Una niña descubre los misterios de la comunicación animal.
Crítica
Ni su sabor a fábula escandinava, ni la impresionante expresividad de sus animatrónicos consiguen transmitir algo más allá de lo visualmente cautivador
Con ‘La leyenda de Ochi’, Isaiah Saxon y A24 entregan una obra que parece surgir de un sueño febril y lúcido, un híbrido entre fábula escandinava y cine indie contemporáneo. La película no es solo un relato de aventuras, es un ensayo visual sobre la memoria de los mitos y la interacción entre humanidad y monstruosidad. En su estructura y tono, remite inevitablemente a ‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero lo hace desde un lugar inexplorado: el norte de Europa, entre bosques brumosos y aldeas que parecen extraídas de un cuento de otra época.
Desde el primer plano, la película demuestra una obsesión estética que roza lo pictórico. La saturación cromática de cada escena, tan cuidada que recuerda a un cuento en technicolor, tiene la meticulosidad de un Wes Anderson. La música, pausada y con tintes melancólicos, se entrelaza con la flema de los diálogos, creando un ritmo hipnótico que no busca la espectacularidad sino la contemplación. Cada gesto de los personajes, cada movimiento de cámara, parece meditado para reforzar esa sensación de atemporalidad.
El universo de ‘La leyenda de Ochi’ es igualmente fascinante. La isla protagonista recuerda poderosamente a Isla Melé de ‘Monkey Island’, pero habitada por criaturas que son tanto entrañables como peligrosas. La población humana ha sufrido las embestidas de estos monstruos: personas con miembros amputados conviven con los que los temen y los veneran. La protagonista, una niña huérfana de madre entrenada para cazar a las criaturas, fracasa en su cometido y encuentra en la amistad con Ochi, un ser híbrido entre mono y vampirillo, la llave de una reconciliación imposible entre especies. De nuevo símiles y reminiscencias inevitables con la película de Dean DeBlois y Chris Sanders. Esta criatura, trabajada mediante animatrónicos con una expresividad sobresaliente, logra transmitir simultáneamente ternura y ferocidad, recordándonos que la línea entre lo temible y lo adorable es frágil y difusa cuando estamos en plena naturaleza.
La narrativa también juega con un anacronismo deliberado: casas de techo vegetal, armaduras y lanzas conviven con coches, postes eléctricos y abrigos de pluma. Esa mezcla de tiempos históricos crea un espacio liminal donde lo mítico se encuentra con lo cotidiano, reforzando la sensación de que estamos ante un relato fuera del tiempo. Saxon, lejos de limitarse a emular los clásicos de animación, transforma los elementos del cuento en un discurso sobre la convivencia y la violencia latente de la civilización.
Sin embargo, lejos de innovar, ‘La leyenda de Ochi’ se queda atrapada en su propia estética. La narrativa avanza con una lentitud que roza el tedio, y los paralelismos con clásicos animados no aportan novedad alguna. La película parece depender exclusivamente de su impacto visual, mientras desaprovecha el potencial dramático y emocional que podrían haber aportado sus actores. Emily Watson y Willem Dafoe, dos talentos de primer nivel, quedan reducidos a meros adornos en una historia que no les permite explorar profundidad alguna.
