Crítica: ‘Movida celestial’

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Una sátira ligera sobre el absurdo cotidiano

Estamos ante uno de esos casos en los que un director (Aziz Ansari) se reserva doble rol, director y protagonista. Y en otras ocasiones quizás habría que decir que es una tarea arriesgada, pues a parte de tener que dirigirse a sí mismo comparte protagonismo con dos actores que son pesos pesados. Pero es que estos dos actores que figuran también en el cartel de la película son muy conocidos por su generosidad y por entregarse a todo tipo de disparates. Ellos son Seth Rogen y Keanu Reeves. También es cierto que Ansari cuenta con la complicidad de Rogen tras haber actuado junto a él en ‘Juerga hasta el fin’ o ‘Cuerpos de seguridad’.

Estos fichajes son perfectos para construir una comedia que, bajo su apariencia ligera, apunta directamente a varias neurosis contemporáneas. La película gira en torno a un individuo atrapado en una rutina asfixiante, definida por sistemas de puntuación social (reseñas, estrellas, validación constante), trabajos diseñados para satisfacer caprichos del primer mundo (entregas exprés, experiencias personalizadas hasta lo absurdo), una red familiar donde la verdad es, en el mejor de los casos, flexible y por supuesto la ferocidad de las corporaciones que aumentan brutalmente su imagen de beneficio, mientras no hay una proporcionalidad en el sueldo de sus empleados.

Ansari dibuja este contexto con trazo amable, evitando la acidez corrosiva que podría esperarse de un planteamiento así. Su apuesta es clara: el humor blanco como vehículo de crítica. En ese sentido, ‘Movida celestial’ se sitúa más cerca de una fábula moderna que de una sátira mordaz. El resultado es coherente en su tono. La película no busca incomodar, sino generar una identificación suave, casi terapéutica, con el espectador.

Hay ecos evidentes de ‘Qué bello es vivir’ o de ‘Cuento de Navidad’ en su estructura moral (la revisión de una vida desde la perspectiva externa de un ángel o espíritu observador) y también de esas comedias de intercambio de roles donde el protagonista se ve obligado a experimentar realidades ajenas para comprender la suya. Sin embargo, Ansari introduce un componente propio: la burocratización del más allá como reflejo del caos organizado del presente, como ya vimos en la serie ‘Miracle workers’.

Ángeles y un Keanu Reeves más presente de lo esperado

Uno de los hallazgos más curiosos de la película es su representación del “más allá” como una estructura administrativa donde cada ángel de la guarda se especializa en un tipo concreto de muerte. Aquí entra en juego Keanu Reeves, quien interpreta a un ángel encargado de evitar accidentes provocados por el uso del móvil al volante (una de las ironías más contemporáneas del filme). Su personaje está deliberadamente cansado, frustrado por la repetición constante de errores humanos y por la sensación de poca relevancia de su labor.

Y, sin embargo, hay un matiz que convierte su presencia en algo especialmente disfrutable: es un auténtico gustazo verle sonreír. Tras años encadenando papeles de tono grave o físico (desde el inmutable John Wick hasta sus incursiones en el doblaje con ‘Sonic’), Reeves se permite aquí una ligereza poco habitual. Esa sonrisa, casi tímida en algunos momentos, introduce una calidez inesperada que humaniza al personaje y aporta un contrapunto emocional muy efectivo dentro del engranaje cómico. Reeves, jugando contra su propia imagen icónica, aporta una contención casi melancólica que eleva un material que, en otras manos, podría haberse quedado en lo anecdótico. Está muy presente y eso que su papel se concibió como un cameo y que su rotura de clavícula retrasó el rodaje.

Un cuento moderno con vocación de consuelo

‘Movida celestial’ se articula como un cuento con estructura clásica: un individuo enfrentado a su propia insignificancia aparente recibe una oportunidad (de corte sobrenatural) para reevaluar su vida. Aquí, el giro está en cómo esa reevaluación pasa por desmontar los parámetros artificiales que definen el éxito en la actualidad.

Ansari no pretende adaptar un esquema clásico a un contexto reconocible en la actualidad. La película evita el espectáculo, rehúye el artificio visual y se apoya casi exclusivamente en el guion y las interpretaciones. Esa decisión es, al mismo tiempo, su mayor virtud y su principal limitación. Funciona cuando el humor encuentra verdad en lo cotidiano (las interacciones laborales absurdas, la dureza de los estratos más bajos de la sociedad).

El tono blanco del humor puede resultar refrescante para algunos espectadores pues últimamente el humor llega cargado de agresividad o politización. No hay una voluntad de incomodar ni de llevar las ideas, todo está filtrado por una mirada conciliadora, casi optimista, que busca cerrar la experiencia con una sensación de equilibrio.

En comparación con otras obras que exploran la misma premisa existencial, ‘Movida celestial’ prefiere la cercanía antes que la trascendencia. No aspira a convertirse en una obra de referencia, pero sí en una pieza honesta, sin pretensiones opulentas. Y en ese terreno, cumple: es una película que entiende bien su alcance y no pretende ir más allá de lo que su tono permite, cuando, irónicamente se regodea bastante en un tema propulsado por el más allá.

Ficha de ‘Movida celestial’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Good Fortune. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Aziz Ansari. Guion: Aziz Ansari. Música: Carter Burwell. Fotografía: Adam Newport-Berra. Reparto principal: Keanu Reeves, Seth Rogen, Aziz Ansari, Keke Palmer, Sandra Oh. Producción: Lionsgate, Media Capital Technologies, Oh Brudder Productions. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia, fantástico. Web oficial.

Crítica: ‘Pizza movies’

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Aprovecha bien el gancho del costumbrismo incómodo y neurótico para abordar la épica de lo precario

Hablar de ‘Pizza Movies’ implica sumar un título más a lo que se está convirtiendo ya en una marca generacional dentro de la comedia española. Carlo Padial se alinea, de forma consciente, con ese humor de la incomodidad que han explorado series como ‘Vergüenza’ y ‘Poquita fe’. Aquí también encontramos personajes que no aspiran a ser admirados, sino diseccionados: individuos atrapados en su propia neurosis, incapaces de articular una épica personal y condenados a una rutina emocionalmente erosionada.

La protagonista de ‘Pizza Movies’ (Judit Martín) encarna ese tipo de figura tan reconocible como incómoda: alguien que quiere pertenecer al mundo cultural, pero que vive permanentemente al borde de la irrelevancia. Padial construye su filme desde esa fragilidad, con una mirada que oscila entre la compasión y la ironía, verbalizada muchas veces por quien hace de su esposo, Berto Romero. Como ocurría en las series mencionadas, el humor no surge del gag clásico, sino de la acumulación de pequeñas miserias cotidianas: conversaciones que no llevan a ningún sitio, ideas disparatadas, reacciones fuera de lugar o momentos de vergüenza ajena.

El resultado es un retrato bastante certero de cierta clase creativa urbana, atrapada entre la vocación y la precariedad. No es casual que el filme insista en mostrar entornos laborales difusos, proyectos a medio hacer y colaboraciones mal pagadas (o directamente inexistentes). En ese sentido, ‘Pizza Movies’ no solo busca la risa, sino también una cierta identificación incómoda por parte del espectador.

Humor, improvisación y los límites de la repetición

El humor está presente y, en líneas generales, funciona. Padial demuestra buen oído para el diálogo absurdo y para detectar esas microdinámicas sociales que generan incomodidad. Sin embargo, hay momentos en los que el propio mecanismo cómico se resiente. Algunas escenas, probablemente abiertas a la improvisación, caen en una repetición excesiva de una misma frase o idea (un recurso que, bien dosificado, puede ser efectivo, pero que aquí termina por diluir el chiste).

Esa insistencia acaba alargando innecesariamente ciertas secuencias, rompiendo el ritmo del filme y generando una sensación de desgaste. Es como si la película se recreara demasiado en su propio hallazgo cómico, perdiendo de vista la progresión narrativa. Este problema no invalida el conjunto, pero sí introduce altibajos que resultan evidentes.

