Nominados a los Premios Feroz 2026

Destacan ‘Los domingos’ (cine) y ‘Poquita fe’ y ‘Superestar’ (TV)

La gran cita del cine y la televisión españoles nos cita en Pontevedra con la 13.ª edición de los Premios Feroz, cuya gala de entrega se celebrará el próximo 24 de enero y volverá a reunir a algunas de las figuras más destacadas del panorama nacional. Los Premios Feroz, considerados uno de los termómetros imprescindibles de la temporada junto a los Goya, los Oscar o los Globos de Oro, cumplen trece años reconociendo lo más sobresaliente de la producción audiovisual para la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE).

El Pazo da Cultura será el escenario de la ceremonia, que contará con un cuarteto de presentadores formado por Petra Martínez, Arturo Durán ‘Morris’, Samantha Hudson y Elisabet Casanovas. La lectura de nominaciones, realizada en la casa consistorial de Pontevedra por los actores Manu Ríos y Milena Smit, se celebró junto a la presidenta de la AICE, María Guerra, y el alcalde de la ciudad, Miguel Anxo Fernández Lores.

En esta edición de los Feroz, ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, lidera con autoridad la lista de candidaturas al convertirse en la película más nominada, con un total de nueve menciones. Justo detrás se sitúan ‘Sirat’, de Oliver Laxe, y ‘Maspalomas’, dirigida por Jose Mari Goenaga y Aitor Garaño, ambas con siete nominaciones. En el ámbito televisivo, las comedias han vuelto a conquistar al jurado: las segundas temporadas de ‘Poquita fe’ y el estreno ‘Superestar’ se posicionan como favoritas al obtener seis candidaturas cada una.

La AICE, compuesta por alrededor de 250 periodistas y críticos de todo el país especializados en información cinematográfica y televisiva, elige cada año a los premiados entre las producciones más destacadas de la temporada. Su veredicto vuelve a marcar el pulso de un año especialmente diverso y competitivo en el audiovisual español.

Listado completo de nominados a los Feroz 2026

Mejor película drama

  • ‘Los domingos’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’
  • ‘Sorda’

Mejor película comedia

  • ‘La cena
  • ‘Decorado’
  • ‘Mi amiga Eva’
  • ‘Rondallas’
  • ‘Wolfgang’

Mejor dirección

  • Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
  • Oliver Laxe por ‘Sirat’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’
  • Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Carla Simón por ‘Romería’

Mejor actriz protagonista [película]

  • Ángela Cervantes por ‘La furia’
  • Miriam Garlo por ‘Sorda’
  • Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
  • Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
  • Blanca Soroa por ‘Los domingos’

Mejor actor protagonista [película]

  • Mario Casas por ‘Muy lejos’
  • Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
  • Sergi López por ‘Sirat’
  • Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
  • Alberto San Juan por ‘La cena’

Mejor actriz de reparto [película]

  • Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
  • Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
  • Elena Irureta por ‘Sorda’
  • Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
  • Elvira Mínguez por ‘La cena’

Mejor actor de reparto [película]

  • Asier Etxeandia por ‘La cena’
  • Miguel Garcés por ‘Los domingos’
  • Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
  • Miguel Rellán por ‘El cautivo’
  • Kandido Uranga por ‘Maspalomas’

Mejor guion [película]

  • ​Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor música original

  • Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
  • Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
  • Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
  • Ernest Pipó por ‘Romería’
  • Kangding Ray por ‘Sirat’

Mejor cartel

  • ‘Los domingos
  • ‘Muy lejos’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’
  • ‘Tardes de soledad’

Mejor tráiler

  • ‘La cena’
  • ‘Maspalomas’
  • Los domingos’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’

Mejor serie drama

  • ‘Anatomía de un instante’
  • ‘La canción’
  • ‘Pubertat’
  • ‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
  • ‘Yakarta’

Mejor serie comedia

  • ‘Animal’
  • ‘Furia’
  • ‘Poquita fe’
  • ‘La suerte’
  • ‘Superestar’
  • ‘La vida breve’

Mejor actriz protagonista [serie ]

  • Anna Castillo por ‘Su majestad’
  • Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
  • Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
  • Candela Peña por ‘Furia’
  • Carla Quílez por ‘Yakarta’
  • Carolina Yuste por ‘La canción’

Mejor actor protagonista [serie]

  • Javier Cámara por ‘Yakarta’
  • Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
  • Ricardo Gómez por ‘La suerte’
  • Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
  • Luis Zahera por ‘Animal’

Mejor actriz de reparto [serie]

  • Julia de Castro por ‘Poquita fe’
  • María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
  • Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
  • Natalia de Molina por ‘Superestar’
  • Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
  • Leonor Watling por ‘La vida breve’

Mejor actor de reparto [serie]

  • Carlos Bernardino por ‘La suerte’
  • Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
  • David Lorente por ‘Yakarta’
  • Secun de la Rosa por ‘Superestar’
  • Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’

Mejor guion [serie]

  • Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
  • Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
  • Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
  • Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
  • Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’

Crítica: ‘Blue moon’

En qué plataforma ver Blue moon

Sinopsis

En la noche del 31 de marzo de 1943, el legendario letrista Lorenz Hart se enfrenta a su dañada autoestima en el bar Sardi mientras su antiguo compañero creativo Richard Rodgers acoge la noche inaugural de su exitoso musical ¡Oklahoma!

Antes de que la noche acabe, Hart se habrá enfrentado tanto a un mundo que ya no valora su talento como a la aparente imposibilidad del amor.

Crítica

Todo un interrogatorio a la memoria cultural

Hay artistas cuyo nombre se desvanece mientras sus obras siguen resonando durante décadas. Figuras esenciales, pero invisibles, eclipsadas por los intérpretes que ponen voz o rostro a sus creaciones. Durante buena parte del siglo XX, los escritores y compositores eran arquitectos del espectáculo, auténticas fuerzas creativas del showbusiness, respetadas, escuchadas y hasta deseadas. Con el tiempo, muchos de ellos quedaron relegados a la nota a pie de página de un programa, a un espacio secundario en la memoria colectiva. ‘Blue moon’, la nueva película de Richard Linklater, se sumerge precisamente en ese territorio: el de un genio cuyos versos moldearon la cultura popular, pero cuya presencia física se perdió entre bambalinas.

Y lo hace desde la palabra, desde unos diálogos, por momentos auténticos soliloquios, que reconstruyen no tanto la vida de Lorenz Hart como el carácter satírico, irónico y vulnerable que dio forma a sus obras. Ethan Hawke soporta casi todo el peso del relato, llenando cada plano con una interpretación que no solo aguanta estos torrentes verbales cargados de sinceridad, sino que los vuelve hipnóticos. Linklater sitúa la cámara al servicio de la voz, del ingenio y del desgaste interior de Hart, permitiendo que el propio discurso se convierta en la columna vertebral del filme más allá de los rostros conocidos. Y lo hace con la simpleza de una obra teatral que se inspira únicamente en las cartas que Hart mantenía con su amor platónico.

La película muestra a Hart como un letrista brillante pero atormentado, sin ocultar su alcoholismo y sin reducir su figura al cliché del genio herido. Es por eso que nos ofrece momentos de soberbia y falsedad pero también de humildad y honestidad. El director incorpora detalles sobre su influencia cultural, desde la forma en que sus letras impregnaron generaciones hasta sus contactos con cineastas como George Roy Hill, responsable de ‘Dos hombres y un destino’ o posibles coincidencias con figuras de la talla del ensayista Elwyn Brooks White, el cual para muchos sentó cátedra. Son gestos discretos, pero reveladores, que recuperan la dignidad de un talento a menudo olvidado.

‘Blue moon’ también se detiene en temas universales: el ocaso de la fama, la amistad que se deshace por los errores, la pérdida de profesionalidad y un público que ya no valora la complejidad. Para mi esto último es lo más valioso pues interpela con el espectador. Es una defensa abierta de las obras que exigen algo más que consumo pasivo. Linklater parece recordarnos que el espectáculo no siempre fue un producto acelerado y gratuito: hubo un tiempo en que el público reclamaba densidad, y los creadores, respeto. El largometraje parece todo un interrogatorio a nuestra memoria cultural y ciertamente, si lo pensamos bien, esta película no podrá hacerse igual dentro de unas décadas, no desde la nostalgia por un patrimonio mejor, quizá desconsolados por haber permitido que generaciones crezcan con vagos entretenimientos y no con obras más intelectualmente sugerentes.