‘La leyenda de Ochi’ es un ejercicio visualmente atractivo, pero excesivamente superficial. La mezcla de technicolor, animatrónicos y ambientación nórdica no logra sostener una narrativa que resulta monótona y previsible. La película se percibe como un bello envoltorio sin contenido sólido: la relación humano-monstruo, la tensión moral y la fábula de convivencia apenas se desarrollan, dejando al espectador más frustrado que fascinado. Una obra que, pese a su atractivo estético, termina siendo excesivamente aburrida y desaprovecha tanto sus recursos técnicos como a su destacado elenco. Incluso su final, que se supone que tiene que transmitir unas lágrimas que traspasan la pantalla, no logra contagiar al público por forzado y mal cimentado.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: The legend of Ochi. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Isaiah Saxon. Guion: Isaiah Saxon. Música: David Longstreth. Fotografía: Evan Prosofsky. Reparto principal: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, AGBO, Encyclopedia Pictura, Nieghborhood Watch, Year of the rat. Distribución: A Contracorriente Film. Género: fantástico, aventuras. Web oficial: https://a24films.com/films/the-legend-of-ochi
En una versión retorcida del clásico cuento de Cenicienta, ‘La hermanastra fea’ sigue a Elvira, mientras tiene que competir con su preciosa hermanastra. En un reino de cuento de hadas donde la belleza es un negocio despiadado, Elvira hará todo lo que haga falta para captar la atención del príncipe. ‘La hermanastra fea’ es el sangriento relato de la sangre, sudor y lágrimas necesarias para convertir a Elvira en la reina del baile.
Crítica
Un cuento bastante gore
Tenemos ante nosotros una versión más de ‘La Cenicienta’. Una de cientos, tanto orales, como escritas, este cuento ha tenido un montón de interpretaciones distintas, muchas de ellas bastante crueles y hasta un tanto gore.
En este caso, ‘La hermanastra fea’ nos trae la versión de una de las hermanastras de Agnes (Cenicienta) y es la menos agraciada de todas. Elvira, interpretada por LeaMyren, es una joven con el deseo más grande del mundo y es casarse con el príncipe. Para ello, va a sufrir un sinfín de dolores para conseguir ser guapa. Las cirugías que vemos en esos tiempos son terribles. Se arregla la nariz, el pelo e incluso toma un remedio para adelgazar. Este remedio será definitivo.
La película es bastante entretenida y desagradable la verdad. Si que es cierto que, si habéis visto el tráiler, sabéis a lo que vais, pero, aun así, hay escenas un tanto fuertes para estómagos especiales, porque uno de los puntos fuertes es que está bastante bien hecha.
La historia, pues lo de siempre, cambia un poco, pero en general, la envidia hace que Agnes, la dueña del castillo, al morir su padre, termine limpiando todo y compitiendo con Elvira. Si que es cierto que no coges mucho cariño a ninguno de los personajes en general, y eso hace que te de un poco igual lo que les pase a cada uno, simplemente, vamos viendo la historia y lo único que interesa es que locura va ha hacer Elvira para lograr ser más guapa.
Si que me gusta que ningún personaje es bueno, todos tienen su lado oscuro, incluida Agnes, nuestra cenicienta, que desesperada por salir de esa casa, donde ni si quiera la han dejado enterrar a su padre, decide luchar por el amor del príncipe pese a estar enamorada de otra persona.
EmilieBlichfeldt, elige una atmósfera muy oscura y sucia. La película es bastante tosca en ese sentido, los lugares que tienen que ser bonitos, de lo recargados que están, logran desagradar. Pero se nota que es su intención y que al final veas que nada en este cuento es bonito. Para ser su debut, la verdad que tiene todo muy bien pensado. Y es que visualmente, ‘La hermanastra fea’ está muy bien cuidada.
‘La hermanastra fea’ tiene mucha crítica hacia el tema de la belleza por encima de todo. Las operaciones, las locuras de introducirnos algo en el cuerpo con la ilusión de que adelgazaremos pronto sin saber que va hacernos o mutilar algo de nosotros mismos para lograr ser más perfectos. Todo esto está aquí, además desde mi punto de vista, la envidia entre mujeres, porque si Elvira y Agnes hubiesen trabajado juntas, hubiesen sido felices cada una por su camino, pero no. Claro, que, si no, no tendríamos películas. Para terminar, contaros, que tenéis una escena post-créditos, es cortita, pero creo que es bastante significativa.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: Den Stygge Stesosteren. Duración: 110 min. País: Noruega. Dirección: Emilie Blichfeldt. Guion: Emilie Blichfeldt. Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Lea Myren, Thea Sofie Loch Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gardinger, Ralph Carlsson, Isaac Aspberg. Producción: Lava Films, Motor MER Film, Zentropa International Sweden. Distribución: Betafiction. Género: Terror. Web oficial:https://betafiction.es/cine/la-hermanastra-fea/
Varias cintas de vídeo de Halloween liberan historias macabras y sangrientas, transformando el truco o trato en una lucha por la supervivencia.