A ello se suma una cierta irregularidad en los personajes secundarios. Mientras que la protagonista sostiene con solvencia el peso emocional del relato, algunos secundarios parecen menos definidos, casi esbozos de ideas más que personajes plenamente desarrollados, como si no tuviesen vida más allá del único gag que tienen. Esto afecta especialmente en las escenas corales, donde el contraste entre interpretaciones resta fuerza al conjunto.

Pizzas, cine y resistencia cultural

Donde ‘Pizza Movies’ encuentra su verdadero pulso es en su dimensión metacinematográfica. Cuando las pizzas entran en juego (con ese diseño deliberadamente infantiloide), la película activa un registro distinto, más lúdico y cómplice. No se trata solo de un recurso visual llamativo, sino de una declaración de intenciones: reivindicar el cine como experiencia compartida, como espacio de juego y de memoria colectiva.

En esos momentos, el filme parece dialogar directamente con películas como ‘Rebobine, por favor’, recuperando ese espíritu de “hazlo tú mismo” y de amor por la cultura popular. Las pizzas funcionan como catalizador, como un revulsivo frente a la apatía generalizada que domina el resto del relato. Es ahí donde Padial logra conectar de forma más directa con el espectador, apelando a una complicidad que trasciende la ironía inicial.

Este elemento entronca, además, con uno de los temas más interesantes del filme: el paralelismo entre la crisis personal de la protagonista y la crisis estructural de las salas de cine. Ambas comparten un mismo diagnóstico: la desidia, la falta de rumbo, la sensación de estar perdiendo relevancia. Pero también una posible salida: la reinvención, incluso a través de ideas aparentemente absurdas.

En este sentido, ‘Pizza Movies’ acierta al retratar el estado actual de la crítica cultural. Sin necesidad de subrayarlo en exceso, deja claro que muchos críticos se ven obligados a pluriemplearse para sobrevivir (una realidad cada vez más evidente). Esta capa añade profundidad al relato y lo ancla en un contexto reconocible, alejándolo de cualquier tentación de abstracción.

No obstante, el filme también se regodea en la crisis existencial, en la neurosis y en el patetismo de sus personajes, lo cual puede que le haga perder partidarios. Yo me quedo con que entre la incomodidad generada en algunas escenas y el amor por el cine como experiencia compartida, se construye una obra que logra capturar el desconcierto de una generación, tanto de consumidores como de profesionales.

Ficha de ‘Pizza movies’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Pizza Movies. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Carlo Padial. Guion: Carlo Padial, Desirée de Fez, Carlos de Diego. Música: Javier Rodero. Fotografía: Patricio Vial. Reparto principal: Judit Martín, Berto Romero, Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Javier Botet, Tamar Novas, Belén Barenys, Miguel Noguera. Producción: El Cansancio, Bambina, Scorpora, Pioneros-Media Offline. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial.

Crítica: ‘El amigo inesperado’

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Una manera ligera de tratar la impostura profesional y personal

Pongámonos en situación para esta nueva comedia francesa. El protagonista es un artista pluriempleado, algo que hoy en día tenemos casi todos ya normalizado, pero que no deja de ser un drama. Además de en su show trabaja en un call center insistiendo llamada tras llamada y recibiendo cortes constantes. Hasta que ve la oportunidad de aprovechar su maestría con la voz. O más bien alguien ve cómo sacarle provecho. Un escritor famoso agobiado por recibir tanta llamada y mensajes quiere usarle para que le suplante en determinados asuntos y así poder relajarse. Irónicamente esto le conlleva otro trabajo al teléfono, pero dado el aliciente que supone la rareza del encargo y el margen de improvisación que le deja, acepta y como podréis imaginar a partir de ahí las situaciones que se dan son cada vez más disparatadas. Aunque quizás menos disparatadas y menos frecuentes de lo esperado.

En ‘El amigo inesperado’, Fabienne Godet construye un filme que se mueve cómodamente dentro de los márgenes del cine feel good francés, con una premisa que inevitablemente remite a ‘Intocable’. Evidentemente la importancia del trabajo vocal y la modulación como eje interpretativo es muy importante marcando la diferencia. El filme lo explota con cierta eficacia pero no estamos ante una exhibición de virtuosismo cómico en ese sentido (sacad de la cabeza referentes españoles como Florentino Fernández, Latre o Hermoti), sino ante una herramienta narrativa que se utiliza para explorar la identidad y la impostura. Todo ello es debido a que el protagonista no es imitador profesional, de hecho, llegó a un punto intermedio con su compañero de reparto para encontrar una voz común.

Más allá del gag: una relación que se humaniza

Donde ‘El amigo inesperado’ encuentra su verdadera voz (nunca mejor dicho) es en la evolución de la relación entre sus dos protagonistas. La película plantea, desde el inicio, un contraste evidente: edad, clase social y raza funcionan como vectores de distancia. Sin embargo, el guion se esfuerza en diluir esas barreras progresivamente, apostando por una conexión que se construye desde lo cotidiano. Y todo esto se realiza sin partir de prejuicios, que es lo que diferencia este filme de ‘Intocable’.

El ADN del filme es claramente el del cine que aporta buenas vibraciones: la idea de que dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto intermedio. Pero lo interesante es que no se limita a reproducir el esquema de “uno salva al otro”. Sí, hay elementos previsibles (y algunos giros que se ven venir desde bastante lejos), pero también hay una voluntad de mostrar cómo ambos personajes se transforman mutuamente. No se trata solo de arreglar la vida del otro, sino de cómo ciertos estímulos (una nueva rutina, una voz distinta, una mirada externa) pueden reconfigurar la percepción de uno mismo.

Entre lo laboral y lo personal: el verdadero conflicto

Uno de los aspectos más interesantes del filme es cómo articula el conflicto entre vida personal y vida laboral. En un contexto donde el pluriempleo se ha normalizado, el protagonista encarna una figura reconocible (y dolorosamente actual): alguien que se encierra en una rutina de varios trabajos sin encontrar un verdadero sentido. Sin embargo, lo que cambia no es tanto la naturaleza del empleo como el significado que adquiere. La posibilidad de improvisar, de jugar con la identidad, de escapar momentáneamente de uno mismo, introduce un matiz liberador. Es ahí donde la película plantea su discurso más interesante: no es solo lo que haces, sino cómo te posicionas frente a ello.

Aun así, ‘El amigo inesperado’ peca de cierta contención dramática. Cuando parece que va a empujar hacia terrenos más incómodos o absurdos, decide replegarse hacia la calidez y la previsibilidad. Esto no la convierte en un mal filme, pero sí en uno que podría haber sido más audaz o dicharachero. Estamos ante una obra amable, bien interpretada y con una premisa sugerente que no siempre se explota al máximo. Funciona como entretenimiento y como reflexión ligera sobre la identidad y la conexión humana, aunque sin llegar a romper moldes. Un filme que se deja ver con agrado, pero que se recuerda más por lo que insinúa que por lo que finalmente desarrolla.

Ficha de ‘El amigo inesperado’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Le répondeur. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: Fabienne Godet. Guion: Fabienne Godet, Claire Barré. Música: Éric Neveux. Fotografía: Eric Blanckaert. Reparto principal: Denis Podalydès, Salif Cissé. Producción: Le Bureau, France 3 Cinéma. Distribución: Surtsey Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Palmarés de los Premios Platino Xcaret 2026

‘O Agente Secreto’ triunfa en una edición dominada por Brasil y Argentina

La nueva edición de los Premios Platino Xcaret 2026 dejó un claro vencedor: ‘O Agente Secreto’. La producción brasileña fue la gran triunfadora de la noche al conquistar algunos de los galardones más importantes de la ceremonia, incluyendo Mejor Película Iberoamericana de Ficción, Mejor Dirección, Mejor Guion y Mejor Interpretación Masculina para Wagner Moura. El filme, dirigido por Kleber Mendonça Filho, se consolida así como una de las obras más relevantes del cine iberoamericano reciente.

