril de 2026. Título original: Dead Man’s Wire. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Gus Van Sant. Guion: Austin Kolodney. Música: Danny Elfman. Fotografía: Arnaud Potier. Reparto principal: Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Al Pacino, Colman Domingo, Cary Elwes, Myha’la Herrold. Producción: Elevated Films, Pressman Film, Pinstripes, Co Created Media, Wrong Turn Productions, Artemis, Yo Productios, Velodrome, Edith Productions, Punch Once, Va Bene Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: biográfico, drama, suspense. Web oficial.