Crítica
Una de las entregas más divertidas y frenéticas de la franquicia
‘V/H/S/Halloween’ es la octava entrega de la antología de películas que cada año reúne a directores en torno a una temática, el metraje encontrado y el terror. En esta ocasión el leitmotiv es la festividad de Halloween, transcurriendo mayoritariamente en el país que más ha popularizado esta celebración, Estados Unidos, aunque cuenta con un segmento español dirigido por Paco Plaza y escrito por Alberto Marini.
Para quienes no la conozcan consiste en una serie de cortos, unidos por una trama central y que han de encontrar la manera de consistir en vídeos, cintas o metraje encontrado de alguna u otra manera. Véase cintas de vídeo, vídeos encontrados en un móvil, material extraído de una tarjeta de memoria… De ahí que de pie a tener diferentes directores, estilos y narrativas. Aunque es una antología con altibajos se puede decir que está en franco ascenso y que siempre encontramos algún cortometraje dentro de ella. Pero lo que siempre suele fallar es ese corto que vertebra y va conectando con el resto de propuestas. En esta ocasión está muy divertido pero no conecta narrativamente con los cortos, salvo por el hecho de que está relacionado con el consumismo de Halloween.
‘Diet Phantasma’ (Bryan M. Ferguson)
Este segmento de Ferguson sirve como hilo conductor para ‘V/H/S Halloween’: una corporación documenta los efectos secundarios mortales de una bebida dietética que contiene ectoplasma. Tiene un tono oscuro y humorístico, un poco autoparódico. En su función de marco, es cero efectivo en enlazar los episodios, aunque su sentido frío y satírico casa con la intensidad visceral de los segmentos más extremos. En muchos momentos, parece más una “presentación institucional decadente” que un genuino episodio de terror, pero cumple el cometido de dar unidad a la antología.
‘Fun Size’ (Casper Kelly)
Quizás el episodio más descabellado del conjunto. La escritura de Kelly (también guionista de esta entrega) propone una fábrica de pesadillas con muchas golosinas, un personaje macabro y un castigo extremo. La premisa es delirante, el ritmo frenético, y es de los pocos momentos que provocan risa y sobresalto a la vez. Su locura interna funciona como válvula de escape dentro de una antología que a menudo se toma bastante en serio.
‘Home Haunt’ (Micheline Pitt-Norman y R.H. Norman)
Este segmento apuesta por el “haunted house”, con estética de pasaje de terror casero pero potenciado hasta lo grotesco. Se recurre a elementos clásicos de Halloween (maniquíes, efectos visuales caseros, sombras que se mueven) pero llevados al extremo y con un giro que es mucho mejor cuando se descubre. Aquí la mezcla de lo reconocible y lo plástico resulta mortal para los protagonistas y bastante eficaz para el espectador que tiene como premio momentos delirantemente sangrientos.
‘Kidprint’ (Alex Ross Perry)
Con una tensión distinta, Perry explora los miedos derivados de la infancia, la paranoia sobre la seguridad infantil y los rastros digitales. Emplea recursos nostálgicos (cámaras antiguas, grabaciones hogareñas) y los emplea como elementos siniestros propios o cercanos al snuff. Su carácter es serio, no se anda con gamberradas o mojigaterías. Sin duda el director ha querido crear un capítulo comprometido que deja consternado.
‘Ut Supra Sic Infra’ (Paco Plaza y Alberto Marini)
Este es el episodio español, el más distinto estilísticamente y no por ello pierde de vista el Halloween que ya parece implantado dentro de nuestras fronteras. Va entre fragmentos narrativos: el joven Enric sobreviviente de una matanza policial, flashbacks del vídeo que grabó su amiga la noche anterior y declaraciones ante la policía. Hay paralelismos de planos, rupturas de punto de vista y un uso fragmentado del espacio. Aunque Plaza no se aferra tanto a iconografía puramente halloweenesca, logra mantener la atmósfera oscura y casi mística. Siembra misterio entorno a lo que ha sucedido con los protagonistas y crea la atmósfera de manera efectiva, nada extraño sabiendo quién está al timón de la historia.
‘Coochie Coochie Coo’ (Anna Zlokovic)
Esta es sin duda la historia más repelente de todas. Dos chicas están en su último Halloween juntas, a las puertas de separarse para acudir cada una a sus universidades iniciando una nueva vida separadas. En busca del subidón entran en una casa apartada del camino, sospechosa, pero a la vez llamativa por su efectiva iluminación. Allí encuentran una pesadilla que consiste en un corre que te pillo con multitud de seres de carácter asqueroso y grotesco. La directora de ‘Apéndice’ ha iniciado aquí un universo propio con una retahíla de horrores que le darían para más juego.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: V/H/S Halloween. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Bryan M. Ferguson, Casper Kelly, R.H. Norman, Alex Ross Perry, Micheline Pitt, Paco Plaza, Anna Zlokovic. Guion: Bryan M. Ferguson, Anna Zlokovic, Alberto Marini, Paco Plaza, Casper Kelly, Alex Ross Perry, Micheline Pitt, R.H. Norman. Música: Nick Chuba. Fotografía: Adrián Hernández, Robert Kolondy, Owen Laird, Daniel Marks, Sean McDaniel, Powell Robinson. Reparto principal: Lawson Greyson, Sarah Nicklin, Jenna Hogan, Rick Baker David Haydn, María Romanillos, Ismael Martínez, Almudena Amor, Sonia Almarcha, Teo Planell, Sandra Escacena. Producción: Shudder Films, Cinepocalypse Productions, Imagenation Abu Dhabi FZ, Spooky Pictures. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: página de IMDB
Acción y gore se unen hoy en la noche de la Zombie Walk
Hoy en nuestro tercer día, hemos tenido la ocasión de ver un montón de películas y disfrutar de nuevos momentos en este gran festival. También hemos tenido la ocasión de ver a Hugo Stiglitz, que ha recibido el Premio Nosferatu, por toda su carrera. El actor mexicano, conocido por cintas como ‘Noche de pánico’, ‘Seducción y muerte’ o ‘El fantasma del lago’ ha sido recibido con el gran cariño del público. También hemos visto a la directora y protagonistas de ‘La hermanastra fea’. Emilie Blichfeldt, LeaMyren y Thea Sofie Loch, han sido super simpáticas y muy emocionadas por la gran acogida de su película. Y otro de los grandes momentos del día ha sido poder conocer a Kenji Tanigaki y a Miao Xie, director y actor de ‘The Furious’, que han disfrutado de lo lindo en la proyección de su película.
El equipo de ‘Gaua’ al completo también ha estado disponible durante el festival, ya sea para la presentación de su película, en el photocall y para declaraciones.
Durante el día de hoy también se ha dado el I Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina a Ángeles Huerta, por su obra ‘Lampreas’. Seleccionada entre 31 propuestas internacionales por su mirada femenina, calidad literaria y originalidad dentro del género. También se han dado los premios SGAE Nova Autoria, a la Mejor Dirección-Realización y Mejor Guion Original ha sido para ‘Furia’ de Fran Moreno Blanco y Santi Pujol (ESCAC). Mejor Música Original se lo ha llevado Sergio Rojas por ‘Matcha’.