Brasil también destacó en otras categorías importantes gracias al reconocimiento de ‘Apocalipse Nos Trópicos’ como Mejor Película Documental y la victoria de la serie ‘Beleza Fatal’ en la categoría de Mejor Serie de larga duración. La industria brasileña demuestra así el excelente momento creativo que atraviesa tanto en cine como en televisión.

Argentina triunfó con una serie que ha sido por espectadores, críticos y lectores ya que estaba el que se considera el mejor cómic del país, ‘El eternatua’. consiguió el premio a Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica y también obtuvo reconocimientos para Ricardo Darín como Mejor Interpretación Masculina y Bruno Stagnaro como Mejor Creador.

España consigue importantes reconocimientos

El cine español también tuvo una presencia destacada en el palmarés. ‘La Cena’ se llevó el premio a Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción, mientras que ‘Sorda’ fue reconocida como Mejor Ópera Prima, confirmando el impacto que ha tenido entre crítica y público desde su estreno.

Además, Blanca Soroa obtuvo el premio a Mejor Interpretación Femenina gracias a su trabajo en ‘Los Domingos’, uno de los reconocimientos más celebrados de la gala. España mantiene así una posición sólida dentro del panorama audiovisual iberoamericano, apostando tanto por nuevas directoras y cine independiente como por propuestas más comerciales.

Lista completa de ganadores de los Premios Platino Xcaret 2026

  • Mejor Película Iberoamericana de Ficción: ‘O Agente Secreto’ (Brasil)
  • Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción: ‘La Cena’ (España)
  • Mejor Película de Animación: ‘Olivia & Las Nubes’ (República Dominicana)
  • Mejor Película Documental: ‘Apocalipse Nos Trópicos’ (Brasil)
  • Mejor Ópera Prima: ‘Sorda’ (España)
  • Mejor Dirección: Kleber Mendonça Filho por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)
  • Mejor Interpretación Masculina: Wagner Moura por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)
  • Mejor Interpretación Femenina: Blanca Soroa por ‘Los Domingos’ (España)
  • Mejor Guion: Kleber Mendonça Filho por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)
  • Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica: ‘El Eternauta’ (Argentina)
  • Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie: Ricardo Darín por ‘El Eternauta’ (Argentina)
  • Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie: Paulina Gaitán por ‘Las Muertas’ (México)
  • Mejor Creador en Miniserie o Teleserie: Bruno Stagnaro por ‘El Eternauta’ (Argentina)
  • Mejor Serie de larga duración: ‘Beleza Fatal’ (Brasil)

Tráiler de ‘La muerte de Robin Hood’

Robin Hood regresa a los cines con una visión bastante oscura del personaje

Está claro que cuando hablamos de A24, sabemos que vamos a tener un producto de alta calidad. El 3 de julio, llega por fin la esperada ‘La muerte de Robin Hood’, protagonizada por Hugh Jackman.

Michael Sarnoski ya nos sorprendió con la estupenda ‘Pig’ (aquí nuestra crítica) que ganó el Premio Independent Spirit al mejor primer guion y aquí vuelve a dirigir y también se encarga del guion. La cinta se inspira nen la balada homónima escrita en el siglo XVII, y aquí el director ha querido mostrar “Cómo habría sido realmente la vida de Robin Hood en pleno siglo XIII”.

Hugh Jackman es el encargado de dar vida a este Robin Hood atormentado por su cruel pasado. Junto a el encontramos a Emmy Jodie Comer, Bill Skargard, Noah Jope y la jovencísima Faith Delaney.

Sarnoski y Jackman hablan sobre la película

«LA MUERTE DE ROBIN HOOD plasma un retrato muy humano de la vida de Robin», comenta el actor Hugh Jackman. «Nos muestra las consecuencias de sus actos a través de la oscuridad, el arrepentimiento, el dolor y la pérdida. La violencia siempre deja huella en todos los implicados, independientemente de sus motivaciones. El filme plantea cómo nos afecta esa huella y si puede redimirse una persona atormentada por esas vivencias».

«Sabía que Hugh [Jackman] iba a bordar el lado violento y agresivo de Robin Hood, pero también podría transmitir empatía y complicidad», apunta Sarnoski « [Robin] Sabe que se ha convertido en un hombre violento y también que quiere liberarse de esa losa. Hugh combina a la perfección la cercanía y la intensidad que requiere un personaje tan complejo». Concluye el joven cineasta.

Tráiler completo en su versión original y doblado al castellano

Crítica: ‘Mortal Kombat II’

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Si jugar Mortal Kombat es un divertimento macabro, esta secuela por fin entiende que hay que regodearse en ello

Este año, el combate tipo fighting game no va a tener lugar en las videoconsolas, sino en el cine y en formato live action. El primer combatiente ya está en la lona y no es otro que ‘Mortal Kombat II’, el cual se enfrentará, no en cartelera ni en tiempo, pero sí en opinión cuando se realicen los rankings a final de año, contra ‘Street Fighter’, la película que se estrenará este mes de octubre. Ambas son adaptaciones de franquicias míticas para los jugadores de videoconsolas y arcades. Así que, más allá del inevitable debate que habrá comparándolas entre sí, está la expectativa de superar las adaptaciones que ambas tuvieron en los años 90. Auguro que la batalla no va a estar solo entre fans de uno u otro juego, también va a ser interna.

La nueva entrega de ‘Mortal Kombat’ entiende perfectamente qué quiere el espectador que acude a verla. No pretende reinventar el cine de acción ni construir un tratado dramático sobre el honor y el destino. Quiere ofrecer golpes imposibles, fatalities exagerados, humor negro y una colección de personajes icónicos intercambiando poderes y frases lapidarias mientras se mutilan. Y lo cierto es que lo consigue con bastante más solvencia de la que muchos detractores están dispuestos a admitir.

Johnny Cage entra al combate y se adueña de la película

El gran atractivo y nuevo activo es sin duda Johnny Cage. Antes de que se incorporase Karl Urban con su innegable carisma (sumando a su CV otro personaje mítico de la cultura popular) sonaron otros nombres tanto de actores como de luchadores profesionales como Scott Adkins, Ryan Reynolds, Alain Moussi, Mike ‘The Miz’ Mizanin o Cody Rhodes. El gato al agua se lo llevó Urban, quien tras cerrar su etapa con Billy Butcher en ‘The Boys’ puede que encuentre aquí una nueva franquicia capaz de asegurarle varios años dentro del blockbuster de acción. Por que soy de los que creen que esto va a continuar, de ahí ciertos detalles hacen que parezca que esta película parezca inconclusa.

Y lo cierto es que Urban comprende a la perfección qué tipo de personaje necesita esta película. Su Johnny Cage es un narcisista insoportable, un actor acabado, una caricatura ambulante del héroe de acción noventero y, precisamente por ello, termina funcionando como el auténtico corazón cómico del filme, de un modo similar pero más presente a lo que hizo Linden Ashby en el 95. Si en la anterior entrega Josh Lawson robaba escenas constantemente con las mofas de Kano, ahora es Urban quien monopoliza buena parte de los mejores momentos cómicos.

La película, además, parece consciente de ello. El guion gira constantemente hacia Cage, incluso cuando intenta repartir protagonismo entre el resto de combatientes. Ahí es donde aparecen algunos de los problemas narrativos. Muchos personajes entran y salen de escena de forma abrupta, como si ciertas transiciones hubieran quedado mutiladas en la sala de montaje. Sin embargo, resulta difícil molestarse demasiado cuando el ritmo apenas concede respiro y cada pocos minutos aparece un nuevo enfrentamiento o una referencia directa a los videojuegos. ¿De nuevo, qué esperáis de una adaptación de ‘Mortal Kombat’?

