Cuando cinco amigos provocan sin querer un accidente de coche mortal, encubren su implicación y hacen un pacto para mantenerlo en secreto en lugar de afrontar las consecuencias. Un año después, su pasado vuelve para atormentarlos y se ven obligados a enfrentarse a una aterradora verdad: alguien sabe lo que hicieron el último verano… y está empeñado en vengarse. A medida que los amigos son acechados uno a uno por un asesino, descubren que esto ya ha sucedido antes, y recurren a dos supervivientes de la legendaria Masacre de Southport de 1997 en busca de ayuda.
Crítica
Nostalgia con resaca argumental
En una era donde parece que la nostalgia vende más que el riesgo creativo, se reciclan títulos como ‘Sé lo que hicisteis el último verano’. Una nueva versión dirigida por Jennifer Kaytin Robinson que, como ya hicieran sagas como ‘Scream’ o ‘Halloween’, se presenta como una recuela: secuela-remake que pretende revivir una franquicia desde sus cenizas, actualizándola sin traicionar del todo su legado. El problema es que aquí ni hay fuego ni hay cenizas, sino humo, espejos y un gancho oxidado que apenas se sostiene y que busca enganchar a los escasos fans que puedan quedar del título de 1997.
En un alarde de originalidad mal entendida, esta nueva entrega opta por cambiar la premisa jugueteando un poco con los sustos o con lo que podemos esperar. Lo que en su día fue una historia sobre culpa, remordimiento y juventud perseguida por sus errores, ahora se transforma en una trama de motivaciones tan absurdas que rozarían lo paródico si no pretendieran ir en serio. El accidente inicial es sustituido por un evento aún más inverosímil ya que los protagonistas se comportan de un modo absurdo. Y para colmo la solución final no nos resulta fresca ya que ha sido explotada por ‘Scream’ en más de una ocasión.
El guion es el colmo de la inconsistencia argumental. Personajes que toman decisiones sin sentido, giros de guion que no sorprenden a nadie y una estructura narrativa que parece escrita por alguien con un conocimiento superficial del slasher. Todo se reduce a una sucesión de tópicos, desde el grupo de jóvenes estereotipados hasta los asesinatos telegrafiados desde la primera escena. Por ejemplo, puede parecer que responde a trasuntos actuales, pero el dar manga ancha al asesino por parte de las autoridades con la excusa de no espantar a los turistas también es algo ampliamente repetido, la película se llamaba ‘Tiburón’ y la hizo un tal Spielberg. En ese sentido, la cinta no solo es predecible, sino que llega a ser insultante hacia el espectador, como si se asumiera que su audiencia no tiene recorrido cinematográfico o no merece un mínimo de inteligencia narrativa. Para colmo el montaje es aún peor y saltamos por escenarios de tal modo que se impide el desarrollo en las relaciones entre los personajes, careciendo por completo de cualquier elipsis.
Lo que la salva del desastre absoluto son ciertos elementos puntuales: algunos momentos graciosos con el personaje de Madeline Cline, que aporta un evidente alivio cómico con su humor autoconsciente, y el inevitable gancho nostálgico, con cameos anunciados y otros que ya podíamos entrever. Con ello los autores apelan directamente al público que vio la original en su adolescencia. Esto es lo único que justifica realmente este regreso que sin duda, junto con su escena post-créditos, intenta recuperar una franquicia que para muchos se encuentra en el top del género slasher y para otros es un entretenimiento de lo más simplón que surge de las novelas reimaginando los misterios de Poirot o Fletcher.
Lo triste es que, con todos sus defectos, esta película logra ser mejor que la infame serie televisiva y que la desastrosa y casi desconocida tercera entrega cinematográfica. El kill count es más nutrido y los asesinatos tienen cierto toque de brutalidad, aunque lejos de la calidad de la segunda, que es en mi opinión la más digerible de todas.
Este nuevo (o continuista) ‘Sé lo que hicisteis el último verano’ es una oportunidad perdida si nos quedamos en que podrían haberse desmarcado con el tratamiento actual de los últimos slashers recuperados. Evidentemente si eres fan incondicional de la saga disfrutarás las referencias y cameos, pero no podrás negar el escaso nivel interpretativo y en la dirección. Me tocará tragarme las palabras si funciona en taquilla y debido a ello tenemos más entregas. Pero todos sabemos que taquilla y calidad no siempre van de la mano.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de julio de 2025. Título original: I Know What You Did Last Summer. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Jennifer Kaytin Robinson. Guion: Jeff Howard, Leah McKendrick, Jennifer Kaytin Robinson, Sam Lansky. Novela: Lois Duncan. Música: Chanda Dancy. Fotografía: Elisha Christian, David Lanzenberg. Reparto principal: Madelyn Cline, Chase Sui Wonders, Jonah Hauer-King, Tyriq Withers, Sarah Pidgeon, Billy Campbell, Gabbriette Bechtel, Austin Nichols, Lola Tung y Nicholas Alexander Chavez, Freddie Prinze Jr., Jennifer Love Hewitt. Producción: Columbia Pictures, The South Austalian Film Corporation, Original Film. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.facebook.com/ikwydlsmovie
Lily, una veinteañera solitaria, se hace amiga por internet de un desconocido con el mismo nombre que su padre ausente. El apoyo de este nuevo Bob Trevino, un hombre bondadoso y sin hijos, cambiará la vida de los dos. Inspirada en la historia real de la directora.
Crítica
Emotiva cinta sobre la soledad y la cura de ésta
Una chica con una relación bastante tóxica con su padre, discute con el y decide buscarle por Facebook para llamar su atención. Encuentra a un hombre con el mismo nombre que su padre y comienza una amistad vía internet. Lily Trevino encuentra a su figura paterna con Bob Trevino, un hombre que necesitaba una amistad y a alguien a quien dar todo el cariño que tiene dentro.
Que película tan bonita, de éstas que da gusto recomendar y por supuesto ver. Es sencilla, como la vida y es que esta historia esta basada en la propia historia de la directora y guionista. La película está dedicada al verdadero Bob Laymon, alguien quien sin duda fue muy importante para Tracie Laymon.
Barbie Ferreira (‘Nope’) está estupenda, en este personaje tan bonito, frágil y triste. Una mujer que vive para los demás, para los “likes” de las redes sociales, para que su padre la logre aceptar tal como es.
A su lado encontramos a John Leguizamo (‘John Wick’), que está perfecto. Un hombre roto por una pérdida. Intentando hacer feliz a su mujer a toda costa. Encuentra en Lily un apoyo tremendo y también a alguien a quien cuidar y dar todo lo mejor que tiene.
El tercero en discordia es Frenche Stewart, el Bob Trevino padre, y es que hace un papel terrible. No os equivoquéis, está perfecto, pero es que realmente el padre es tremendamente asqueroso. Trata fatal a su hija, un tanto torpe, pero porque al final es un ser humano, y no le pasa ni una.
‘Un “like” de Bob Trevino’ nos habla de la soledad. De esa melancolía de encontrarse rodeado de gente y aun así no casar con nadie y sentirte solo. Es una película bastante triste, pero dentro de esa pesadumbre, tenemos un poco de esperanza. Siempre encontramos a alguien que nos devuelve la luz y hacer que podamos salir de ese estado de desdicha.
Como os digo me ha parecido tan bonita. Técnicamente es muy sencilla. Tiene una fotografía bastante natural, sin florituras, no las necesita, nos está contando una historia del día a día de dos personas totalmente normales. No necesitamos complicados movimientos de cámara ni grandes planos para adentrarnos en la vida de Lily y Bob. Al igual que la banda sonora, está, pero tampoco sobresale, porque lo importante es lo que escuchamos de los personajes.
Poco más puedo añadir, que paséis al cine y la veáis, la disfrutéis y os quedéis con esa pequeña esperanza que da al final en el que al final las cosas siempre terminan saliendo bien, de una manera u otra.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de julio de 2025. Título original: Bob Trevino Likes It. Duración: 102 min. País: Estados Unidos. Dirección: Tracie Laymon. Guion: Tracie Laymon. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: John Rosario. Reparto principal: Barbie Ferreira, John Leguizamo, Rachel Bay Jones, Lauren ‘Lolo’ Spencer, Debra SAndlund, Ted Welch. Producción: Laymon’s Terms, Five By Eight Productions, Purple Intuition, Artlmage Entertainment, Bondlt, Myriad Pictures, Seasick Studios, Lankis Entertainment. Distribución: A Contracorriente. Género: Drama. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/bob-trevino-likes-it
El Festival de Sitges celebra su 58ª edición con una cartelera que mezcla terror, ciencia ficción, animación y homenajes a figuras clave del género
Del 9 al 19 de octubre, la ciudad de Sitges volverá a convertirse en el epicentro mundial del cine fantástico con la 58ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. La directora francesa Julia Ducournau será la encargada de inaugurar el certamen con su esperada película ‘Alpha’, una distopía familiar que se adentra en el cambio climático, la transformación del cuerpo y las tensiones emocionales, consolidando su presencia en el festival tras ‘Crudo’ y ‘Titane’.
La edición de este año se articula en torno a la relación entre el humor y el terror, explorando cómo ambos géneros dialogan y se contaminan mutuamente en el cine contemporáneo.
Terror, ciencia ficción y fantasía en estado puro
La programación incluye títulos como ‘Mother’s Baby’ de Johanna Moder y ‘If I Had Legs I’d Kick You’ de Mary Bronstein, que abordan la maternidad desde ópticas inquietantes. Benedict Cumberbatch protagoniza ‘The Thing with Feathers’, mientras que ‘Good Boy’ de Ben Leonberg ofrece un punto de vista canino en una historia de fantasmas.