En paralelo, el filme juega con trucos visuales para ajustar la estatura de Hawke (1,80 m) a la del verdadero Hart, que rondaba 1,50 m. Perspectivas, vestuario, escenografía, desenfoques… una coreografía técnica constante que, aunque ingeniosa, a veces desvía la atención de unos textos que ya son lo suficientemente poderosos por sí mismos. No empaña la experiencia, pero sí introduce un pequeño ruido visual dentro de un relato dominado por la palabra.

El resultado de ‘Blue moon’ es una película íntima, discursiva y profundamente humana. Un homenaje a un creador discreto cuyo legado, lejos de encoger, sigue expandiéndose cada vez que alguien escucha una de sus líneas. ‘Blue moon’ no solo rescata a Hart del olvido: reivindica el valor de quienes construyen desde las sombras.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Blue moon. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guion: Robert Kaplow. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane F. Kelly. Reparto principal: Ethan Hawke, Margaret Qualley, Bobby Cannavale, Andrew Scott. Producción: Sony Pictures Clasics, Renovo Media Group, Detour Pictures, Wild Atlantic Pictures, Cinetic Media, Not to be Seen Productions, Under the Influence Productions, Concord Originals. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.sonyclassics.com/film/bluemoon/

‘Avatar: The Experience’: así es el viaje más inmersivo a Pandora que llega a Madrid

La exposición oficial de ‘Avatar’ aterriza por primera vez en Europa con nueve salas inmersivas y una experiencia que coincide con el estreno de ‘Avatar: fuego y ceniza’

A poco tiempo del estreno de ‘Avatar: fuego y ceniza’, la tercera entrega de la saga de James Cameron, Madrid se ha convertido en el epicentro europeo del universo de Pandora. Y puedo decir esto bien imbuido del espíritu Na’vi pues acabo de visitar ‘Avatar: The Experience’, una exhibición inmersiva que acaba de abrir sus puertas en el Espacio Delicias y que supone la primera vez que esta propuesta aterriza en Europa. Salgo todavía con la sensación de haber regresado de un viaje interplanetario multicolor y vosotros podéis hacer lo mismo pues ya está inaugurada.

Lo primero que sorprende es cómo la exposición se vincula a la llegada a los cines de ‘Avatar: fuego y ceniza’, que se estrena el 19 de diciembre. Todo está concebido para reforzar el impacto emocional de la saga: la inmersión en los biomas de la luna Pandora, la conexión con los Na’vi y ese mensaje ecológico que ha sido siempre la columna vertebral de la franquicia.

La experiencia —fruto de la colaboración entre Disney, Lightstorm Entertainment, NEON Global y LETSGO— se despliega en nueve salas experienciales que combinan tecnología animatrónica, arte, bioluminiscencia y narrativa interactiva. El recorrido comienza en el Centro de Bienvenida de la Fundación de Investigación de Pandora (PRF), donde me asignan la “misión” de contribuir a la preservación de los ecosistemas pandorianos. Es un prólogo breve, pero efectivo: te coloca inmediatamente en la piel de un explorador interplanetario.

Y si quieres caminar por esta luna has de prepararte. Pasar por el Pabellón de Biotecnología de la RDA, una mezcla entre ciencia futurista y museo interactivo. Ahí probé la estación “Avatarízate”, uno de los puntos más divertidos de la exposición. Una cámara capta tu rostro y lo transforma en el de un Na’vi. Puedes incluso descargar un QR con tu “nueva identidad”.

Para otros, no me cabe duda que para casi todos los fans de esta magocromática franquicia, será el Bosque Bioluminiscente. Acostumbrados a verlo en pantalla, atravesarlo en primera persona es un espectáculo sensorial. Todo reacciona a la luz, al movimiento y al sonido, generando la sensación de pasear dentro de un sueño húmedo de biología alienígena.

Pero el momento de más contacto con la fauna llega en The Rookery, donde un banshee a tamaño real se mueve y responde ante los visitantes. Además, un banshee bebé, manipulado por expertos titiriteros, permite una interacción muy cercana. La experiencia digital que simula el vuelo sobre las Montañas Aleluya es un guiño perfecto a la película original. Sin duda ha sido mi sala favorita.

La emoción se cierra frente al Árbol de los Espíritus, un espacio sagrado que reproduce susurros y cantos Na’vi. Aquí la exposición abandona el espectáculo para entrar en un terreno más espiritual, apelando directamente al mensaje ecológico de la saga.

Por supuesto antes de salir, la tienda temática ofrece productos exclusivos, desde juguetes hasta camisetas. En resumen, ‘Avatar: The Experience’ no es solo una exhibición: es una manera de sumergirse en el universo de Cameron y una puerta de entrada perfecta a la nueva entrega de la saga. Salgo convencido de que, si eres fan de ‘Avatar’, esta experiencia es imprescindible.

SALAIA: así será el futuro del cine emocional que se adapta al público en tiempo real

SALAIA, el revolucionario sistema español que utiliza IA para ajustar una película en tiempo real según las emociones colectivas del público

El cine está a punto de entrar en una nueva era y su punto de partida ha nacido en Navarra. Alli ha tenido lugar la presentación oficial de SALAIA, un sistema de Inteligencia Artificial que propone un modelo completamente renovado de exhibición cinematográfica: proyecciones vivas, capaces de leer el clima emocional de toda una sala y ajustar la película al instante, sin que el espectador note el proceso. Lo que hasta hace apenas unos años parecía ciencia ficción, hoy se ha convertido en una realidad técnica que funciona ante nuestros ojos.

El proyecto, desarrollado por Professor Octopus AI Lab en colaboración con GOLEM, con apoyo del Gobierno de Navarra y la participación tecnológica de HP, se ha revelado en los cines Golem Baiona de Pamplona como una de las iniciativas más disruptivas del panorama audiovisual europeo. Su objetivo: transformar la experiencia cinematográfica sin romper su esencia, ofreciendo un pase único cada vez que se proyecta una película.

SALAIA (Sistema Autogenerativo para la Adaptación mediante Inteligencia Artificial de Intervenciones Audiovisuales) analiza de forma anonimizada el estado emocional del público mediante cámaras e infrarrojos. Con esa información, una compleja red de modelos de IA decide cómo modular la narrativa: ritmo, diálogos, duración de escenas e incluso qué escenas generar en tiempo real. Todo ello, siguiendo los límites artísticos establecidos previamente por los creadores de cada proyecto.

Durante el evento de presentación hubo demostraciones del sistema y quedó claro que esta tecnología abre un abanico de posibilidades impensables hasta hace poco. Desde festivales que podrán ofrecer versiones únicas de un mismo film hasta museos, espacios educativos o empresas que podrían crear propuestas audiovisuales adaptadas a su audiencia en tiempo real.

SALAIA es la evolución natural de EMOTIONAL FILMS, un proyecto pionero que en 2023 exploró la adaptación emocional de una película para un único espectador. Aquella iniciativa sembró la semilla del que hoy es un sistema escalable, capaz de funcionar en cualquier red de salas europeas con la infraestructura actual. Su consolidación se apoya también en la experiencia del laboratorio OCTOPUS, responsable de éxitos internacionales como el concierto-evento BNET VS. BNET, premiado por su aplicación creativa de IA.

En la presentación estuvieron presentes representantes institucionales y miembros clave del sector audiovisual navarro, subrayando la relevancia regional y estratégica del proyecto. La dirección técnica recae en Carlos F. de Vigo y Lorena Ares, creadores vinculados a producciones premiadas como ‘Cafuné’, ‘Hanna y los monstruos’ o ‘Memorias de un hombre en pijama’, quienes destacan que el gran reto es integrar esta tecnología en una sala real sin romper la experiencia cinematográfica tradicional.

SALAIA estará en desarrollo hasta 2027, aunque sus primeras demostraciones avanzadas llegarán en 2026. Y, tras ver de cerca su potencial, una cosa está clara: estamos ante un hito que puede redefinir cómo entendemos el cine y cómo lo viviremos en los próximos años.

Crítica: ‘Flores para Antonio’

En qué plataforma ver Flores para Antonio

Sinopsis

Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quién fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.