También se nota la implicación del cocreador de la saga, Ed Boon, muy involucrado en el proyecto desde sus primeras fases. De hecho, realiza un pequeño cameo al inicio de la película interpretando a un camarero llamado “Ed”, uno de esos detalles que funcionan especialmente bien para el fan veterano que lleva décadas memorizando fatalities y combinaciones de botones. Y sobre todo se nota por lo que comento en el siguiente fragmento de este texto.

Más sangre, más lore y por fin el torneo

Como en la anterior entrega, la apuesta vuelve a ser subir el nivel de violencia hasta acercarse a los fatality y brutality de los videojuegos, aunque sin llegar a convertirse en un festival grotesco insoportable. Aquí sí hay mutilaciones, chorros de sangre y cuerpos destrozados, alejándose completamente de la adaptación de los años 90, que buscaba un público mucho más amplio sacrificando precisamente lo que hacía especial a la saga. No voy a renegar del filme de Paul W.S. Anderson, para mí sigue siendo el más icónico.

La diferencia es que ahora el tono abraza el humor negro de manera mucho más consciente. Es como debería ser siempre con esta franquicia, un divertimento macabro y punto. No obstante hay incluso una cierta “marvelización” en determinados diálogos y situaciones, algo que probablemente molestará a los espectadores más puristas, pero que en realidad no desentona tanto con la naturaleza irreverente de la propia franquicia. La película simplemente lo traduce al lenguaje actual del blockbuster, notándose en ese aspecto por qué anda James Wan tras esto y por qué el fenómeno podría tener similar impacto que su ‘Aquaman’.

Pero donde realmente gana esta secuela es en la llegada definitiva del torneo. El guionista de la primera película ya había concebido esta trilogía como una estructura destinada a mostrar qué ocurre antes, durante y después del torneo. Aquí por fin se materializa aquello que muchos fans echaron de menos en la entrega anterior.

Y funciona porque la película entiende algo fundamental: el verdadero atractivo de ‘Mortal Kombat’ no está únicamente en las peleas, sino en el universo imposible que conecta reinos, guerreros sobrenaturales, hechiceros, brazos robóticas, ninjas infernales y dioses del trueno. En un solo largometraje se exploran más territorios, personajes y conflictos que en prácticamente todas las adaptaciones anteriores juntas. Como se diría ahora, se profundiza mucho más en el lore.

Para los jugadores veteranos hay además escenarios extraídos casi literalmente de los videojuegos, con una espectacularidad apabullante. Determinados decorados parecen diseñados para provocar aplausos inmediatos entre quienes crecieron en recreativas o frente a una Mega Drive y una PlayStation. Esa fidelidad estética termina siendo una de las mayores virtudes del filme.

Un espectáculo imperfecto pero plenamente consciente de lo que es

Habrá quien critique la simplicidad o previsibilidad del guion, pero conviene recordar algo evidente: esto nace de un videojuego de lucha. No cabe esperar un desarrollo psicológico comparable al de un drama académico. La propia campaña promocional parecía recordarlo constantemente. Esto no es ‘Ciudadano Kane’, sino ‘Ciudadano Cage’.

Lo que sí resulta más discutible es el acabado visual de ciertas escenas. Hay momentos donde el CGI no termina de integrarse con naturalidad y sorprende teniendo en cuenta los retrasos que ha sufrido el estreno. Se perciben secuencias que probablemente necesitaban una postproducción más pulida, sobre todo con la recreación de Shao Kahn. Ahora bien, tampoco existe ese desastre técnico que algunos comentarios exagerados intentan vender. La película tiene altibajos visuales, sí, pero mantiene suficiente músculo estético como para sostener su propuesta sin venirse abajo. Si antes he hablado de marvelización con el humor, cabe señalar que Disney+ tiene crímenes visuales mucho peores en algunas de sus últimas producciones.

Ficha de ‘Mortal Kombat II’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Mortal Kombat II. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Simon McQuoid. Guion: Jeremy Slater. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Karl Urban, Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman, Chin Han, Tadanobu Asano, Joe Taslim, Hiroyuki Sanada. Producción: New Line Cinema, Atomic Monster, Broken Road Productions, Fireside Films. Distribución: Warner Bros. Género: acción, fantástico, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Las Ovejas Detectives’

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Divertida, tierna y con un gran misterio que resolver

Uno de mis animales totem es sin duda la oveja, con esto quiero decir, que soy poco objetiva en cuanto a esta película, pero admito que me ha encantado. Este cuento de ovejas investigando el crimen de su pastor me ha parecido, tierno, curioso y muy divertido.

Ovejas detectives ¿Por qué?

Basada en la novela de Leonie Swann, la cinta nos trae la historia del rebaño de ovejas de George, un pastor que es asesinado. Las ovejas, con una gran facilidad para investigar crímenes gracias a todas la novelas que les leía George, comienzan a intentar trabajar con el policía local para ayudarle a encontrar al asesino.

Lo dicho, me ha parecido tan divertida, es la típica historia de investigación, en donde siempre hay muchos sospechosos con grandes móviles y no se sabe realmente quien es el culpable hasta llegar al final de la historia.

‘Las Ovejas detectives’ es una película super entretenida, tiene momentos un tanto tristes, al final, están despidiéndose de quien las cuida y las mima. Y tiene un poso bastante nostálgico, donde vemos que la importancia del rebaño, de sentirse dentro de uno y hacerse valer dentro de un conjunto.

¿Quiénes son estas ovejas?

Hugh Jackman, se rodea de unas ovejas realizadas por CGI, me parece un trabajazo, ya que están muy bien hechas. Cada una a su  manera y diferentes, dándoles una personalidad clara a cada una de ellas.

Estas ovejas llenas de vida tienen las voces de Patrick Stewart, Regina Hall, Brett Goldstein, Bella Ramsey, Chris O’Dowd, Rhys Darby, Bryan Cranston, Julia Louis-Dreyfus, Arrop Shergill, Isha Agarwal y Tommy Birchall.

En el reparto humano encontramos a Tosin Cole, Conleth Hill, Hong Chau, Nicholas Braun, Kobna Holdbrook-Smith, Molly Gordon, Nicholas Galitzine y con la aparición de Emma Thompson. Todos ellos en papeles bastante bobos, estamos al final ante una historia bastante familiar y no necesitamos tanta seriedad. El tono me ha gustado mucho, ya que nos adentra perfectamente en el cuento que nos están contando.

¿Quién nos ha traído esta maravilla a la gran pantalla?

Kyle Balda, es el encargado de dirigir este cuento. Famoso animador, en películas como ‘Monstruos S.A’, ‘Chicken Run’ o ‘Toy Story’. Además de trabajar dentro de películas como ‘The Matrix Revolutions’, ‘Mars Attacks’ o ‘Atrapa esos fantasmas’ en el campo de efectos visuales.

Junto a el encontramos a Craig Mazin, con quien pudimos pasar una tarde en una masterclass gracias a un evento de ‘The Last of Us’. Justo aquí le podéis escuchar hablando acerca de rodar comedia.

Y que deciros, sin duda una de las grandes maravillas de la cinta es la creación de estos animales. Evidentemente sabemos que no son reales, pero la animación es espectacular. El pelaje, es increíble, parece que las vayas a tocar y realmente estén allí. Me gusta mucho, lo que he comentado antes, que cada una tenga su propia apariencia, con un color de pelaje diferente. Algo que también nos ayuda a diferenciarlas. Al final son las protagonistas de la película.

Una comedia para toda la familia

‘Las ovejas detectives’ es una cinta que puedes ir a ver con toda la familia y disfrutarla. Da igual la edad, es un cuento que entretiene y también enseña que el ser diferente no tiene porque ser algo malo, que las diferencias se crean y muchas veces no son ni reales. Además veremos que la muerte duele, pero aceptarla ayuda a no olvidar.

Así que lo dicho, disfrutad de estos animalejos, entrad en esta historia de crímenes y averiguar quien es el asesino junto a un rebaño de ovejas muy divertido.

