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Crítica: ’28 años después’

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En qué plataforma ver 28 años después

Sinopsis

Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, todavía bajo una cuarentena brutalmente impuesta, algunos han encontrado formas de existir en medio de los infectados. Uno de estos grupos de supervivientes vive en una pequeña isla conectada al continente por una única carretera fuertemente defendida. Cuando uno de los miembros del grupo abandona la isla para adentrarse en el oscuro corazón del continente, descubre secretos, maravillas y horrores que han mutado no sólo a los infectados, sino también a otros supervivientes.

Crítica

Danny Boyle convierte el apocalipsis en arte lisérgico

Recuerdo que cuando vi ‘28 días después’ quedé en shock por su planteamiento inicial, por su crudeza y por innovar con el concepto de infectados y de zombies que corren. Quizá precisamente sea la novedad y la conmoción lo que buscan Danny Boyle y Alex Garland con este regreso a su saga. ’28 años después’ supone un retorno muy diferente al que todo el mundo espera. Desde luego no es una película para todo el mundo. Lejos de repetir la fórmula que tantos imitadores generó, esta entrega es la mayor macedonia que han creado ambos cineastas, con extra de riesgo comercial, una mezcla de géneros, narrativas y estilos que sorprende tanto como desconcierta. Y, aun así, la he disfrutado.

Conste que aunque es un filme fácil de entender y difícil de describir voy sin spoilers. Aunque os dé algunas claves, no acertaríais ni de lejos lo que pasa en esta película. Ni en un millón de intentos. Y eso, en los tiempos que corren, ya es un logro.

La premisa nos lleva a una Europa que, motivada por el miedo al virus, ha decidido cerrar sus fronteras e ignorar al Reino Unido. Se condena así a las islas británicas a un regreso a la Edad Media donde la humanidad debe encarar y abrazar sus facetas más primitivas. ¿COVID? ¿Crisis de refugiados? ¿Paralelismos con la actualidad? Lo pensé y puede haber alguna lectura similar. Pero si acaso está más presente el tema del Brexit y una especie de condena a esa Inglaterra que se independiza de todo. Y por supuesto está el amor maternofilial como en ’28 semanas después’ y el filme se atreve también con temas como la eutanasia y el ritualismo, pero todo envuelto en una narrativa que a ratos roza el delirio.

Danny Boyle recupera su espíritu más experimental. Si en ‘28 días después’ jugó con cámaras domésticas, ahora rueda buena parte con móviles, dándole un aire más casero y cercano para el espectador. Aunque esta tecnología también le permite grabar efectos “tipo Matrix” que les dan a las muertes un toque diferente y distintivo. Fotogénicamente la película no tiene pero alguno, logrando imágenes que muchas horas después de ver el filme aún tengo grabadas. Hay fotogramas memorables, secuencias que sacan lo mejor de este artista. Igual sucede con la música, que aporta un toque tremendamente british al filme y en cuya banda sonora no está el tema de John Murphy. Este marcado acento de las islas está justificado por cómo se azota al país natal de los autores de la obra. Me explico en el siguiente párrafo.

Podemos asumir que los injertos de películas como ‘Enrique V’ mostrando a ingleses victoriosos matándose por Europa en diferentes épocas, están para trasladarnos a una situación que se repite en el tiempo y retratan una soberbia caída ahora en desgracia. Conducir por el otro lado, tener enchufes diferentes, pagar en libras… Los británicos han tenido siempre una especie de necesidad de desmarcarse del resto y esa autosuficiencia identitaria está en el filme a base de referencias fatales. Al fin y al cabo esta película nos viene a decir que el virus de la rabia es algo de los ingleses y el mundo ha dicho, «quédate ahí con lo tuyo». Y si entramos en el campo de las alusiones nos damos cuenta del batiburrillo y lo loco que ha sido este nuevo viaje. Teletubbies, ritos iniciáticos espartanos, enfrentamientos tipo ‘El guerrero número 13’, huidas a lo ‘Ataque a los titanes’, momentos que rememoran a Braindead… Todo eso ha pasado por mi cabeza en diferentes momentos, así de caótica es la cosa. Si la película te parece una locura con estas conexiones espera a ver a los cazadores ataviados con chándal del Humana.

Y, sin embargo, por alguna extraña razón, ’28 años después’ funciona. Hay secuencias antológicas, como una tensa escena con una voz en off radiofónica in crescendo, una persecución vibrante por un corredor marino o un momento de recorte en silueta que a escalofríos de lo goyesco que es. La película se entiende y se sigue, incluso cuando se va por derroteros más propios del cine lisérgico o de autor. Lo que cuesta entender es cómo han decidido tomar un rumbo tan comercialmente arriesgado. Todo esto nos habla de un Danny Boyle desmelenado. Pero ¿y Alex Garland? Difícil decir dónde está su huella exacta. Hay momentos poéticos, otros excesivos, algunos profundamente inquietantes, quizá ahí está su marca. Por supuesto hay un poco del tema militar, leitmotiv de sus últimas películas (‘Civil War’, ‘Warfare’). Desde luego en este reencuentro de ambos no tenemos un resultado igual. ‘28 años después’ no tiene la energía caótica de la primera ni el tono bélico de la segunda. Es más calmada, más enigmática y por momentos bellísima en su rareza.

Los zombis están, sí. Y corren. Pero ahora también evolucionan, y eso abre preguntas que ni me esperaba o son propias de la serie B o Z. Si esto es lo que nos espera para las próximas dos entregas ya anunciadas, no sé cómo me voy a preparar.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: 28 days later. Duración: 115 min. País: Reino Unido. Dirección: Danny Boyle. Guion: Danny Boyle, Alex Garland. Música: Young Fathers. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson. Jack O’Connell, Alfie Williams, Ralph Fiennes. Producción: Columbia Pictures, British Film Institute, Decibel Films, DNA Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://28yearslater.movie/

Crítica: ‘Quinografía’

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Sinopsis

Conocemos a Quino, su obra y su mundo con imágenes y testimonios inéditos.Con la última entrevista que Quino ofreció y con el testimonio de amigos, familiares y expertos en la historia del cómic, repasamos la vida y el enorme legado del creador de Mafalda.

Recorremos, junto a él, su biografía, sus orígenes y el largo camino recorrido para convertirse en una celebridad mundial y para volver al fin a su Mendoza natal, viudo y casi ciego, para despedirse de la luz de su infancia.

Quinografía intenta, además, plantear una reflexión sobre las formas artísticas de abordar un archivo, sobre el modo en que dialogan el presente y el pasado, bajo una certeza mafaldiana: los adultos no tienen la menor idea de lo que hacen con el mundo.

Crítica

Radiografía profunda del filósofo del chiste corto

Mafalda no fue solo una niña contestataria. Fue ,y sigue siendo, un espejo lúcido y humorístico de la sociedad moderna. Creada en 1964 por Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, la tira cómica fue traducida a más de treinta idiomas y ha formado parte de generaciones de lectores que vieron en ella algo más que humor: una herramienta crítica que desafiaba injusticias, autoritarismos y absurdos cotidianos. Mafalda, nacida en Argentina pero con alma universal, fue el canal más puro por el que Quino vertió su genialidad humanista. Pero el historietista fue mucho más que eso.