Crítica

Precioso retrato de un gran Antonio Flores

Qué disfrutable es ver un documental tan bien realizado, con tanto cariño y amor hacia una de las figuras claves en el ámbito español. Antonio Flores nació con estrella, venía de una gran familia de artistas. Su madre, la gran Lola Flores y su padre el Antonio González “El Pescaílla’. Ambos grandes cantantes y bailadores. Pero es cierto, que pese a esa estrella, él tenía claro que su música era el rock y que quería triunfar con ese estilo musical. Un estilo propio y que ha dejado canciones inmensas como ‘No dudaría’, ‘Al caer el sol’, ‘Gran vía’ o ‘7 vidas tiene un gato’. Y que decir de su interpretación de ‘Pongamos que hablo de Madrid’ escrita por su amigo Sabina.

Pero bueno, esto es una crítica del documental ‘Flores para Antonio’ dirigido por Elena Molina e Isaki Lacuesta, y solo puedo deciros que os acerquéis a verlo. Nos muestra mucho material inédito del artista; dibujos, videos caseros con su hija Alba y con toda su familia, además de fotografías.

Su hija, Alba Flores, la estupenda actriz de la ‘Casa de Papel’ nos muestra su lado más vulnerable, en la búsqueda para lograr conocer bien a su padre y de historias por las que nunca a preguntado por no sufrir y hacer sufrir a los suyos. Al final, ‘Flores para Antonio’ es también un paso para que esta mujer recupere su voz, voz que dejó de sonar al morir su padre, pues era con el único con el que cantaba. Y vamos viendo como poco a poco se convierte en la búsqueda de respuestas a preguntas que nunca quiso realizar.

Elena Molina e Isaki Lacuesta logran un documental muy completo, conocemos a un montón de amigos, que nos van contando los momentos más complicados del artista y como de verdad quería salir de todo eso, pero le era muy difícil poder escapar. Pero sobre todo vemos, todo el amor que estos amigos recibieron de él y cuanto le querían.

Junto a la familia Flores encontramos a Joaquín Sabina, Ariel Roth, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen o Carlos Narea, entre muchos otros, que han decidido acompañar para contar las luces y sombras de Antonio.

¿Qué es lo que más me ha gustado? Descubrir a un hombre que además de ser un gran cantante y compositor, se dedicó al cine y también dibujaba. Su parte vulnerable y a la vez su fortaleza que le hacía una y otra vez intentar salir de sus recaídas. Me encanta como se juega con sus dibujos y como los animan para presentarnos diferentes etapas de su vida, todo ello junto con sus canciones y así contarnos su historia a través de todo su arte.

No os puedo negar que salí encantada del documental y que al final las palabras no pueden contar todo lo que sentí al verlo. Es emocionante y muy triste, a la vez, nos muestra la vida tal cual, con sus alegrías, el amor hacia la familia y también el dolor. No os lo perdáis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Flores para Antonio. Duración: País: España. Dirección: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Guion: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Música: Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Fotografía: Juana Jiménez AEC. Reparto principal: Alba Flores, Ana Villa, Rosario Flores, Lolita Flores, Nüll García, Elena Furiase, Guillermo Furiase, Antonio Villa, Mariola Orellana, Antonio Carmona, Ariel Roth, Joaquín Sabina, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen, Eduardo Lago “Chirro”, Carlos Narea, Fernando Illán, Javier Catalá, Erik Franklin, Tato Icasto, Tomasito, Fernando Soto, Mara Rey. Producción: Flower Power Producciones, LACOproductora, Caballo Films, Flores Para Antonio La película AIE, Movistar Plus+. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: Documental, biografía. Web oficial: https://caballofilms.com/producciones/flores-para-antonio/

Palmarés 63 Festival Internacional de cine de Gijón

Gijón se ha vestido de gala este mes de noviembre

El jurado internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional Albar de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Alexis Juncosa, Eva Llorach, Scott Macaulay, Carlos Marques-Marcet y Sophy Romvari, ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio al Mejor Largometraje: ‘Al Oeste, en Zapata’ David Bim.
  • Premio “AISGE” a la Mejor Actriz: Eszter Tompa por ‘Kontinental ‘25’.
  • Premio “AISGE” al Mejor Actor: Ben Wishaw por ‘Peter Hujar’s Day’.
  • Mención Especial: Andranic Manec por ‘Ari’.
  • Premio a la Mejor Dirección: Ángel Santos por ‘Así chegou a noite’.

El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional FICX Premiere de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Lisandro Alonso, Lina Lizardou y Mónica Stan, ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Al mejor Largometraje de la Competición Ficx Premiere: ‘Los bobos’ de Sofía Jallinsky, Basovih Mariano.
  • Premio de la Competición Ficx Premiere a la Contribución Artística: ‘Mare’s Nest’ de Ben Rivers.

El Jurado FIPRESCI de la Sección Oficial – Competición Internacional Retueyos de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Julien Camy, Holger Heiland y Joan Pons Pinac, ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • FIPRESCI Award al Mejor Largometraje: ‘Skiff’ de Cecilia Verheyden.
  • Premio Especial Del Jurado: ‘Sugarland’ de Isabella Brunäcker.

El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional de Cortometrajes de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por María Abenia, Nikki Bohm y Matteo Pianezzi, ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Principado de Asturias al Mejor Cortometraje: Lyones de Dorian Jespers.
  • Mención Especial a los cortometrajes: ‘1:10’, de Sinan Taner; ‘Si el cielo fuera azul’ de Gabriela Muñoz Garay, Magdalena Fuenzalida, Benjamín Rojas, María Jesús Cardemil, Marc Pompermayer.

El Jurado Joven de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha otorgado los siguientes premios:

  • Premios del Jurado Joven al Mejor Largometraje de la Competición Retueyos: ‘Magic Farm’ de Amalia Ulman.
  • Premio del Jurado Joven al Mejor Cortometraje de la Sección Oficial: ‘Tolos fueos el fueu’ de Diego Flórez

El Jurado de Cine Español integrado por Iratxe Fresneda, Nila Núñez Urgell and Lilia Scena, ha concedido los siguientes premios de entre los largometrajes de producción española y/o dirigidos por cineastas españoles/as estrenados en la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:

  • Premio al Mejor Largometraje Español: ‘A la cara’ de Javier Marco.
  • Mención Especial: ‘Al Oeste, en Zapata’, de David Bim.
  • Premio “RC Service” al Director de la Mejor Película Española: Javier Marco por ‘A la Cara’
  • Premio “DAMA” al Mejor Guion de Película Española: Anxos Fazáns, Ian de la Rosa por ‘As liñas descontinuas’
  • Premio “AMAE” al Mejor Montaje de Película Española: Federico Delpero por ‘Amílcar’

El Jurado CIMA integrado por Tábata Cerezo, Nati Juncal Portas e Irene Menéndez Palomino, ha concedido el siguiente premio de entre las películas estrenadas en las secciones competitivas de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:

  • Premio CIMA al Mejor Largometraje Dirigido por una Mujer: ‘Love Me Tender’ de Anna Cazenave.
  • Mención Especial: ‘Sorella di Clausura’ de Ivana Mladenovic

El Jurado de la Noche del Corto Español de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Marta Codesido, Alicia Moncholí y Carmen Chávez Muñoz, ha concedido los siguientes premios:

  • Premio Mejor Cortometraje de la Competición La Noche Del corto Español: ‘Bariazioak’ de Lur Olaizola.
  • Premio Distribución “Festhome”: ‘La diva, mi abuela y yo’ de Inés G. Aparicio.

El Jurado de cine Asturiano formado por Ana Domínguez, Aitor Martínez Valdajos y Maryam Harandi, ha decidido conceder los siguientes premios, patrocinados por RTPA:

  • Premio RTPA al Mejor Largometraje Asturiano: ‘Volver a casa tan tarde’ de Celia Viada Caso.
  • Premiu RTPA de la Competición Asturies al Meyor Curtiumetraxe: ‘Alimaña’ de Juan Villa.
  • Mención Especial RTPA de la Competición Asturies Curtiumetraxes: ‘Una mujer que conocí llamada Yudita’ de Rodrigo Agüeria.
  • Cortos de la Sección Asturies Curtiumetraxes – Competición: ‘Cases’ de Jandro Llaneza.