 Ficha de la película

Estreno en España: 08 de mayo de 2026. Título original: The Sheep Detectives. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Kyle Balda. Guion: Craig Mazin. Música: Heitor Pereira. Fotografía: George Steel. Reparto principal: Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun, Nocholas Galitzine, Molly Gordon, Hong Chau, Tosin Cole, Conleth Hill, Kobna Holdbrook-Smith, Bryan Cranston, Julia Louis-Dreyfus, Chris O’Dowd, Patrick Steward. Producción: Working Title Films, Lord Miller, Amazon MGM Studios, Three Strange Angels. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial.

Nuevo tráiler de ‘La Odisea’

Nolan muestra todas las maravillas de la obra de Homero

La obra de Homero, compuesta por 24 cantos, llega a nuestras pantallas en una nueva versión gracias a Christopher Nolan. Tras el gran éxito de ‘Oppenheimer’ (crítica aquí), Universal Pictures, vuelve a respaldar al director en este titánico proyecto del director.

Rodada en todo el mundo, Nolan, ha utilizado la nueva tecnología IMAX. Además el director vuelve a contar con Hoyte van Hoytema para la fotografía, algo que parece un gran acierto después de ver las imágenes del tráiler.

Si no conoces La Odisea

‘La Odisea’ cuenta el regreso a casa de Odiseo, tras la guerra de Troya. Después de haber estado 10 años luchando, Odiseo tarda otros 10 años en regresar a la isla de Ítaca. El 17 de julio veremos las aventuras y desventuras que sufrió durante su viaje. Cíclopes, brujas, ninfas, sirenas, traiciones, todo esto y mucho más es lo que nos espera en esta épico historia.

La dirección y la adaptación del guion vienen de la mano de Christopher Nolan, en el reparto encontramos a Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron, Logan Marshall-Green, Himesh Patel o Samantha Morton, entre muchos otros.

¿Qué vamos a ver en el tráiler?

Después de la aparición de Nolan en The Late Show con Stephen Colbert, se ha procedido a darnos un nuevo tráiler, donde vemos mucha más acción. Y se centra también en los personajes de Calipso (Charlize Theron), Atínoo (Robert Pattinson) y Eumeo (John Leguizamo). También vemos parte de la Guerra de Troya con un John Bernthal como Menelao. Además del terror que provoca el Polifemo, el gigante cíclope que se encuentran en una gran cueva.

A continuación os dejamos el tráiler en su versión original y en su versión doblada al castellano.

Análisis de pack de Blu-ray de ‘Black Phone’

Black Phone llega a nuestras casas gracias a Arvi Licensing

Joe Hill sin duda es uno de los escritores de terror y ciencia ficción actuales que llevan ideas bastante originales a la pantalla y por supuesto al formato libro. Pero claro, que os puedo decir de él. Es que estamos hablando del hijo de Stephen King. Creador de novelas como ‘Horns’ o ‘NOS4A2’. Ambas llevadas a la gran y pequeña pantalla.

Si, Joe Hill es maravilloso, pero si encima, le unimos con Scott Derrickson, director de la estupenda ‘Sinister’ o ‘Doctor Strange’, ¿qué más podemos pedir? Gracias a ellos dos llega a nuestras pantallas ‘Black Phone’ y Arvi Licensing nos trae un estupendo pack con las dos películas de terror.

Os dejamos unas cuantas fotos de la edición en Blu-ray y también todas las características y extras de las películas.

 

Black Phone

Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años y le encierra en un sótano insonorizado, donde de nada sirven sus gritos. Cuanto un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede escuchar las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

Pantalla: 2.39:1 Widescreen

Audio: Castellano y Español Latinoamericano DTS-HD High REsolution Audio 7.1; Inglés DTS-HD Master Audio 7.1

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Mandarín Complejo, Checo, Danés, Finés, Coreano, Español Latinoamericano, Noruego, Polaco y Sueco

Este Blu-ray  no contiene extras.

Black phone 2

Ahora con 17 años, Finn sigue lidiando con las secuelas de su cautiverio, mientas su hermana pequea Gwen, una decidida adolescente de 15 años, comienza a experimentar visiones y recibir llamadas en sueños desde el misterioso teléfono. Las señales apuntan a tres chicos en peligro en un campamento de invierno llamado Alpine Lake.

Imagen: 2.39:1 Widescreen

Audio: Castellano y Francés Dolby Digital Plus 7.1; Inglés Dolby Atmos; Servicio de Autodescripción en Francés.

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Danés, Finés, Holandés, Francés, Noruego y Sueco.

EXTRAS

Escenas eliminadas (7:47 min)

  • Gwen and Ernesto hablando en la librería
  • Mustang talks to group
  • Mando Talks about The camp Closing
  • Mustang and Gwen Talk in the chapel
  • Ernesto and Gwen Kiss
  • Gwen Prays
  • Ken And Barb ask Gwen and Finn to come back

Conectados. El reparto de Black Phone 2 (10:33 min)

Entrevistas con el reparto de la película, con el director, rememorando la primera película y contando lo contenstos que estaban por volver a este mundo de pesadillas.

Una historia tallada en el hielo (10:45 min)

Vemos varias entrevistas y bastante tema de efectos especiales.

Congelado en el tiempo (10:12 min)

Crítica: ‘Alta costura’

En qué plataforma ver Alta costura

Winocour demuestra, una vez más, que su cine no necesita elevar la voz para hacerse oír

Este nuevo estreno francés, ‘Alta costura’, se presenta como un drama coral que utiliza el ecosistema de la alta costura parisina no como simple decorado, sino como dispositivo narrativo para explorar tensiones personales, profesionales y físicas. Lejos de relatos simplificados o arquetipos evidentes, la película articula un entramado de historias paralelas que orbitan en torno a la Semana de la Moda, donde cada personaje se enfrenta a su propio umbral de ruptura.

En el centro encontramos a Angelina Jolie como una directora de cine de serie B (acostumbrada a presupuestos ajustados y a una cierta invisibilidad dentro de la industria) que aterriza en el mundo opulento de la moda para rodar un proyecto que supone la antesala de un gran proyecto. La presión no es solo profesional: su vida personal acusa el desgaste de un divorcio reciente, una relación distante con su hija y la amenaza creciente de un cáncer que planea sobre su cuerpo (sin subrayados melodramáticos, pero con una presencia constante). La directora Alice Winocour, cuya sensibilidad ya brilló en ‘Próxima’, vuelve a demostrar su interés por personajes femeninos sometidos a fuerzas contradictorias (vocación, maternidad, salud, identidad).

En paralelo, la película introduce a una modelo africana que pisa por primera vez Occidente y el universo de la moda. Su experiencia es la de la desubicación: un entorno abrumador, reglas no escritas, cuerpos normativizados y la duda de una muchacha de 18 años que no sabe qué quiere en la vida. Lejos de la caricatura, su arco está tratado con una mirada empática que subraya tanto la dureza del sistema como la humanidad que lo habita.

A este tejido se suman otras figuras: una maquilladora que intenta encadenar trabajos y escribir su propia obra durante los frenéticos días de desfiles y una costurera enfrentada a un encargo crítico: terminar en solitario el primer vestido del desfile, una pieza que puede definir el éxito o el fracaso de toda la colección. Todos estos caminos discurren en paralelo, con dilemas propios, pero avanzan hacia inevitables puntos de intersección.

Entre la frivolidad y la carne: el cuerpo como territorio

Uno de los aciertos más incisivos de ‘Alta costura’ es su capacidad para tensar el contraste entre la superficialidad asociada a la moda y la densidad humana que se esconde tras ella. La película no rehúye la dimensión frívola del sector (un espacio mejor recompensado que oficios más “necesarios” o intelectuales, como podría ser la farmacia), pero tampoco cae en el juicio fácil. Winocour propone una mirada dialéctica: sí, hay brillo, dinero y apariencia, pero también hay cuerpos vulnerables, trayectorias frágiles y decisiones vitales de gran calado.