‘Quinografía’, el documental de Mariano Donoso y Federico Cardone, no se contenta con repasar su obra. Va más allá: ofrece un retrato afectivo, introspectivo y, sobre todo, humanizado de un autor que cambió la manera en que millones de personas entendían la política, la infancia y el mundo.

A través de su última entrevista póstuma y material inédito, dibujos originales, fotografías familiares, testimonios, el filme nos invita a viajar por los lugares donde Quino vivió y dejó huella: Buenos Aires, Milán, París, Madrid. Esta geografía afectiva, más que una biografía al uso, funciona como un mapa de su sensibilidad artística. En esos lugares cultivó y dio rienda suelta a un ingenio, camuflado de inocencia infantil con Mafalda, que descubría verdades en el espacio que otorgaba una sola tira cómica.

Testigos de excepción como Joan Manuel Serrat, Milena Busquets, Álex Grijelmo o Jorge Valdano, entre otros muchos incluyendo a sus sobrinos, aportan una mirada personal al hombre que, con aparente timidez, supo dar voz a las angustias sociales más profundas. Especialmente reveladora resulta su faceta como exiliado: hijo de republicanos españoles, Quino heredó no solo el compromiso político, sino también una mirada europea crítica sobre la historia y el presente.

Lejos de la hagiografía complaciente, ‘Quinografía’ muestra sus contradicciones: su pudor ante los premios, su rechazo a la monarquía incluso cuando aceptó el Príncipe de Asturias, su preocupación por el resurgir de la derecha en Europa. Con lo azote que fue para la ultraderecha y contra las injusticias sociales hoy no le faltaría trabajo y le sacaría los colores a más de uno, tanto en Argentina como en Europa. Quino fue un hombre coherente, incómodo para los poderosos y entrañable para los comunes.

La mayor virtud del documental radica en su capacidad para transmitir sin solemnidad el peso cultural de Quino. Su humor, tan mendocino como andaluz, tan argentino como planetario, ha conseguido algo inédito: que una niña ficticia como Mafalda sea estudiada en lo más recóndito del mundo, como en cátedras de filosofía en Taiwán. Esa es la medida de su universalidad. ‘Quinografía’ no es solo un retrato; es un homenaje profundo y necesario. Una clase de historia, arte y conciencia política con alma de viñeta.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2025. Título original: Quinografía. Duración: 75 min. País: Argentina, España. Dirección: Mariano Donoso, Federico Cardone. Guion: Mariana Guzzante. Música: Mauro Marquet, Alejandro Fiore. Fotografía: Mariano Donoso, Isabel Ruiz. Reparto principal: Quino, Joan Manuel Serrat, Jorge Valdano, Milena Busquets, Álex Grijelmo. Producción: El Gatoverde Producciones, Curandero Producciones, INCAA (Argentina), el ICAA (España), RTVE. Distribución: ME LO CREO. Género: documental. Web oficial: https://elgatoverdeproducciones.com/peliculas/quinografia/

Crítica: ‘Ne Zha 2’

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En qué plataforma ver Ne Zha 2

Sinopsis

Ne Zha, un niño demonio criado por humanos, forma una incómoda alianza con el príncipe Loong, Ao Bing, en una batalla épica para proteger a sus clanes. Después, sus cuerpos se tambalean al borde de la destrucción. Ne Zha debe embarcarse en una peligrosa búsqueda para obtener un elixir que restaure el cuerpo de Ao Bing. Durante este viaje para matar demonios, Ne Zha descubre una conspiración que desencadenará una guerra devastadora entre el bien y el mal, y deberá desafiar a fuerzas traicioneras para proteger lo que más aprecia.

Crítica

Un blockbuster chino de récords y mucha espectacularidad

‘Ne Zha 2’, dirigida por Yu Yang, es una secuela que aspira a multiplicar la épica de su predecesora, pero termina siendo un ejemplo de cómo el exceso puede diluir incluso las ideas más potentes. Desde su primer fotograma queda claro que estamos ante un producto ambicioso, pensado no solo para conquistar al público chino sino también para cimentar una franquicia. Sin embargo, pese a sus aciertos visuales y a una acción que recuerda por momentos al mejor Zhang Yimou, la película falla al intentar equilibrar su despliegue técnico con una narrativa coherente.

Para quienes no vieron la primera entrega, la confusión llega rápido. Aunque se intenta contextualizar mínimamente, el arranque se apoya demasiado en el conocimiento previo de los personajes y sus conflictos. Esto se agrava con una historia que recurre una y otra vez a la improvisación narrativa: elementos que aparecen sin lógica clara, personajes con motivaciones confusas y una mitología que mezcla libremente tradiciones. Es un guion que parece escrito sobre la marcha, más preocupado por el espectáculo que por la cohesión.

En cuanto a su duración, ‘Ne Zha 2’ sufre el mismo mal de muchas superproducciones actuales: se alarga innecesariamente. Las más de dos horas de metraje se sienten como una travesía irregular, con altibajos constantes. Algunas secuencias de batalla son espectaculares, coreografiadas inclusos con elegancia y una escala que justifica el ejército de animadores scon el que ha contado el filme. Lástima que algunas de esas escenas se extienden más allá de lo necesario, perdiendo ritmo y ganando fatiga visual.

Donde la película brilla es en su apartado artístico. La iconografía es simplemente brutal: los escenarios están diseñados con un nivel de detalle y una paleta cromática que resulta abrumadora y hermosa a la vez. Cada plano es una postal, una explosión de color y estética tradicional reinterpretada con técnicas modernas. Lamentablemente, este nivel no se extiende a los personajes, que parecen sacados de un videojuego para móviles. Los modelados son genéricos, con expresiones limitadas y una estética recargada en exceso que rompe con el lirismo de los fondos.

El protagonista, Ne Zha, es un arquetipo del héroe todopoderoso, pero destaca por su aura oscura y su naturaleza malvada, un enfoque que lo aleja del típico “elegido luminoso” y le aporta una dimensión más interesante y simpática a partes iguales. Aun así, ni siquiera su complejidad moral salva a una película que a veces se toma demasiado en serio y otras no se toma en serio en absoluto. Otro aspecto que desentona, especialmente en su versión doblada, es la voz del protagonista. El trabajo de doblaje, si bien técnicamente correcto, no termina de encajar con la construcción del personaje. La entonación de su voz, resulta excesivamente limpia, juvenil y algo plana para un héroe con una carga tan oscura y compleja.