Y por supuesto ha sido la Zombie Walk, ese día tan especial en que toda la ciudad de Sitges se viste con sus mejores galas y sale a caminar cual muerto viviente. Con unos maquillajes espectaculares, las calles se han convertido en una gran pesadilla para los viandantes vivos.
Un giro más a las distintas versiones de ‘La Cenicienta’ y esta vez seguimos a Elvira, una de las hermanastras, que su único sueño es ser el amor del príncipe.
Invitadas al baile para que el príncipe elija con quien casarse, Elvira, se somete a un sinfín de chapuzas estéticas, que realmente le dan resultado, pero que al ser en una época un tanto antigua, son algo desagradables de ver. Además de otras ayudas extras para conseguir mantener un tipo de escándalo.
La tiranía de la belleza se impone en esta historia, como digo, con escenas algo desagradables, pero todas llenas de sentido, en un cuento un tanto macabro, en lo que lo importante es verse la más bella del reino, para conseguir su gran objetivo. Cambian cosas en cuanto al cuento original, pero en general es bastante fiel.
‘La hermanastra fea’ es un entretenimiento bastante gore pero al que le falla un poco su ritmo lento. Pero aun así, recomiendo su visionado, una apuesta algo distinta a lo que estamos acostumbrados.
‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, combina cine bélico y de monstruos en plena Segunda Guerra Mundial. Un soldado estadounidense y un militar japonés, enemigos naturales, deben cooperar en una isla para sobrevivir al ataque de una criatura marina. La premisa recuerda a ‘Enemigo mío’, aunque con un enfoque pulp y un villano anfibio que encarna la lucha primigenia por la vida.
Protagonizada por Dean Fujioka (‘Fullmetal Alchemist’) y Callum Woodhouse (‘Los Durrell’), la película apuesta más por la acción que por la carga dramática de su conflicto. El monstruo, claramente inspirado en ‘Creature from the Black Lagoon’ y con regusto a los murlocs de ‘World of Warcraft’, se presenta sin tapujos mediante prótesis y máscaras de goma, logrando un efecto artesanal, pero a veces carnavalesco.
‘Orang Ikan’ resulta entretenida y directa, aunque plana en personajes y sin aprovechar su contexto histórico. Una curiosidad de serie B para amantes del género.
‘Gaua’, de Paul Urkijo Alijo, es un filme fantástico-histórico que retrata la España rural del siglo XVII a través de un prisma oscuro, mitológico y reivindicativo. Desde su apertura, similar a ‘Errementari’, con ilustración y voz en off contando una historia antigua, el filme instala una atmósfera de misterio y escalofrío que perdura. La trama sigue a Kattalin, mujer que huye de su marido, se adentra en un bosque nocturno, y encuentra mujeres que comparten cuentos de miedo, y en los relatos ella misma acabará siendo parte de ellos rememorando a mujeres que en pasado sufrieron historias similares.
El vestuario de época impresiona, tan auténtico como los escenarios, y la iluminación trabaja la noche como territorio propio. La fotografía salta a la altura de la de Robert Eggers: momentos de belleza visual épica pero también terrorífica. ‘Gaua’ no es sólo terror, es una alegoría contra el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. Con su frase final adquiere carácter reivindicativo. Urkijo vuelve a demostrar que la mitología vasca tiene voz y fuerza en la pantalla grande cumpliendo el objetivo propuesto de inmortalizar en medios modernos aquellas historias de la tradición oral.
Un arma estadounidense cae por error en la isla de Tasmania. Miles de personas mueren por culpa de un campo magnético y cientos de voluntarios marchan para ayudar a recuperar los cuerpos. Ava va en busca de su marido sabiendo que hay cadáveres que se están levantando.
La premisa me ha gustado mucho, aunque parezca lo mismo de siempre, está muy bien tratado, como los voluntarios van yendo ayudando a sacar cadáveres o avisando si alguno se levanta. Pero me pasa como en muchas historias de “zombies” y es que a mitad de la película me cambia un poco el chip, que se termina recuperando al final. Por cierto, con cierto humor, bastante irónico.