En este sentido, resulta especialmente potente el paralelismo visual que la directora establece en un momento clave: tras varias escenas en las que se mide, ajusta y “talla” a las modelos, el montaje introduce la imagen de un cirujano realizando un marcaje quirúrgico. El eco es evidente: el cuerpo como objeto de intervención, como superficie que se adapta o perfecciona pero que tiene sus defectos. No hay discurso explícito, pero la asociación es lo suficientemente elocuente como para incomodar.

Es inevitable no establecer paralelismos con lo que le ha pasado a Jolie en la vida real, de hecho la película parece hecha para ella en lo que parece una especie de catarsis. Ha incorporado una dimensión metacinematográfica a su interpretación, marcada por sus propias decisiones médicas preventivas (doble mastectomía y extirpación de ovarios). Esa misma sensibilidad (contenida, respetuosa, sin sensacionalismo) se percibe en el tratamiento del cáncer en la protagonista: una amenaza íntima que condiciona su mirada monopolizando el relato únicamente al final.

Un engranaje coral que encuentra sentido en el cruce

Estructuralmente, ‘Alta costura’ se inscribe en la tradición de historias de vidas cruzadas, pero evita el artificio mediante una progresión orgánica. No hay casualidades forzadas ni giros efectistas: los encuentros entre personajes se producen como consecuencia lógica de compartir espacio, tiempo y objetivos dentro de un sistema altamente interconectado.

La dirección apuesta por una puesta en escena que a veces roza lo observacional e incluso lo documental. De hecho, los talleres, pasarelas y backstages no son decorados estilizados, sino espacios de trabajo donde el error, la prisa y la presión son tangibles. De ese modo se alza como un drama coral bastante preciso que desentraña las costuras invisibles de un mundo tan fascinante como implacable. Bajo su superficie brillante, late un conjunto de historias sobre fragilidad, ambición y supervivencia.

Ficha de ‘Alta costura’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Couture. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Alice Winocour. Guion: Alice Winocour. Música: Anna von Hausswolff, Filip Leyman. Fotografía: Andre Chemetoff. Reparto principal: Angelina Jolie, Louis Garrel, Ella Rumpf, Anyier Anei, Garance Marillier, Vincent Lindon, Guillaume Marbeck, Finnegan Oldfield. Producción: CG Cinémna, Closer Media, France 3 Cinéma, Canal+, Ciné+OCS, France Télévisions, Pathé Films, Logical Content Ventures. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Los mejores años de nuestra vida’

En qué plataforma ver Los mejores años de nuestra vida

El mito de una amistad que ha traspasado décadas y fronteras

No voy a ser yo uno de tantos críticos de los Hombres G que les heche por tierra su siempre auto-atribuída rebeldía o irreverencia. Yo los escuché de niño y cuando fui desarrollando mi gusto me pasó como con La Fuga o Maná, que me harté de la repetitividad de sus leitmotivs. Pero hay una cosa, varias de hecho, que no se pueden negar al margen del gusto de cada uno. Y son el éxito, las ventas, las legiones de fans, la perdurabilidad en el tiempo… ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental para aquellos amigos, fieles al grupo, que aún están ahí y que mantienen vivo el mito de esta banda.

Dirigida por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, se articula como un ejercicio de memoria profundamente emocional y estratégicamente construido. Lejos de limitarse a la cronología habitual del ascenso, caída y legado de una banda, el documental opta por una lectura mucho más íntima: la de un grupo de amigos que, casi sin pretenderlo, terminaron definiendo una era del pop español. Esa elección no es casual, ni inocente (de hecho, condiciona toda la estructura del relato).

Montaje ágil para subirse al carro de estos cuatro incansables

Desde el punto de vista formal, el trabajo de montaje y los recursos visuales que complementan el material de archivo resultan sobresalientes. En este sentido, la película se sitúa en una línea muy similar a ‘Raphaelismo’, anterior obra de los mismos directores, donde ya demostraban una notable capacidad para dinamizar material preexistente mediante soluciones gráficas y decisiones de ritmo muy contemporáneas. Aquí, ese lenguaje se afila aún más para reforzar la identidad “gamberra” que siempre han reivindicado los propios miembros de la banda.

El tono general está impregnado de humor, bromas internas y anécdotas que funcionan tanto como vehículo narrativo como herramienta de caracterización. No se trata solo de contar qué hicieron, sino de cómo eran (y siguen siendo). Esa constante sensación de camaradería convierte la película en algo más que un documental musical: es, en esencia, una historia de amistad sostenida en el tiempo. No es casual que el tema inédito que da título al filme esté concebido no como síntesis de una carrera, sino como declaración de principios de unos colegas que querían, en sus propias palabras, “provocar y divertir”, con referentes tan explícitos como Siniestro Total o Los Nikis.

Subjetividad y relato controlado

Ahora bien, conviene no perder de vista que ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental profundamente subjetivo (y, en cierto modo, autoconsciente de ello). La narrativa está construida casi exclusivamente desde la perspectiva de los propios miembros de Hombres G y su entorno inmediato: músicos, técnicos, acompañantes de gira. Este enfoque aporta cercanía, sí, pero también limita el espectro crítico.

Se echa en falta la inclusión de voces disonantes. Durante años, la banda fue objeto de críticas que los tildaban de “pijos” o representantes de una juventud acomodada, los llamados niños bien. El documental opta por no confrontar directamente esas percepciones. Habría sido especialmente interesante incorporar testimonios de contemporáneos o “rivales” musicales que contextualizasen, por ejemplo, ciertas decisiones que el grupo interpretaba como provocadoras, como el caso de la censura en la canción ‘Mamón’. Ese contraste habría enriquecido el discurso, añadiendo capas de lectura más complejas.

Sin embargo, esta ausencia no invalida el impacto del documental. Los datos objetivos (ventas millonarias, múltiples números uno, giras multitudinarias, el salto a América) están ahí y son incontestables. La película no pretende desmontar el mito, sino consolidarlo desde dentro.

Archivo, intimidad y pequeñas revelaciones

Uno de los aspectos más sorprendentes del filme es la meticulosidad con la que los miembros del grupo han conservado su archivo personal. Grabaciones caseras, fotografías, documentos y manuscritos que permiten construir un relato extremadamente cercano, casi doméstico. Esta abundancia de material no solo facilita la tarea de los directores, sino que dota al documental de una textura íntima poco habitual en producciones de este tipo.

Es precisamente en esos detalles donde la película encuentra algunos de sus momentos más reveladores. Incluso para espectadores que han crecido escuchando sus canciones de forma tangencial, hay descubrimientos inesperados. Uno de los más llamativos es la implicación de Juan y Medio como manager en distintas etapas, acompañando al grupo en varias giras, un dato que ilustra bien el carácter casi improvisado (y a la vez sorprendentemente estructurado) de su trayectoria.

Quizás ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental definitivo sobre Hombres G, sobre todo si pensamos en los fans. Celebra la complicidad, el paso del tiempo y la capacidad de la música para construir identidades colectivas. Puede que no responda a todas las preguntas, pero sí consigue algo más difícil: que el espectador entienda por qué estas cuatro personas siguen juntas después de tantos años.

Ficha de ‘Los mejores años de nuestra vida’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Los mejores años de nuestra vida. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega. Guion: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega, Myriam Casín, Emilio González, Mercedes Cantero. Música: Hombres G. Fotografía: Juan Luis Cabellos, Willy Jauregui. Reparto principal: David Summers, Dani Mezquita Hardy, Rafa Gutiérrez Muñoz, Javier Molina. Producción: A Contracorriente Films, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Dadá Films & Entertainment, La calabaza amarilla, Los chicos de la puerta de al lado, Movistar Plus+, RTVE, Warner Music Spain. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial.