Esta es una película que explora el terreno de los récords. ‘Ne Zha 2’ ha seguido los pasos de su predecesora y ha arrasado en taquilla local. En sus primeros días, rompió varios récords de recaudación en China, consolidándose como uno de los estrenos animados más vistos del año. Incluso ha llegado un momento que se ha colocado a nivel mundial como la película animada más vista de la historia. Este éxito demuestra el tirón del personaje en el imaginario popular chino, así como el músculo de la animación local frente a las grandes producciones internacionales.

Como cierre, una escena post-créditos confirma que se va a querer seguir explotando la gallina de los huevos de oro, o el caldero del Palacio Blanco, empleando la terminología del filme. Se planta la semilla de un universo con muchos personajes e incógnitas por resolver, una estrategia clara para estirar el chicle mientras el público lo permita.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: Nezha: Mo Tong Nao Hai. Duración: 143 min. País: China. Dirección: Yu Yang. Guion: Yu Yang. Música: Ro Chen, Win Pin Chu, Rui Yang. Reparto principal (doblaje original): Yanting Lü, Mo Han, Hao Chen, Gong Geer, Yuze Han, Joseph, Qi Lü, Deshum Wang. Producción: Beijing Enlight Media Co., Chengdu Yingduoduo Culture Media, Coco Cartoon, Horgos Coloroom Pictures. Distribución: Adso Films. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: https://weibo.com/u/6217939256

Crítica: ‘The last showgirl’

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En qué plataforma ver The Last Showgirl

Sinopsis

Una experimentada bailarina (Pamela Anderson) debe planificar su futuro cuando su espectáculo cierra abruptamente tras una carrera de 30 años. Como bailarina de cincuenta años, se debate por saber qué hacer a continuación. Como madre, se esfuerza por reparar una tensa relación con su hija, que a menudo pasaba a un segundo plano en su vida.

Crítica

Bonita historia sobre los sueños sin cumplir y los anhelos de otra vida

Hace ya un tiempo se estrenó un documental en Netflix llamado ‘Pamela: Una historia de amor’. La historia de una chica que quería ser una famosa actriz. Durante años fue una de nuestras vigilantes de la playa favoritas, en el cine tampoco destacó demasiado pese a todos sus intentos de avanzar y demostrar lo que sabía hacer. La filtración de un video doméstico hizo de su carrera se parase y los papeles que le daban no fuesen los mejores del mundo.

Pamela Anderson, tras una gran depresión y lograr encandilar a Nueva York con su papel e Roxie Hart en Chicago, protagoniza ‘The last showgirl’. Para nada es autobiográfica, pero admito que después de ver el documental, veo porque se ha sentido tan cómoda realizando este papel. Está hecho para ella. No se si Kate Gersten escribió el guion pensando en ella, pero sin duda, en entrevistas, Gia Coppola, la directora de la película, movió cielo y tierra para que la actriz leyese el guion. Y por supuesto sin dudarlo ni un momento, lo aceptó.

En la cinta conocemos a un grupo de vedettes que trabajan en un show en Las Vegas, que está a punto de terminar. No van a renovarlo y todas las bailarinas deben renovarse o morir.

Vemos los difíciles momentos del casting, y más para una mujer, como es el caso de nuestra protagonista, con más de 50 años. Venderte delante de jóvenes directores de casting, para bailar que es lo único que crees que sabes hacer, es difícil, los nervios y la tensión son complicados de llevar. Mientras vemos estas escenas, creo que la actriz da mucho más y se ve a ella misma años atrás intentando regresar a un mundo que la ha dejado atrás.

La cinta nos cuenta también esa camaradería entre estas bailarinas, todas ellas con edades muy distantes, pero que se comprenden al tener el mismo sueño, lograr triunfar de un modo u otro en este mundo tan difícil que es el de la actuación.

En este reparto tan dispar, encontramos junto a Pamela Anderson, a Brenda Song, Kiernan Shipka, Dave Bautista y Jamie Lee Curtis. Todos ellos estupendos en esta cinta en la que conocemos a todos los personajes a través de situaciones cotidianas, en el día a día.

Una de las cosas que me ha gustado mucho ha sido la fotografía, tiene un grano grueso, con colores apagados y poca luz. Por la noche brilla y en el exterior es una luz muy tenue. Dándole la importancia que tiene a la noche de estas chicas que están a punto de perder su modo de vida.

El vestuario, lleno de trajes complicadísimos llenos de pedrería y grandes tocados. En entrevistas, he podido ver que las actrices comentaban lo mucho que pesaban estos adornos en el pelo. Se nota un gran trabajo por parte de vestuario, Rainy Jacobs y Jacqueline Getty son los principales encargados de este trabajo.

‘The last showgirl’ es una cinta bastante nostálgica, llena de anhelos, donde la vida pasa y los sueños no se han cumplido. Simplemente, la vida a pasado entre bambalinas y de repente tienes que volver al ruedo y avanzar.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: The last showgirl. Duración: 86 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Gia Coppola. Guion: Kate Gersten. Música: Andrew Wyatt. Fotografía: Autumn Durald. Reparto principal: Pamela Anderson, Kiernan Shipka, Brenda Song, Jamie Lee Curtis, Dave Bautista, Jason Schwartzman, Billie Lourd. Producción: Utopia, Digital Ignition Entertainment, High Frecuency Entertainment, Pinky Promise. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://vertigofilms.es/movie/the-last-showgirl/

Crítica: ‘La furgo’

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En qué plataforma ver La furgo

Sinopsis

Oso (Pol López), un hombre divorciado de 45 años, vive con su hija de 6 años en una furgoneta en Barcelona mientras intenta reconstruir su vida. Acompañado por un grupo de personajes peculiares trata de recuperar estabilidad, pero la boda de su ex lo lleva al límite. La Furgo es un emotivo drama humano sobre la precariedad, la identidad y la búsqueda de segundas oportunidades.

Crítica

Cómo avanzar sin GPS hacia uno mismo cuando te encuentras aparcado de la vida

‘La furgo’, dirigida por Eloy Calvo y basada en el cómic homónimo de Martin Tognola y Ramón Pardina, se suma a la oleada de películas españolas que, sin alardes ni grandilocuencias, logran trazar un retrato certero de la sociedad contemporánea. Esta adaptación cinematográfica se apoya en un sólido guion para explorar con sensibilidad, pero sin sentimentalismo, los vértices de la crisis de los cuarenta, una etapa que en este caso se manifiesta más en el exterior que en el interior: el protagonista (interpretado con contención y vulnerabilidad por Pol López) vive en una furgoneta tras separarse de su pareja, malvive a base de favores y lucha por mantener el vínculo con su hija.

Aunque pueda parecer que ‘La furgo’ se sube a la moda post-pandemia de las camper vans como estilo de vida, la película toma un rumbo diferente. Aquí el vehículo no es símbolo de libertad, sino de precariedad, una prisión con ruedas en la que el protagonista intenta recomponer los pedazos de una existencia resquebrajada. El tema de la vivienda basada en un furgón podría recordar el tema social e incluso romántico de ‘Nomadland’. En parte es así e incluso se toca el tema del trabajo precario como repartidor, lanzando dardos a Glovo en lugar de a Amazon. No olvidemos que este cómic se publicó en 2018, dos años antes que la película de Chloé Zhao.