El Jurado integrado por África Preus Rodríguez, Carla Herrera Valdés y Francisca Mª Santiago Urdiales, ha concedido el siguiente premio, en memoria de Alberto Alonso: ‘Blanco’ (Rambal)

  • Premios Rambal de la Asociación Xega: ‘As liñas descontinuas’ de Anxos Fazáns.

Los jóvenes espectadores de la sección Enfants Terribles, por medio de sus votaciones, han otorgador el siguiente premio:

  • Premio Enfants Terribles al Mejor Largometraje: ‘Le Grand Noël des Animaux’ de Camille Alméras, Ceylan Beyoglu, Caroline Attia, Olesya Shchukina, Haruna Kishi, Natalia Chernysheva.

El público de la 63ª edición del Festival Internacional de cine de Gijón ha concedido los siguientes premios.

  • Gran Premio del Público: ‘Made in EU’ de Stephan Komandarev.
  • Premio Tierres en Trance: ‘The bewilderment of chile’ de Lucía Seles.
  • Premio Europa Film Festivals – Europa Joven: ‘Des preuves d’amour’ de Alice Douard.

El Jurado del Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias y patrocinado por el Gobierno del Principado de Asturias, ha concedido el siguiente premio al proyecto:

  • Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias: ‘Pasar l’agua’ de Pablo Casanueva.

Movistar Plus+ en colaboración de Milcilclos y Elamedia ha otorgado el Premio Proyecto Corto Movistar Plus+ 2025 al siguiente proyecto: ‘Trella de Miguel Guindos.

Palmarés de ‘Fantaelx’

Caros Areces, Premio de Honor en Elche

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – Fantaelx, celebró el pasado 22 de noviembre de 2025 uno de los momentos más esperados en el Auditorio del Centro de Congresos “Ciutat d’Elx’. El encuentro con Carlos Areces, figura imprescindible dentro del panorama fantástico español, quien fue distinguido este año con el Premio de Honor en reconocimiento a su trayectoria. Su impronta se refleja en películas emblemáticas como ‘Balada triste de trompeta’, ‘Lobos de Arga’ o ‘Las brujas de Zugarramurdi’. Además, su faceta musical en ‘Ojete Calor’ refuerza la mezcla inusual de géneros y estilos que lo consolidan como una de las voces más originales y singulares del fantástico contemporáneo.

Silvia Conesa, fue la presentadora de la Gala de Clausura, donde se dio el Premio de Honor a Carlos Areces. También el Premio de Honor In Memorian a Vicente Javier Pérez Valero, amigo, profesor y colaborador del Festival, que falleció recientemente.

En la presente edición, se han exhibido más de cincuenta obras, que han competido en las diferentes categorías, muchas de ellas subtituladas al valenciano y con audiodescripción para personas con discapacidad auditiva. A la sección oficial también se le suma la tercera edición del Premio Especial FANTAELX-L’ALJUB, donde parte del estudiantado de la Universidad Miguel Hernández estrenó sus cortometrajes de animación, resultando ganador el trabajo ‘¿Dónde estás amor?’, de Matías Roca Castro, Alba Bailón Plaza, Pablo Revelles Torres, Adrián Romero de la Osa y José Ángel Ruiz Olivares.

Os dejamos el Palmarés del festival a continuación.

 

  • Mejor Largometraje: ‘Gaua’ de Paul Urkijo
  • Mejor Proyecto de Largometraje: ‘Los durmientes’, de Dídac Gimeno Alfonso
  • Mejor Cortometraje Internacional: ‘Pimple’, de Fernando Alle
  • Mejor Cortometraje Nacional: ‘Pálpito’, de Marisa Crespo y Moisés Romera
  • Mejor Cortometraje Alicantino: ‘Berta’, de Lucía Forner Segara
  • Premio del Público: ‘Social y Fantástico’: ‘El mal donat (The evil eye), de Alfons Casal y Hector Mas
  • Mejor Falso Tráiler: ‘La terrorífica posesión maliciosa de un fantasma con el pelo guaro a la rubia de siempre en el templo Ketemato. The final last dance of the world’, de Guillermo Rojo.

El jurado internacional de la decimotercera edición de FANTAELX ha sido compuesto por la actriz y cineasta Silvia Conesa, también encargada de conducir la Gala de Clausura; la artista visual Beatriz Galiano; la productora e investigadora Michelle Copmans; el cineasta y director del Festival 1000 Gritos Matías Sánchez; el guionista y director Joan Martín Giménez; y Mario-Paul Martínez Fabre, cineasta, profesor del Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández, director del Grupo de Investigación Massiva y subdirector del Festival.

La decimotercera edición del festival, dirigido por Fran Mateu, ha sido organizada por la Asociación de Desarrollo y Difusión del Género Fantástico “Unicornio Negro”, el Centro de Investigación en Artes (CíA) y el Grupo de Investigación Massiva. Asimismo, también ha contado con el apoyo de entidades como el Instituto Valenciano de Cultura (IVC), la Diputación de Alicante, la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, Visit Elche, el Vicerrectorado de Cultura, Igualdad y Diversidad de la Universidad Miguel Hernández de Elche, o el centro comercial L’Aljub, entre otras.

Crítica: ‘Bella’

Sinopsis

La infancia de Bella estuvo marcada por el abandono y la soledad, hasta que conoció a Ponce, un artista idealista en el que vio a su príncipe azul. Seis años después, la joven vive en una lujosa mansión, madre de dos hijos y dueña de una galería de arte, con la apariencia de una vida perfecta. Sin embargo, tras esa fachada se esconde una realidad devastadora: años de abusos y violencia psicológica. Una noche, Bella comprende que la única manera de salvarse es escapar de la pesadilla en la que se ha convertido su matrimonio.

Crítica

Un mapa tan repleto de red flags que es pedagogía imprescindible

‘Bella’ es una obra que llega en un momento indispensable para la conversación social sobre la violencia de género, pero lo hace desde un prisma poco habitual: la animación. Lejos de la estética efectista o del drama reconstruido con actores de carne y hueso, Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco optan por un lenguaje visual delicado, casi ingenuo, para contar una historia que jamás debería serlo. Y, sin embargo, funciona. Quizá porque, precisamente, esa sencillez formal subraya con más contundencia la gravedad de lo que muestra.

La película está inspirada en la historia real de Ana Bella Estévez, superviviente de violencia machista y creadora de la Fundación Ana Bella para la Ayuda a Mujeres Maltratadas y Madres Separadas. El filme recoge, destila y transforma su experiencia para convertirla en relato universal, un relato que ilumina un proceso que demasiadas veces resulta invisible incluso para quien lo está viviendo.

‘Bella’ no se limita a ser una denuncia ni un memorial: es una herramienta pedagógica que analiza con rigor el modo en que se activa, se construye y se sostiene la violencia psicológica y física dentro de la pareja. La película plantea las “red flags” más comunes, señales que aparecen desde el inicio y que, a ojos inexpertos o emocionalmente vulnerables, pueden confundirse con gestos de amor. El filme muestra con precisión la adulación extrema de los primeros días, la definición forzada del otro, los detalles aparentemente mínimos que instauran un clima de control constante, los celos sin base, el aislamiento progresivo y por supuesto lass excusas injustificables tras la primera agresión.

Todos estos elementos están integrados con un pulso narrativo firme y didáctico. No hay exageración, no hay sobreexposición, no hay sentimentalismo manipulador. Hay, en cambio, una clarísima voluntad de ofrecer a las y los espectadores herramientas para identificar comportamientos abusivos incluso cuando se presentan con un envoltorio afectivo. ‘Bella’ es una alerta contra las parejas absorbentes, sutilmente dominantes, esas que erosionan la identidad de quien tienen al lado hasta volverla irreconocible para sí misma. Y, por supuesto, es una historia que apunta más allá de recordar la existencia del 016.

Una de las virtudes más notables del filme reside en el trabajo vocal. Michelle Jenner y Víctor Clavijo aportan una profundidad extraordinaria a los personajes protagonistas. Sus voces, rotundas y perfectamente trabajadas, otorgan textura emocional. Jenner aporta fragilidad, ingenuidad y matices. Clavijo construye un personaje tan decidido que es incómodo, convincente, escalofriante por su familiaridad y formalidad: el tipo de maltratador que no parece monstruoso, sino cotidiano, reconocible, una especie de “caballero del siglo XXI”.

La animación es sencilla, plana, con pocos frames y un trazo casi infantil. Pero lejos de ser un defecto, esta austeridad visual se convierte en un acierto pues no distrae del foco del filme. Remite a los cuentos ilustrados que se leen en la infancia, lo que da a la historia un contraste perturbador: lo terrible presentado con estética inocente. Además, esta elección estilística hace que la película sea accesible al público más joven, un sector para el que la educación afectiva y la identificación precoz de señales de control resulta fundamental. Es por ello que creo, si mi humilde opinión sirve de algo, que ‘Bella’ debería proyectarse en escuelas e institutos. Más aún: debería integrarse en programas educativos y debates sobre relaciones sanas. Su fuerza pedagógica es uno de sus valores más altos.

Si queremos hacer el paralelismo fácil esta película podría ser una versión moderna de la ‘Bella y la Bestia’. Cuenta con el galán cautivador, el castillo de ensueño, la joven impresionable y el padre que queda solo en casa añorando a su hija. Recordemos que en esa historia juega un papel importante un espejo y es por ello que hay que ver este filme como un espejo social en el que mirarnos para reconocer cualquier defecto que esté cubierto de buenas apariencias ocultando al verdadero monstruo de la historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Bella. Duración: 61 min. País: España. Dirección: Manuel H. Martín, Amparo Martínez Barco. Guion: Manuel H. Martín, Carmen Jiménez. Música: Beatriz López-Nogales. Fotografía: Hilario Abad. Reparto principal: Michelle Jenner, Víctor Clavijo. Producción: La Claqueta, Bella Animación La Película AIE, Talycual, Miami Film Gate, Fundación Ana Bella. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.fundacionanabella.org/

Crítica: ‘Núremberg’

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Sinopsis

NÚREMBERG nos sitúa de pleno en los juicios celebrados hace 80 años por los Aliados tras la derrota del régimen nazi. El psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Rami Malek) es designado como responsable de evaluar la salud mental de los prisioneros y determinar si son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra. De la noche a la mañana, Kelley se verá inmerso en una compleja batalla de ingenio contra Hermann Göring (Russel Crowe), mano derecha de Hitler y uno de los hombres más temibles que ha visto el mundo.

Crítica

Directa desde de nuestro pasado, la película de juicios más interesante de los últimos años

James Vanderbilt dirige ‘Núremberg’, la cual, emerge como una de esas obras que se atreven a enfrentar de manera directa la oscuridad absoluta de la historia. Su duración, cercana a las tres horas, podría intimidar a cualquier espectador contemporáneo acostumbrado al montaje vertiginoso del cine actual. Sin embargo, la película domina con precisión la tensión narrativa: va directa al grano, nunca deja de entretener y lo que resulta aún más estimulante, no abandona en ningún momento la reflexión ética y psicológica que la sustenta. Todo ello gracias a la base del libro de Jack El-Hai. Vanderbilt construye un relato que no se limita a revisitar los juicios que marcaron la posguerra, sino que profundiza en lo que significó sentar ante un tribunal a quienes encarnaron el mal más sistemático del siglo XX.

Uno de los interrogantes más fascinantes del filme surge de una estrategia que todos hemos visto (en la ficción y en la vida real) reproducirse casi como una fórmula: la del villano que busca escabullirse alegando enajenación mental, defensa propia o cualquier exención de responsabilidad que diluya sus crímenes. Parte del interés de la película reside en examinar cómo esa táctica fue empleada en los tribunales internacionales y hasta qué punto resulta lícito o siquiera posible mantener la objetividad cuando se juzga a un arquitecto del nazismo. ¿Puede el derecho, con su estructura racional, captar la dimensión monstruosa del genocidio? ¿Puede un profesional de la salud mental evaluar a un líder que construyó una maquinaria de muerte sin precedentes?

Es ahí donde surge el duelo central entre Russell Crowe, encarnando a un Hermann Göring temible y astuto y Rami Malek, en la piel del psiquiatra encargado de determinar la verdadera naturaleza psicológica del jerarca nazi. Vanderbilt articula entre ambos un enfrentamiento psicológico y legal que plantea el dilema esencial: ¿es Göring un oportunista capaz de disfrazar su ideología bajo el barniz del “patriotismo”, o un ser perfectamente consciente y carente de remordimientos, capaz de diseñar el exterminio de un pueblo? La película se adentra en ese juego de espejos, en ese ejercicio de hipocresía que recuerda que “la historia la escriben los vencedores”. En pantalla se sugiere de forma incisiva que, al mismo tiempo que se juzgaba a quienes levantaron campos de exterminio, otros actores del bando aliado justificaban bombardear con bombas atómicas y “defenderse” en territorio extranjero. Vanderbilt no lo plantea para relativizar, sino para incomodar: para recordarnos que la moral colectiva siempre opera en zonas grises.

Los juicios de Núremberg fueron la culminación de una búsqueda de justicia que, incluso hoy, parece insuficiente ante la magnitud del horror. No han pasado cien años y, sin embargo, a muchos jóvenes estas páginas de la historia les resultan casi arqueológicas. La película se vuelve inquietantemente actual cuando evidencia que la humanidad continúa asistiendo impasible a crímenes de guerra, incluso perpetrados por quienes en su día fueron víctimas. La frase que pronuncia el personaje de Michael Shannon: “ya no hay ninguna guerra local, todas son ya mundiales” funciona como un puente directo hacia nuestro presente, un recordatorio de que los conflictos y la expansión del odio se reproducen con nuevas máscaras. Lo más estremecedor es que la película recuerda que la incitación al odio puede anidar y pasar desapercibida en sociedades supuestamente civilizadas. De hecho, el psiquiatra interpretado por Malek terminó suicidándose en la vida real, deprimido y harto de advertir, incapaz de soportar la idea de que aquel veneno podría volver a propagarse sin que nadie reaccionara a tiempo.

Lo de Núremberg fue algo internacional y multitudinario. Es por ello que el elenco secundario es amplio y sostiene con solidez esta reconstrucción coral. Michael Shannon y Richard E. Grant aportan presencia, matices y pulso dramático. Resulta especialmente interesante el cruce actoral entre Crowe y Shannon, enfrentados aquí como villano y defensor de la justicia, invirtiendo los roles que compartieron en ‘El hombre de acero’, donde daban vida a Jor-El y al general Zod. Aun así, el gran protagonista es Rami Malek: su personaje ofrece un recorrido introspectivo que no solo analiza a los monstruos nazis, sino que examina el precio emocional y ético de mirar al abismo sin parpadear y sin pretender salir marcado por la experiencia.

‘Núremberg’ es una película arriesgada, incisiva y de una recuperación profundamente necesaria. No pretende cerrar heridas, sino recordarnos por qué se abrieron y por qué no deben olvidarse. Vanderbilt firma una obra que interpela tanto a la memoria colectiva como a la responsabilidad individual, y lo hace mediante un cine de ideas que, afortunadamente, no ha renunciado a interpelar a su público.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Nuremberg. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: James Vanderbilt. Guion: James Vanderbilt. Música: Brian Tyler. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Rami Malek, Russell Crowe, Leo Woodall, Michael Shannon, Richard E. Grant, Colin Hanks, John Slattery. Producción: Walden Media, Filmsquad, Mythology Entertainment, Széchenyi Funds. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, histórico. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/nuremberg

Crítica: ‘Singular’

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Sinopsis

Doce años después de la muerte de su hijo, Diana y Martín deciden reencontrarse durante un fin de semana en su antigua casa del lago. Ella es especialista en Inteligencia Artificial, él abandonó la profesión para vivir retirado de la civilización. Cuando un enigmático joven con un misterioso parecido con el difunto hijo aparece en la casa, salen a la luz antiguos secretos y nuevas sospechas. Del pasado de la familia podría depender la existencia de un futuro.

Crítica

Enigmática y existencial

En 2019, el proyecto de Alberto Gastesi consiguió el premio Pitchbox de Sitges. Con ello se lograba que ese guion pudiese tener opciones de llegar a película. Un guion sin duda bastante original y con varios giros de guion muy bien llevados.

En la película conocemos a Diana, una mujer dedicada en cuerpo y alma a su trabajo, conseguir que la Inteligencia Artificial avance hasta niveles insospechados. Un día, recibe la llamada de Martín, su ex pareja. Ambos perdieron a su hijo hace 12 años y deciden reencontrarse en su antigua casa del lago para cerrar heridas. Allí, un joven misterioso aparece en la casa y salen a la luz antiguos secretos.

‘Singular’ me ha parecido bastante interesante, os aviso que su ritmo es pausado, van contándonos todo paso a paso, lentamente y llega un momento de bucle que puede hacerse un poco pesado. Pero es necesario para el desenlace de la cinta. Una película que nos habla del dolor por la pérdida. De las cosas que no se dicen cuando se está deshecho de dolor y de esos secretos que se guardan por no dar más dolor a la otra persona. La culpa pesa mucho y también es otro de los grandes temas de ‘Singular’. Y por supuesto, la Inteligencia Artificial. Poco a poco nos lo van adentrando y poco a poco vemos como gana protagonismo, con miedo, temor y también curiosidad.

Como he comentado, tiene varios giros que logran sorprender y eso es bastante difícil con la cantidad de historia que vemos hoy en día. Pero si que es cierto que a ‘Singular’ le puede pesar un poco el ritmo.

Patricia López Arnáiz siempre está bien, hasta en películas que no le piden una increíble interpretación, como es ésta. Y es que simplemente nos muestra una mujer sencilla, con un pasado doloroso y que en el fondo no quiere volver a abrir ese capítulo de su vida. Junto a ella encontramos a Javier Rey, bastante bien en su personaje, igual, un hombre que solo quiere recuperar la familia que perdió.

Tiene imágenes muy bonitas, bucólicas y con un toque de ensueño. También vemos alguna que otra imagen con CGI bastante curiosa, se nota que han andado bien de presupuesto, es poco el CGI que ha necesitado, pero está muy bien utilizado.

Sin duda ‘Singular’ no es para todo el mundo, lo pude comprobar cuando salí de la sala del Auditori en el Festival de Sitges, había comentarios de todo tipo. En mi caso, me gustó bastante, tiene una historia potente y consigue sorprender.

 Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Singular. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alberto Gastesi. Guion: Alex Merino, Alberto Gastesi. Música: Ana Arsuaga, Jon Agirrezabalaga. Fotografía: Esteban Ramos. Reparto principal: Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Iriarte, Iñigo Gastesi, Emilia Lazo. Producción: Vidania Films, White Leaf Producciones, 61ºNorth, RTVE, ETB. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/singular#informacion

Crítica: ‘Ciudad sin sueño’

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Sinopsis

Toni tiene 15 años y vive en Cañada Real, el asentamiento irregular más grande de Europa, a las afueras de Madrid. Orgulloso de pertenecer a su familia de chatarreros, pasa los días junto a su abuelo, al que admira y sigue a todas partes. Pero las máquinas de demolición se acercan a la parcela en la que vive, amenazando con arrasar todo lo que conocen, y su abuelo se niega a marcharse, sea cual sea el sacrificio.

En oscuras noches sin electricidad, las leyendas de su infancia empiezan a sentirse más reales que nunca. Mientras todo cambia a su alrededor, Toni debe elegir: enfrentarse a un futuro incierto o aferrarse a un mundo que se desvanece.

Crítica

Cotidianidad al margen sin tópicos ni sensacionalismo

‘Ciudad sin sueño’ de Guillermo Galoe, se adentra en un territorio pocas veces explorado con honestidad y sin morbo: la vida cotidiana de las personas que habitan la Cañada Real. Sin embargo, el director toma una decisión estética y ética fundamental: alejarse de los relatos que han dominado los titulares sobre los cortes de luz, el narcotráfico, la degradación urbanística… En su lugar intenta capturar algo más íntimo y humano. La película quiere convertirse, así, en un retrato costumbrista de un enclave marcado por la marginalidad, pero también por un sentido de pertenencia que rara vez encuentra espacio en el cine mainstream.

Galoe firma un filme que profundiza en cuestiones universales: la necesidad de pertenecer, la huida de la miseria y la resistencia contra un sistema que pretende encajar a todos en el mismo molde. Los personajes que pueblan ‘Ciudad sin sueño’ no buscan compasión ni heroicidades, buscan, ante todo, defender su libertad. Y esa libertad es entendida como la posibilidad de vivir al margen de las normas que nos alejan de la naturaleza y anestesian la existencia. Son hombres y mujeres que no desean ser realojados en pisos impersonales, porque para ellos esa medida equivaldría a vivir como pájaros enjaulados. Su identidad está ligada al espacio, a la comunidad, a un ritmo vital que el hormigón y los trámites administrativos destruirían sin remedio.

La película, además, se proyecta con subtítulos, una elección que nace de la jerga gitana que impregna cada diálogo. Este detalle no solo facilita la comprensión al público general, sino que subraya el choque entre la cultura dominante y un microcosmos con códigos propios, donde el honor, la palabra dada y la lealtad funcionan como pilares fundamentales. Galoe construye así una sociedad paralela, con sus normas internas, sus conflictos y una estructura emocional que no necesita justificaciones externas para existir. Esta aproximación dota al filme de veracidad, aunque también exige al espectador un esfuerzo extra, una disposición a entrar en un mundo sin traducciones fáciles.

En su núcleo, ‘Ciudad sin sueño’ es un relato cotidiano, un mosaico de escenas pequeñas, conversaciones interrumpidas por la ruina y miradas que cuentan más que cualquier monólogo. El director prefiere observar antes que juzgar, capturar antes que explicar. Esta decisión aporta naturalismo y un tono contemplativo que puede resultar profundamente evocador para algunos espectadores, pero insuficiente para otros.

Y es justamente en ese equilibrio donde aparece la principal debilidad. A ‘Ciudad sin sueño’ le falta algo más de sustancia, un impulso narrativo que ahonde con mayor contundencia en la complejidad emocional y social de sus protagonistas. La película sobrevuela temas poderosos como la identidad cultural, el desarraigo, la pobreza estructural, la libertad como forma de resistencia, pero a veces parece temer profundizar demasiado, como si un exceso de análisis pudiera traicionar la pureza del retrato. El resultado es una obra estética y envolvente, pero que deja la sensación de haber rozado una historia mayor sin terminar de abrazarla.

Con todo, la película de Guillermo Galoe se sostiene como un documento valioso, un espejo incómodo pero necesario sobre una comunidad que vive en los márgenes y que rara vez es retratada desde la humanidad, la dignidad y la complejidad que aquí sí se le conceden. ‘Ciudad sin sueño’ no pretende ser definitiva, pero abre una grieta. Quizá sea suficiente para que otros cineastas no se olviden de mirar donde casi nadie mira.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Ciudad sin sueño. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Guillermo Galoe. Guion: Guillermo Galoe, Víctor Alonso-Berbel. Música: Rui Poças. Reparto principal: Antonio Fernández Gabarre, Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Luis Bértolo. Producción: Sintagma Films, Encanta Films, BTeam Prods, Les Valseurs, Filmin, RTVE, Tournellovision. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama social. Web oficial: https://bteampictures.es/ciudad-sin-sueno/

Crítica: ‘Wicked: parte II’

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Sinopsis

And now whatever way our stories end, I know you have rewritten mine by being my friend …

El fenómeno cinematográfico y cultural del año pasado, que se convirtió en la adaptación a la gran pantalla más exitosa de todos los tiempos de un musical de Broadway, despliega su épico, apasionante y emotivo final en ‘Wicked: parte II’.

Crítica

Una secuela tan ambiciosa y arriesgada como el musical que cuestiona héroes y villanos

Se acabó la espera que hemos mantenido durante dos años. ‘Wicked: Parte II’ se estrena en cines y se presenta como una continuación más oscura, más madura y más emocional que su predecesora. Es un trayecto narrativo que abandona en buena parte la ligereza cómica del primer filme para adentrarse en territorios dramáticos, donde las consecuencias de las decisiones pesan con una gran intensidad.

Desde sus primeros compases, esta segunda parte marca un cambio de tono palpable. Jon M. Chu reconoce que, si la primera entrega era, en sus palabras, un “coming of age” sobre elecciones, esta segunda se adentra en un terreno de consecuencias, de preguntas más complejas sobre identidad, poder y verdad. El guion, firmado por Winnie Holzman (responsable también del libreto del musical original) y Dana Fox, conserva momentos de ligereza, sobre todo gracias a Ariana Grande como Glinda. Pero estas pinceladas de humor ya parecen menos frecuentes y más contenidas, pues la película busca avanzar sin depender tanto del respiro cómico. Eso no quita que Grande siga siendo, en muchos instantes en los que explota el carácter más bobalicón y presumido de su personaje, la que mejor actúa en este filme.

Uno de los aciertos más evidentes es cómo se profundiza en la amistad entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda. No es solo un vínculo superficial, sino una relación compleja, extremadamente cambiante, frágil y poderosa. Chu ha hablado de lo difícil que fue filmar esa conexión: a diferencia de un romance, la amistad no tiene un final previsible, sube y baja, exige presencia constante. Y eso se percibe en el filme que en varias ocasiones dispone un verdadero caos emocional que hace que nos cuestionemos cómo cambian de bando tan rápido y en una sola escena varios personajes.

Hay que reconocer que esta entrega es, también, más “ñoña” en lo romántico y lo sentimental. Pero quizá el tema más fascinante de ‘Wicked: parte II’ es ese juego de apariencias. A lo largo de la película queda claro que los héroes más luminiscentes no son necesariamente los más genuinos. Glinda, ensalzada como símbolo de bondad para todo Oz, vive cómodamente en el palacio de la Ciudad Esmeralda, disfrutando del favor popular. Mientras tanto, Elphaba, demonizada por el Mago y convertida en la Bruja Malvada del Oeste, lidera desde el exilio una lucha por la justicia. Este contraste no es casual: Chu habla de propaganda, de cómo los poderosos construyen imágenes para manipular al pueblo, insertando referencias visuales propias de iconografía bélica, llegando incluso a imitar a través de Jeff Goldblum a ‘El gran dictador’ de Chaplin. En ese sentido, la oscuridad narrativa es también una invitación a cuestionar los roles tradicionales de “bueno” y “malo”. La autenticidad, sugiere la película, reside en quienes han sido etiquetados como villanos.

Visualmente, ‘Wicked: parte II’ es deslumbrante. El CGI se emplea de forma ambiciosa, especialmente en la representación de los paisajes, animales, las masas y ciertos momentos épicos. Dicho esto, no todo funciona: algunas escenas pecan de artificio, y es difícil olvidar que estamos ante imágenes generadas por ordenador, sobre todo cuando aparecen criaturas parlantes o entornos brillantes demasiado perfectos. Uno de los momentos más logrados desde el punto de vista técnico es el plano de Ariana Grande cantando frente a una serie de espejos. No es solo la voz pues no es de los temas más exigentes: es el montaje digital y el juego de cámaras. Un ejercicio complejo que demuestra ambición y pericia. Curiosamente, no todo es digital, esto no es Marvel. Tanto el personaje de la Bruja del Oeste como el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros combinan prótesis, cabello real y un diseño artesanal que rinde homenaje a los clásicos.

A pesar de su respeto por el musical, la película no se refugia en la nostalgia de ‘El Mago de Oz’. De hecho, rompe con las expectativas tradicionales: el león es cero antropomórfico y el Hombre de Hojalata tiene matices que recuerdan a una figura más propia de un slasher barato. Esto no significa que la narrativa deje de ser emocional o íntima: ‘Wicked: parte II’ sigue siendo, en el fondo, una historia de amistad entre dos mujeres cuya relación, podría haber inspirado incluso series modernas como ‘Miércoles’, dicho sea de paso, por ese balance entre compañerismo y diferencia tonal.

Jon M. Chu ha dejado claro que este segundo filme no es solo un cierre de cuento de brujas, sino una reflexión sobre la desinformación, la propaganda y la construcción del odio. En tiempos donde la verdad se cuestiona y las identidades se politizan, su película se convierte en un espejo, partiendo de un universo fantástico para hablar de migración, miedo al diferente y discursos autoritarios. Pero hace trampa, una trampilla si nos ponemos literales. No creo que yo abra a estas alturas ningún debate que no haya surgido ya en los corrillos a la puerta del Teatro Gershwin de Nueva York. Aunque está muy bien mostrar que no todo es blanco y negro y estamos en un mundo de grises, no deja de ser injusto el trato hacia la película original. Es una historia clásica de arquetipos del bien y el mal y… ¿se suponen que ahora hemos de sentirnos mal por alegrarnos de que la villana de la historia muriese? Parece que a los autores de esta nueva versión si les ha dado cierto reparo y han parcheado el final, igual que el del musical y muy al estilo de ‘El Caballero Oscuro’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Wicked: For Good. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie/

Irresistibles las novedades de Divisa Films de diciembre (2025)

Además de nuevos estrenos llegan clásicos Disney extraídos directamente desde nuestra más tierna infancia

Divisa Films presenta un diciembre de 2025 repleto de lanzamientos para todos los públicos, desde estrenos recientes hasta restauraciones históricas y ediciones coleccionistas que amplían algunas de las filmografías más influyentes del cine mundial. El 12 de diciembre llega a tiendas un catálogo especialmente diverso que combina cine contemporáneo, animación, títulos clásicos, películas de culto y box sets imprescindibles para coleccionistas.

Entre los estrenos más destacados se encuentra Los Rose’, la reinterpretación del clásico de 1989 protagonizada por Olivia Colman y Benedict Cumberbatch, una comedia negra afilada sobre un matrimonio al borde del colapso. También aterriza Cariñena, vino del mar’, ópera prima de Javier Calvo Torrecilla basada en la novela de Antón Castro, una emotiva road movie ambientada en la España de la Transición. Desde Francia llega El cuadro robado’, una elegante y divertida cinta sobre el hallazgo de un misterioso cuadro de Egon Schiele.

Otro lanzamiento de peso es Crónicas de guerra’, potente drama biográfico sobre la periodista Anna Politkóvskaya producido por Sean Penn y protagonizado por Maxine Peake, Jason Isaacs y Ciarán Hinds. Para el público familiar, Divisa trae Los Súper Elfkins’, secuela del exitoso film de animación europeo de 2020.

Diciembre también es un mes fuerte para los coleccionistas. Llega por primera vez en 4K UHD The Warriors (Los amos de la noche)’, con ediciones especiales repletas de extras. Le acompaña otra obra pop y psicodélica en 4K UHD: Barbarella’, protagonizada por Jane Fonda. También destaca la edición 4K UHD de Atrápame si puedes’, el celebrado título de Steven Spielberg.

Los amantes del cine clásico podrán ampliar su filmoteca con Niágara’, Luces de candilejas’ o La tentación vive arriba’, todos ellos con Marilyn Monroe. A estas se suman restauraciones como Almas en la hoguera’, Homicidio en primer grado’ y la aventura selvática Cuando ruge la marabunta’.

Además, Divisa recupera obras maestras del cine italiano para su colección, como Los inútiles’ y Giulietta de los espíritus’ de Federico Fellini, así como dos imprescindibles de Vittorio De Sica: Milagro en Milán’ y Ladrón de bicicletas’.

Diciembre de 2025 se convierte así en una cita obligada para coleccionistas y amantes del cine, con una variedad excepcional de títulos que abarcan desde la animación y la comedia negra hasta el neorrealismo y la ciencia ficción de culto.

Crítica: ‘El último arrebato’

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Sinopsis

‘Arrebato’ es hoy la gran película de culto del cine español e Iván Zulueta, su director, un cineasta maldito. La película que anticipó el final de la movida, una cinta oscura y cruda cuya historia e intrahistoria están íntimamente conectadas. Arrebato sirve como premonición de la vida del propio cineasta. Al igual que sus protagonistas, Zulueta acabará arrebatado por las drogas y el cine y, como ellos, también desapareciendo.

Crítica

Un gran trabajo de investigación y restauración

En Sitges tuvimos la oportunidad de ver ‘El último arrebato’, un documental en el que los autores se adentran de lleno en la película de Iván Zulueta, ‘Arrebato’. Y nos dan un poco de contexto para la desaparición de éste de la vida pública y de como la película se convirtió en una cinta de culto.

No he visto ‘Arrebato’, quitando todas las imágenes que nos muestran en esta película y sin duda uno de los objetivos de este documental es que tengas ganas de ver la cinta. En esta cinta, Marta Medina y Enrique López Lavigne, van buscando información acerca del autor y de la película. Con ello vemos escenas de la película y escenas actuales, donde vemos el Madrid de la Movida, ya en declive. Ese Madrid de Zulueta que nos muestra con bastante nostalgia, como antes su mundo había tenido días mejores y también de un nuevo Madrid que va resurgiendo mientras Zulueta se va diluyendo cada vez más en esas obsesiones y encerrándose en sí mismo.

La película se estrenó un 9 de junio de 1980 en el Cine Azul. Después de esto Iván Zulueta termina recluido en la casa de su madre en San Sebastián. Nunca más volvió a rodar nada. En el documental encontramos diferentes entrevistas con sus más allegados y también un montón de material inéditos. Imágenes de Super 8, pequeños retales de una vida restaurados por la Filmoteca Española. Un gran trabajo de documentación que nos van mostrando esta decadencia del director y de la propia Movida madrileña. Sin duda es un gusto ver imágenes de un Madrid tan cambiante, vemos las imágenes del pasado junto con las del presente. Los protagonistas de la cinta van pasando por los mismos lugares que Zulueta pasó mientras nos cuentan su historia.

Y es que, sin duda, lo que más me ha gustado de este documental ha sido conocer la figura de Iván Zulueta e indagar más en su trabajo. Para mí descubrir todo el trabajo que tiene de carteles de cine me ha fascinado, carteles que hemos visto mil veces, pero que sinceramente no conocía quien era el autor. Películas como ‘Asignatura pendiente’ de José Luis Garci, ‘Viridiana’ de Luis Buñuel o ‘Laberinto de Pasiones’ de Pedro Almodóvar llevan su sello. Si pincháis aquí, podréis ver parte de su trabajo que es inmenso.

Sin duda Marta Medina y Enrique López Lavigne, han logrado un gran trabajo de investigación y además logran que Iván Zulueta quede bien reflejado en el documental. Como he comentado, consiguen que tengas interés más allá de lo visto en la cinta y quieras conocer más sobre el trabajo de este hombre malogrado por una época llena de excesos. Como todo, no es perfecto, pero si que brilla más por sus luces que por sus sombras y ya solo por todo el trabajo que lleva por detrás, toda la gente que han logrado reunir y poder contemplar tanto material inédito, ‘El último arrebato’ es un documental que bien merece un buen visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: El último arrebato. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Marta Medina, Enrique López Lavigne. Guion: Marta Medina, Jaime Chávarri. Música: José Ignacio Arrufat. Fotografía: Álvaro Gómez Pidal. Reparto principal: Iván Zulueta, Jaime Chávarri, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernandez Muro, Carlos Heredero, Virginia Montenegro, Carlos Astiarraga, Enrique López Lavigne, Marta Medina. Producción: Apaches Entertainment, 39 Escalones. Distribución: Género: Biografía. Web oficial: https://x.com/39escalonescine?lang=es

Crítica: ‘Sisu: camino a la venganza’

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Sinopsis

Al regresar a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada durante la guerra, «el hombre que se niega a morir» (Jorma Tommila) la desmantela, la carga en un camión y se propone reconstruirla en un lugar seguro en honor a ellos. Cuando el comandante del Ejército Rojo, que mató a su familia (Stephen Lang, de ‘Don’t Breathe’), regresa empeñado en terminar el trabajo, se produce una implacable y espectacular persecución a través del país, una lucha a muerte llena de escenas de acción increíbles e ingeniosas.

Crítica

Cuidado que el Chuck Norris finés está de vuelta (de vuelta de todo)

Cuando consumimos cine de acción contemporáneo, es raro encontrar un filme que celebre sin complejos la figura del héroe de carne y hueso (o mejor dicho, de músculo, cicatrices y un instinto de supervivencia que se regodea en lo mítico). En ese terreno se mueve con contundencia la secuela ‘Sisu: camino a la venganza’, en la que el director Jalmari Helander vuelve al terreno que le hizo célebre: un protagonista implacable, violencia sin adorno, paisajes extremos llenos de maquinaria de guerra y un código moral escueto pero absolutamente claro.

Aquí el héroe es prácticamente un “Chuck Norris finés” que arrasa y es inasequible al desaliento: el personaje vuelve, sí, pero no solo está de vuelta con una segunda y esperadísima secuela, sino que está de vuelta de todo. Desengañado de la vida, marcado por la pérdida, y con el único objetivo de ajustar cuentas. Si en la primera entrega luchaba contra nazis que aplicaban la ley de tierra quemada, en esta nueva historia el enemigo cambia: son los soviéticos los que eliminaron a su familia, lo que intensifica el tono de venganza personal y marca un cambio de frente dramático. Está claro que el protagonista de Sisu no entiende de colores. También que protege lo suyo pues si anteriormente le vimos protegiendo su botín ahora intenta salvaguardar su casa en la que es la mudanza más dura que he visto en mi vida.

Helander ha planteado una propuesta que muchos creían perdida en el cine moderno: un héroe de acción auténtico, un “berserker” de los que no se permite tregua, que sin apenas diálogos logra transmitir tanto como una oda al instinto de supervivencia como una metáfora de la resistencia absoluta. Pero no está solo. La inclusión de dos colosos del antagonismo como Richard Brake y Stephen Lang añade una capa extra de brutalidad y credibilidad al engranaje narrativo. Ambos intérpretes, acostumbrados a encarnar figuras duras, violentas, desequilibradas o autoritarias, apareciendo aquí suman al carisma de la película: la incorporación de dos “ásperos” del cine como Brake y Lang no hace sino aumentar el grado de rudeza de la saga (me gusta pensar que habrá más entregas). Con ellos, Helander no tenía necesidad de embellecer nada, la efectividad ya estaba asegurada, pero sí consigue que sintamos eso de que “esto es guerra y nadie va a pedir perdón”.

Si bien ya sabemos lo que ofrece Helander: capítulos divididos por títulos, protagonista silencioso, humor físico, perro inmortal (sí, ese perro que parece haber firmado contrato de perpetuidad con la violencia), sigue siendo una gozada, es puro divertimento de principio a fin. Esta entrega sube la apuesta con más explosiones, más persecuciones, más enemigos y más sangre. Dicho de otro modo: “más difícil, más chiflado, más brutal todavía”. La película lo sabe y se limita inteligentemente a 88 minutos, sin adulterar su pulsión inicial pero siendo capaz de ir constantemente más allá.

El ritmo no da tregua. Desde los primeros minutos, el espectador está en la carretera de la venganza, sin dilación, sin segundas intenciones. Helander domina el espacio como pocos para el género: la carnicería se vuelve espectáculo, pero nunca pierde la concentración. Las set-pieces funcionan porque el protagonista no se detiene, y los antagonistas tampoco. No hay demasiadas sorpresas en cuanto al planteamiento (lo cual podría interpretarse como limitación) pero la capacidad de ejecución hace que poco importe.

Ahora bien, si hay un “pero” que merece mencionarse, es que en comparación con la primera parte esta segunda entrega tiene ciertas pausas que son algo más largas y por otro lado se siente más predecible, no por ello menos disfrutable. Lo dicho, ‘Sisu: camino a la venganza’ es una carta de amor al cine de acción primario: héroe inquebrantable, antagonistas sin piedad, tierra áspera, sangre, madera, explosiones y ocurrencias de lo más descabelladas… Si te molan los héroes que no hablan mucho pero lo dicen todo con una mirada y un puñetazo, si te atraen las películas que se entienden sin grandes discursos pero con muchas muñecas rotas, esta es una que no debes perderte.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Sisu: road to revenge. Duración: 88 min. País: Finlandia. Dirección: Jalmari Helander. Guion: Jalmari Helander. Música: Juri Seppä, Tuomas Wäinölä. Fotografía: Mika Orasmaa. Reparto principal: Jorma Tommila, Stephen Lang, Richard Brake. Producción: Subzero Film Entertainment, Good Chaos, Cosmic Snowball. Distribución: Sony Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/sisu-camino-a-la-venganza