Análisis del blu-ray de ‘Anémona’

Arvi Licensing trae a nuestras casas el regreso de Daniel Day-Lewis

El lanzamiento en formato doméstico de ‘Anémona’ por parte de Arvi Licensing supone una oportunidad interesante para un reencuentro. Esta es una obra que, por su sensibilidad visual y narrativa, gana matices en revisiones posteriores, pero que sobre todo es muy esperada por los fans de Daniel Day-Lewis.

Disponible tanto en DVD como en Blu-ray desde este mes de abril, esta edición apunta directamente al coleccionista que valora el soporte físico o son mitómanos.

Presentación y calidad de imagen

La edición en Blu-ray ofrece una mejora evidente respecto al DVD, especialmente en esta película que presenta planos muy abiertos, alto nivel de contraste y mucho color. ‘Anémona’ es una película que se apoya en muchas secuencias en su estética, por lo que el salto a alta definición resulta relevante. El nivel de compresión es correcto, sin artefactos especialmente notorios, aunque en determinadas escenas con iluminación compleja se puede perder detalle si no tenéis bien calibrada vuestra televisión.

Sonido y experiencia audiovisual

En el apartado sonoro, la edición cumple con solvencia. Las pistas disponibles presentan una mezcla equilibrada, con diálogos claros y una ambientación bien distribuida en canales. No es una edición que destaque por espectacularidad sonora, pero sí por coherencia con el tono íntimo de la obra.

Para quienes valoran la versión original, la inclusión de opciones de audio y subtítulos facilita una experiencia más fiel al material original. Y es que uno de los detalles importante para captar matices en este filme es el acento que han trabajado los protagonistas.

Se puede escuchar en castellano, alemán e italiano Dolby Digital Plus 7.1. Inglés Dolby Atmos con servicio de audiodescripción. Los subtítulos se pueden configurar en inglés, inglés para sordos, danés, finés, alemán, italiano, noruego y sueco.

Contenidos adicionales

Uno de los aspectos más discretos de esta edición es la ausencia de contenidos extra. En un contexto donde el formato físico compite con plataformas digitales, la inclusión de material adicional (entrevistas, making of, comentarios del director) podría haber elevado considerablemente el valor del producto. Habría sido interesante ver a Daniel Day-Lewis hablando de su regreso o de cómo ha sido trabajar con su hijo y viceversa.

Es por esto que la edición en Blu-ray de ‘Anémona’ es una opción recomendable para quienes deseen incorporar la película a su colección en alta definición o a las películas del actor más oscarizado de la historia.

Extras

Esta edición no incluye ningún tipo de contenido adicional.

Crítica: ‘Strangers: capítulo final’

En qué plataforma ver Strangers: capítulo final

Un cierre que no cierra

La historia detrás de ‘Strangers: capítulo final’ es casi más interesante que la propia película. ‘Strangers: capítulo final’ forma parte de un ambicioso proyecto concebido como trilogía, rodado en parte en tierras y con dinero español y dirigido por Renny Harlin. Se rodó prácticamente del tirón (back-to-back) junto a sus entregas hermanas. La idea era reimaginar el universo que inició ‘Los extraños’, aquella pieza de home invasion protagonizada por Liv Tyler y Scott Speedman, que sí supo jugar con la tensión, el aislamiento y el terror cotidiano.

Aquí, sin embargo, desde el primer minuto se percibe una aproximación industrial más que autoral. La elección de abrir con una versión mustia, apagada, casi anestesiada de The Sound of Silence (que ya de por sí es bastante anticlimática) ya marca el tono: esta es una reinterpretación sin alma. Es una declaración de intenciones involuntaria que dice “esto no va a reinventar nada”.

Personajes vacíos y terror sin nervio

Si uno entra esperando, al menos, un slasher funcional, la decepción es inmediata. Los actores parecen trabajar menos que en un videoclip barato: sus interpretaciones carecen de progresión emocional, de matices, de cualquier atisbo de credibilidad. Y eso es especialmente problemático en un subgénero que depende tanto de la identificación con las víctimas. La final girl que plantean no tienen ni gancho, ni nervio ni carisma.

Los asesinos, por su parte, siguen exhibiendo ese clásico don de la ubicuidad (aparecen y desaparecen sin lógica espacial alguna), mientras que los protagonistas encadenan decisiones absurdas con una regularidad casi matemática. Nada nuevo en el género, pero aquí ejecutado sin tensión ni ritmo. Y luego está el “giro” de Richard Brake (ironía modo on), cuya presencia ya anticipa su rol mucho antes de que el guion pretenda sorprender.

Uno podría pensar: “al menos quedarán las muertes”. Pero tampoco. Las escenas de violencia son intrascendentes, planas, carentes de imaginación. No hay set pieces memorables ni una construcción del suspense que desemboque en algo catártico. Para más inri, los asesinos pierden incluso esa posición de superioridad tan característica del slasher: no hay rehén, no hay encierro efectivo, no hay resistencia sobrehumana. Sus “victorias” no se sienten inevitables ni terroríficas, casi accidentales. Eso desactivaría por completo cualquier lógica interna del relato, pero sientan una pauta que… bueno, será lo mejor que se les ha ocurrido.

Un “final” que contradice el título en España

El mayor pecado de ‘Strangers: capítulo final’ es su apatía. Es una película aburrida, sin ritmo, sin impacto visual, sin voluntad de explorar o innovar. La puesta en escena es plana, funcional en el peor sentido, como si cada plano estuviera diseñado para cumplir y no para sugerir.

A esto se suma un descuido técnico llamativo. Hay decisiones visuales difíciles de justificar, como el recrear un ojo humano junto a una insignia policial clásica… ambos con proporciones incoherentes. Son detalles que rompen la suspensión de incredulidad y evidencian una falta de control en postproducción. Ni siquiera los reshoots (que los hubo) logran salvar el conjunto. La explicación final sobre los asesinos es vaga, poco trabajada, y rematada con un caso de Síndrome de Estocolmo tan extremo que roza lo involuntariamente paródico. Durante buena parte del metraje se nos bombardea con flashbacks que prometen una revelación significativa… para desembocar en una conclusión que irónicamente es inconclusa.

Aquí entra también el problema del título. En España se ha optado por ‘Capítulo final’, lo que sugiere un cierre definitivo que, tras ver este filme es una falsa promesa. En versión original, el filme simplemente se presenta como la tercera parte, lo cual tiene más sentido dentro de una estrategia de franquicia abierta. Pero esa discrepancia genera una expectativa que la película no solo no cumple, sino que ignora por completo. Quizás el malentendido esté en esa técnica de rodaje explicada al comienzo, las tres películas han sido grabadas de seguido.

Ficha de ‘Strangers: capítulo final’

Estreno en España: 30 de abril de 2026. Título original: The Strangers: Chapter 3. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Hannah Galway, Ema Horvath, Krystal Ellsworth, Gabriel Basso, Madeline Petsch, Richard Brake. Producción: Elipsis Capital, Fifth Element Productions, Filmframe S.R.O., Lions Gate Entertainment, Mark Canton Productions, Stream Media, The Strangers Films, Vertigo Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘La Plaga’

En qué plataforma ver La Plaga

 Una cinta muy cruda, real y demasiado actual

Después de que causase furor en Cannes 2025, donde se presentó en la sección Un Certain Regard, ganadora a Mejor Reparto Masculino en el Festival de Sitges 2025 y también ganadora de DGA Award a Mejor dirección Revelación, llega la ópera prima de Charlie Polinger, ‘La Plaga’.

Una película demasiado actual que a más de uno le pondrá los pelos de punta. Terror realista, donde el bullying es el gran protagonista.

La Peste, la plaga, todo es lo mismo

Nos vamos a un campamento de waterpolo, ¡Bien!, felicidad y jolgorio. Todo sería así, si no fuese porque para Ben va a ser un maldito infierno desde el principio. Todos los niños que ahí allí se conocen, el es el nuevo y por alguna sinrazón comienzan a acosarle, a decir que tiene La Plaga y no querer acercarse a él por ser contagioso.