Aunque a muchos podría recordar detalles generacionales de ‘Nomadland’, dista de seguir el mismo rumbo o hilo central. Por supuesto está el tono mediterráneo marcando una buena diferencia. Como aquella película, toca temas como la vivienda inaccesible, las responsabilidades y las vidas improvisadas en la marginalidad urbana. ‘La furgo’ prefiere la cercanía de los barrios de Barcelona, donde el asfalto y el cemento aprietan tanto como las deudas emocionales. Y sobre todo llegará al espectador que viva la dificultad para independizarse y para conseguir vivienda propia. También trata sobre aquello que nos impide pedir ayuda, las segundas oportunidades y la construcción de una identidad. Es una película que dentro de su sencillez y hora y media de duración es capaz de establecer todas esas capas.

Uno de los grandes aciertos del film es cómo transita entre el realismo social y las evasiones del protagonista, representadas mediante preciosas secuencias de animación que conectan directamente con el espíritu gráfico del cómic original. Estas escenas no solo aportan belleza visual, sino que refuerzan una de las grandes ideas de la historia: la necesidad de imaginar otras vidas posibles, aunque sea para sobrevivir a la propia.

En una época en la que el cómic español encuentra nuevas vías de expresión a través del cine —como ya demuestran nombres como Paco Roca o Santiago García—, ‘La furgo’ se posiciona como un ejemplo de cómo el audiovisual puede dar una segunda vida al noveno arte, sin perder el alma de la obra original. Calvo consigue encapsular en apenas 90 minutos un abanico de temas —la identidad, el perdón, las segundas oportunidades— sin perder el pulso narrativo ni caer en el drama lacrimógeno.

‘La furgo’ es un road trip sin mapa, donde el mayor viaje es el de la vida. Una película sencilla, pero con capas que merecen ser descubiertas. Una historia pequeña que habla de cosas grandes. Y sobre todo, una demostración de que el cine español actual sigue encontrando caminos propios para hablar del mundo que nos rodea. Aunque sea desde una furgoneta aparcada en una calle cualquiera.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: La furgo. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Eloy Calvo. Guion: Martín Tognola, Ramon Pardina. Música: Marc Parrot. Fotografía: Anna Molins. Reparto principal: Pol López, Marina Lleida. Producción: Teidees, RTVE, 3CAT, Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), Crea SGR Distribución: Sideral. Género: drama. Web oficial: https://www.teidees.com/es/projectes/la-furgo/

Sorteamos entradas para ’28 años después’

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Nos aliamos con Aeterna y mk2 para que podáis ver cuanto antes la película de Danny Boyle

Con motivo del esperado estreno de ‘28 años después’, la nueva entrega de la mítica saga de Danny Boyle y Alex Garland, en Moviementarios queremos invitarte a vivir esta experiencia única en pantalla grande. Por eso, sorteamos dos entradas dobles para disfrutar de la película el día de su estreno. Y será en un pase especial que se realizará en el maco del ciclo Aeterna Nova, el cual, tendrá lugar en mk2 Palacio de Hielo (Madrid). No dudes en venir el día 20 a esa proyección pues habrá regalos sorpresa.

Aeterna es una propuesta cinematográfica que combina los grandes estrenos del año con obras que marcan un antes y un después en el género fantástico y de ciencia ficción. ‘28 años después’ promete emociones fuertes, tensión y una mirada renovada al universo postapocalíptico que marcó a toda una generación.

Participar es muy fácil: sigue las instrucciones que encontrarás más abajo en la imagen, búscanos en las redes sociales para participar y entra en el sorteo de una de estas entradas dobles. Tienes hasta el 18 de julio para participar.

¡No dejes pasar esta oportunidad! Reencuéntrate con el miedo y la adrenalina en una sala de cine como merece esta historia.

Ganadores:

Garianart (Instagram)

Lunacy_mitchik (X)

Novedades de Divisa Films para julio de 2025

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A partir del 8 de julio a la venta

Julio llega lleno de novedades en formato doméstico gracias a Divisa Films. Que nos devuelve clásicos como ‘Los caballeros las prefieren rubias’, ‘Cómo casarse con un millonario’ o ‘Río sin retorno’. Pero también estupendas comedias como ‘Agárralo como puedas’ o ‘Superdetective en Hollywood III’. Pero no solo eso, ‘Collateral’, ‘La vida es bella’, ‘La Mesías’ o ‘Amateur’ son parte de todas estas novedades que llegan este veranito para ponernos el cine en casa y disfrutar de una buena temperatura.

A continuación, os dejamos todas las novedades que nos traen, en la siguiente galería de fotos.

Arantxa Echevarría recibirá el Premio Fugaz de Honor 2025

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La directora de “La Infiltrada” será reconocida por su aportación al cortometraje

Arantxa Echevarría, una de las voces más destacadas del cine español contemporáneo, será homenajeada con el Premio Fugaz de Honor 2025 en reconocimiento a una cineasta que se considera cortometrajista a pesar de sus exitosos largometrajes. El galardón se entregará el próximo 25 de junio en la gala de los Premios Fugaz, que tendrá lugar en la Sala 25 de Kinépolis Ciudad de la Imagen (Madrid), ante un público de más de mil asistentes.

Aunque Echevarría ha alcanzado el éxito en el largometraje con títulos como ‘Carmen y Lola’, ‘Chinas o la reciente ‘La Infiltrada’, la cineasta se ha definido en numerosas ocasiones como “cortometrajista de corazón”. Este premio supone un reconocimiento a sus raíces en el formato corto, donde se forjó como narradora comprometida y original.

Un homenaje a la mirada corta, pero profunda

La organización de los Premios Fugaz ha querido destacar obras clave de Echevarría en el cortometraje como ‘Don Enrique de Guzmán’ (2012), ‘De noche y de pronto’ (2014), ‘Yo, presidenta’ (2015) o ‘El último bus’ (2016). Su estilo directo, socialmente comprometido y con especial sensibilidad hacia las minorías, ha marcado a toda una generación de nuevos cineastas.

Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, destacó que Echevarría “representa la pasión y el riesgo que hacen grande al cine. Su mirada ha abierto camino a otros y es un honor rendirle tributo desde el cortometraje, donde todo comenzó”.

De los cortos a romper récords de taquilla

La trayectoria de Arantxa Echevarría es un ejemplo de evolución profesional basada en la autenticidad. Nacida en Bilbao en 1968, estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid y se especializó en realización y producción audiovisual. Tras colaborar en televisión y publicidad, dirigió el revelador documental Cuestión de pelotas para TVE, que ayudó a visibilizar la precariedad de las futbolistas españolas.

En el mundo del corto, su obra ‘De noche y de pronto’ fue nominada al Goya en 2015, y ‘Yo, presidenta’ contó con la última aparición de Chus Lampreave. Su salto al largometraje llegó con ‘Carmen y Lola’ (2018), una historia de amor entre dos chicas gitanas que la consagró con un Goya a Mejor Dirección Novel y más de 50 premios internacionales.

En 2024, ‘La Infiltrada’ rompió todos los pronósticos: un thriller basado en hechos reales sobre una agente encubierta en ETA que ha recaudado más de ocho millones de euros, convirtiéndose en la película dirigida por una mujer más taquillera de la historia del cine español. Protagonizada por Carolina Yuste y Luis Tosar, recibió 13 nominaciones a los Premios Goya, entre ellas Mejor Película y Mejor Dirección.

Una gala que celebra el talento emergente

La edición 2025 de los Premios Fugaz contará con la participación de más de 600 cortometrajes evaluados por un comité de 1.600 profesionales. Este año se estrenan dos nuevas categorías: Mejor Cortometraje Hispanoamericano y Mejor Cortometraje de Escuela, consolidando los Fugaz como la plataforma clave para el cortometraje en España.

El evento cuenta con el respaldo de Kinépolis, la Universidad Complutense de Madrid, Filmin, Movistar+, y más de 50 festivales nacionales, que colaboran activamente en la selección de obras finalistas.

El reconocimiento a Arantxa Echevarría no solo celebra su éxito, sino también su firme defensa del cortometraje como arte y como semillero de grandes historias. Un premio merecido para una directora que ha demostrado que el formato corto puede tener un impacto inmenso.

Foto de portada: Mirta Rojo.

‘El Cautivo’, la nueva película de Alejandro Amenábar. TRÁILER

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Julio Peña y Alessandro Borghi protagonizan esta historia sobre Miguel de Cervantes en su cautiverio en Argel

Alejandro Amenábar, uno de los grandes nombres del cine español, vuelve a la gran pantalla con ‘El Cautivo’, un drama histórico ambientado en el siglo XVI que narra un episodio clave en la vida del escritor Miguel de Cervantes. La película, que se estrenará en toda España el próximo 12 de septiembre de la mano de Buena Vista International (The Walt Disney Company), promete ser una de las grandes apuestas del cine nacional este 2024.

Una historia de cautiverio, imaginación y supervivencia

Ambientada en 1575, ‘El Cautivo’ sigue a un joven Cervantes, interpretado por Julio Peña, quien es capturado por corsarios árabes y llevado como prisionero a Argel. Allí, con su vida pendiendo de un hilo a la espera de un rescate, encuentra refugio en su mayor talento: contar historias. Gracias a su imaginación y carisma, consigue levantar el ánimo de sus compañeros y captar la atención de Hasán, el temido Bajá de Argel, interpretado por Alessandro Borghi.

Lejos de rendirse, Cervantes planea una arriesgada fuga, alimentado por su inquebrantable espíritu y una naciente vocación que cambiaría la historia de la literatura.

Un reparto coral y un equipo técnico de primer nivel

El filme cuenta con un reparto de lujo en el que, además de Peña y Borghi, destacan nombres como Miguel Rellán, Fernando Tejero, Luis Callejo, José Manuel Poga, Roberto Álamo, Albert Salazar, y la joven debutante Luna Berroa. También participan César Sarachu, Jorge Asín, Mohamed Said, Walid Charaf y Juanma Muniagurria, entre otros.

En el equipo técnico encontramos a profesionales de renombre: Álex Catalán en la dirección de fotografía, Juan Pedro de Gaspar en el diseño de producción, Nicoletta Taranta en el vestuario y Gabriel Gutiérrez en el sonido. El maquillaje y peluquería están a cargo de las nominadas al Oscar® Ana y Belén López Puigcerver, y la banda sonora ha sido compuesta por el propio Amenábar.

Una producción internacional con sello español

El Cautivo es una coproducción entre España e Italia a través de Mod Producciones, Himenóptero, Misent Producciones, Mod Pictures y Propaganda Italia, con la participación de RTVE, Netflix y RAI Cinema. Ha contado con financiación del ICAA, la Generalitat Valenciana, el Ministerio de Cultura de Italia y el apoyo de Eurimages.

El rodaje se ha llevado a cabo en localizaciones como Alicante, Santa Pola, los estudios Ciudad de la Luz y los Reales Alcázares de Sevilla, lo que aporta realismo y belleza visual a la recreación histórica.

Un proyecto personal para Amenábar

Alejandro Amenábar ha descrito esta película como una de las más intensas y personales de su carrera. El director de títulos como ‘Mar adentro’ y ‘Los otros’ explora aquí el despertar artístico de un joven Cervantes en medio de la adversidad: “Deseo que la gente conozca a Miguel de Cervantes tanto como creo conocerlo yo ahora”, afirma el cineasta.

Con esta producción, Amenábar no solo rinde homenaje al genio literario, sino que invita al espectador a reflexionar sobre la resiliencia, el poder de la imaginación y la identidad en un mundo hostil.

Crítica: ‘Cómo entrenar a tu dragón’

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En qué plataforma ver Cómo entrenar a tu dragón

Sinopsis

En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames; Black Phone, Para toda la humanidad) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler, que también puso voz al personaje en VO en la saga de animación) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.

En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (la nominada a los BAFTA Nico Parker; Dumbo, The Last of Us) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost; Blancanieves y la leyenda del cazador, Zombies Party), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.

Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.

Crítica

Increíble y perfecta

 Estamos ante el primer live-action de Dreamworks y sin duda lo han clavado. Qué maravilla es ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Si, es calcada a la película de animación, pero aun así podían perder esa magia, esos valores que nos enseñan que las apariencias engañan y no siempre los malos son las bestias enormes que echan fuego por la boca. Y no, no pierden ni una pizca de su esencia.

Nos vamos a Isla Mema, una isla en la que viven un gran pueblo vikingo cazadores de dragones. Estos están en guerra con estos grandes animales desde hace siglos. Hipo, el hijo de Estoico, el jefe de este gran pueblo, va a cambiar por completo todo esto.

Se que no iba a ser complicado que me gustase, pero iba con miedo. Muchas veces, por muy bien que se vean los tráilers, la película puede perder el alma y ‘Cómo entrenar a tu dragón’ no es una de esas. El director Dean DeBlois, director de las cintas animadas también, se ha encargado de que todo funcione a la perfección, con un gran casting y sin duda un gran equipo de efectos especiales. Se nota sin duda el gran cariño a la historia de Cressida Cowell y por supuesto a su película original.

Mason Thames (‘The Black Phone’) es un perfecto Hipo, con sus debilidades y fortalezas. Con esa inseguridad y bondad que le caracteriza. Junto a él, Gerard Butler, vuelve a ponerse en la piel de Estoico, esta vez no solo dándole la voz, sino también su cuerpo. Y vuelve a estar perfecto. Nick Frost consigue frenar el carácter de este jefe que no comprende a su hijo, dando vida al herrero del pueblo.

Nico Parker, Gabriel Howell, Julian Dennison, Bronwyn James y Harry Trevaldwyn son los encargados de dar vida a los peculiares amigos de Hipo.

Por supuesto mención especial a los dragones. El increíble trabajo de efectos visuales que hay en esta película, es asombroso. Los dragones, pese a su aspecto animado, parecen reales. Están perfectamente integrados en la imagen y es un gustazo y a su vez terrorífico verlos volar. El dragón final es apoteósico, en la película animada impacta, pero aquí os puedo asegurar que es increíble. Además, aquí vemos a esos vikingos, luchadores natos, dispuestos a morir por el honor y por intentar acabar con sus enemigos.

Todo esto acompañado de la gran banda sonora de John Powell. Y la preciosa fotografía de Bill Pope, que nos hará ver los grandes paisajes irlandeses e islandesas de una manera increíble a lomos de un gran furia nocturna.

Es cierto que este live-action no trae nada nuevo, estamos acostumbrados en otros a que veamos escenas alargadas o incluso nuevas, pero aquí no, y creo que es un acierto. Y aun haciendo esto, logra que no apartes la vista de la pantalla, aun conociendo el desenlace muchos hemos tenido la mano en el pecho sufriendo por nuestros protagonistas. Sin duda una de las mejores películas del año.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: How to train your dragon. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Dean DeBlois. Guion: Dean DeBlois. Música: John Powell. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Mason Thames, Gerard Butler, Nico Parker, Nick Frost, Julian Dennison, Gabriel Howell, Browyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd. Producción: DreamWorks Animation, Marc Platt Productions, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: aventura, comedia, drama. Web oficial: https://www.instagram.com/httydragon/

Netflix celebra sus 10 años con una gran noticia

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Nueva inversión de Netflix en España

En la celebración de los 10 años de Netflix en España, Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, ha anunciado la inversión de más de 1000 millones de euros en España entre 2025 y 2028. La compañía de streaming, que celebra una década de su llegada a España, ha reforzado su compromiso con la industria audiovisual local en un acto con la presencia del presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez, y el ministro para la Transformación Digital y de la Función Pública, Óscar López y otras autoridades. La conferencia ha tenido lugar en el centro de producción que Netflix inauguró en Tres Cantos (Madrid) en 2019 y que aglutina su superficie de rodaje más amplia en la Unión Europea.

Para celebrar también estos 10 años nos han regalado un vídeo narrado por Blanca Suárez en el que vemos tantas y tantas producciones que se han grabado en nuestro país. Aquí os lo dejamos.

A continuación, os dejamos la intervención integra de Ted Sarandos

Buenos días a todos

Estoy encantado de estar aquí con todos vosotros en nuestro centro de producción.

Quiero dar las gracias especialmente al señor presidente y al señor ministro por acompañarnos.

También quiero dar las gracias a los miembros del Gobierno, a los representantes institucionales y a nuestras amistades de toda la comunidad creativa española por haber venido hoy aquí.

Visitar España siempre es un placer para mí, pero este viaje es especialmente significativo, porque Netflix celebra su 10.º aniversario en el país.

Durante la última década, hemos recorrido un camino increíble siempre a vuestro lado. Juntos hemos llevado series y películas locales a nuestros suscriptores tanto de aquí como del resto del mundo. Desde el 2017, hemos estrenado más de mil títulos españoles.

Estas historias se han originado en todos los rincones del país: nuestra primera serie original española, ‘Las chicas del cable’, se rodó aquí mismo, en las calles de Madrid; ‘La chica de nieve’, en Andalucía; ‘Nowhere’ se filmó en las playas de Sitges; y ‘Toda la verdad de mis mentiras’, se está rodando ahora mismo en la Región de Murcia.

Hemos grabado en más de 200 ciudades y localidades de todas las comunidades autónomas de España, ¡y todavía nos quedan muchísimos bellos lugares que llevar a la pantalla!

Esto ha llevado a la pantalla las diferentes facetas de España. Además, ha tenido una repercusión económica real en muchas zonas del país y ha contribuido a generar más de 20 000 empleos en el sector audiovisual español.

España no solo destaca por su patrimonio cultural, su potente industria audiovisual y su excepcional talento creativo: también es un magnífico lugar para hacer negocios. Siempre habéis apoyado una regulación que fomenta la creatividad, la innovación y la visión a largo plazo.

Inspirados por todo ello, construimos en Tres Cantos nuestra casa, que es mucho más que un hogar: es el reflejo de nuestro compromiso profundo y duradero con España.

He visitado muchos de los mejores estudios del mundo, y estas instalaciones son, sin duda, insuperables: 22 000 metros cuadrados, diez platós de primer nivel, un centro de posproducción pionero y una experiencia inigualable.

Algunos de los mejores creadores de España han rodado aquí algunos de nuestros títulos más queridos: ‘La sociedad de la nieve’, de Juan Antonio Bayona, que consiguió 12 premios Goya; ‘Élite’, de Carlos Montero, que es nuestra serie más longeva en España (de hecho, es nuestra serie más longeva a nivel mundial); o también ‘La casa de papel’, ‘Berlín’ o, próximamente, ‘El refugio atómico’, de Álex Pina y Esther Martínez Lobato, que estrenaremos este año.

Estos títulos y muchos más han fascinado al público tanto en España como en el resto del mundo.

Solo el año pasado, los títulos españoles generaron más de 5 000 millones de horas de visionado en Netflix.  Las máscaras de Dalí, los monos rojos o el «Bella Ciao»: todas ellas se han convertido en elementos icónicos de la cultura popular global.

Y la razón por la que estas series y películas resuenan es evidente: cada una de ellas, a su manera, es profundamente española: se hicieron en España, con creadores, reparto y equipos técnicos españoles. Y todas para la audiencia española.

Pero, tras estos diez fantásticos años, queremos ir más allá:

Señor presidente: hoy, para mí, es un honor anunciar que durante los próximos cuatro años invertiremos más de mil millones de euros en España.

Gracias a esta inversión, podremos aportar aún más a la economía española, generar más empleo, contar más historias hechas en España y ayudar a formar a la próxima generación de talento creativo.

Nada de esto sería posible sin el apoyo de muchísimas personas. Así que permitidme dar las gracias a creadores y creadoras, productores, guionistas, directores, equipos técnicos y artistas que han trabajado con nosotros a lo largo de estos diez años. Gracias por permitirnos llevar vuestras historias a los fans de todo el mundo.

Y, por último, gracias, señor presidente. Elogiamos a España por sus esfuerzos y compromiso con el sector audiovisual. Esperamos seguir sumando fuerzas con usted y su equipo para hacer crecer la economía, crear oportunidades y seguir compartiendo con el mundo la riqueza cultural de España.

Estos diez años han sido realmente extraordinarios y los próximos diez serán todavía más emocionantes.

Muchas gracias.

Crítica: ‘Sicarios en el aire’

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En qué plataforma ver Sicarios en el aire

Sinopsis

Lucas (Josh Hartnett) es un mercenario retirado en Tailandia que recibe el encargo inesperado de atrapar a un asesino que va a embarcar en un vuelo rumbo a Estados Unidos. Una vez en el aire, descubre la verdadera y sorprendente identidad del criminal. Pero a bordo del avión hay más de cien sicarios con el mismo objetivo, y mientras Lucas se debate entre abandonar su misión original o colaborar con el misterioso asesino, se desata la locura. Un disparatado viaje lleno de turbulencias.

Crítica

Violentas coreografías para dejar el cerebro en modo avión y el sentido del humor fuera de la caja negra

Con ‘Sicarios en el aire’ Josh Hartnett parece haberse subido al último vagón del tren de moda, ese al que se subió Brad Pitt en ‘Bullet Train’. Y lo ha hecho con la clara intención de no quedarse en tierra. La película (rebautizada del inglés como Fight or Flight) no oculta sus intenciones: conquistar a las nuevas audiencias a golpe de adrenalina, humor bobalicón y violencia más rápida que un dedo pasando vídeos en TikTok.

Desde el primer minuto queda claro que aquí nadie ha venido a filosofar. Hartnett se entrega al espectáculo con una entrega casi juvenil (o desesperada, según se mire), acompañado de una estética que parece ideada en el departamento de peluquería de un videojuego de los noventa. Su personaje, una especie de John Wick con resaca, se ve envuelto en un carrusel de peleas imposibles, persecuciones dentro de un avión y coreografías tan elaboradas como explícitas.

Acordarnos de la estrategia seguida por Dev Patel y su ‘Monkey Man’ no es casualidad. Aquí también tenemos a un lobo solitario, desesperado, rodeado de enemigos, que convierte cada pasillo y compartimento del avión en un escenario para una danza mortal. Ambas películas comparten coreógrafo, Brahim Chab, un veterano de las bofetadas cinematográficas que ha trabajado con leyendas como Van Damme, Donnie Yen o Jackie Chan. Si alguien sabe cómo lanzar a un sicario entre las butacas de un avión, es él.

Detrás de la cámara está James Madigan, que debuta como director tras años en segundas unidades y efectos visuales en títulos como ‘Transformers: El despertar de las bestias’, ‘Megalodón’ o ‘Snake Eyes’. Y se nota. Madigan sabe cómo mover la cámara, cómo montar una secuencia de acción con ritmo y cómo llenar la pantalla de mamporros y extravagancias que harían llorar de emoción a Michael Bay. Lo que no domina tanto es el equilibrio tonal: la comedia, que pretende ser un desahogo entre tanta brutalidad, a veces resulta tan forzada que parece escrita por un algoritmo que ha visto demasiadas películas de Shane Black o de Guy Ritchie. Intenta ser muy loca, muy desconcertante, pero se pasa de surrealista.

‘Sicarios en el aire’ es, en definitiva, una película entretenida, de esas que cumplen si lo único que buscas es pasar un rato con palomitas y dejar el cerebro en modo avión. No inventa nada, no pretende profundizar…. Y eso que entre mutilaciones, botellas del minibar y golpes con el baúl superior, tiene una especie de alegato a lo Robin Hood.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de junio de 2025. Título original: Fight or Flight. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Dirección: James Madigan. Guion: D.J. Cotrona, Brooks McLaren. Música: Paul Sanderson. Fotografía: Matt Flannery. Reparto principal: Josh Harnett, Marko Zaror, Charithra Chandran, Julian Kostov. Producción: Asbury Park Productions, The Royal Budapest Film Co, F or F Films, Liam Jay Films, MEP Capital, Thunder Road Pictures. Distribución: Youplanet. Género: acción. Web oficial: https://fightorflight-film.com/

Primeras noticias y fecha de estreno de ‘Karmele’

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Jone Laspiur y Eneko Sagardoy protagonizan la nueva cinta de Asier Altuna

El cineasta Asier Altuna, escribe y dirige este largometraje de ficción inspirado en la novela ‘La hora de despertarnos juntos’ de Kirmen Uribe, uno de los autores contemporáneos en euskera de mayor proyección internacional. Esta novela, a su vez, se basa en la historia real de Karmele Urresti y Txomin Latemendi. El próximo 10 de octubre llega a nuestras pantallas.

El director ha contado con Jone Laspiur (‘Akelarre’) y Eneko Sagardoy (‘Irati’) para dar vida a estos dos protagonistas, en este emocionante y épico drama histórico con tintes musicales. Se trata de su primer trabajo juntos donde dan vida a la pareja formada por Karmele y Txomin. Les acompañan Nagore Aranburu (‘Irati’) y Javier Barandiaran (‘La infiltrada’), en los papeles de la madre y el padre de Karele.

”’Karmele’ es una historia de perseverancia, de lucha y de dignidad ante la falta de libertad. A la vez que un viaje a través de la cultura, la música y el arte. Siempre me han atraído las historias familiares en las que conviven distintas generaciones. Quiero dar a conocer a Karmele, una mujer que desde muy joven se ve obligada a enfrentarse a situaciones extremas desde una actitud valiente y comprometida consecuente con sus ideas y que no vacila jamás en defenderlas” nos cuenta Asier Altuna

Equipo técnico

‘Karmele’ es el fruto del trabajo de Asier Altuna durante más de cuatro años junto a la productora ejecutiva, Marian Fernández Pascal, responsable de Txintxua Films. Altuna se ha rodeado de su equipo habitual, formado por algunos de los profesionales más reconocidos del cine vasco. Ander Sistiaga, es el director de Producción. La película cuanta con Javier Agirre como director de Fotografía. Zaloa Ziluagga se encarga de la Dirección de Arte.

La música es un hilo conductor a lo largo de toda la película. Desde el folclore vasco hasta el jazz, los boleros y las guaracha, la banda sonora acompaña y enriquece el viaje de los personajes. Aitor Etxebarria es el compositor de la música.

Alazne Ameztoy, se ocupa del Sonido. Nerea Torrijos, es la responsable del Vestuario. Lola López e Itziar Arrieta, son las jefas de Maquillaje y Peluquería. Laurent Dufreche, es el montador. Lidera los VFX Félix Bergés y Jon Serrano, firma los Efectos Especiales. María Rodrigo, es la directora de Casting y Michel Gaztambide ha sido el consultor de guion.

Sinopsis

Karmele y su familia se refugian en Francia tras ser expulsados de su hogar a causa de la guerra. Allí, Karmele es contactada por la embajada cultural vasca en el exilio, que trata de luchar contra la guerra a través de la música y el baile, y conoce a Txomin, trompetista profesional del que se enamora. Después de vivir un tiempo en Venezuela, la pareja vuelve a casa con la esperanza de recuperar todo aquello que les fue arrebatado.

Crítica: ‘Algo le pasa a mi yerno’

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En qué plataforma ver Algo le pasa a mi yerno

Sinopsis

El doctor Béranger es un exitoso psicoanalista. Su vida sería perfecta si no fuera por un paciente muy ansioso y extremadamente pegajoso: Damien Leroy. Para librarse por fin de él, le hace creer que la única forma de curarse es encontrar el amor. Mientras el doctor se prepara para celebrar su 30 aniversario de boda, su hija, le cuenta que ha encontrado al hombre de su vida que no es otro que… Damien. La fiesta se convertirá en una pesadilla.

Crítica

Risas ocasionales en piloto automático

En un panorama cinematográfico escaso de espectadores y saturado de comedias familiares que buscan apelar a un público intergeneracional, ‘Algo le pasa a mi yerno’ intenta destacar con un enfoque ligeramente irreverente. Sin embargo, lo que prometía ser una comedia atrevida e incisiva termina siendo un pastiche de situaciones previsibles y personajes que rara vez escapan del estereotipo.

La película, dirigida por Arnaud Lemort (‘Un verano en Ibiza’), narra la historia de un joven que debe ganarse la aceptación de su nuevo suegro, partiendo del hecho de que este último es su psiquiatra. A simple vista, el argumento evoca un sinfín de comedias similares, como ‘La familia de mi novia’, ‘Sácame del paraíso’ o PELICULA PSICÓLOGO DE NIRO. Pero mientras estas lograron un equilibrio entre el humor ridículo y el desarrollo de relaciones, ‘Algo le pasa a mi yerno’ se queda atrapada en un bucle de gags forzados que rara vez logran trascender lo anecdótico.

Lo que podría haber sido una exploración divertida y emotiva de las tensiones fruto de los prejuicios y la hipocresía, se convierte en una acumulación de malentendidos y confrontaciones que se sienten más calculadas que orgánicas. Aunque hay momentos que logran arrancar una carcajada, la película carece de mala leche y picardía. También hay que reconocer que el ver de nuevo a Christian Clavier en la piel de un padre enfrentándose al nuevo novio de su hija le resta gracia ya que sale perdiendo en comparación con ‘Dios mío ¿pero qué te hemos hecho?’.

El mayor defecto de ‘Algo le pasa a mi yerno’ radica en su parodia mal ejecutada. Las fobias, los celos, el suegro… Son clichés que en el cine siempre dan pie a comedia, pero están mal aprovechados a causa de que se busca un enfoque suavizado o distinto. El otro protagonista, interpretado por Baptiste Lecaplain, parece una versión diluida del “pez fuera del agua” que hemos visto en innumerables ocasiones. Aunque tiene momentos de encanto, su evolución emocional es abrupta e inverosímil. Los suegros, por su parte, caen en clichés demasiado familiares: el patriarca rígido y desconfiado, la madre más comprensiva pero igualmente controladora. La hija, quien debería ser el puente entre ambos mundos, se ve relegada a un papel secundario, desaprovechando así el juego humorístico que podrían dar los secretos.

Uno de los pocos puntos brillantes del reparto es Clavier, cuyo impecable timing cómico logra elevar algunas escenas a pesar incluso de ir en piloto automático. Sin embargo, incluso su desempeño se ve limitado por un guion que prioriza la cantidad de chistes sobre la calidad de los mismos. Tan estándar es la película, que al igual que le sucede a Dani de la Orden con sus remakes, se percibe carente de personalidad. Todo se mueve entre lo genérico y predecible.

Esto no quiere decir que ‘Algo le pasa a mi yerno’ sea un desastre total. Hay detalles aislados que muestran potencial, como algunos diálogos mordaces o algún secundario limítrofe con lo chiflado. No obstante, estos aciertos son demasiado esporádicos para salvar una película que, en su conjunto, se siente como una oportunidad desaprovechada. En última instancia, ‘Algo le pasa a mi yerno’ es una propuesta que aspira a ser irreverente pero se conforma con lo convencional. Si bien puede ofrecer entretenimiento ligero para una tarde sin muchas expectativas, difícilmente logrará dejar una impresión duradera en el público. El esfuerzo mental será recíproco, si bien los guionistas no se han devanado mucho los sesos para ser originales, las neuronas del espectador no trabajarán en exceso por dejar impronta de esta película en la memoria.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: Jamais sans mon psy. Duración: 112 min. País: Francia. Dirección: Arnaud Lemort. Guion: Arnaud Lemort. Música: Romain Trouillet. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Christian Clavier, Baptiste Lecaplain, Claire Chust, Chistina Reali. Producción: Atelier de Production, TF1. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Nace el sello de calidad Audiovisual Compliance

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Una garantía normativa pionera en la Unión Europea

El sector audiovisual español da un paso adelante en la protección legal y la seguridad digital con el lanzamiento del sello de calidad Audiovisual Compliance, una iniciativa pionera a nivel europeo que arranca en España y promete marcar un antes y un después en el cumplimiento normativo del entorno audiovisual.

Este distintivo, que se obtiene tras una auditoría realizada por expertos en legislación audiovisual, tiene una validez anual renovable y está especialmente dirigido a plataformas de streaming, televisiones, radios, podcasts, agregadores y plataformas de vídeo bajo demanda o intercambio de vídeos. Su objetivo es claro: garantizar espacios seguros, actualizados conforme a la normativa vigente y protegidos ante posibles sanciones administrativas por incumplimientos.

¿Por qué es necesario un sello como Audiovisual Compliance?

Según un reciente estudio realizado por la consultora AVC, más del 99% de las plataformas audiovisuales nacionales no cumple adecuadamente con la legislación vigente. La falta de sistemas adecuados de verificación de edad, el uso erróneo de calificaciones por edades (como el +13, ya obsoleto), y la escasa transparencia informativa son algunos de los incumplimientos más habituales.

En particular, la Ley General de Comunicación Audiovisual, en vigor desde julio de 2022, y otras normativas como la Ley del Cine o la LSSI (Ley de Servicios de la Sociedad de la Información), siguen siendo pasadas por alto en muchos servicios de comunicación audiovisual tanto públicos como privados. Esto deja a menores desprotegidos y a los operadores expuestos a sanciones legales.

Un sello para proteger a usuarios y empresas

El sello Audiovisual Compliance busca subsanar esta situación aportando una garantía de cumplimiento legal y protección para menores. Aquellos servicios que cuenten con esta certificación no solo demostrarán su compromiso con la legalidad, sino también con la transparencia, la ética profesional y la responsabilidad social.

Además, se espera que este distintivo tenga un impacto positivo en la confianza de los usuarios y en la reputación de las marcas que lo ostenten, consolidándose como un valor añadido en un mercado cada vez más exigente.

¿Quién está detrás del sello?

La responsable de esta iniciativa es AVC, consultora especializada en normativa audiovisual y parte de la compañía madrileña Factoría Audiovisual, con más de 25 años de trayectoria en el sector como agencia de desarrollo y diseño. El lanzamiento oficial del sello tendrá lugar este jueves 5 de junio, marcando un hito en la autorregulación del sector audiovisual español.