Mike Flanagan presenta ‘La vida de Chuck’, basada en una historia de Stephen King y protagonizada por Tom Hiddleston. Otros destacados incluyen ‘Tornado’ con Tim Roth, ‘Eye for an Eye’ de Colin Tilley y ‘The Home’ de James DeMonaco.
En ciencia ficción destacan ‘Redux Redux’, ‘Orang Ikan’, y propuestas únicas como ‘The Legend of Ochi’ o la nueva versión de ‘Deathstalker’.
El regreso del terror japonés y cine asiático
Desde Japón llegan ‘Exit 8’, ‘New Group’ y ‘The Curse’, mientras que Tailandia está presente con la sorprendente ‘A Useful Ghost’. Estas películas renuevan el género con frescura y sensibilidad local.
Cine español: propuestas valientes y personales
El cine nacional se luce con ‘Gaua’ de Paul Urkijo, ‘La virgen de la tosquera’ de Laura Casabé y ‘Silencio’ de Eduardo Casanova. Alberto Vázquez regresa con ‘Decorado’ y Bruno Martín debuta con el thriller ‘Luger’.
Animación en el centro del festival
La sección de animación incluye ‘Heart of Darkness’, ‘The Great History of Western Philosophy’ y obras como ‘Arco’, ‘Another World’, ‘ChaO’ o ‘Lesbian Space Princess’. Además, se proyectarán clásicos como ‘Angel’s Egg’ y ‘Willy, el gorrión’.
El festival dedicará una retrospectiva al maestro italiano Bruno Bozzetto, con joyas como ‘Allegro non troppo’ y ‘The SuperVips’.
Homenajes y estrellas invitadas
Peter Chan recibirá el Gran Premio Honorífico, Gale Anne Hurd el premio WomanInFan y Dominique Pinon el Méliès Career Award. Hugo Stiglitz será galardonado con el Premio Nosferatu. Entre los jurados se encuentran nombres como Mary Harron, Laura Pedro y Hernán Findling.
Publicaciones, retrospectivas y sección Brigadoon
Dos libros acompañarán la edición: ‘Horror Girls: Estados Unidos & Canadá’ y ‘Risas y escalofríos’. Además, se realizará una retrospectiva dedicada al cine de comedia de terror y se celebrará el 40 aniversario de ‘Re-Animator’ con la presencia de Barbara Crampton.
La sección Brigadoon trae propuestas alternativas como ‘Test Screening’, ‘The Devil’s Teardrop’ y los documentales ‘Occupy Cannes’ y ‘Masters of the Grind’.
Venta de entradas y acreditaciones
Los packs y abonos para el festival estarán disponibles a partir del 30 de julio en la web oficial. La 58ª edición de Sitges promete ser una de las más completas, diversas y estimulantes de los últimos años.
Listado de películas
A Useful Ghost – Ratchapoom Boonbunchachoke (2025)
ALL YOU NEED IS KILL – Kenichiro Akimoto (2025)
Alpha – Julia Ducournau (2025)
Another World – Tommy Kai Chung Ng (2025)
Arco – Ugo Bienvenu (2025)
ChaO – Yasuhiro Aoki (2025)
Dead Lover – Grace Glowicki (2025)
Deathstalker – Steven Kostanski (2025)
Decorado – Alberto Vázquez (2025)
Dolly – Rod Blackhurst (2025)
Eye for an Eye – Colin Tilley (2025)
Exit 8 – Genki Kawamura (2025)
Fucktoys – Annapurna Sriram (2025)
Gaua – Paul Urkijo (2025)
Good Boy – Ben Leonberg (2025)
Hammer: Heroes, Legends and Monsters – Benjamin Field (2025)
Heart of Darkness – Rogério Nunes (2025)
If I Had Legs I’d Kick You – Mary Bronstein (2025)
La hermanastra fea – Emilie Blichfeldt (2025)
La virgen de la tosquera – Laura Casabé (2025)
Lesbian Space Princess – Emma Hough & Leela Varghese (2025)
Luger – Bruno Martín (2025)
Mermaid – Tyler Cornack (2025)
Mother’s Baby – Johanna Moder (2025)
New Group – Yuta Shimotsu (2025)
Orang Ikan – Mike Wiluan (2024)
Redux Redux – Kevin McManus & Matthew McManus (2025)
Silencio – Eduardo Casanova (2025)
Strange Journey: The Story of Rocky Horror – Linus O’Brien (2025)
The Curse – Kenichi Ugana (2025)
The Great History of Western Philosophy – Aria Covamonas (2025)
The Home – James DeMonaco (2025)
The Legend of Ochi – Isaiah Saxon (2025)
The Thing with Feathers – Dylan Southern (2025)
Tornado – John Maclean (2025)
Touch Me – Addison Heimann (2025)
Clásicos
Angel’s Egg – Mamoru Oshii (1985)
Atolladero – Óscar Aibar (1995)
Jigoku – Nobuo Nakagawa (1960)
Lo spettro – Riccardo Freda (1963)
Memoria – Francisco Macián (1976)
Re-Animator – Stuart Gordon (1985)
Vera, un cuento cruel – Josefina Molina (1973)
Willy, el gorrión – József Gémes (1989)
Retrospectiva Bruno Bozzetto
Largometrajes:
Allegro non troppo – Bruno Bozzetto (1976)
The SuperVips – Bruno Bozzetto (1968)
Cortometrajes:
Alfa Omega – Bruno Bozzetto (1962)
Baeus – Bruno Bozzetto (1987)
Big Bang – Bruno Bozzetto (1967)
Cavallette – Bruno Bozzetto (1990)
Dancing – Bruno Bozzetto (1991)
Ego – Bruno Bozzetto (1969)
Opera – Bruno Bozzetto (1973)
Piscina (La) – Bruno Bozzetto (1977)
Point of View – Bruno Bozzetto (1998)
Rapsodeus – Bruno Bozzetto (2011)
Self Service – Bruno Bozzetto (1974)
Tapum! La storia delle armi – Bruno Bozzetto (1958)
Clásicos, estrenos y experiencias únicas protagonizan la cartelera de agosto y septiembre en Cibeles de Cine 2025
Más de 11.000 espectadores ya han disfrutado de las noches mágicas de cine en la Galería de Cristal de CentroCentro, donde este verano se celebra el décimo aniversario de Cibeles de Cine, una de las citas culturales más esperadas del año en Madrid. Ahora, el evento anuncia su ambiciosa programación para agosto y septiembre, con propuestas para todos los públicos, desde los grandes clásicos del séptimo arte hasta estrenos exclusivos y eventos especiales.
Cine clásico y de culto: una experiencia cinematográfica imprescindible
La cartelera rinde homenaje a la historia del cine con títulos inolvidables como ‘El apartamento’ (celebrando su 65 aniversario), ‘Desayuno con diamantes’, ‘Jules y Jim’, ‘La leyenda del indomable’ o la sátira bélica ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’. Los cinéfilos también podrán revivir auténticos mitos del cine de culto como ‘Tiburón’ (50 aniversario), ‘Deseando amar’, ‘La comunidad’, ‘Pulp Fiction’, ‘Akira’, ‘El viaje de Chihiro’, ‘Dirty Dancing’ o ‘La La Land’ en formato sing along, para cantar en grupo sus inolvidables canciones.
Cine independiente y estrenos de la temporada
El cine de autor también ocupa un lugar central en esta edición, con películas nacionales como ‘El 47’ —ganadora ex aequo del Goya junto a ‘La infiltrada’—, ‘Sirat’ de Oliver Laxe (premiada en Cannes), o ‘La guitarra flamenca de Yeray Cortés’, documental dirigido por Antón Álvarez (C. Tangana) y galardonado con el Goya a Mejor Documental.
En cuanto al cine internacional, destacan títulos como ‘Aún estoy aquí’, ‘Emilia Pérez’ y ‘La sustancia’, que han cosechado el aplauso de la crítica en festivales internacionales.
Y para los que buscan las películas más esperadas del verano, se proyectarán próximos estrenos como ‘Materialistas’, lo nuevo de Céline Song (‘Past Lives’), y ‘Indomables’ de Daniel Minahan con Jacob Elordi. También se incluirán películas muy anticipadas como ‘Gladiator 2’, ‘Anora’, ‘Nosferatu’, ‘A Complete Unknown’, ‘Cónclave’, ‘Better Man’ o la aclamada ‘Orgullo y prejuicio’ (20 aniversario).
Cine familiar y eventos especiales para todos los públicos
Cada sábado se celebrarán sesiones familiares en versión doblada al castellano, con títulos como ‘La princesa prometida’, ‘La historia interminable’, ‘Elio’, ‘Vaiana 2’, ‘Flow: un mundo que salvar’ o ‘Los tipos malos 2’.
Entre los eventos destacados, el 2 de septiembre regresa Cinetronik, una experiencia única que mezcla cine mudo con música electrónica en directo. Este año, JackWasFaster (Manu Cachero) pondrá banda sonora en vivo a los clásicos surrealistas ‘La edad de oro’ y ‘Un perro andaluz’ de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
Además, el 3 de septiembre, Cibeles de Cine acogerá el preestreno de ‘Romería’, distribuida por Elastica Films y dirigida por Carla Simón, con la presencia del equipo tras su paso por Cannes.
El 10 de septiembre se celebrará la sesión sing along de ‘La La Land’ y el 11 de septiembre, como colofón final, se proyectará una película sorpresa para despedir esta décima edición por todo lo alto.
Una experiencia inmersiva en el corazón de Madrid
El recinto abre todos los días desde las 20:00 h, y las proyecciones comienzan a las 22:00 h. Antes de cada película, los asistentes pueden disfrutar de una zona de bar y restauración, exposiciones y actividades temáticas en un entorno único. El sonido se escucha mediante auriculares inalámbricos en VOSE, garantizando una experiencia envolvente.
Además, esta edición vuelve a contar con el apoyo de Campari, que ofrece una zona exclusiva con 18 butacas premium, cena especial y un ciclo de cine de festivales cada jueves, con eventos y proyecciones especiales.
Entradas y más información
Las entradas ya están a la venta en cibelesdecine.com o en la taquilla del recinto a partir de las 20:00 h. El precio general es de 6 € en taquilla y 7 € online, con opciones combinadas de cena y bebida desde 12 €.
Los Pitus ya tienen quince años y este verano se van de campamento para aprender inglés. Eso sí, lo hacen como aprendíamos inglés a principios de los noventa: en un campamento no muy lejos de nuestra casa y con profesores españoles cuyo acento dejaba bastante que desear. En esas semanas los tres amigos vivirán un montón de nuevas aventuras, sobre todo amorosas, que son siempre las aventuras más importantes, especialmente a los quince años. Ah, y también cantarán y bailarán un montón de canciones de la época. Ellos no lo saben, pero será el mejor verano de su vida.
Crítica
Una de las grandes apuestas del verano
Los Pitus regresan tres años después de gran éxito de ‘Voy a pasármelo bien’. Aquí veremos cómo el amor vuelve a ser el punto central de esta historia, con más música ochentera y noventera, ya que estos chicos han crecido y no todo son los ‘Hombres G’.
El día del pase de prensa fui un poco a la locura sin haber visto ‘Voy a pasármelo bien’ y en cuanto salí de la sala, fui directa a ver esta primera parte y es que me gustó tanto ‘Voy a pasármelo mejor’ que no entendía como todavía no había visto su antecesora.
AnadeAlva es la encargada de dirigir esta secuela, con guion de Luz Cipriota y David Serrano. Los cuales repiten y sin duda realizan un gran trabajo. Una cinta sencilla, con la única pretensión que disfrutemos una tarde de cine y salgamos cantando canciones de Duncan Dhu, Miguel Bosé, Antonio Vega, Seguridad Social o Chimo Bayo. Además de canciones originales de la película creadas por Antonio Serrano.
Esta vez, Los Pitus se van de campamento, allí el amor, el desamor y los planes locos para que Daniel vuelva a reencontrarse con Layla, hacen que vivamos una gran aventura veraniega.
No puedo negar que la película me ha encantado. Los chavales están de 10, cantando, bailando y por supuesto actuando. La química entre todos ellos hace que esa amistad que les une sea muy creíble. En esta ocasión la trama adulta pasa a un gran segundo plano y nos centramos en la trama adolescente.
IzanFernández, RenataHermidaRichards, RodrigroDíaz, RodrigoGibaja, MichelHerráiz,GabrielaSotoBelicha y JavierGarcía como he dicho están maravillosos. RodrigoGibaja junto a AlbaPlanas nos regalan una historia tan bonita dentro de todas las que vamos viendo, que es de las que te dejan con un suspiro.
‘Voy a pasármelo mejor’ además de divertida, es tierna. Unos niños creciendo, de manera bastante inocente. No como podemos ver en las series actuales en las que crecen demasiado rápido. Aquí es un paso bastante pausado, sin prisa, disfrutan de esos primeros amores, de esas primeras aventuras fuera de los brazos de sus padres y también, disfrutan de los buenos amigos, de esos, que tarde o temprano se suele perder el contacto por la falta de tiempo que tenemos ya de adultos.
Si, para mí, sin duda, ‘Voy a pasármelo mejor’ es una de las grandes apuestas de este verano tan caluroso. Una cinta con muy buena música, con muy buen rollo y sobre todo, con una historia sencilla pero que se disfruta desde el primer momento.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de julio de 2025. Título original: Voy a pasármelo mejor. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Ana de Alva. Guion: David Serrano, Luz Cipriota. Música: Alejandro Serrano. Fotografía: Joan Bordera. Reparto principal: Izan Fernández, Renata Hermida Richards, Raúl Arévalo, Karla Souza, Diego Montejo, Alba Planas, Candela Camacho, Pablo Guisa Koestinger, Claudio Villarrubia, Mario Alonso, Rodrigo Gibaja. Producción: El Estudio, Paraíso Torres, Beta Fiction Spain, RTVE. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: Comedia. Web oficial: https://betafiction.es/cine/voy-a-pasarmelo-mejor/
Con su estilo característico, James Gunn aborda al superhéroe original en el recién imaginado universo DC con una singular mezcla de acción épica, humor y emoción, presentando a un Superman al que guían la compasión y una confianza inquebrantable en la bondad de la humanidad.
Crítica
Vuelve el héroe de otro mundo que encarna lo mejor del nuestro
‘Superman’, la esperadísima película de James Gunn, ha aterrizado con la fuerza de un meteorito kriptoniano entre la crítica y en los corazones de los fans que ya la han visto. Esta nueva encarnación del Hombre de Acero será para muchos el reinicio que necesitaba el universo DC. Seguro que así lo percibirán aquellos que querían una versión más luminosa o marvelizada. Con un tono que mezcla el respeto absoluto al legado del personaje, pero con una visión moderna y coral, Gunn entrega un filme que honra al superhéroe más clásico y va más allá.
David Corenswet se cuelga la capa roja para interpretar al Superman más «boy scout» que hayamos visto desde Christopher Reeve. Aunque también veréis que tiene algo más de carácter. Ya desde los títulos de crédito nos adelantan que la intención es la de volver a la sintonía de 1978 pero aplicando las nuevas tecnologías. Y se hace con convicción, carisma y humanidad. Este Clark Kent recupera su esencia: el periodista torpe, el hijo de Kansas, el hombre de principios férreos que brilla tanto en los cielos como entre la gente común. Y ahí está una de las claves de la película, pues toda gira en torno a la dedicación de alguien que piensa que está en la Tierra para ser un faro de ejemplaridad y para recordarnos qué significa ser humano.
Aunque nada más empezar ya hay una referencia mayúscula como ‘Dioses y monstruos’, Gunn se inspira claramente en cómics fundamentales como ‘Superman All Star’, ‘Las cuatro estaciones’ y ‘Lex Luthor: Man of Steel’. Todo ello para devolvernos al Superman altruista, compasivo y cercano que habíamos perdido en la versión más sombría del Snyderverso. También para desarrollar a personajes como Luthor. Finalmente el logotipo escogido, el del ‘Kingdom Come’ de Alex Ross, no tiene más significado que el estético, pero si hay una parte de la película que parece dispuesta para llevar a Superman hacía el hartazgo de quien recibe la desagradecida respuesta de las masas, aun cuando te dedicas en cuerpo y alma a su servicio. Esto ya nos lo adelantaban los tráilers.
Y si el Superman de Corenswet es luz, el Lex Luthor de Nicholas Hoult es sombra… y qué sombra. Su interpretación es poderosa y absolutamente magnética. Hoult se coloca sin duda entre los mejores Luthor de la historia del cine, dotando al personaje de ese egocentrismo mesiánico tan bien desarrollado en los cómics citados. No solo quiere destruir a Superman, sino que quiere ocupar su lugar como salvador de la humanidad. Esa complejidad moral y su visión retorcida de la justicia hacen de él un antagonista tan memorable como temible. Sin embargo, para muchos su visión tan juvenil será una de las trabas del filme.
Por su parte, Rachel Brosnahan es una auténtica revelación como Lois Lane. Dinámica, incisiva, inteligente y con una química palpable con Corenswet, es la pieza perfecta para completar este trío protagonista. Brosnahan mantiene el espíritu clásico del personaje, pero lo actualiza con una energía contemporánea que se agradece. Gunn tiene claro que los tres protagonistas han de ser estos y el fan percibirá que se recupera el peso en dichos personajes.
La película está plagada de personajes secundarios y tramas paralelas que al borde de la saturación enriquecen enormemente el conjunto. Si queréis descubrirlos a todos leed este artículo. Gunn imprime su ya característico estilo coral para introducirnos en un universo en expansión: héroes, villanos, guiños para los fans más acérrimos y pequeños detalles que forman o formarán parte de algo mayor. Esto puede resultar confuso para el espectador no iniciado, pero para los lectores de cómics es como zambullirse en una grapa de 48 páginas donde cada viñeta tiene valor y sentido de conjunto. La Justice Gang, Linterna Verde, El Ingeniero, Mr. Terrific, Ultraman…Hasta los carteles corporativos vistos en Metrópolis tienen su sentido de saga cinematográfica. Cada personaje añade una capa, una etapa, una versión de este universo nuevo que quiere abarcarlo todo pero que en su ansia no se atraganta.
A nivel narrativo, ‘Superman’ no solo emociona y entretiene, también prepara el terreno para lo que viene. Personalmente disfruto mucho de las películas que funcionan como One Shot, usando lenguaje comiquero. Pero si este es el inicio de un plan, de una gran historia con continuidad entre películas o de una serie de fases, como bien conocen los marvelitas, bienvenido sea. Gunn ha labrado la tierra y diseminado un montón de semillas que podrían germinar, dejando de camino un par de detalles gamberretes propios de quien en su día dio sus primeros pasos con la Troma. Y arriesga, con un plan que podría ser tildado de demasiados proyectos no llevados a cabo y también con cierta crítica social haciendo una especie de metáfora con todo lo sucedido entre Trump, Musk, Israel y Gaza.
Es importante remarcar que el diseño de producción no es aleatorio. Estas películas de superhéroes están atiborradas de personajes tecnológicos, naves espaciales o smartphones retratando la sociedad tecnófila en la que vivimos. ‘Superman’ no es ajena a ello. Pero tanto su diseño de personajes, vestuario, escenarios, localizaciones… tienen un toque ciertamente retro que casi subliminalmente intenta que nuestra mente retroceda unos años y sintamos cierta nostalgia.
He de avisaros que hay dos escenas post-créditos estas no tienen nada que ver con lo que se viene y son meramente anecdóticas. Tampoco son necesarias tras todo lo visto en el filme. Hay acción, emoción, ternura, humor de todo tipo y, sobre todo haciendo honor al significado de la “S” que luce Superman en el pecho, hay esperanza. Esa palabra tan manoseada y tantas veces mal entendida, aquí cobra sentido con cada nota de la banda sonora (la cual esperaba mejor), con cada vuelo sobre Metrópolis y con cada acción heroica del protagonista. James Gunn lo ha logrado: ha reinventado sin traicionar. Atreviéndose con personajes como Krypto y otras bizarradas. Ha mirado al pasado para construir el futuro. Y nosotros, como espectadores objetivos e incluso como fans del Superman de Henry Cavill, solo podemos agradecerle que nos haya devuelto al Superman más simbólico, como inspiración y como entretenimiento cinéfilo.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de julio de 2025. Título original: Superman. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guion: James Gunn. Música: John Murphy, Dave Fleming. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, María Gabriela de Faría, Frank Grillo, Skyler Gisondo, Wendell Pierce, Beck Bennett, Mikaela Hoover, Sara Sampaio, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell, Christopher McDonald, Terence Rosemore, Sean Gunn, Milly Alcock, Alan Tudyk, Will Reeve. Producción: DC Studios, Troll Court Entertainment, The Safran Company, Warner Bros. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: ciencia ficción, acción, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.dc.com/movies/superman-2025
Protagonistas, secundarios y huevos de pascua que hemos podido detectar
James Gunn continúa con su reinicio del universo cinematográfico de DC con el primer gran estreno de esta nueva etapa. Llega una nueva versión de Superman que reúne a multitud de héroes, villanos y personajes secundarios en una historia épica y emocional. Podéis leer nuestra crítica aquí y avisamos que, evidentemente, este artículo contiene spoilers.
La nueva era del Universo DC arrancó con series como ‘El Pacificador’ e incluso puede que con ‘Blue Beetle’, si al final deciden tener en cuenta este título de 2023. Con el nuevo Superman, dirigido por James Gunn, quien además firma el guion, llega una obra marca Gunn, es decir, atiborrada de personajes. Esta versión renovada del Hombre de Acero no es una historia de orígenes, sino el inicio de un universo interconectado, con un Clark Kent/Kal-El ya establecido como periodista y superhéroe.
Según ha declarado James Gunn, ‘Superman’ (antes titulada ‘Superman: Legacy’) no solo relanzará al icónico héroe, sino que será la piedra angular del nuevo DCU, con conexiones a futuras películas como ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ o la serie ‘Lanterns’.
El filme mezcla aventura, corazón y algo de crítica social. Cuenta con la mezcla de humor y profundidad emocional característica de Gunn, sin perder el tono épico que merece el más grande de los superhéroes de cómic. Podéis ver ‘Superman’ en cines el 11 de julio de 2025. El hype está servido y los personajes que se ven en esta película estarán presentes en futuros títulos. Repasemos quiénes son y quienes les interpretan.
Clark Kent / Superman – David Corenswet
El protagonista absoluto. Conocido por su trabajo en ‘Pearl’ y ‘The Politician’, Corenswet encarna a un Superman joven pero ya activo, intentando equilibrar su herencia kryptoniana con su humanidad.
Lois Lane – Rachel Brosnahan
La reconocida actriz de ‘The Marvelous Mrs. Maisel’ será la intrépida reportera del Daily Planet y principal interés romántico de Clark. Inteligente, sarcástica y valiente, Lois será una pieza clave en el corazón de la historia.
Krypto – Ozu
Es un personaje creado digitalmente. Se creó inspirado en el perro real del director, el cual, fue perro rescatado antes de ser sacrificado, poco después de comenzar a escribir el guion. Se llama Ozu y tiene un carácter muy destructivo. Gunn se preguntó cómo sería si tuviese poderes y surgió la ida de usarle para la película.
Lex Luthor – Nicholas Hoult
El icónico villano de ‘Superman’ está interpretado por Hoult (‘Renfield’, ‘The Great’), en una versión que como siempre es compleja y manipuladora. Su enfrentamiento con el Hombre de Acero es uno de los ejes centrales del film y marca la diferencia con otras versiones. Una de las mayores pegas para los fans probablemente será su juventud.
Eve Teschmacher – Sara Sampaio
La siempre seductora y enigmática asistente de Lex Luthor. Este personaje, clásico en la mitología de Superman desde su aparición en las películas de los años 70, regresa con una nueva visión bajo la dirección de James Gunn. Tiene mucho más peso del que imagináis.
Sydney Happersen – Stephen Blackehart, Cheryl Kimble – Giovannie Cruz, Otis Berg – Terence Rosemore
Todos ellos empleados de LexCorp. Asistentes personales, responsables de la división aeroespacial. Por supuesto están implicados en las operaciones oscuras y decisiones estratégicas del archienemigo de Superman.
Larry Chin – Paul Kim
En los cómics aparece muy poco, conocido como Lawrence Chin. Se convierte en Combattor y sirve de herramienta a Luthor para demostrar el daño colateral de los superhéroes. Aparece en el filme pero su personaje aún no adquiere poderes.
Hawkgirl – Isabela Merced
La actriz de ‘Dora y la ciudad perdida’, ‘The last of us’ y ‘Madame Webb’ da vida a la guerrera alada de Thanagar. Su inclusión en el film sugiere la presencia de amenazas a gran escala y vínculos con otras razas. Otra muestra de que este es un universo ya en marcha.
Guy Gardner / Green Lantern – Nathan Fillion
Fillion interpretará a la versión más arrogante y carismática del Cuerpo de Green Lantern. Guy Gardner no es precisamente diplomático, lo que aporta momentos de humor y fricción dentro del grupo de héroes.
Mister Terrific – Edi Gathegi
Uno de los hombres más inteligentes del Universo DC, experto en tecnología y táctica. Mister Terrific es el cerebro de la Justice Gang y su presencia indica que el universo compartido se está construyendo rápido pero ofreciendo personajes muy dispares.
Metamorpho – Anthony Carrigan
También llamado en el filme como Elemenman, su verdadero nombre es Rex Mason, un aventurero y explorador que, tras exponerse a un artefacto místico en Egipto, sufre una transformación que le hace capaz de convertir su cuerpo en cualquier elemento químico de la tabla periódica. Este poder lo hace extremadamente versátil y poderoso. También aparece su hijo recreado digitalmente como bebé. Originalmente este vástago se llama Joseph (Joey) Mason y su madre es Stagg Industries, logotipo de cuya empresa aparece en el filme.
Mr. Handsome – Trevor Newlin
En los cómics es un genio criminal traído desde los bajos fondos de Gotham. Allí dirigía el Ejército de Modelos, un grupo de secuaces que usaban máscaras de hombres guapos, siguiendo el ejemplo de su líder. En la película ejerce las veces de «barquero» en el universo de bolsillo que Luthor se crea. Su aspecto dista mucho de un hombre guapo, de hecho no es ni un hombre.
Desmond y Dean Farr – Christian y Jonah Lees
Desmond Farr, también conocido como Tiger-Man, es el hermano de Dean. Curiosamente para la película también se ha fichado a dos hermanos. Son parte del operativo que ayuda a Luthor a controlar a Ultraman desde su base corporativa.
Perry White – Wendell Pierce
El legendario editor en jefe del Daily Planet, el periódico más influyente de Metrópolis. Conocido por su integridad, carácter firme y olfato periodístico, Perry es una figura paternal para sus reporteros, especialmente Clark Kent y Lois Lane. Beck Bennett interpreta a otro de sus empleados, Steve Lombard al igual que Christopher McDonald es Ron Tourpe.
Jimmy Olsen – Skyler Gisondo
El fotógrafo más simpático del Daily Planet también está presente. Gisondo aporta esa frescura y carisma que siempre se agradece como amigo cercano de Clark Kent. Siempre hace falta la parte humana del personaje que tanto faltó en el Snyderverso, pero en esta ocasión le han dado un carácter de fucker que pocos se explican.
Reportero televisivo – Will Reeve
Uno de los hijos del difunto Christopher Reeve y mítico actor de Superman, Will Reeve, es la cara más visible de la familia Reeve. Recientemente apareció en el documental sobre su padre junto a sus hermanos y ahora a aceptado hacer este cameo que al igual que otros muchos detalles conecta con la película de Donner.
Jor-El – Bradley Cooper
Jor-El es el padre biológico de Kal-El a.k.a Superman. Un personaje que siempre ha estado interpretado por actores tan famosos como Marlon Brando, Russell Crowe, Terence Stamp…
Lara-El – Angela Sarafyan
La actriz, conocida por su papel como Clementine en ‘Westworld’, se une al universo de DC para interpretar a uno de los personajes clave en el origen del superhéroe. Lara-El es una figura fundamental en la mitología de Krypton: científica, valiente y comprometida con el futuro de su hijo Kal-El.
Jonathan Kent – Pruitt Taylor Vince
El padre adoptivo de Superman, Jonathan Kent, es interpretado por el veterano actor de ‘Bird Box’. Sin duda un referente emocional para Clark, especialmente en los conflictos entre su humanidad y su deber. Un papel que según cómo se mire tiene un listón alto que superar.
Martha Kent – Neva Howell
Neva Howell dará vida a Martha Kent, madre adoptiva de Superman y su ancla moral. Su sabiduría y amor marcan uno de los tonos más humanos del filme.
La fortaleza de la soledad cuenta con unos asistentes de innegable lealtad. Estos robots han aparecido en múltiples cómics. En la película cuentan con las voces de otros grandes amigos para el director como Pom Klementieff, Michael Rooker o Grace Chan.
Gary / Robot 4 – Alan Tudyk
Tudyk es un doblador habitual y pone voz al robot número 4. Siendo tan amigo de Gunn, su robot ha recibido más frases que para el resto e incluso un nombre propio.
Pacificador – John Cena
Era de esperar que a modo de cameo o en los post-créditos aparecería el personaje interpretado por John Cena. De momento una inclusión tímida pero ya sabemos que está dentro de este universo.
Rick Flag Sr. – Frank Grillo
Es una figura veterana dentro del universo de DC Comics, conocido como un militar implacable con una trayectoria oscura y ligada a operaciones encubiertas. Padre de Rick Flag Jr., ya conocido por su aparición en las películas del Escuadrón Suicida.
The Engineer – María Gabriela de Faría
Miembro de poseedora de nanotecnología en su sangre, es un personaje oscuro y con potencial para generar conflicto moral. Su versatilidad y originalidad a la hora de actuar da a la acción un toque llamativo. Es otra de las creaciones de Luthor.
El Martillo de Boravia / Utaman – David Corenswet
En los cómics Ultraman surge como reverso oscuro de Superman, una versión alternativa y malvada proveniente de otro universo. En otras ocasiones es un clon fallido de Superman, esta es una de ellas. Ya que es un esbirro de Lex Luthor conocido públicamente realiza algunas misiones encubiertas bajo la personalidad de El Martillo de Boravia.
Kaiju
Otro invento de Luthor para entretener a Superman. Una criatura que no para de crecer y que en la película no muere de la manera que nos hacían imaginar los muñecos que han salido a la venta.
Solaris
En el cómic ‘All-Star Superman’ una de las 12 pruebas que tiene que superar el Hombre de Acero antes de morir es el derrotar a una esfera artificial proveniente de una dimensión futura que quiere suplantar a nuestro sol. La esfera de plasma que tanto hemos visto en los tráilers podría ser una alusión a este personaje, pero no se menciona en el filme su nombre. Salvo por los colores su anatomía es similar.
Supergirl – Milly Alcock
Ni siquiera hay que esperar a los post-créditos para ver a Supergirl en la película. La prima de Superman hace acto de presencia en el epílogo para jugar de un modo un tanto salvaje con Krypto.
Maxwell Lord – Sean Gunn
James Gunn nunca pierde la oportunidad de brindar a su hermano Sean un papel. En esta ocasión borra la imagen que Pedro Pascal le dio al multimillonario en ‘Wonder Woman 1984’ y otorga a su hermano el papel a modo de cameo que no sabemos si irá más allá en el futuro.
Raptors – Michael Rosenbaum
Soldados con armaduras tecnológicas y voladoras además de una estética muy similar a la que luce Lex Luthor en los cómics. Están interpretados por actores de reparto pero hay una sorpresa. Siendo secuaces del dueño de LuthorCorp los creativos del filme han tenido un idea cachonda, a la altura de Daniel Craig como Stormtrooper. Michael Rosenbaum, quien interpretó a Luthor en la serie ‘Smallvile’, encarna a uno de estos milicianos.
Ciudadano dentro de la turba – Lloyd Kaufman
James Gunn se inició en la Troma, la mítica factoría de cine especializada en serie B y películas gore. Su mentor allí fue el fundador Lloyd Kaufman y este ha aparecido en varias películas de Gunn, como ‘Guardianes de la Galaxia’. En concreto en ‘Superman’ podemos verle entre la turba de gente enfurecida que arremete contra Superman y que queda oculta tras un muro verde por acción de Green Lantern.
El evento gratuito tendrá lugar el 10 de julio a las 22:30h en el Recinto Ferial de San Isidro con una coreografía aérea de 600 drones LED y música en directo
Madrid se prepara para vivir una noche única. Con motivo del estreno mundial de la nueva película de ‘Superman’, la capital española acogerá el mayor espectáculo de drones jamás realizado en el país. La cita será el jueves 10 de julio a las 22:30 horas en el Recinto Ferial de San Isidro, en el distrito de Carabanchel, y la entrada será totalmente gratuita para todos los asistentes. Este evento llega prácticamente a 24h antes del estreno mundial de ‘Superman’, el cual tendrá lugar el 11 de julio de 2025 solo en cines.
600 drones y 16 millones de colores iluminarán el cielo madrileño
Más de 600 drones con tecnología LED sobrevolarán el cielo en una impresionante coreografía aérea, capaz de recrear formas y escenas inspiradas en el universo del icónico superhéroe. Gracias a su avanzada tecnología, estos dispositivos podrán mostrar hasta 16 millones de tonalidades diferentes, ofreciendo una experiencia visual sin precedentes.
El evento contará con sistemas de geolocalización RTK y una red de seis antenas WiFi que permitirán una sincronización precisa entre los drones, garantizando la seguridad y espectacularidad del show.
Música en directo para una noche inolvidable
La experiencia no será solo visual. Un guitarrista solista interpretará en directo fragmentos del tema principal de la nueva película de Superman, aportando una capa emocional y artística al espectáculo nocturno.
El público podrá disfrutar del evento en una zona habilitada de 18.000 metros cuadrados, mientras que el espacio reservado para el despegue y aterrizaje de los drones ocupará 2.000 m² adicionales. Por motivos de seguridad, se establecerá un perímetro de protección de 70.000 m².
El 18 de julio llega a nuestras pantallas ‘Superestar’, dirigida por Nacho Vigalondo, una de las series más esperadas para todos los que vivimos el famoso fenómeno del Tamarismo. El otro día estuvimos en su presentación (aquí podéis ver el vídeo que realizamos) y hoy Netflix nos anuncia que también tendremos ‘Sigo siendo la misma’. Un documental que analiza éste fenómeno.
Marc Pujolar, es el encargado de dirigir esta visión, donde se recoge por primera vez el testimonio más intimo de a cantante Yurena y de todos los personajes que revolucionaron el sistema y acapararon nuestra televisión de la época.
‘Sigo siendo la misma’ es un retrato nostálgico, disparatado y conmovedor de una cantante única que causó un auténtico revuelo a inicios de la década de los 2000. El documental narra cómo fueron los comienzos artísticos de Yurena. Conocida por aquel entonces como Tamara, y todo el fenómeno que le convirtió en un auténtico icono popular al inicio de la década de los 2000 tras el lanzamiento de su conocida canción No cambié y de su posterior álbum Superestar.
Con el próximo lanzamiento de la serie ‘Superestar’ en Netflix, muchos se preguntarán qué ocurrió en realidad en aquella época. Y qué ha sido actualmente de Yurena, Leonardo Dantés, Tony Genil, Loly Álvares, Paco Porras o Arlequín.
Además de todos estos protagonistas del fenómeno popular conocido como el Tamarismo, han participado también en el documental varias personalidades del mundo de la cultura y la televisión, así como numerosos periodistas y expertos de la época.
Este nuevo documental, producido por Suma Content, está dirigido por Marc Pujolar y cuenta con Javier Ambrossi y Javier Calvo como productores del proyecto. El guión ha sido escrito por Marc Pujolar y María Zuil.
Andy y su equipo de guerreros inmortales continúan su misión de proteger a la humanidad. Esta vez, un nuevo y formidable enemigo amenaza el tejido mismo de la Vieja Guardia.
Crítica
Rucka se la juega con una entrega puente
No son pocas las historias que juguetean con el tema de la inmortalidad y la regeneración de la carne (conste que no me estoy poniendo cristiano). Para muchos y sobre todo más jóvenes el referente cercano será Wolverine o Deadpool pero hay otros ejemplos como ‘Los inmortales’ de Russell Mulcahy, ‘The Man from Earth’ de Richard Schenkman o más recientemente el ‘BRZRKR’ de Keanu Reeves (lo cual sigo diciendo que es una precuela encubierta de John Wick). Incluso diría que hay algo del ‘Hancock’ de Peter Berg en todo esto de ‘La vieja guardia’. Todos ellos tienen en común que en mayor o menor medida bucean en las dudas existenciales y consecuencias de no poder morir para un ser humano. También en la dedicación hacia uno mismo o hacia la humanidad aprovechando el don que les ha sido dado. Pero también la mayoría coincide en brindarnos altas dosis de acción, casi siempre sangrienta. Todo eso, está más o menos en ‘La vieja guardia 2’.
Netflix da continuidad a ‘La vieja guardia’ con una segunda película. Los cómics de Greg Rucka y Leandro Fernández que narraban en tres tomos las aventuras de unos mercenarios inmortales tuvieron una primera adaptación que abarcaba el primer volumen y ahora podemos ver como progresa esta historia en formato live action con una película que nos deja también muchas incógnitas, aunque ofrece alguna respuesta.
Con el estreno de ‘La vieja guardia 2’, Victoria Mahoney toma el relevo de Gina Prince-Bythewood cinco años después. El tiempo parece no haber pasado y se mantiene la estética de la primera entrega y el tono reflexivo, pero también hereda (y amplifica) algunos de sus mayores defectos. Donde la primera parte sorprendía por su tratamiento intimista de la inmortalidad y sus consecuencias morales, ‘La vieja guardia 2’ opta por un enfoque más coral. La acción se multiplica, los personajes se dispersan y el guion, aunque con destellos interesantes, pierde interés. Mahoney logra imprimir ritmo a la narrativa, pero la historia avanza sin rumbo definitorio, como si se tratara de un capítulo más en una serie que no termina de decidirse a concluir. Para mayor decepción no hay escenas que amplifiquen el trasfondo de los protagonistas, flashbacks que en los cómics si hemos tenido a raudales y que nos construían la psique de todos estos eternos comandados por Andrómaca/Charlize Theron.
El apartado visual mantiene un nivel más que aceptable, con algunas secuencias potentes, pero es en las coreografías donde esta entrega decepciona. Las escenas de acción, que deberían ser el otro corazón del filme junto con los momentos de introspección inmortal, se perciben casi siempre artificiosas, falsas, notándose a veces que no se están peleando. Pierden precisión y contundencia. Hay una sobredependencia del montaje rápido y los planos cerrados, lo que resta impacto a los combates.
Como ya dije en su día, la película mantiene las relaciones entre los mercenarios. Se conservan sus interacciones de amor-odio, una especie de despreocupación por su integridad que roza el humor negro y un dramatismo propio de las tragicomedias antiguas, al fin y al cabo son seres milenarios. Uno de los aspectos más esperados por los fans, tanto del film como del cómic, era una mayor exploración del lore de estos guerreros, que pese a ser eternos no son incansables. Aunque la cinta no llega a ofrecer una explicación definitiva sobre la naturaleza de la inmortalidad, sí se agradecen algunos apuntes y nuevos personajes que expanden el universo narrativo. Rucka, que vuelve a firmar el guion, introduce pequeñísimos fragmentos del pasado de ciertos personajes y pequeñas pistas que aportan textura al relato. Sin embargo, el resultado sigue sabiendo a poco. Imagino que Rucka está jugueteando con su producto y tiene mucha fe en rodar más continuaciones. El mayor lastre de ‘La vieja guardia 2’ es, precisamente, su carácter de puente. Al igual que el segundo tomo del cómic, esta entrega se siente como un paso intermedio, una historia que no cierra nada y deja todo en manos de una posible tercera parte. Las tramas quedan abiertas, los conflictos no evolucionan del todo, y el espectador termina con la sensación de haber visto una aventura más, funcional pero poco nutritiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de julio de 2025. Título original: The old guard 2. Duración: 105 mmin. País: EE.UU. Dirección: Victoria Mahoney. Guion: Greg Rucka, Sarah Walker. Música: Ruth Barrett, Steffen T. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Charlize Theron, Uma Thruman, Henry Golding, Chiwetel Ejifor, Kiki Layne, Matthias Schoenaerts, Chico Kenzari, Veronica Ngo, Luca Marinelli. Producción: Denver and Delilah Productions, Image Comics, Marc Evans Productions, Panorama Films, Pinella Productions, Skydance Media. Distribución: Netflix. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81328881
‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ es la historia de éxito de tres leyendas, Lale Cubino, Roberto Heras y Santi Blanco, pero también la de quienes, desde su infancia, soñaron con triunfar sobre la bicicleta y se enfrentaron a todo tipo de adversidades: Luis Roberto Álvarez “Rubi” y Moisés Dueñas. Los propios protagonistas relatan sus hazañas, pero también nos cuentan las sanciones por dopaje o el accidente que truncó el sueño de Rubi. Todo ello mientras se enfrentan a la incertidumbre de un futuro en el que deben reinventarse tras haber dedicado su vida entera a la pasión por el ciclismo.
Crítica
Pedaladas contra el olvido: Béjar recupera su voz ciclista
Como parte de los reportajes realizados por el sello ‘Informe Plus+’ llega a Movistar Plus+ el 2 de julio el documental ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’. Una pieza repleta de entrevistas y de archivo que profundiza en el fenómeno producido en una ciudad tan pequeña como Béjar. Un lugar cuya industria rivalizaba con Cataluña o Mánchester hace solo unas décadas con fábricas que llegaban a constituir una ciudad en sí mismas y alcanzando el máximo de casi 18.000 habitantes. Hoy en día apenas supera los 12.000 empadronados y observa incapaz cómo sus joyas pasan inadvertidas al resto de un país que habitualmente mira mucho más al este que al oeste. Pero es un enclave que si algo ha demostrado es que la nobleza no está en la cantidad, sino en la épica de sus logros y la grandeza de sus montañas.
En este caso no nos hablan de su textil o de su curiosa tradición musgosa. Nos hablan de aquellos deportistas que en su día nos dejaron boquiabiertos. Ciclistas con los que he de decir, aunque me exponga con ello a ofrecer una visión poco objetiva de este material, con los que un servidor convivió en tiempo y espacio desde su infancia hasta su adolescencia, llegando incluso a compartir terreno de juego con alguno de estas figuras del ciclismo.
Bajo la producción de Iris Ladrero y Carlos Lorenzo y con la dirección de Andrés García Armero, ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ hace un repaso por las carreras de más de cinco deportistas que separados solo por unos veinte años se colocaron en el pináculo del mundo del pedal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano…
Es por ello que nos llevan por paisajes de Béjar y Candelario, así como por ubicaciones tan impresionantes como el Meandro Melero, un lugar cercano, pero no bejarano. Béjar posee un entorno sobrecogedor, interminable para ciclistas, montañeros y senderistas, pero ese en concreto no es uno de sus encantos. Y eso es quizá lo único achacable a este reportaje, que no indaga realmente en cómo la orografía del terreno salmantino esculpió desde pequeños a tan extraordinarios escaladores.
El foco de ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ está puesto en la inspiración y el legado. Desde el alma impulsadora que fue Lale Cubino, hasta los padres y profesores que inculcaron en los ciclistas el amor por el deporte sobre ruedas. El documental no solo se limita a la crónica del esfuerzo y la gloria deportiva, sino que ahonda en el sacrificio cotidiano, en la dureza de entrenar a contrarreloj mientras otros niños jugaban. Nos muestra también la cara menos luminosa del ciclismo: la incertidumbre de hacer de una pasión una profesión inestable, plagada de caídas, lesiones y renuncias personales.
Retrata también el riesgo de apostar por un deporte como profesión. No esquiva lo delicado, tocando el tema del dopaje y el injusto trato a los ciclistas con este tema. Y lo hace con honestidad. Sin justificar, pero tampoco sin cargar las tintas. Reclama un trato humano a aquellos jóvenes que fueron parte de un sistema que a menudo les exigía más de lo que podían dar y que como muchos sospechamos siempre, responde a determinados intereses de unos pocos.
El reportaje destaca por su enfoque humano y cercano, centrado en testimonios íntimos y en archivo audiovisual que desdibujan la línea entre lo personal y lo épico. La dirección de Andrés García Armero, con la codirección de Manu Cid, consigue retratar no solo el éxito de Lale Cubino, Roberto Heras o Santi Blanco, sino también el lado más crudo y real del ciclismo. El resultado es un relato equilibrado y emotivo, capaz de rendir homenaje sin caer en la hagiografía.
‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ emocionará a los vecinos de Béjar, que se verán en imágenes y fotos de archivo, además por lo bien que ensalza a una ciudad siempre vinculada al deporte y a sus valores. Pero sobre todo a los amantes del ciclismo, que comprobarán y recordarán que existe una cuna de escaladores fuera de serie como Béjar. Falta un monumento a estos cracks en la Ilustre Ciudad de Béjar, aunque quizá el tributo es el legado que dejaron. Béjar es una ciudad a la que he visto perder miles de ciudadanos, entre envejecimiento y jóvenes exiliados en busca de empleo. Pero sin duda, tomando ejemplo de sus figuras contemporáneas más famosas, sacará en algún momento las fuerzas de flaqueza y volverá a estar el podio que se merece.
El documental ha sido dedicado a maestros y deportistas como Tomás Martín, Ignacio González y Mateo Hernández, nombres clave y valedores de los campeones que han dado pie a esta película.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de julio de 2025. Título original: Bejaranos, el oficio del ciclista. Duración: 53 min. País: España. Dirección: Andrés García Armero. Música: Mario Quiñones Sandino. Fotografía: Guillermo Barberá Llorca. Reparto principal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano. Producción: Lilicar Inversiones. Distribución: Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial:https://www.movistarplus.es/documentales/bejaranos-el-oficio-del-ciclista/ficha?tipo=E&id=4017043
‘Una cabeza en la pared’ como gran ganadora de los Premios Fugaz
El pasado 25 de junio se celebró la gran gala de los Premios Fugaz. Un millar de asistentes se vistieron de gala para asistir a la Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen.
La gran triunfadora de la noche ha sido la cinta “Una cabeza en la pared”, que se ha alzado con seis galardones, incluyendo Mejor Cortometraje, Dirección de Producción, Dirección de Fotografía, Dirección de Arte, Vestuario y Banda Sonora. La obra, dirigida por Manuel Manrique, confirma así las expectativas generadas desde su paso por festivales, con una propuesta estética poderosa, narrativa inquietante y un despliegue técnico que ha dejado huella en esta edición.
Le ha seguido “Ángulo muerto”, que ha logrado dos galardones de enorme peso: Mejor Dirección para Cristian Beteta y Mejor Interpretación Femenina para Eva Llorach, cuya actuación fue una de las más aplaudidas de la temporada. “El otro”, ópera prima de Eduard Fernández, ha obtenido el premio a Mejores Efectos Visuales, mientras que “Cólera” ha sido distinguida con la Dirección Novel para Jose Luis Lázaro.
El guion más celebrado ha sido el de “Insalvable”, escrito por Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, y el premio a la Mejor Interpretación Masculina lo ha obtenido Ramón Barea por “29 de febrero”. Otros títulos reconocidos han sido “893 kilómetros” (Mejor Montaje), “Donde se quejan los pinos” (Mejor Sonido) y “Líbranos del mal” (Maquillaje y Peluquería).
La gala ha sido presentada con afilado humor por el actor y ventrílocuo Jaime Figueroa y entre los asistentes han figurado nombres tan destacados como Eduard Fernández, Ana Wagener, Ramón Barea, Daniel Sánchez Arévalo, Eva Llorach, Pedro Casablanc, Rosario Pardo, Nerea Barros, Vanesa Romero, Blanca Paloma o Eva Isanta. También han estado presentes representantes del ICAA, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y la Comunidad de Madrid.
Uno de los momentos más especiales de la gala ha sido la entrega del Premio Fugaz de Honor a Arantxa Echevarría, quien ha sido recibida con una prolongada ovación por parte del público. La cineasta, con una trayectoria reconocida tanto en el cortometraje como en el largometraje con títulos como “La Infiltrada”, “Carmen y Lola” o “Chinas”, ha obtenido el galardón como reconocimiento a su aportación al cine español contemporáneo.
Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, entidad organizadora de los premios, ha señalado: “cada año se suman más miradas, más estilos y más talento. Este 2025 hemos vuelto a confirmar que el cortometraje no es un formato menor, sino una expresión esencial del cine. Estas obras nos recuerdan que en pocos minutos se puede contar muchísimo.”
En total, se han entregado 21 galardones, incluyendo los estrenos de dos nuevas categorías: Mejor Cortometraje Hispanoamericano, que ha sido para “Cuando todo arde” (Argentina), y Mejor Cortometraje de Escuela, que ha reconocido a “De Madrid al Cielo”.
Los Premios Fugaz cuentan con el apoyo de importantes entidades e instituciones como Kinépolis, Cervezas Alhambra, el Instituto del Cine de Madrid, Menorca Doc Fest, The Core School, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), el ICAA, Elite Excellence – Federación española del Lujo, Filmin, Gobo, Mi guarida pulida, Welab, Esfera Visual, Mood, Excena, AM Escuela y Big School, además de la colaboración de Movistar+ y la Universidad Complutense de Madrid, haciendo posible que estos galardones continúen siendo el gran punto de encuentro del cortometraje español.
A continuación os dejamos la lista completa de los ganadores.
PALMARÉS – PREMIOS FUGAZ 2025
Mejor Cortometraje
Una cabeza en la pared
Mejor Dirección
Cristian Beteta, por Ángulo muerto
Mejor Dirección Novel
Jose Luis Lázaro, por Cólera
Mejor Guion
Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, por Insalvable
Un niño enamorado del cine consigue que su sueño se haga realidad, pero no es como él se lo había imaginado. Durante toda su vida intentará hacer el cine que le hubiera gustado al niño de su infancia.
Crítica
Escudriñando el alma del cineasta que construyó puentes entre generaciones
‘Borau y el cine’, el documental dirigido por Germán Roda, no es solo un recorrido por la vida y obra de José Luis Borau, sino una inmersión apasionada en el alma del cine español del siglo XX. A través de un cuidado trabajo de archivo, entrevistas con figuras clave del cine y recreaciones puntuales, Roda compone un retrato polifónico, íntimo y profundamente respetuoso de uno de los cineastas y pensadores más influyentes y olvidados de nuestra cinematografía.
Lo primero que llama la atención es la riqueza del material documental: secuencias de películas propias y ajenas, entrevistas inéditas, imágenes personales y momentos históricos del cine español que ayudan a contextualizar la importancia de Borau. El espectador se enfrenta no solo a un repaso biográfico, sino a una clase magistral de cine, una conversación que traspasa la pantalla. Y todo ello lleno de grandilocuencia, tanto por parte del protagonista de la cinta sino también por parte de los entrevistados, muy bien seleccionados.
El documental pone en valor no solo la carrera profesional de Borau, el cual, fue director de títulos fundamentales como ‘Furtivos’ o ‘Leo’, miembro de la RAE, ganador del Goya y candidato al Oscar además de ostentar la que se considera como una de las mejores presidencias dentro de la Academia de Cine. Todo ello conseguido a costa de varias ruinas. También se evalúa sino su influencia como pedagogo, mentor y pensador. Fruto de ello son obras angulares como el Diccionario del Cine Español o su obsesión con mantener el arte vivo y renovado. ‘Borau y el cine’ es retrato de una vida entregada, a menudo de forma kamikaze, al séptimo arte.
Las entrevistas son otro de los grandes valores del documental. A través de voces cercanas, tanto personales como profesionales, el espectador va descubriendo las múltiples capas de una figura compleja: el erudito, el cineasta independiente, el académico, el rebelde. Cada testimonio aporta una arista distinta que, en conjunto, dibuja el mapa de una vida marcada por el amor al cine y por un compromiso absoluto con su tiempo y su país.
‘Borau y el cine’ no necesita forzar épica ni sentimentalismo. La propia voz de Borau, muchas veces recogida en entrevistas o charlas, funciona como columna vertebral. Sus reflexiones, lúcidas y apasionadas, dan cuenta de un modo de entender el cine casi como forma de vida, como extensión del pensamiento y de la sensibilidad.
Roda no se limita a construir un monumento. También propone una revisión crítica de nuestra historia cinematográfica, recordando hitos como ‘Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza’, la primera película conservada en España, o cómo Borau participó en su remake junto a grandes figuras del cine patrio pertenecientes a diferentes generaciones.
Al final del metraje, incluso el espectador que no conocía a Borau sentirá que ha perdido a un maestro. Uno de esos nombres que deberían figurar con letras grandes cuando se habla de generaciones que cambiaron el cine español, casi en la misma quinta que Saura, Bardem o Sumers, y cuya huella perdura en creadores como GutiérrezAragón, Bollaín, Méndez-Leite o Zulueta.
‘Borau y el cine’ no solo es un homenaje necesario; es también una llamada de atención para reconocer el legado de quienes hicieron del cine su vida. Un documental imprescindible para entender cómo se construye un país a través de sus imágenes y sus historias.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de junio de 2025. Título original: Borau y el cine. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Germán Roda. Guion: Germán Roda. Fotografía: Daniel Vergara. Reparto principal: José Luis Borau, Miguel Rellán, Alicia Sánchez, Carlos F. Heredero, Iciar Bollaín, Fernando Méndez-Leite, Manuel Gutiérrez, Miguel Ángel Lamata, Luis Alegre. Producción: Estación Cinema, Aragón TV, Gobierno de Aragón, Diputación de Zaragoza, Ayuntamiento de Zaragoza. Distribución: Me lo creo. Género: documental. Web oficial:https://estacioncinema.com/proyectos/borau-y-el-cine/
A principios de los años 2000, en China, Qiaoqiao y Bin viven un amor apasionado pero frágil, cantando, bailando y disfrutando de todo lo que la ciudad de Datong les puede ofrecer. Pero un día Bin decide probar suerte en otra provincia más grande y se marcha sin avisar ni dejar rastro. Tiempo después, Qiaoqiao decide emprender un viaje para tratar de localizarle.
Una epopeya amorosa que atraviesa varias décadas en un país cambiante y en constante ebullición.
Crítica
Un curioso y exitoso experimento con el cine como testigo de la transición china
Jia Zhangke estrena en España ‘A la deriva’ (Caught by the Tides) tras un largo recorrido por festivales. Este filme es una propuesta tan ambiciosa como introspectiva que, más que contar una historia de amor, busca retratar el viaje de un país: China, en su transición desde un comunismo férreo hacia un capitalismo que aún se niega a reconocer. Esta película, que se desarrolla a lo largo de 21 años, no sólo desafía la estructura narrativa convencional, sino también las expectativas del espectador medio, con una mezcla de materiales de archivo, fragmentos de sus filmes anteriores y metraje inédito que conforman una especie de diario fílmico, personal y colectivo.
La protagonista, interpretada, una vez más, por Zhao Tao, musa y esposa del director, deambula por escenarios en constante transformación sin que le oigamos pronunciar una sola palabra, salvo para cantar o para comunicarse mediante mensajes de texto. Su silencio es tan revelador como lo que las imágenes insinúan: no estamos tanto ante un personaje como ante un símbolo. Su presencia muda sirve de hilo conductor para una narrativa fragmentada, no-lineal e impresionista, que se despliega como un collage audiovisual donde el paso del tiempo actúa como único elemento de continuidad.
Lejos de un simple ejercicio de nostalgia, ‘A la deriva’ propone una lectura casi arqueológica del cine como artefacto de memoria. Zhangke no oculta el artificio: el material viejo y nuevo no sólo conviven, sino que sus costuras son evidentes. Esta honestidad formal dota al filme de un aire experimental que puede resultar fascinante para algunos, aunque para otros se quede en un gesto autoconsciente que no siempre logra generar emoción o ritmo.
La película no oculta su vocación sociológica. Las miserias, aspiraciones y contradicciones del pueblo chino aparecen como telón de fondo constante. Jia se detiene en los gestos cotidianos, en la arquitectura cambiante, en las fiestas populares, en las ruinas de un pasado colectivo. La música, una combinación de cantopop, sonidos electrónicos y ritmos tribales, subraya este carácter entre lo íntimo y lo cultural.
Pese a su apariencia marginal o underground, la película fue aprobada por la censura y estrenada en salas chinas. Ese dato no es menor: ‘A la deriva’ no es una obra clandestina, sino una pieza contemplativa que, al nombrar a una “generación a la deriva”, busca dar forma y voz (o silencio) a una clase media que ha sido testigo y a veces víctima de los cambios más radicales de la China moderna.
Quizás no todos los fragmentos emocionen por igual, y su ritmo disperso pueda desconcertar o agotar. Pero como testimonio de una época y como ensayo sobre el cine mismo como dispositivo de memoria, ‘A la deriva’ merece atención, aunque no necesariamente entusiasmo.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de junio de 2025. Título original: Feng Liu Yi Dai. Duración: 111 min. País: China. Dirección: Jia Zhangke. Guion: Wan Jiahuan, Jia Zhangke. Música: Lim Giong. Fotografía: Nelson Yu Lik-wai, Eric Gautier. Reparto principal: Zhao Tao, Li Zhubin, Pan Jianlin, Lan Zhou, Zhou You, Ren Ke, Mao Tao. Producción: Huanxi Media Group, MK2 Films, Momo Pictures, Wishart Media, X Stream Pictures. Distribución: Atalante. Género: romance, drama. Web oficial:https://atalantecinema.com/film/a-la-deriva/
Ordenamos el caos de ’28 años después’ e imaginamos qué ha pasado por las mentes de Boyle y Garland
La película ‘28 años después’ se ha convertido en una de las películas de la saga de DannyBoyle con mejor valoración tras los primeros visionados. Pero no es ajeno para el sentir popular el hecho de que supone un cambio radical en la franquicia. Esta es sin duda la entrega más poética y emotiva, también la más extravagante y arriesgada. Pero (casi) todo esto responde a un significado. Si bien el final se presenta abruptamente y con rarezas que se salen de tono, el guionista Alex Garland no da puntada sin hilo, como es costumbre en su cine.
No voy a arrojar valoraciones sobre la película, para eso tenemos una crítica publicada hace días. Pero sí he de advertir que esta publicación contiene spoilers pues voy a intentar arrojar luz sobre el significado de esta obra que he tenido la ocasión de poder analizar a fondo y con contexto. Evidentemente todo lo aquí expuesto puede considerarse subjetivo, pero presentaré bastantes datos que confirman mis impresiones.
Empecemos por los posters que no se limitan solo a mostrar ’28 años después’. “El tiempo no ha curado nada” dice el tagline de este afiche. Con ello ya nos insinúan que el virus de la rabia, responsable de los infectados que corren en busca de carne, no se ha curado. Pero también se lee entre líneas un paralelismo hacia lo poco que hemos aprendido tras la pandemia del COVID y un dardo hacia la tradicional costumbre inglesa de ir a contracorriente en muchas cosas (enchufes, sentido de circulación, moneda…) tropezando con la misma piedra constantemente. Más adelante volveremos sobre esto último.
Casi nada más empezar una voz en off nos pone en máxima tensión y alerta. Una transmisión de corte radiofónico recita el poema ‘Boots’ de Rudyard Kipling. Esa obra fue publicada en 1903 para describir la monotonía y la tensión psicológica de la marcha de los soldados británicos en la Segunda Guerra de los Bóers. Taylor Holmes es quien recitó en la grabación esas líneas pavorosamente y con el tiempo ha sido utilizado para retratar las secuelas de la guerra. Si lo pensamos bien los efectos de la guerra en los soldados era el tema de ‘Warfare’, última película de Garland. Con eso ya empezamos criticando el tema militar, algo que tuvo espacio en el final de ’28 días después’. Mientras suena en la película se muestran injertos de imágenes de batallas en las que el imperio británico salió victorioso: Guerras Mundiales, la Segunda Guerra de los Bóers, batallas medievales… Eso contrasta con la situación del filme en la que todo es decadencia. Con ello Boyle y Garland parece que quieren advertir de que toda época de gloria tiene su fin y Reino Unido suele estar cegada por su propia vanidad. La soberbia británica se repite y mantiene en el tiempo siendo casi siempre la causa de los males que suceden en las mismas islas.
Todo esto sucede cuando el joven protagonista, con tan solo 12 años, es extraído a un mundo repleto de peligros y con baja probabilidad de supervivencia. Cual espartano, es sometido a un rito iniciático que le convertirá en hombre y guerrero. Esto no dista mucho de todas esas guerras cuyas tropas estuvieron atestadas por críos reclutados por el gobierno británico. Revelador es el último plano de ‘28 años después’, el cual tiene lugar en el final de los créditos. En él vemos a Alfie Williamscon la bandera inglesa ardiendo detrás. Este estandarte volverá a aparecer en este artículo a pesar de haberlo citado en los post-créditos. Por supuesto, esta situación que expone a un menor a un conflicto violento retrata la peligrosidad de nuestra raza que parece abocada a volver a la barbarie, y por supuesto a lo primitivo y a la Edad Media. Por supuesto implica la imposición de un sentimiento territorial o patriótico a una temprana edad. Quizá esto sea lo que se puede ver más fácilmente en la superficie.
El cine de Danny Boyle es muy británico y esta no es la excepción. Se respira correct english y la música suena a pub de Candem Town. Curiosamente el filme le da caña a todo lo británicamente ortodoxo. Parece que lo que nos quieren decir con este filme es que Reino Unido ha ido siempre a su bola y con el tema del Brexit ha quedado aislado del resto Europa. El virus rabia sería algo así como una metáfora del independentismo sin sentido que provoca siempre el caos interno y hace que los ingleses se devoren los unos a los otros, aunque sea comercial o socialmente hablando. No son pocas las ocasiones en las que aparece la bandera de Inglaterra, la de San Jorge, en varias tomas envuelta en llamas. Este símbolo también es muy utilizado por la ultraderecha, casi acaparado para su causa. Durante la película aparecen escenas del filme ‘Henry V’ de Laurence Olivier con esa bandera muy presente. La figura de Enrique V tiene un significado simbólico poderoso para sectores ultraconservadoresy nacionalistas británicos, aunque no siempre de forma explícita o dominante en el discurso político actual. Su relevancia está más ligada a la construcción del mito nacional y al imaginario de un Reino Unido fuerte, soberano y victorioso frente a potencias extranjeras. Por supuesto relacionado con esto está la fotografía de la reina Isabel II de joven que el pequeño reducto superviviente luce en su salón de actos. Aquí es donde llega la crítica al Brexit orquestado por los conservadores que echan de menos el imperio incapaces de ser parte de un todo más grande. Lo que sucede en este filme se convierte en un símbolo de escarmiento al dejar el mundo a los británicos apartados de la comunidad internacional durante 28 años. Esto podría ser una represalia al considerar que fue primero Inglaterra la que dejó de lado a Europa. En la realidad el paralelismo son las consecuencias económicas y comerciales claras por su decisión de salir de la Unión Europea. Más que un castigo, ha sido un efecto directo del aislamiento económico.
’28 años después’ es también una advertencia de que, tomando la senda del individualismo, el Reino Unido tiene mal futuro. El pensamiento conservador suele enfatizar el mérito individual, el liderazgo fuerte y la libertad frente al control estatal. En la película aparecen unos nuevos zombies llamados “alphas” pues por su corpulencia y violencia se alzan como líderes de manada. El alfa es precisamente eso: un individuo que sobresale y lidera de manera por lo general abrumadora. Además, suele ser masculino, considerado menos «blando» o dialogante por ciertas mentes más primitivas. Testosterona política = canibalismo prehistórico. El virus rabia provoca alfas de igual modo que los populismos o el hastío social dan a luz a figuras extremas y preponderantes que anulan las mentes de sus seguidores.
El filme tiene más lecturas, como el tema de la eutanasia, que evidentemente tiene a sus máximos detractores en el Partido Conservador. Y aunque ‘28 años después’ y sus diferentes capas me han gustado, hay que reconocerle el riesgo, manifiesto sobre todo en el mismísimo final. Hay que admitir que su última secuencia es una excentricidad completamente fuera de tono y que nos lleva a ese Reino Unido de Guy Ritchie lleno de matones vestidos de sport o incluso al de los dementes de ‘Little Britain’. Al final de este apocalipsis british aparecen unos cazadores vestidos con chándal del Humana. Esto parece simplemente una manera de conectar con la primera escena y con algunos cuantos guiños que hemos ido viendo. Nos muestran a un niño y a un mundo que se han vuelto tarados, traumáticos. Pero ojo que esa excentricidad puede esconder algo más. Estos personajes conservan un perturbador parecido con el presentador de la BBC y DJ Jimmy Savile (de hecho, el personaje de la escena se llama Jimmy). Por muchos es sabido que recibió diversas denuncias por abuso sexual infantil. La pista nos la dio nuestro compañero Jorge Loser. Hay una similitud con los niños viendo como zombies los Teletubbies (un show de la BBC). Pero lo que nos dice este desconcertante desenlace es que se han creado unos monstruos. Quizá simplemente han querido hacer alusión a otro tipo de depredador, en este caso el sexual, o quizá es una pista para lo que podremos encontrar en la siguiente entrega, la cuarta y penúltima de la franquicia.
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