La historia es dura, sobre todo cuando todos hemos visto desde los ojos infantiles este tipo de situaciones. Cuando se jugaba a La Peste y te tocaba ser el apestado, te quedabas todo el día en el recreo solo/a y sin que nadie quisiese acercarse. Si que es cierto, que quizás en mi experiencia era un juego real en el que todos éramos cómplices, todos pasábamos por ese momento porque era un juego, y si incomodaba, o nuestro amigo/a se sentía mal el juego se terminaba. Aun así, ahora visto con ojos de adulto, me parece terrible un juego así, en el que durante un día, estabas solo/a.

En ‘La Plaga’ lo vemos en una escala bastante más grande y es que solo es una persona que no es capaz de defenderse, todos van a por el y todos le ignoran o huyen para no coger su “enfermedad”. El problema viene cuando la ansiedad decide actuar sobre el cuero de Ben y le aparecen unas extrañas manchas.

Dureza y realidad

Creo que la película muestra una realidad demasiado cruel y que se ha ido de las manos a mucha gente. En ‘La Plaga’, vemos como los monitores, esos adultos en los que todo niño confía, no son capaces de parar nada. Bajo palabras como ‘son cosas de niños’, ‘te tienes que defender’ o cosas que hemos escuchado todos, vamos viendo, como dejan que un montón de “matones” maltraten a un chaval débil y logren desquiciarlo.

‘La Plaga’ es dura, la verdad que lo pasas mal viéndola y la veo muy necesaria para que la gente, padres, monitores, profesores, se den cuenta de que no son cosas de niños, de que esto se les puede ir de madre y hacer que los traumas queden para siempre en ese futuro adulto/a y realmente sea demasiado tarde.

Charlie Polinger, dirige y escribe esta historia terrorífica que sin duda no sería nada si no fuese por el pedazo reparto de chavales que tiene. Rebecca Dealy, encargada del casting de actores, sin duda hizo un trabajazo y logró encontrar a unos actorazos. Everett Blunck con su delicadeza, nos muestra con los movimientos de su cuerpo, los gestos de su cara todo el estrés y ansiedad que tiene Ben cuando llegan sus compañeros. Kayo Martin logra que le odiemos, un personaje que sin duda borda, este papel le dio el Independent Spirit Award a Mejor Interpretación Revelación, sin duda merecida.

Terror realista

Recuerdo cuando vi la película en el Sitges Festival de 2025, me llevé un poco de chasco, porque yo me esperaba una película con elementos fantásticos. Me encontré una realidad cruda y difícil de asimilar en ese momento. Pero sin duda ‘La Plaga’ es una película de terror, como he dicho, muy real y por desgracia demasiado actual.

 Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2026. Título original: The Plague. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Charlie Polinger. Guion: Charlie Polinger. Música: Johan Lenox. Fotografía: Steven Breckon. Reparto principal: Everett Blunck, Jayo Martin, Kenny Rasmussen, Lucas Adler, Caden Burris, Elliott Heffernan, Lennox Espy, Joel Edgerton, Kolton Lee. Producción: Spooky Pictures, Imagenation Abu Dhabi FZ, The Space Program. Distribución: Youplanet. Género: Drama. Web oficial: https://youplanetdistribution.com/movie/la-plaga/

Crítica: ‘Resurrection’

En qué plataforma ver Resurrection

Un ejercicio de estilo entre lo hipnótico y lo inaccesible

‘Resurrection’ confirma que Bi Gan es uno de los cineastas más singulares del panorama contemporáneo, heredero espiritual de corrientes donde lo narrativo cede terreno a lo sensorial. Su propuesta se inscribe en ese cine chino emergente, experimental y en constante mutación, donde la imagen no ilustra una historia, sino que construye una experiencia.

Aquí, el director vuelve a demostrar su extraordinario dominio del lenguaje visual. La cámara se desliza con fluidez mágica, conectando espacios que parecen existir más en la mente que en una geografía concreta. Queda patente que tiene una altísima capacidad para crear espacios oníricos y de hacer que nos perdamos por ellos. Al fin y al cabo ha hecho de sus grabaciones con complejas coreografías de cámara y largas tomas una seña de identidad del director.

Sin embargo, ‘Resurrection’ lleva esa apuesta un paso más allá (o más adentro). La película no solo abandona la estructura clásica: la desintegra. Lo que propone es un galimatías intencionado (un caos estructural deliberado), donde las transiciones funcionan como en un sueño: cambias de escenario, de tono e incluso de género sin lógica aparente, pero con una extraña sensación de continuidad emocional.

Ese es, a la vez, su mayor acierto y su principal barrera. Bi Gan sabe perfectamente lo que hace, se percibe una clara intencionalidad, pero no siempre consigue que el espectador pueda seguirle sin perderse. La experiencia puede resultar fascinante o frustrante dependiendo de la disposición con la que se afronte.

Del expresionismo pasando por el cine negro hasta un romance vampírico contemporáneo

Uno de los aspectos más estimulantes de ‘Resurrection’ es su capacidad para mutar constantemente de registro. La película transita por diferentes estilos cinematográficos como si fueran capas de una misma conciencia. Hay momentos donde el expresionismo domina la puesta en escena (luces imposibles, sombras que parecen tener vida propia e incluso ausencia de sonido en los diálogos). En otros casos el relato adopta códigos del cine negro (figuras errantes, atmósferas densas, personajes taciturnos). Y de forma inesperada se desliza hacia un tipo de romance vampírico propio del cine contemporáneo más estilizado y juvenil.

Lejos de ser un collage arbitrario, esta mezcla responde a una lógica interna muy concreta: la del recuerdo y el sueño (y no me refiero a la siesta que se ha echado alguno en la sala en la que he visto ‘Resurrection’). Como bien sabréis, la memoria no es lineal y a veces ni coherente. Bi Gan la entiende como un cúmulo de información acumulativo, caótico y profundamente subjetivo. Para traducir todo esto el director recurre al lenguaje cinematográfico.

En este sentido, la película dialoga con tradiciones autorales cercanas a Andrei Tarkovsky o a propuestas tan raras y actuales como el ‘Valley of the gods’ de Lech Majewski. En esas proyecciones el cine se convierte en una herramienta para explorar estados de conciencia más que relatos convencionales.

Metacine, memoria y bucles oníricos

Si hay una idea que articula ‘Resurrection’ es la del bucle. Pero no un bucle temporal al uso, sino uno profundamente ligado al ámbito onírico y a la memoria. Los personajes no parecen repetir eventos: parecen atrapados en sensaciones, en ecos emocionales que se reconfiguran constantemente.

La película recurre para ello al metacine y al experimentalismo más puro. Hay momentos en los que el propio acto de filmar o de mirar se convierte en tema, como si Bi Gan quisiera recordarnos que el cine y los sueños no son más que un constructo que nosotros mismos creamos.

La “resurrección” del título no debe entenderse en términos literales. No hay aquí una vuelta a la vida en sentido físico, sino una reactivación de lo vivido: recuerdos que resurgen, emociones que se niegan a desaparecer, imágenes que persisten aunque ya no exista su origen.

El resultado es una obra que busca encerrar al espectador en ese mismo bucle (y lo consigue, aunque no siempre de forma cómoda ni entretenida). Es cine de sensaciones, de atmósferas, de intuiciones. Un tipo de propuesta que exige más de lo habitual, pero que también ofrece una experiencia difícil de encontrar en el cine más convencional.

Ficha de ‘Resurrection’

Estreno en España: 30 de abril de 2026. Título original: Kuang ye shi dai. Duración: 160 min. País: China. Dirección: Bi Gan. Guion: Bi Gan. Música: M83. Fotografía: Dong Jingsong. Reparto principal: Tang Wei, Huang Jue, Sylvia Chang, Lee Hong-chi. Producción: Huace Pictures, Dangmai Films, CG Cinéma, Arte France Cinéma, Obluda Films. Distribución: Mader Films, Filmin. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial.