Archivo de la categoría: Español

Cine de nuestro país, de España.

Crítica: ‘La buena hija’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver La buena hija

Su capacidad de incomodar sin efectismos ni drama fácil la convierte en pedagogía

En su traslación del cortometraje al largo, la directora Júlia de Paz Solvas construye con ‘La buena hija’ una obra de vocación pedagógica que no busca el golpe de efecto inmediato, sino la sedimentación emocional. Lejos del impacto visceral de títulos como ‘Custodia compartida’, aquí el dolor se filtra de forma más sutil, más progresiva, pero igualmente persistente.

La película, que llega precedida por el reconocimiento a su corto previo y su paso por el Festival de Málaga, se adentra en un terreno complejo: la convivencia con un padre maltratador desde la perspectiva de una hija adolescente. No se trata únicamente de denunciar, sino de comprender (sin justificar) los mecanismos emocionales que atan a la víctima con su agresor.

Uno de los mayores aciertos de la cinta reside en cómo aborda la ambigüedad afectiva. La protagonista no parte de un rechazo frontal hacia su padre, al contrario, lo percibe inicialmente como una figura cercana, cómplice, alguien que la trata “como a un colega más”. Este matiz, incómodo pero profundamente realista, sitúa al espectador en un terreno ético complejo: el tránsito desde la identificación hasta el miedo no es abrupto, sino progresivo, lleno de contradicciones, negaciones y silencios.

En este sentido, ‘La buena hija’ se alinea con una corriente de cine social que apuesta por la observación minuciosa antes que por el subrayado dramático. La violencia no estalla constantemente en pantalla, sino que se intuye, se respira, se infiltra en los gestos cotidianos.

Adolescencia, rebeldía y psicología en construcción

La película acierta al situar su relato en una etapa vital particularmente vulnerable: la adolescencia tardía, ese momento liminal entre el instituto y la vida adulta. Es un periodo donde la identidad está en construcción, donde la rebeldía emerge como lenguaje propio y donde los límites familiares, sociales, emocionales se ponen constantemente a prueba.

Aquí, ‘La buena hija’ despliega una mirada especialmente lúcida sobre la psicología infantil y juvenil. Los pequeños actos de desafío, las mentiras aparentemente triviales o los cambios de actitud no se presentan como simples “problemas de conducta”, sino como síntomas de un conflicto más profundo. La directora evita el juicio fácil centrándose en la observación de estos comportamientos.

El trabajo actoral resulta fundamental para sostener esta propuesta. La protagonista encarna ese vaivén emocional con una naturalidad desarmante. A su lado, Janet Novas y Julián Villagrán aportan una densidad interpretativa que eleva el conjunto. Villagrán, en particular, construye un personaje inquietante precisamente por su aparente normalidad: no es un monstruo evidente, sino alguien capaz de alternar cercanía y amenaza en cuestión de segundos.

Un cine que educa sin imponer respuestas

‘La buena hija’ no es una película cómoda, pero tampoco pretende serlo. Su carácter pedagógico no radica en ofrecer soluciones, sino en plantear preguntas. ¿Cómo se rompe el vínculo con un agresor cuando ese agresor también ha sido una figura de afecto? ¿Cómo se reconoce la violencia cuando esta se disfraza de normalidad cotidiana?

La película evita caer en el didactismo explícito, apostando por una narrativa que confía en la inteligencia emocional del espectador. Este enfoque puede restarle inmediatez frente a propuestas más contundentes, pero le otorga una capacidad de permanencia mucho mayor. Es un cine que no se agota en el visionado, sino que continúa resonando tiempo después.

Esta película podría consolidarse como una obra relevante dentro del panorama del cine español contemporáneo. ‘La buena hija’ no revoluciona el género, pero sí aporta una mirada honesta y matizada sobre una realidad compleja. Su mayor virtud es, precisamente, esa capacidad para incomodar desde la empatía, para mostrar sin subrayar y para invitar a la reflexión sin dictar conclusiones.

Ficha de ‘La buena hija’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: La buena hija. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Júlia de Paz Solvas. Guion: Júlia de Paz Solvas, Nuria Dunjó. Música: Natasha Pirard. Fotografía: Sandra Roca. Reparto principal: Kiara Arancibia, Julián Villagrán, Janet Novas, Petra Martínez. Producción: 3Cat, Astra Motion Pictures, Avalon, ICEC, ICAA, Krater Films, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial.

Análisis del magnífico pack de ‘Gaua’ en Blu-ray

Posted on por
Responder

Un lanzamiento imprescindible para amantes del cine fantástico y las obras tratadas con mimo

Es una suerte compartir generación y momento cinematográfico actual con un cineasta como Paul Urkijo Alijo. Es de esos artistas que dentro de una década a o dos estará solicitado y encumbrado a más no poder y ver como paso a paso materializa su sueño es todo un privilegio para los que somos cinéfilo. Pero es que además se ha convertido en uno de los estandartes de la recuperación del folclore haciéndolo formar parte imprescindible del cine fantástico, el cual, vive un momento especialmente interesante en España

Pocas propuestas lo representan con tanta personalidad como ‘Gaua’, la obra dirigida por Paul Urkijo Alijo. Con una marcada identidad visual y un profundo respeto por la mitología vasca, la película se ha consolidado como una pieza de culto dentro del género. Ahora, de la mano de Divisa Films, llega una edición física que no solo hace justicia a la película, sino que eleva la experiencia a un nivel claramente pensado para coleccionistas.

Una edición física que apuesta por el formato premium

En un contexto dominado por el consumo digital, esta edición de ‘Gaua’ reivindica el valor del formato físico como objeto cultural y medio para expandir el conocimiento cinematográfico. No estamos ante un lanzamiento convencional, sino ante un producto cuidadosamente diseñado para quienes valoran tanto la obra como su presentación.

El conjunto viene presentado en un estuche exterior que protege y realza el contenido, dando paso a una edición interna igualmente elaborada. Este tipo de planteamiento convierte la compra en algo más que adquirir una película: es incorporar una pieza de colección a la estantería.

En el interior encontramos un segundo estuche en formato tríptico, que actúa como núcleo de la edición. Este diseño no solo resulta visualmente atractivo, sino también funcional, organizando de forma clara todos los elementos incluidos. El contenido se distribuye de la siguiente manera: un disco con la película, un disco adicional dedicado exclusivamente a los extras, un libro con abundante información y fotografías del proceso de creación a todo color y una tarjeta que sirve de tarjeta de presentación para la versión en blanco y negro. Por supuesto todo con textos en español y en euskera.

El libro merece una mención especial, ya que aporta contexto, detalles de producción y material gráfico que enriquecen enormemente la experiencia. No es un simple añadido, sino un complemento que amplía el universo de ‘Gaua’ y permite al espectador profundizar en su propuesta artística sin ni siquiera haber pulsado aún el play.

El cuidado de Paul Urkijo Alijo: una garantía de calidad

Uno de los aspectos más destacables de esta edición es el evidente mimo puesto en su desarrollo. Se percibe claramente la implicación de Paul Urkijo Alijo, quien ha demostrado estar muy encima del producto final, asegurando que cada elemento esté a la altura de la obra original.

Este nivel de implicación no es habitual en la industria y se traduce en un resultado que transmite pasión por el cine y respeto por el espectador. El conjunto es, sencillamente, una gozada para cualquier aficionado que valore el formato físico y las ediciones cuidadas.

Aunque recomendamos ver la película en su versión original podéis disponer de los siguientess idiomas: Castellano y Euskera 5.1 DTS-HD MA y 2.0 Estéreo; Audiocomentarios director Castellano y Euskera; Audiodescripción Castellano Discapacidad Visual con mezcla película Castellano y Euskera; Lenguaje Signos Discapacidad Auditiva.

Extras en disco de la película

Edición en blanco y negro de la película

El cuidado estético del director en cada una de sus películas es digno de elogio. En concreto con ‘Gaua’ es la dificultad de rodar tanto de noche lo que ha hecho que este título sea aún más meritorio. A menudo Paul Urkijo recibe el elogio de ser comparado con Robert Eggers en su fotografía. Ahora más que nunca, nos deja pasmados con una versión en blanco y negro que lleva más allá la experiencia de este filme.

Extras en disco de extras

Making of

Clásico reportaje o documental en el que vais a apreciar la pasión con la que el equipo se enfrenta a las dificultades de la noche y podréis apreciar aún más el arte de producir una película como esta, descubriendo capa a capa su concepción.

Breakdowns de VFX

El despliegue de efectos especiales de ‘Gaua’ no tiene nada que envidiar a una superproducción. Cromas y animatróncos conviven en esta obra haciendo gala de una buena simbiosis entre artesanía y últimas tecnologías.

Cómo se hizo: Los grabados de Gaua

Como siempre, Paulo Urquijo al hijo introduce su película con una secuencia que sirve a modo prólogo en el cual, como siempre, nos deja boquiabiertos. En este caso, ha realizado a mano un retablo que nos sirve de minicuento y que aquí podemos ver cómo se elaboró completamente a mano.

Construcción del bosque

Storyboard, platós, localizaciones. El bosque juega un papel vital en esta historia. A Urkijjo le encantan los entornos vivos y en ellos intenta siempre emplazar sus historias. Pero en ‘Gaua’ ha jugado de tal manera que ha hecho falta hacer uso de algún que otro artificio más.

Galerías

Fotografías, arte conceptual previo al rodaje, instantáneas durante la filmación o storyboards que sirven de pequeña masterclass sobre cómo concebir una obra como esta.

Timelapses de maquillaje

Como decíamos, Urkijo Alijo gusta siempre de recurrir a lo tangible. Por desgracia para sus actores y para gusto de los espectadores esto conlleva maquillar y recubrir de prostéticos a aquellos que interpretan sus criaturas. El trabajo es laborioso y a modo de timelapse vemos como se hicieron seres como Inguma, Akerbeltz, Kattalin o Maritxu.

Tráiler y teaser

En sus versiones en V.O., V.E. y V.O.S.E. podéis ver estos tráilers que a diferencia de otros, no destripan la historia en dos minutos y son buen gancho para la fantasía que os espera.

Crítica: ’53 domingos’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver 53 domingos

La tragedia cínica de no soportar a tu propia familia

Cesc Gay vuelve a apoyarse en su mayor fortaleza: los actores en espacios íntimos y reducidos. En ‘53 domingos’ reúne a un cuarteto de intérpretes que funcionan como un mecanismo de relojería dramática. Carmen Machi y Javier Cámara vuelven a interpretar juntos, algo que ya de por sí despierta expectativas, y lo hacen acompañados por dos pesos pesados como Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez.

Es precisamente Jiménez quien articula la película desde su arranque. Rompiendo la cuarta pared con naturalidad y mala leche, su personaje se convierte en catalizador del conflicto familiar, exponiendo sin filtros las miserias de una familia política marcada por el reproche y el doble sentido. Desde esa posición, marca el ritmo del relato, como si levantara la batuta de una orquesta en la que los demás ejecutan cada réplica cargada de intención.

El guion, fiel al estilo de Gay, convierte los diálogos en auténticos duelos verbales. Los hermanos protagonistas, atrapados en una dinámica de resentimientos larvados, se lanzan pullas con una mezcla de cinismo apenas disimulado y sinceridad hiriente. No hay grandes giros argumentales, pero sí una tensión constante que mantiene viva la película.

Del teatro al cine: una adaptación que mantiene su esencia

‘53 domingos’ nace de una obra teatral previa del propio director, estrenada en Cataluña en 2020. Aunque la ciudad de Madrid aparece reconocible, ese origen se percibe en su estructura y en su puesta en escena: espacios cerrados, protagonismo absoluto de la palabra y una economía narrativa que se apoya en la interpretación. En su versión en castellano, actualmente representada en el Teatro Pavón, el papel que aquí encarna Cámara es interpretado por Julián López, lo que evidencia la flexibilidad del texto y su capacidad para adaptarse a distintos registros actorales.

Lejos de esconder ese origen teatral, Gay lo abraza. La cámara no intenta “abrir” artificialmente la historia, sino que se sitúa como un testigo privilegiado de las conversaciones, subrayando gestos a escondidas y desaprobaciones veladas. Esta decisión refuerza la sensación de estar asistiendo a algo incómodamente real, casi como si el espectador estuviera sentado en el sofá de ese salón familiar donde todo se dice… y todo se guarda.

Curiosamente, dentro de la filmografía del director, esta podría considerarse una de sus propuestas más luminosas desde el punto de vista visual. El etalonaje apuesta por una paleta de colores más viva de lo habitual, en contraste con la densidad emocional de lo que se cuenta. Ese color parece dialogar con el caos interno de los personajes: cuanto más vibrante es la imagen, más evidentes resultan las grietas.

Humor ácido, crueldad soterrada y el peso de los vínculos familiares

En el núcleo de ‘53 domingos’ hay una cuestión tan universal como incómoda: qué hacer con un padre que empieza a perder la cabeza. La película no convierte este conflicto en un melodrama, sino en un campo de batalla moral donde afloran egoísmos, culpas y responsabilidades compartidas o más bien evitadas.

Gay aborda este tema con su habitual sarcasmo e ironía, construyendo escenas donde el humor emerge de lo incómodo. Las discusiones no buscan tanto resolver el problema como posponerlo, disfrazarlo o trasladarlo al otro. En ese sentido, la película habla del “amor obligatorio”, ese que se presupone entre familiares pero que, en la práctica, está lleno de fisuras.

Hay también un trasfondo particularmente incómodo en la forma en que se retrata la vejez. Sin caer en lo explícito, la película sugiere una realidad cruel: el momento en que un progenitor deja de ser figura de autoridad para convertirse en una carga. Esta idea recorre la historia como un eco constante, aportando una capa de gravedad que contrasta con la ligereza aparente del tono. Y, sin embargo, probablemente estemos ante una de las películas más accesibles de Gay. No porque suavice su mirada (que sigue siendo incisiva), sino porque el humor actúa como vía de entrada. El espectador se ríe, pero lo hace reconociendo verdades incómodas.

‘53 domingos’ es una obra que confirma la coherencia autoral de Cesc Gay: un cine de palabras, de actores y de conflictos íntimos que, sin necesidad de grandes artificios, logra interpelar directamente al espectador. Una película que, como esas comidas familiares interminables, deja un regusto agridulce: incómoda, reconocible y, en última instancia, profundamente trágica.

Ficha de ’53 domingos’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: 53 domingos. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Cesc Gay. Guion: Cesc Gay. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Andreu Rebés. Reparto principal: Carmen Machi, Javier Cámara, Javier Gutiérrez, Alexandra Jiménez. Producción: Imposible Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia. Web oficial.

La silla lanza tráiler y cartel: un thriller psicológico que promete tensión extrema

Posted on por
Responder

Jaime Lorente protagoniza lo nuevo de Ángel de la Cruz

Ya está disponible el tráiler oficial de ‘La silla’, el nuevo largometraje del director gallego Ángel de la Cruz, conocido por su trayectoria en la animación y ganador de cuatro premios Goya. Con esta película, el cineasta da un paso más en su carrera con un thriller psicológico que se adentra en los rincones más oscuros del ser humano.

La propuesta supone su quinta producción y marca un cambio de registro hacia un tono más adulto, íntimo y perturbador. El propio director define la película como una historia cargada de simbolismo, donde la culpa, el remordimiento y la redención se convierten en los ejes centrales del relato.

Un reparto centrado en la tensión emocional

El film está encabezado por Jaime Lorente, que interpreta a Daniel Lonces, un escritor de novelas de misterio cuya vida aparentemente perfecta se transforma en una pesadilla. Junto a él, completan el reparto Christina Ochoa y Eva Rufo, en una historia donde los personajes se enfrentan a situaciones límite.

El tráiler ya deja entrever una interpretación física y emocional exigente por parte de Lorente, con gran parte del metraje centrado en un espacio reducido, lo que refuerza la sensación de claustrofobia y angustia.

Una premisa inquietante y minimalista

La historia gira en torno a Daniel, un escritor de éxito que, en el transcurso de una prueba para una de sus novelas, queda accidentalmente atado a una silla sin posibilidad de liberarse. Lo que comienza como un incidente aparentemente controlable evoluciona rápidamente hacia una situación desesperada.

A partir de ese punto, la película desarrolla una espiral de tensión creciente, donde el protagonista deberá enfrentarse no solo a sus limitaciones físicas, sino también a sus propios miedos y decisiones pasadas. Este enfoque minimalista, centrado en un único conflicto, refuerza el carácter psicológico del relato.

Estreno en cines y apuesta por el suspense español

‘La silla’ llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio, distribuida por AF Pictures. La película forma parte de una producción en la que participan varias compañías del sector audiovisual, consolidando una apuesta por el thriller de corte autoral dentro del panorama nacional. Está basada en una novela de David Jasso editada por Apache Libros.

Con su atmósfera opresiva y su planteamiento narrativo directo, la película se perfila como una de las propuestas más intensas del cine español en 2026, apostando por una experiencia emocional que combina suspense, drama y reflexión.

1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico Madrid

Posted on por
Responder

El fantástico vuelve aterrizar en Madrid durante tres días estupendos con Aeterna

Hemos tenido el placer de poder asistir a la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid. Una Muestra que nos ha reunido en MK2 Cines Paz y MK2 Cines Palacio de Hielo. Desde el viernes 13 hasta el domingo 15 hemos visto un total de 12 películas y una sesión con 6 cortometrajes de Paul Urkijo Alijo.

Estos días sin duda han sido una gozada, repleta de amigos y también de nuevas caras. Hemos disfrutado de coloquios, de cine, de presentaciones y también de un ambiente muy bueno. Teníamos ganas de algo así en Madrid. Os contamos un poquito lo que hemos visto en estos tres días y también alguna de las presentaciones y coloquios que hemos tenido la oportunidad de ver.

Viernes 13. Adolescentes en apuros y terror canario

El viernes tuvimos dos preestrenos ‘Whistle: El silbido del mal’ y ‘La cosa en la Niebla’. La primera una cinta muy noventera, donde unos adolescentes comienzan a temer por sus vidas cuando deciden tocar una flauta Olmeca. ‘La cosa en la Niebla’ nos lleva al interior de un avión de pasajeros y durante el vuelo ocurrirán una serie de acontecimientos y tanto el piloto del avión como la copiloto se convertirán en la única esperanza para salvar a toda la humanidad.

Los Cines MK2 Paz se vistieron de lujo para acoger la primera jornada de esta Muestra que hizo ver la necesidad de un evento tan especial en Madrid. A la cita vinieron el equipo de la película ‘La Cosa en la Niebla’, Chedey Reyes, Juanjo Ramírez Mascaró y la actriz protagonista Elena de Lara. Que presentaron la película y también hicieron un pequeño coloquio al finalizar el visionado. A continuación, os dejamos la presentación.

Sábado 14. Monstruos, arañas y anime para el segundo día de Muestra Aeterna

La mañana no pudo empezar mejor y es que se pudo ver en pantalla grande ‘Una pandilla alucinante’ película de Fred Dekker que sin duda se ha disfrutado muchísimo en la sala. Al igual que ‘Aracnofobia’, con Frank Marshall tras las cámaras, hemos podido ver como esta película apenas ha envejecido y consigue que de vez en cuando mires a los lados a ver si encontramos arañas pululando por alrededor.

A la tarde hemos comenzado con una de las grandes películas de animación japonesa de toda la historia. ‘Perfect Blue’, sin duda ver esta cinta en pantalla grande ha sido una auténtica gozada.  Aquí vemos como Mima tras un cambio brusco de vida cae en una gran depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera. Pero además todo se agrava cuando descubre que alguien la está vigilando.

A continuación hemos seguido con ‘OT (Burning)’, una película de Kirguistán. Tras un incendio en una casa, varios vecinos se reúnen en una tienda a dar cada uno su visión de lo acontecido. Película entretenida que al final te deja fatal.

Pero pudimos reírnos un poco con ‘Chainsaws were Singing’. Un tarado con motosierra se cruza en el camino de una pareja de enamorados y transforma un día maravilloso en una apabullante orgía de sangre, música, diversión y terror.

Y para terminar la jornada, pudimos ver en pantalla grande ‘Ocurrió cerca de su casa’. Una película que llevaba perdida un tiempo. Una de las joyas más oscuras de los 90, un estremecedor falso documental que sigue a Ben, un asesino despiadado, a quien acompaña un equipo de filmación que registra sus andanzas.

Domingo 15. Lovecraft, cacahuetes y el imaginario de Paul Urkijo

Último día de la Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid. Terminamos con una selección de cortometrajes de Paul Urkijo Alijo. ‘Clavos’, ‘Jugando con la Muerte’, ‘El Bosque Negro’, ‘El pez plomo’, ‘Monsters do not exist’ y ‘Dar-Dar’. En ellos hemos visto la evolución de un director que nos encanta y que sin duda es uno de los grandes referenes del fantástico en nuestro país.

Os dejamos con el coloquio que ha dado tras el visionado de todos los cortos que nos ha dado la oportunidad de ver.

Veinte años hace del estreno de ‘Gritos en el pasillo’, una película bastante peculiar, en la que nos adentramos en un sanatorio mental en el que un dibujante es contratado para pintar sus paredes y así conseguir un ambiente más agradable. No tardará en darse cuenta de que algo extraño sucede cuando escucha escalofriantes gritos al final del pasillo. Y porque es peculiar, porque está protagonizada por cacahuetes.

A la tarde nos adentramos de lleno en la Cthulhuton 3. Tres películas influenciadas por la obra de H.P. Lovecraft, como ‘Los sin nombre’ dirigida por Jaume Balagueró, basada en la novela de Ramsey Campbell, que iba a asistir a la muestra pero al final por motivos personales no pudo. Jaume Balagueró ha presentado la cinta y también no ha obsequiado con un pequeño coloquio al finalizar esta.

¿Qué decir de la siguiente cinta?, Steven Kostanski y Jeremy Gillespie se embarcan en una aventura en la que Daniel Carter, traslada a un hombre herido al centro médico de su localidad en donde comienzan a aparecer extraños encapuchados, una criatura … 10 años del estreno de ‘El vacío’ y sin duda verla de nuevo en una sala de cine ha sido una gozada.

Y para terminar esta 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico en Madrid hemos tenido la Space Ópera ‘Cuántica Rave’. Lo que comienza como una misión para salvar a la raza Calabi Yau se convierte en una ácida odisea épica hacia los límites de la realidad, revelando una verdad cósmica más compleja de lo que imaginaban…

Solo esperamos que haya ido bien y que el año que viene podamos disfrutar de nuevo de una segunda edición de esta Muestra que nos ha reunido de nuevo en Madrid para ver cine fantástico.

Palmarés del 29 Festival de Málaga

Posted on por
Responder

Citamos los títulos más premiados y a los cuales no perder de vista para esta temporada

La 29ª edición del Festival de Málaga ha echado el cierre con un palmarés que, por encima de los grandes artificios, ha decidido premiar la verdad desnuda. El triunfo de ‘Yo no moriré de amor’, de Marta Matute, no es solo un reconocimiento a una dirección novel brillante, sino una declaración de intenciones del jurado presidido por Jaione Camborda: el cine que importa hoy es aquel que se atreve a mirar de frente a las heridas de lo cotidiano. La cinta no solo se alzó con la Biznaga de Oro a Mejor Película Española, sino que confirmó su calado emocional con los premios de interpretación para Júlia Mascort y el veterano Tomás del Estal. En parte el filme ‘Iván & Hadoum’ se ha llevado una buena porción del palmarés con 3 reconocimientos.

Sin embargo, el equilibrio internacional llegó de la mano de la Biznaga de Oro Iberoamericana para ‘El jardín que soñamos’. Joaquín del Paso ha firmado una obra visualmente hipnótica (merecidísima su Biznaga a la Mejor Fotografía para Gökhan Tiryaki) que utiliza la metáfora para hablar de realidades complejas, logrando además el premio a la Mejor Dirección.

Mención aparte merece el fenómeno de ‘Hangar rojo’. Aunque la crítica y el público a veces caminan por sendas separadas, en esta ocasión han convergido en la obra de Juan Pablo Sallato. Al llevarse tanto el Premio Especial del Jurado de la Crítica como el Premio del Público ‘El País’, la película se posiciona como el título imprescindible de esta edición, reforzada por el trabajo actoral de Nicolás Zárate. Málaga 2026 nos deja un mensaje claro: el cine en español goza de una salud de hierro, capaz de transitar entre el drama íntimo de Matute y la potencia visual de Del Paso sin perder la conexión con el espectador.

Palmarés del Festival de Málaga 2026 al completo

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Jaione Camborda (Presidenta), Belén Funes, Loreto Mauleón, Daniela Michel, Rosa Montero, Gastón Pauls y Santiago Roncagliolo, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 8.000 euros
Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 8.000 euros
El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso.

BIZNAGA DE PLATA ‘PEUGEOT’ PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Júlia Mascort por Yo no moriré de amor.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Ángeles Pradal por Ángeles.

BIZNAGA DE PLATA ‘MAKE & MARK’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Nicolás Zárate por Hangar rojo.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Silver Chicón por Iván & Hadoum.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO
María Magdalena Sanizo por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO
Tomás del Estal por Yo no moriré de amor.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN
Ian de la Rosa por Iván & Hadoum

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA
Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Gökhan Tiryaki por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE                                                                                                                                                      
Valeria Hernández y Sebastián Brahm por Hangar rojo.

Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA
El Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Norberto Chab, José Antonio Díaz y Marcelo Stiletano, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA a Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Francisco Aranda, María José Bueno, Pedro Monzón, Lucía Muñoz, Miguel Núñez y Laura Sánchez, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO ‘EL PAÍS’ a Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO (VOTACIÓN EN SALA)
Pioneras. Sólo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz.

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES FUERA DE CONCURSO

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes Fuera de Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Víctor Blanco, Lola García, Luis Alfonso Martínez, Víctor Martínez, Valeria Molinelli, Emilio Pérez, David Ramos, Hugo Saavedra y Sara Volpini, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a Dos días, de Gonzaga Manso.

SECCIÓN OFICIAL ZONAZINE

El Jurado Oficial de la Sección Oficial ZonaZine de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por, Nicolás Gil Lavedra, Àlex Monner y Paula Palacios otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 4.000 euros
La carn (La carne), de Joan Porcel.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 4.000 euros
Oca, de Karla Badillo.

MENCIÓN ESPECIAL a Los Nadadores, de Sol Iglesias.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Gwai Lou por We are the jungle (Somos la jungla)

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Angela Sarafyan por Quase Deserto.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Lluís Garau por La carn (La carne)

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Oca, de Karla Badillo.

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 4.000 euros, para El mapa para tocarte, de Mercedes Afonso.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO a Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN a María Molina Peiró por Como todo mortal.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO a A voz de Deus (La voz de Dios), de Miguel Antunes Ramos.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL a Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DOCUMENTALES
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, dotado con 2.000 euros, a Los días azules de Javier García Lerín.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL a Los días azules, de Javier García Lerín.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DE FICCIÓN
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, para Talk Me, de Joecar Hanna.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN a Marc Camardons por Per bruixa i metzinera.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA a Sonia Almarcha y Mirela Balic por Una vocal.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA a Chete Guzmán por Epifanía.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Instrucciones para cocinar un pollo bajo tierra, de Oliva Delcán y Nacho Sánchez.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, elegida por votación del público asistente a la sala, es para El lago silente, de Varo López.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES IBERSHORTS
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE IBEROAMERICANO a Domingo familiar, de Gerardo del Razo.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES ANIMAZINE
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN, dotado con 2.000 euros, a Pinchu es así, de Carmen Córdoba.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Bobs, de Júlia Marcó.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES MÁLAGA
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, a Las desqueridas, de Charlie García Villalba y Gonzalo Ruiz Esteban.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para En Toronto no pasan estas cosas, de Manolo Orellana Naranjo.

SECCIÓN OFICIAL MOSAICO. PANORAMA INTERNACIONAL
La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, dotada con 8.000 euros a la distribuidora en España y elegida por votación del público asistente a la sala, es para Les enfants vont bien (Los niños están bien), de Nathan Ambrosioni.

BIZNAGAS MÁLAGA CINEMA

Ana de Alva
Juan Antonio Espigares
María Pepa Lara García
Concha Baquero (in memoriam)

AYUDAS A LA PRODUCCIÓN

Un pingüino en el desierto, de José Rodríguez-Vergara Pérez (3.500 euros)
La exorcista, de Marga Dorao (4.000 euros)
Azucenas, de Daniel Parra(4.500 euros)
Los ojos que no lloraron, de Sonia Madrid (4.500 euros)
Perdón, de José Vega (4.500 euros)
Sonia y Selena, de Nerea Guitart (4.500 euros)
Destello eterno, de Paula Sánchez Lobato y Pedro Jesús Medina Criado (6.000 euros)
El heredero, de Jorge Rivera (6.000 euros)
Los de aquí, de José Mari Martínez y Martí Juan Balet (6.000 euros)
Un espejo adulto, de Daniel Fraga y Andrés Goñi (6.000 euros)

PREMIOS AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES

BIZNAGA DE PLATA PRIMER PREMIO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental
Llamarse Olimpia, de Indira Cato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES AL MEJOR DOCUMENTAL
Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas.

BIZNAGA DE PLATA MÁLAGA MUJERES EN ESCENA al cortometraje No estamos locos, de Lucia Criado Rosas.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR TRABAJO DE FICCIÓN
Pietra, de Cynthia Levitan.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR DOCUMENTAL
Pasionaria. Dolores Ibárruri, de Amparo Climent.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO MUJERES EN ESCENA
Un hombre libre, de Laura Hojman.

PREMIOS CINEMA COCINA

El Jurado Oficial de la sección Cinema Cocina de la 29 edición del Festival de Málaga, formado por Jacobo Gavira, Sacha Hormaechea y Paco Cruz Rivera, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘CERVEZAS VICTORIA´ AL MEJOR LARGOMETRAJE, dotado con 4.000 euros
Decían que aquí no se había nada, de Jorge Fernández Mayoral.

BIZNAGA DE PLATA ‘ALIMENTOS DE ESPAÑA’ AL MEJOR CORTOMETRAJE, dotado con 2.000 euros
Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets, David Salvador y Víctor Solsona.

El Jurado Popular de la sección Cinema Cocina, integrado por David Correa, Manuel F. Duarte, Rosario Alba Gaitán, Manuel Lucas Rodríguez y Remedios Reina, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘BODEGAS EMILIO MORO’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE
Todos los días domingo, de Abraham López Feria.

BIZNAGA DE PLATA ‘DIPUTACIÓN DE JAÉN’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE
Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets y David Salvador.

OTROS PREMIOS

BIZNAGA QUIRÓNSALUD AL DOCUMENTAL MÁS SOCIAL para La huella y el tiempo, de Raúl Vaquero.

BIZNAGA THE CORE SCHOOL AL MEJOR CORTOMETRAJES para Killjote, de Ángel Villahermosa.

PREMIO ESCUELAS DE CINE AL MEJOR LARGOMETRAJE DE ZONAZINE
El Jurado Escuelas de Cine de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Nicole Benvenuti, Jesús Criado, David Fernández, Alejandro Gil, Damaris Martín, Roberto Salas y Stella Vanrose , otorga el PREMIO ESCUELAS DE CINE A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN ZONAZINE a We Are the Jungle (Somos la jungla), de Gwai Lou.

PREMIO ASECAN ÓPERA PRIMA DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO
El jurado formado por Sofía Carvajal, Álvaro García-Baquero y Carlos Mera, miembros de la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía, otorga el premio a Corredora, de Laura García Alonso.

PREMIO FEROZ PUERTA OSCURA 2026 AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO
Los miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España acreditados como Prensa han elegido en votación secreta que el premio es para Yo no moriré de amor, de Maite Matute.

PREMIO SIGNIS AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO
La Organización Católica Mundial para los Medios de Comunicación, a través de su jurado compuesto por Rosa Die, Wolfgang Hamdorf y Belén Pérez Llamas, otorga el premio a la película La mujer de la fila, de Benjamín Ávila.

Crítica: ‘La cosa en la niebla’

Posted on por
Responder

Un viaje con gracia y misterio pero sin cinturón de seguridad a través de la ciencia ficción

Cuando nos sentamos en la butaca del cine para enfrentarnos a una ópera prima de un director, a menudo esperamos encontrarnos con un ejercicio de contención, un drama intimista o una historia que no arriesgue demasiado. Sin embargo, el director Chedey Reyes ha decidido que su carta de presentación en el largometraje sea exactamente lo opuesto. Con ‘La cosa en la niebla’, Reyes nos invita a abrocharnos los cinturones en un vuelo turbulento que esquiva a volantazos la prudencia narrativa. Encerrados en la cabina de un avión de pasajeros, nos sumergimos en una aventura que abraza el caos cósmico, el humor absurdo y el terror con una pasión desbordante que contagia desde el primer fotograma hasta los créditos finales donde han introducido unas siempre divertidas secuencias de tomas falasas.

Un despegue entre el homenaje pulp y el neón retro

Para entender la propuesta visual de esta cinta, hay que dejar los prejuicios estéticos del cine contemporáneo en la puerta de embarque. La película es una mezcla con sabor pulp y color retro lisérgico de las producciones fosforitas de ciencia ficción de los 60 y 70. Lejos de las paletas desaturadas y grises que inundan las superproducciones de hoy en día, aquí los colores estallan en la pantalla, creando una atmósfera alienígena, extraña e irreal.

Resulta interesante descubrir, buceando entre las curiosidades de su rodaje, que para lograr este entorno inmersivo sin caer en el aspecto plano del croma tradicional, el equipo rodó en Gran Canaria utilizando pantallas de tecnología LED, imitando el estilo Stagecraft tan popularizado por ‘The Mandalorian’. Al proyectar los fondos nubosos o interdimensionales en tiempo real, los rostros de Ismael, un piloto veterano interpretado con una vis cómica impecable por Martín Garabal, y Daniela, su atípica y novata copiloto a la que da vida Elena de Lara, se tiñen orgánicamente con esas luces vibrantes. A través de los cristales surge una amenaza que evoca directamente a los cómics clásicos sesenteros como ‘Mars Attacks’ o ‘Strange Tales’.

Más allá de John Carpenter: ecos de la ciencia ficción de culto

El título de la cinta es toda una declaración de intenciones. Cualquiera que ame el terror clásico sabe a qué maestro del terror se está invocando. Sin embargo, limitar la película a un simple tributo sería injusto. Aunque el propio título y muchos otros guiños recuerdan a películas de Carpenter como ‘They live’, a nuestra cabeza también vienen referentes más cercanos como ‘Perdidos’, ‘Fringe’, clásicos de la ciencia ficción cómica como ‘Men in Black’ o la actual ‘Pluribus’, rodada en buena parte también en Canarias. No quiero entrar en más detalles al respecto por no destriparos nada, pero espero que esos referentes susciten tanto vuestra imaginación como para comprar una entrada si os llegáis a cruzar con esta película.

El guion, firmado por Juan José Ramírez Mascaró, es un artefacto que asimila todas estas influencias y las destila en un formato claustrofóbico. Nos encontramos ante una narrativa que sabe combinar la tensión de la supervivencia a miles de pies de altura con las anomalías del estratosféricas. Los diálogos tienen una chispa y un carisma que lo protagonistas han sabido materializar, de tal modo que rápidamente nos enganchamos a su aventura.

La imaginación desatada como única regla de vuelo

Lo que verdaderamente convierte a ‘La cosa en la niebla’ en una experiencia divertida es su absoluta falta de complejos. Llega un momento en el que parece que puede salirte por donde sea, pero por donde sea en plan de términos fantásticos con cualquier tipo de giro o solución. Chedey Reyes y su equipo no tienen reparos en dar rienda suelta a la imaginación puramente de ciencia ficción, abandonando las pesadas ataduras del realismo para abrazar lo inverosímil.

Eso está divertido porque tanto guionista como espectador juegan con la trama según se va sucediendo. La película juega constantemente con la imaginación y con el conocimiento de fantástico del espectador. Cuando crees que la historia tomará la ruta predecible de un thriller de la aviación, te lanza a la cara una paradoja loca. Es evidente que no busca la verosimilitud científica, busca el impacto, la sorpresa y la pura diversión. En definitiva, ‘La cosa en la niebla’ es un billete de ida a otra dimensión que demuestra que, con atrevimiento, el cine de género puede volar por encima de cualquier expectativa.

PD: que los protagonistas vistan el mismo traje de tripulación que Robert Hays y Julie Hagerty en ‘Aterriza como puedas’ para mí ya es señal de que, a los autores no les importa el qué dirán y además tienen buen gusto.

Ficha de ‘La cosa en la niebla’

Estreno en España: 2026. Título original: La cosa en la niebla. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Chedey Reyes. Guion: Juanjo Ramírez. Música: Fotografía: Teresa Ruano Santana. Reparto principal: Elena de Lara, Martín Garabal, Carla Miranda, Pablo Padrón, Paco Show. Producción: Barrios Producciones, Instituto del Cine Canarias, Jugoplástika. Distribución: por determinar. Género: comedia, ciencia ficción, terror. Web oficial.

Crítica: ‘Pioneras. Solo querían jugar’

Posted on por
Responder

Conecta con un presente que celebra lo que en el pasado se reprimía

Al leer la sinopsis de esta película inmediatamente me vino la cabeza el título de una serie reciente llamada ‘Las pelotaris 1926’, en la cual, se contaba la historia real de unas mujeres que fueron ninguneadas por su afán de pretender ser deportistas de élite y, por no ser hombres y sin tener en cuenta la relevancia internacional que alcanzaron ni el talento que realmente tenían, pasaron al olvido histórico. Con las pelotaris también estaba el hecho posterior de que el franquismo favorecía el mundo del fútbol frente a otros deportes que podían estar más vinculados con País Vasco y Navarra, pero no se llegó a tocar eso pues la serie no tuvo más temporadas. Con ‘Pioneras. Solo querían jugar’ si tenemos el elemento futbolístico, pero obviando eso, por comparativa gana esta película por goleada pues la serie citada, estrenada por SkyShowtime en 2024, cometía el tremendo error de transformar el relato, de usar los códigos errados, en concreto los de las telenovelas, con todos sus amoríos y giros melodramáticos que ello conlleva, destrozando así cualquier reivindicación y visibilización planteada.

Dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz llega una película que usa el fútbol como campo de batalla simbólico. La película, ambientada en los años setenta y presentada en un formato 4:3 que refuerza su vocación de crónica de época, se inspira en hechos reales como el primer partido femenino disputado en Villaverde o aquel despropósito ridículo que contó con las folclóricas de la época. Desde el inicio se advierte que está “inspirada en hechos reales”, y no es un mero reclamo: la cinta se apoya en documentación histórica, rescatando también figuras de periodistas en la época que como Sara Estévez Urquijo a.k.a. Maratón, tuvieron que luchar contra lo establecido para ejercer la profesión que les gustaba.

Fútbol femenino y memoria histórica: más allá del deporte

‘Pioneras. Solo querían jugar’ no habla solo de fútbol femenino en la España tardofranquista y de la Transición; habla de un país encerrado en sus propios prejuicios. Si en ‘Las pelotaris 1926’ se insinuaba el olvido histórico de aquellas mujeres, aquí el balón es un espejo social. La directora, que ya había demostrado sensibilidad para retratar comunidades cerradas en ‘Mi querida cofradía’ y ‘Los buenos modales’, vuelve a explorar la fricción entre tradición y deseo de emancipación.

El deporte funciona como vehículo narrativo para retratar un machismo estructural que no se limita al vestuario. Hay insultos en la grada, burlas en la prensa, paternalismo institucional. Y, sin necesidad de subrayados discursivos, la película conecta con realidades que aún persisten: el odio en el deporte, el racismo que aflora en los estadios, las corruptelas que convierten la pasión en negocio. No es casual que hoy, tras los recientes éxitos de la selección española femenina, esta historia resuene con fuerza: el presente celebra lo que el pasado reprimía.

Como exentrenador de fútbol base femenino, puedo afirmar que la película acierta en la textura cotidiana: la precariedad de los entrenamientos, la incomprensión familiar, la mezcla de ilusión y vergüenza que muchas niñas han sentido al desafiar lo establecido. ‘Pioneras. Solo querían jugar’ entiende que el gesto de calzarse unas botas podía ser, en aquel contexto, un acto tan subversivo como necesario y evolutivamente inevitable.

Contención frente al melodrama: una decisión estética y política

Uno de los mayores aciertos del filme es su negativa a caer en la hipérbole. No convierte la reivindicación en catálogo de causas ni introduce subtramas forzadas para amplificar la agenda. No hay una acumulación de conflictos diseñados para arrancar aplausos fáciles. Esa sobriedad la distancia de productos como ‘Las chicas del cable’, donde la sobrecarga temática terminaba diluyendo la fuerza del relato.

Aquí no se instrumentaliza la identidad ni se introducen discursos impostados; se muestra la desigualdad con naturalidad, dejando que la injusticia hable por sí sola. Incluso el recurso al 4:3 no es un capricho estético, sino una forma de encuadrar a las protagonistas en un marco físico y simbólico más estrecho, acorde con las limitaciones que enfrentaban.

La película tampoco convierte a sus personajes masculinos en villanos unidimensionales. Hay ignorancia, hay desprecio, pero también hay contradicción y matices. Esa complejidad evita el panfleto y fortalece la dimensión humana de la historia. Porque, al final, ‘Pioneras. Solo querían jugar’ no es un alegato contra los hombres, sino contra una mentalidad que reprime a las mujeres. Si eres de los que se sienten cómodos con la mujer confinada al hogar (como ocurría hace apenas medio siglo), probablemente esta película te incomode y eso es precisamente parte de su valor y de tu problema.

Ficha de ‘Pioneras. Solo querían jugar’

Estreno en España: 12 de junio de 2026. Título original: Pioneras. Solo querían jugar. Duración: por determinar. País: España. Dirección: Marta Díaz. Guion: Marta Díaz, Zebina Guerra. Música: Fotografía: Maria Codina. Reparto principal: Daniel Ibáñez, Aixa Villagrán, Sofía de Iznájar, Bruna Lucadamo, Nora Otxoteko, Leire Aguiar, Lorea Carballo, Miriam Rubio. Producción: Cine365 Films, Ciudadano Ciskul, Crea SGR, ICAA, Movistar Plus+, Nadie es Perfecto, Pioneras la película, RTVE. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Septeno’

Posted on por
Responder

Porque en el oeste de España también hay antiguas tradiciones que dan para cine

La película ‘Septeno’, dirigida por Óscar Pérez, se presenta como un proyecto profundamente ligado a su tierra. Rodada en los parajes la Sierra de Francia donde nos encontramos pueblos como La Alberca, Miranda del Castañar o Mogarraz (territorio colindante con Las Hurdes, tierra otrora documentada antropológica y terroríficamente por Buñuel), la cinta es, en esencia, una producción salmantina de principio a fin. Incluso su cartel, obra del ilustrador Tomás Hijo, refleja ese espíritu artesanal y muy arraigado en lo local.

La historia bebe del imaginario del “folkhorror castellano” y de tradiciones profundamente enraizadas en la zona. En La Alberca, por ejemplo, cada noche se mantiene la figura de la Moza de Ánimas, que recorre las calles con su comitiva en honor a las Ánimas Benditas. Ese eco de creencias antiguas sirve como punto de partida para una narración donde se habla de normas que no deben romperse y de criaturas que regresan cada cierto tiempo. La advertencia es clara: hay noches en las que no conviene salir al bosque.

Tradición frente a progreso

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Septeno’ es su planteamiento temático. La película sugiere un conflicto entre el avance del progreso representado por aquellos que viven en la gran ciudad y la supervivencia de las leyendas ancestrales, un tema que conecta con los pueblos casi abandonados hoy en día y el folk que cineastas como Paul Urkijo Alijo buscan reivindicar. Sin embargo, aquí el relato se apoya más en la invención que en una exploración profunda de las tradiciones reales.

El punto de partida resulta quizás inspirado por películas como ‘El laberinto del Fauno’: la España rural del franquismo como un escenario en el que la represión y las leyendas te siguen por igual. En ese contexto, la película deja entrever una reivindicación de la llamada España vaciada, esa geografía olvidada del oeste peninsular donde las historias sobreviven casi siempre entre líneas o en viejos escritos de paisanos con nostalgia.

Virtudes visuales y limitaciones narrativas

A nivel técnico, ‘Septeno’ deja sensaciones mixtas. La fotografía y el etalonaje funcionan correctamente, y las localizaciones, tanto naturales como rurales, aportan una atmósfera convincente. Los encuadres también demuestran cierta sensibilidad visual que ayuda a sostener el interés.

No ocurre lo mismo con otros apartados. El sonido resulta en ocasiones demasiado artificial y recurre a recursos muy explotados en el género (como los niños canturreando) que terminan restando fuerza al conjunto. Además, el desarrollo narrativo se queda corto: la idea inicial prometía más profundidad de la que finalmente se explora.

En conjunto, la película transmite un espíritu claramente amateur. Su tono recuerda por momentos a un reportaje alargado del programa ‘Cuarto Milenio’, con misterio rural y leyendas locales como eje central. Aun así, se percibe una intención sincera de poner en valor un territorio y un imaginario cultural que rara vez encuentran espacio en el cine.

Ficha de ‘Septeno’

Estreno en España: 2026. Título original: Septeno. Duración: 29 min. País: España. Dirección: Óscar Pérez. Guion: Óscar Pérez. Música: Aleix Losa. Fotografía: Luis Bascuñana. Reparto principal: Jordan Blasco, Agus de Cabo, Fernando Saldaña, Carolina Morocho, Alejandra Pérez, Ana del Pozo, Mario del Pozo. Producción: Reto Films. Distribución: Reto Films. Género: terror. Web oficial.

Palmarés de los Goya 2026

Posted on por
Responder

‘Sirat’ (6), ‘Los domingos’ (5) y ‘Sorda’ (3), películas destacadas de esta temporada

La gala de los Goya 2026 se celebraron en Barcelona (Auditori Fòrum del CCIB), conducida por Luis Tosar y Rigoberta Bandini, en una velada marcada por la presencia de estrellas del cine y actuaciones musicales destacadas.

La gran triunfadora de la noche fue ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, que se alzó con el Goya a Mejor Película, además de los premios a Mejor Dirección, Mejor Actriz Protagonista (Patricia López Arnaiz), Mejor Actriz de Reparto (Nagore Aranburu) y Mejor Guion Original, consolidándose como el título más premiado en las categorías principales.

Aunque ‘Los domingos’ logró los galardones más visibles, la película de Óliver Laxe, ‘Sirāt’, obtuvo el mayor número total de estatuillas de la noche (seis) en categorías técnicas como Fotografía, Sonido, Montaje, Dirección de Arte, Dirección de Producción y Música Original, destacando su impecable trabajo artesanal.

La ceremonia también puso énfasis en el debate cultural y social: hubo presencia activa de lenguas cooficiales y la lengua de signos, reivindicaciones políticas y mensajes solidarios con distintas causas. La actriz Miriam Garlo hizo historia al ganar el Goya a Mejor Actriz Revelación por ‘Sorda’, donde interpretó en lengua de signos y defendió la visibilidad de la comunidad sorda.

Otros premios notables incluyeron el Goya Internacional a Susan Sarandon, el Goya de Honor a Gonzalo Suárez, y reconocimientos a cortometrajes, animación y documental. Títulos como ‘La cena’ (Mejor Guion Adaptado), ‘Maspalomas’ (Mejor Actor para José Ramón Soroiz), y ‘Tardes de soledad’ (Mejor Documental) completaron un palmarés diverso que subrayó la riqueza del cine español en 2025.

Palmarés completo de los Goya 2026

Mejor Película

  • ‘La cena’ de Manuel Gómez Pereira
  • ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa
  • ‘Maspalomas’, de José Mari Goenaga y Aitor Arregi
  • ‘Sirat’, de Oliver Laxe
  • ‘Sorda’, de Eva Libertad

Mejor Actor Protagonista

  • Alberto San Juan por ‘La cena’
  • Miguel Garcés por ‘Los domingos’
  • José Ramón Soroiz por ‘Maspalomas’
  • Mario Casas por ‘Muy lejos’
  • Manolo Solo por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Actriz Protagonista

  • Ángela Cervantes por ‘La furia’
  • Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
  • Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
  • Susana Abaitua por ‘Un fantasma en la batalla’
  • Antonia Zegers por ‘Los tortuga’

Mejor Actor de Reparto

  • Miguel Rellán por ‘El Cautivo’
  • Juan Minujín por ‘Los Domingos’
  • Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
  • Tamar Novas por ‘Rondallas’
  • Álvaro Cervantes por ‘Sorda’

Mejor Actriz de Reparto

  • Elvira Mínguez por ‘La cena’
  • Nagore Aramburu por ‘Los domingos’
  • Miryam Gallego por ‘Romería’
  • Elena Irureta por ‘Sorda’
  • María de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Dirección

  • Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Aitor Arregi y José Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Oliver Laxe por ‘Sirat’
  • Albert Serra por ‘Tardes de soledad’

Mejor Guion Original

  • Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Los domingos’
  • Jose Mari Goenaga, por ‘Maspalomas’
  • Oliver Laxe y Santiago Fillol, por ‘Sirat’
  • Agustín Díaz Yanes, por ‘Un fantasma en la batalla’
  • Avelina Prat, por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Guion Adaptado

  • Guillermo Galoe y Víctor Alonso-Berbel por ‘Ciudad sin sueño’
  • Celia Rico Clavellino por ‘La buena letra’
  • Joaquín Oristrell, Manuel  Gómez Pereira y Yolanda García Serrano por ‘La cena’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor Dirección Novel

  • Ion de Sosapor ‘Balearic’
  • Jaume Claret Muxart por ‘Estrany Riu’
  • Gemma Blanco por ‘La furia’
  • Gerard Oms por ‘Muy lejos’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor Actor Revelación

  • Toni Fernández Gabarre por ‘Ciudad sin sueño’
  • Julio Peña por ‘El Cautivo’
  • Hugo Welzel por ‘Enemigos’
  • Jan Monter Palau por ‘Estrany Riu’
  • Mitch por ‘Romería’

Mejor Actriz Revelación

  • Nora Hernández por ‘La cena’
  • Blanca Soroa por ‘Los domingos’
  • Elvira Lara por ‘Los tortuga’
  • Llúcia García por ‘Romería’
  • Miriam Carlo por ‘Sorda’

Mejor Película Europea

  • ‘Cónclave’ de Edward Berger
  • ‘La chica de la aguja’ de Magnus von Horn
  • ‘On Falling’ de Laura Carreira
  • ‘Un simple accidente’ de Jafar Panahi
  • ‘Valor sentimental’ de Joachim Trier

Mejor Película Iberoamericana

  • ‘Belén’ de Dolores Fonzi
  • ‘La misteriosa mirada de flamenco’ de Diego Céspedes
  • ‘La piel de agua’ de Patricia Velásquez
  • ‘Manas’ de Marianna Brennand Fortes
  • ‘Un poeta’ de Simón Mesa Soto

Mejor Película Documental

  • ‘Todos somos Gaza’ de Hernán Zin
  • ‘Eloy de la Iglesia. Adicto al cine’ de Gaizka Urresti
  • ‘Flores para Antonio’ de Elena Molina e Isaki Lacuesta
  • ‘Tardes de soledad’ de Albert Serra
  • ‘The Sleeper. El Caravaggio perdido’ de Álvaro Longoria

Mejor Película de Animación

  • ‘Bella’ de Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco
  • ‘Decorado’ de Alberto Vázquez
  • ‘El tesoro de Barracuda’ de Adrià García
  • ‘Norbert’ de José Corral Llorente
  • ‘Olvia y el terremoto invisible’ de Irene Iborra

Mejor Montaje

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Un fantasma en la batalla’

Mejor Dirección de Fotografía

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • ‘El cautivo’
  • ‘Gaua’
  • ‘La tregua’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejores Efectos Especiales

  • ‘Enemigos’
  • ‘Gaua’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Un fantasma en la batalla’

Mejor Diseño de Vestuario

  • ‘El cautivo’
  • ‘Gaua’
  • ‘La cena’
  • ‘Los domigos’
  • ‘Romería’

Mejor Música Original

  • ‘El talento’
  • ‘Leo & Lou’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Canción Original

  • ‘Caigan las rosas blancas’
  • ‘Flores para Antonio’
  • ‘Hasta que me quede sin voz’
  • ‘La cena’
  • ‘Parecido a un asesinato’

Mejor Sonido

  • ‘El cautivo’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Sorda’

Mejor Dirección de Arte

  • ‘El cautivo’
  • ‘La cena’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Diseño de Producción

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘El cautivo’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’

Mejor Cortometraje de Ficción

  • ‘Ángulo muerto’
  • ‘Sucre’
  • ‘El cuento de una noche de verano’
  • ‘Sexo a los 70’
  • ‘Una cabeza en la pared’

Mejor cortometraje documental

  • ‘Disonancia’
  • ‘El santo’
  • ‘La conversación que nunca tuvimos’
  • ‘The painter’s room’
  • ‘Zona Wao’

Mejor Cortometraje de animación

  • ‘Buffet’
  • ‘Paraíso’
  • ‘Carmela’
  • ‘El corto de Rubén’
  • ‘El estado del Alma y Gilbert’

Goya Internacional

  • Susan Sarandon

Goya de Honor

  • Gonzalo Suárez

Palmarés de los Blogos de Oro 2026

Posted on por
Responder

«Luger» destaca como principal y casi única ganadora

Los Blogos de Oro 2026 ponen el foco en el talento emergente y consolidado del cine español, destacando obras independientes que han sabido conectar con el público y la crítica desde los márgenes de la industria. La variedad de estilos, géneros y miradas presentes en esta edición confirma la buena salud creativa del sector, con propuestas que van desde el drama íntimo hasta el cine de género más arriesgado.

Interpretaciones potentes, guiones personales y direcciones con voz propia conforman una lista que funciona también como radiografía del momento actual del audiovisual español. Películas como “Disforia”, “Luger”, “Pequeños calvarios” o “Azul de niño” repiten presencia en varias categorías, consolidándose como algunos de los títulos más representativos de esta edición de los premios.

Palmarés por número de premios

  • «Luger» 5
  • «Disfora» 2
  • «Pobre marciano» 1

Palmarés completo de los Blogos de Oro 2026

Mejor Actor de reparto
Ferran Vilajosana por “Disforia”
Javier Botet por “Historias de Halloween”
Mario Mayo por “Luger”
Tony Corvillo por “Azul de niño”
Vito Sanz por “Pequeños calvarios”
Mejor Actriz de reparto
Aída Folch por “Historias de Halloween”
Ana Turpin por “Luger”
Claudia Salas por “Disforia”
Marta Belenguer por “Pequeños calvarios”
Meritxell Huertas por “Azul de niño”
Mejor Actor principal
David Marcé por «SinÉl»
David Sainz por «Luger»
Iván Villanueva por «Santa Zeta»
Javier Chueca por «El poder del silencio»
Raúl Guardans por «Azul de niño»
Mejor Actriz principal
Eva de Luis por «Azul de niño»
Fariba Sheikhan por «Disforia»
Nekane Otxoa «Santa Zeta»
Nuria Santos por «El poder del silencio»
Sandra Escacena por «La casa en el árbol»

Mejor Guion
Bruno Martín y Santiago Taboada por «Luger»
Enric Pardo, David Pascual y Guillermo Guerrero por «Pequeños Calvarios»
Nere Falagan, Jone Ibarretxe, Javier Echániz por «Esto no es Hollywood»
Raúl Guardans por «Azul de niño»
Saúl Pérez Ruano por «El poder del silencio»

Mejor Dirección
Bruno Martín por «Luger»
Christopher Cartagena por «Disforia»
Javier Polo por «Pequeños calvarios»
Nere Falagan,Jone Ibarretxe por «Esto no es Hollywood»
Saúl Pérez Ruano por «El poder del silencio»

Mejor Cortometraje
«893 Kilómetros» de Rubén Guindo Nova
«Amira» de Javier Yañez
«El cuerpo de Cristo» de Bea Lema
«I walked through the wall» de Pablo Larcuen
«La barraca» de Júlia Castaño
«Ne me quitte pas» de Karim Huu Do
«Pálpito» de Marisa Crespo y Moisés Romera
«Pobre marciano» de Alex Rey
«Póligono X» de Néstor López
«Una cabeza en la pared» de Manuel Manrique

Mejor Película
«Disforia» de Isabel G. Peralta, Pablo López Torres y Christopher Cartagena
«El poder del silencio» de Saúl Pérez Ruano y Manuel Valenzuela Iglesias
«Esto no es Hollywood» de Euskadi Movie S.L.
«Luger» de José Luis Rancaño y Bruno Martín
«Pequeños calvarios» de Javier Polo, Gerard Rodríguez, Borja Aracil, Guillermo Polo, Jorge Hernández y Frank Lucas

Crítica: ‘Evolution’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Evolution

Puede ayudar a evolucionar a niños irresponsables y a padres distraídos. Si es así, misión cumplida

Al ver ‘Evolution’ como título de la nueva película española animada surgida del prometedor estudio Thinklab me ha venido a la cabeza la película de Ivan Reitman de 2001. En ella un meteorito traía consigo una serie de criaturas que evolucionaban a toda mecha y causaban descacharrantes desastres. Ni de lejos estamos ante un filme con un tono igual de gamberro, ni para adultos, pero si partimos de una premisa similar y las risas están aseguradas, solo que para un público más infantil.

Una animación infantil que entiende el ritmo del presente

‘Evolution’ se inscribe con naturalidad en esa corriente de cine de animación infantil que no subestima a su público y, al mismo tiempo, entiende a la perfección el contexto audiovisual en el que se mueven hoy los más pequeños. Desde sus primeros minutos, la película deja clara su apuesta formal: personajes que hablan deprisa, se mueven con energía constante y encadenan acciones como si el agua que los rodea estuviera mezclada con alguna bebida energética. Este frenesí no es gratuito. Es una técnica ampliamente utilizada en la animación contemporánea para mantener la atención y dotar de ritmo a historias sencillas en apariencia, pero densas en estímulos.

En este sentido, la dirección de Julio Soto Gurpide y Zayra Muñoz Domínguez demuestra un conocimiento sólido del lenguaje animado y de sus códigos actuales. El resultado es una película animada que no tiene nada que envidiar al cine estadounidense en términos de acabado, fluidez o claridad narrativa, algo que hace apenas una década habría parecido una aspiración lejana para muchas producciones nacionales.

Más allá del 3D: variedad visual y mensaje

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Evolution’ es su capacidad para introducir, de manera puntual pero significativa, fragmentos que exhiben otros tipos de animación distintos al 3D predominante. Estos momentos funcionan casi como pausas expresivas, pequeños paréntesis visuales que enriquecen el conjunto y aportan matices emocionales o narrativos. No se trata de un alarde técnico, sino de una decisión consciente que refuerza el discurso de la película y evita la monotonía estética.

Ese discurso está claramente alineado con un mensaje animalista y ecologista. La película habla de responsabilidad, de convivencia con el entorno y de la necesidad de repensar nuestra relación con la naturaleza. Sin embargo, lo más interesante es que este mensaje no se presenta de forma doctrinal. ‘Evolution’ lo integra dentro de una historia de entendimiento entre padres modernos, muchas veces absorbidos por sus propias dinámicas, e hijos desatendidos que canalizan su frustración a través del gamberrismo como llamada de atención. Es una lectura sencilla, accesible para el público infantil, pero lo suficientemente clara como para resonar en un contexto social reconocible.

La crítica al corporativismo salvaje, aunque ligera, también está presente y añade una capa adicional al relato. No es una denuncia frontal, sino una insinuación que encaja bien en una película dirigida principalmente a niños, pero que no renuncia a ofrecer una visión del mundo con cierto posicionamiento ético y que hace lo que tantas otras, poner como villano del filme al tecnofeudalismo.

Una propuesta sólida dentro del renacer de la animación española

Es cierto que ‘Evolution’ no parece especialmente preocupada por conquistar al espectador adulto. Más allá de guiños muy concretos (como un profesor de ciencias que recuerda inevitablemente a Bryan Cranston o un robot que parece un híbrido entre WALL-E y EVE), la película mantiene su foco en el público infantil. Esto no es una debilidad, sino una decisión coherente con su planteamiento. ‘Evolution’ sabe lo que quiere ser y no intenta abarcar más de lo necesario.

En el contexto actual, la película se percibe como una confirmación de que la animación española ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad tangible. Propuestas recientes como ‘Bella’ o ‘Decorado’ apuntan también en el último año en esta dirección. ‘Evolution’ refuerza la idea de que no se trata de casos aislados, sino de un tejido creativo en crecimiento. Hay aquí algo más que brotes verdes: hay oficio, ambición y una comprensión clara de los públicos a los que se dirigen estas historias.

Resulta estimulante encontrarse con una película infantil que no se refugia únicamente en el colorido o el gag fácil, sino que construye un relato coherente, con ritmo, identidad visual y un mensaje reconocible. ‘Evolution’ no pretende revolucionar el género, pero sí demuestra que la animación española puede competir, dialogar y convivir con las grandes producciones internacionales sin complejos. Y eso, en sí mismo, ya es una evolución digna de celebrarse.

Ficha de ‘Evolution’

Estreno en España: 3 de febrero de 2026. Título original: Evolution. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Julio Soto Gurpide, Zayra Muñoz Domínguez. Guion: Julio Soto Gurpide, Adela Gutiérrez, José Tatay. Música: Reparto principal (doblaje original): Elena Jiménez Montero, Claudia Martínez de Aguirre Canedo, Juan Amador Pulido Fernández, Luis Posada Cugat, Andrea Villaverde Hernández, Iker Bengotxea Goya, Rodrigo Martín Sacristán, Silvia Sarmiento, José María Larrú Cuevas, Verónica Bosch Moreno, Miriam Lisón, Abraham Aguilar Anegon. Producción: The Thinklab. Distribución: Beta Fiction. Género: comedia, aventura. Web oficial.

What Next. Netflix desvela títulos para 2026

Posted on por
Responder

Estuvimos en el evento What Next donde se anunciaron series, películas y nuevos proyectos en desarrollo

Hemos asistido en Madrid al evento de presentación de los estrenos de Netflix para 2026, una cita en la que la plataforma ha desvelado su potente apuesta por contenidos nacionales e internacionales para el próximo año. La presentación reunió a numerosos profesionales del sector y a algunas de las figuras más reconocidas del audiovisual español, en un encuentro que sirvió para confirmar el peso estratégico de España dentro de la producción global de Netflix.

Durante el evento, se adelantaron títulos de ficción, cine y no ficción que llegarán a lo largo de 2026, así como tres nuevos proyectos inéditos que se encuentran actualmente en fase de rodaje o postproducción. La sensación general fue la de una programación diversa, que combina grandes franquicias, historias locales con vocación internacional y propuestas de género muy marcadas.

Las estrellas presentan sus proyectos ante la prensa

Uno de los momentos más destacados fue la presencia sobre el escenario de los equipos artísticos de varias producciones ya anunciadas. Pudimos ver a Jose Coronado, Maribel Verdú y Martiño Rivas presentar ‘El problema final’; a Raúl Tejón, Blanca Martínez y Maribel Verdú con ‘Gracias, equipo’; y a Luis Tosar y Claudia Salas con ‘Salvador’. También estuvieron presentes intérpretes como Tristán Ulloa, Belén Cuesta, Karra Elejalde, Inma Cuesta, Michelle Jenner, Javier Gutiérrez, Javier Cámara o Raphael, confirmando la fuerte implicación del talento español en el catálogo de la plataforma.

Además, Luis Tosar y Tristán Ulloa regresaron al escenario para presentar la miniserie en rodaje ‘Lobo’, mientras que Mario Casas, Blanca Suárez y Nicolás Francella adelantaron detalles de ‘En nombre de otro’, actualmente en plena producción.

Tres nuevos proyectos que amplían el horizonte de Netflix

Netflix aprovechó el evento para anunciar tres nuevos proyectos clave. El primero es ‘Miguel Ángel Blanco: Las 48 horas que lo cambiaron todo’, un documental dirigido por Jon Sistiaga y Juanjo López que revisa uno de los episodios más dolorosos y determinantes de la historia reciente de España, con un enfoque centrado en la movilización social y el impacto colectivo de aquellos días.

También se presentó ‘Lobo’, una miniserie protagonizada por Luis Tosar y Tristán Ulloa, basada en el caso real de Manuel Blanco Romasanta, figura histórica ligada a la leyenda del primer asesino en serie documentado del país. El tercer anuncio fue ‘En nombre de otro’, un thriller escrito y dirigido por Oriol Paulo que promete giros constantes y un relato donde nada es lo que parece.

What Next revela un catálogo repleto de grandes títulos

El evento sirvió además para recordar otros títulos ya confirmados para 2026, entre los que destacan ‘Peaky Blinders: El hombre inmortal’ (de la cual vimos 5 impactantes minutos), ‘Torrente presidente’, ‘Los Bridgerton’ (temporada 4), ‘One Piece’ (temporada 2), ‘Avatar: La leyenda de Aang’ (temporadas 2 y 3), ‘Machos alfa’ (temporada 5), ‘Muertos S.L’ (temporada 4) o ‘Lupin’ (parte 4), entre muchos otros.

La presentación dejó claro que Netflix afronta 2026 con una estrategia basada en la continuidad de grandes éxitos y en el desarrollo de nuevas historias con identidad propia.

Crítica: ‘Todos somos Gaza’

Posted on por
Responder

Una prueba irrefutable, innegable, inexcusable e ineludible de la mayor vergüenza humanitaria del siglo XXI

Hay documentales que informan, otros que conmueven y unos pocos que obligan a mirar de frente aquello que preferiríamos ignorar. ‘Todos somos Gaza’, dirigido por Hernán Zin, pertenece con claridad a esta última categoría. No es una obra cómoda ni pretende serlo. Tampoco busca el efectismo gratuito ni la neutralidad impostada. Es, ante todo, una película que entiende el cine documental como un acto moral: estar allí, mirar, registrar y no apartar la cámara cuando la realidad se vuelve insoportable.

Zin no llega a Gaza como un recién llegado. Su vínculo con el territorio y con sus habitantes es profundo y sostenido en el tiempo. En 2014 firmó ‘Nacido en Gaza’, un trabajo que retrataba la vida de diez niños y niñas durante una ofensiva israelí anterior. Aquella película se convirtió en un referente internacional, celebrada por la crítica y el público, y aún hoy se cita como uno de los testimonios audiovisuales más claros sobre la violencia estructural que sufre la población palestina. Diez años después, ‘Todos somos Gaza’ retoma ese hilo: la misión es buscar a aquellos niños, ahora adolescentes o adultos, y comprobar qué ha sido de sus vidas en un territorio donde el futuro siempre es una promesa frágil.

Gaza como rutina del horror

La gran virtud del documental es su capacidad para mostrar la anormalidad convertida en costumbre. Zin introduce al espectador en una cotidianidad donde ir a por el pan o visitar a un amigo puede convertirse, en cuestión de segundos, en una sentencia de muerte. Esa es la vida en Gaza: un espacio donde el sonido de un dron o un avión no es una excepción, sino parte del paisaje sonoro diario. La película no subraya esta idea con discursos grandilocuentes; la deja emerger de los gestos, de las miradas y de los silencios de quienes han aprendido a vivir con el miedo como telón de fondo permanente.

El montaje establece un diálogo devastador entre pasado y presente. Ver las imágenes de ‘Nacido en Gaza’ junto a las actuales no solo evidencia el paso del tiempo, sino también la ausencia de progreso, la repetición del trauma y la cronificación del dolor. Los niños que entonces hablaban de sus sueños hoy cargan con cicatrices visibles e invisibles. El tiempo, en Gaza, no cura: acumula.

La cámara como testigo, no como espectáculo

‘Todos somos Gaza’ tiene una impactante calidad visual. Rodada en muy alta resolución, sin tratamientos estéticos que edulcoren la imagen, la película ofrece una claridad casi hiriente. No hay filtros, no hay artificio. Lo que vemos no es cine de acción ni imágenes generadas por ordenador. Sin embargo, muchas secuencias podrían confundirse con escenas sacadas de una superproducción bélica protagonizada por Stallone o Schwarzenegger. La diferencia es esencial: aquí no hay ficción, ni héroes invulnerables, ni catarsis. Solo cuerpos reales, edificios reales y muerte real.

Zin demuestra un talento indiscutible tras la cámara. Sus encuadres, la elección de los ángulos y la forma en que captura el antes y el después de un bombardeo tienen una potencia visual que deja sin aliento. Es el tipo de imágenes que cualquier reportero sensacionalista soñaría con enviar a su redacción. La diferencia es ética: la cámara de Zin no explota el horror, lo atestigua. Su presencia es la de un testigo que se juega el tipo, como hizo por ejemplo el equipo de ‘Semillas de Kivu’, y que entiende el riesgo como parte inseparable del compromiso.

Resulta perturbador comprobar la “facilidad” con la que se puede registrar un ataque en Gaza. A veces parece que la cámara sabe que la bomba va a caer y se sitúa en el lugar exacto. Y cuando llega el silencio posterior, cuando se recorren las calles arrasadas, la magnitud de la destrucción se vuelve evidente. Gaza ya tenía zonas que recordaban a un resort mediterráneo, pero nunca para las élites que fantasean con reconstrucciones de lujo. Hoy, incluso esas imágenes pertenecen al pasado.

Un alegato imposible de ignorar

Intentar ver ‘Todos somos Gaza’ con una mirada aséptica es casi una quimera. Las imágenes, los testimonios y el uso de audios de archivo desde los primeros compases del conflicto construyen un relato que no deja espacio para la duda. Zin no se limita a mostrar; contextualiza y conecta los puntos hasta componer un mosaico que señala directamente a una tragedia de dimensiones históricas. El término genocidio, tan manoseado y tan evitado, aquí adquiere un peso específico difícil de rebatir.

El director, colaborador habitual de Jon Sistiaga, hereda y amplía esa tradición de periodismo audiovisual que entiende que contar la verdad implica tomar partido por las víctimas. ‘Todos somos Gaza’ es una prueba irrefutable, innegable e ineludible de lo que está ocurriendo. No ofrece consuelo ni soluciones fáciles. Ofrece algo más incómodo y más necesario: memoria, evidencia y una interpelación directa al espectador. Tras los créditos finales, ya no es posible decir que no sabíamos. Es una prueba irrefutable, innegable, inexcusable e ineludible.

Ficha de ‘Todos somos Gaza’

Estreno en España: 2025. Título original: Todos somos Gaza. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Hernán Zin. Guion: Alicia Medina, Hernán Zin. Música: Carlos M. Jara, Rozalen, Marwan, Ambkor, Chojin, Porta. Fotografía: Hernán Zin. Reparto principal: documental. Producción: Doc Land Films, Videoreport Canarias, RTVE. Distribución: 39 Escalones. Género: documental. Web oficial.

Palmarés de los Premios Feroz 2026

Posted on por
Responder

‘Los domingos’, ‘Poquita fe’ y ‘Yakarta’ se alzan victoriosas

‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, fue la gran triunfadora de los Premios Feroz 2026 celebrados en Pontevedra, al conseguir cinco galardones, entre ellos mejor película dramática, mejor dirección y mejor guion, además de premios interpretativos para Patricia López Arnaiz y Nagore Aranburu. En cine, ‘La cena’ ganó como mejor comedia, mientras que ‘Sirât’ destacó por su música original y mejor tráiler, con mención especial a su doble nominación a los Oscar. Los premios Arrebato fueron para ‘Ciudad sin sueño’ (ficción) y ‘Tardes de soledad’ (no ficción), que también obtuvo el premio al mejor cartel.

En televisión, ‘Yakarta’ y ‘Poquita fe’ dominaron el palmarés con tres premios cada una, alzándose como mejor serie dramática y de comedia respectivamente. Javier Cámara, Esperanza Pedreño, Julia de Castro y Secun de la Rosa fueron reconocidos por sus interpretaciones. La gala también rindió homenaje a Marta Fernández-Muro con el Premio Feroz de Honor y cerró el ciclo bianual de los premios en Pontevedra, destacando la implicación de la ciudad y el éxito de las actividades paralelas.

Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (cine)

Mejor película drama

  • ‘Los domingos’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’
  • ‘Sorda’

Mejor película comedia

  • ‘La cena’
  • ‘Decorado’
  • ‘Mi amiga Eva’
  • ‘Rondallas’
  • ‘Wolfgang’

Mejor dirección

  • Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
  • Oliver Laxe por ‘Sirat’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’
  • Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Carla Simón por ‘Romería’

Mejor actriz protagonista

  • Ángela Cervantes por ‘La furia’
  • Miriam Garlo por ‘Sorda’
  • Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
  • Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
  • Blanca Soroa por ‘Los domingos’

Mejor actor protagonista

  • Mario Casas por ‘Muy lejos’
  • Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
  • Sergi López por ‘Sirat’
  • Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
  • Alberto San Juan por ‘La cena’

Mejor actriz de reparto

  • Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
  • Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
  • Elena Irureta por ‘Sorda’
  • Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
  • Elvira Mínguez por ‘La cena’

Mejor actor de reparto

  • Asier Etxeandia por ‘La cena’
  • Miguel Garcés por ‘Los domingos’
  • Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
  • Miguel Rellán por ‘El cautivo’
  • Kandido Uranga por ‘Maspalomas’

Mejor guion

  • ​Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor música original

  • Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
  • Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
  • Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
  • Ernest Pipó por ‘Romería’
  • Kangding Ray por ‘Sirat’

Mejor cartel

  • ‘Los domingos
  • ‘Muy lejos’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’
  • ‘Tardes de soledad’

Mejor tráiler

  • ‘La cena’
  • ‘Maspalomas’
  • Los domingos’
  • ‘Romería’
  • ‘Sirat’

Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (televisión)

Mejor serie drama

  • ‘Anatomía de un instante’
  • ‘La canción’
  • ‘Pubertat’
  • ‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
  • ‘Yakarta’

Mejor serie comedia

  • ‘Animal’
  • ‘Furia’
  • ‘Poquita fe’
  • ‘La suerte’
  • ‘Superestar’
  • ‘La vida breve’

Mejor actriz protagonista

  • Anna Castillo por ‘Su majestad’
  • Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
  • Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
  • Candela Peña por ‘Furia’
  • Carla Quílez por ‘Yakarta’
  • Carolina Yuste por ‘La canción’

Mejor actor protagonista

  • Javier Cámara por ‘Yakarta’
  • Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
  • Ricardo Gómez por ‘La suerte’
  • Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
  • Luis Zahera por ‘Animal’

Mejor actriz de reparto

  • Julia de Castro por ‘Poquita fe’
  • María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
  • Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
  • Natalia de Molina por ‘Superestar’
  • Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
  • Leonor Watling por ‘La vida breve’

Mejor actor de reparto

  • Carlos Bernardino por ‘La suerte’
  • Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
  • David Lorente por ‘Yakarta’
  • Secun de la Rosa por ‘Superestar’
  • Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’

Mejor guion

  • Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
  • Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
  • Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
  • Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
  • Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’