En general, ‘We bury the dead’ nos plantea situaciones bastante curiosas y maquillaje, fotografía, dirección, están muy bien, se nota mucho el trabajo el trabajo en equipo.
La visión de Kenichiro Akimoto es una vibrante re-interpretación del manga que inspiró ‘Al filo del mañana’. En un futuro dominado por una presencia alienígena gigantesca y un ataque por sorpresa, su protagonista revive una y otra vez la misma batalla, atrapada en un bucle temporal que combina acción y humor.
Akimoto apuesta por un estilo visual angular y colorido, más cercano a la novela gráfica europea que al anime japonés. Su narrativa, lejos de caer en la monotonía, convierte la repetición en una forma de aprendizaje y autodescubrimiento.
Centrada en la perspectiva femenina, la historia adquiere un tono más emocional y reflexivo sobre la resiliencia, la identidad y sobre todo a cerca del sentido de la vida. ‘All you need is kill’ no solo adapta fielmente y con licencias el manga original, sino que potencia su mirada hacia lo humano, consolidándose como una de las obras más imaginativas de la ciencia ficción bélica moderna.
Un total de siete cortometrajes, ha sido una de las sesiones en las que hemos estado hoy. Sin duda, es un gustado poder acudir a pequeñas maratones así, ya que ves trabajos muy diferentes y con animaciones diversas.
En este caso, hemos tenido la oportunidad de ver ‘Sisowath Quay’, ‘First Light’, ‘Todos los futuros’, ‘Amarelo banana’, ‘The gnawer of rocks’, ‘Dreamwalker’ y ‘Signal’. No voy a comentar todos, pero me quedo con la simpleza y bondad de ‘First Light’ con una historia conmovedora y que llega de lleno al corazón. Y con ‘The gnawer of rocks’, un cortometraje en stopmotion que nos narra un cuento inuit, super chulo y con un diseño precioso.
Tenemos ante nosotros una de las mejores cintas de artes marciales del año. Si, lo sé, es mucho decir, pero es que ‘The Furious’ es increíble. Una mafia que trafica con niños, pero esta vez, han dado con la niña equivocada, su padre va a ir a buscarla hasta el fin del mundo. Junto a él se une un periodista que busca a su pareja y que desapareció mientras investigaba el mismo caso.
Todo esto, da igual, lo que importa que desde el minuto uno ya vemos patadas, puñetazos y un sin fin de personas en el suelo después de recibir una gran paliza por parte de este padre mudo. Tiene unas coreografías increíbles, que puedo decir cuando parte del reparto ha aparecido en ‘The Raid’. Es una pasada. Sobre todo si os gustan las artes marciales.
Octava entrega de la antología de películas que cada año reúne a directores entorno a una temática, el metraje encontrado y el terror. En esta ocasión el leitmotiv es la festividad de Halloween, transcurriendo en el país que más la ha popularizado, Estados Unidos, pero con un segmento que sucede en España dirigido por Paco Plaza y escrito por Alberto Marini. V/H/S centra su acción en material que ficticiamente se ha encontrado en cintas de vídeo. En el caso del episodio español se trata de dos: una grabación del móvil de un adolescente y el material captado por personal de la policía. Original historia que os hará plantearos si colaros en un caserón y si coger ciertas llamadas.
Pero ha habido historias que también nos han llamado la atención y divertido sobremanera. ‘Fun size’ es el más gracioso y uno de los que tiene el ritmo más frenético. Con un macabro personaje y muchos dulces, Casper Kelly (guionista de ‘Mandy’) nos plantea una fábrica de pesadillas y un castigo más que desorbitado. Por otro lado, Micheline Pitt nos quita las ganas de meternos en una casa del terror factoría casera en un pasaje muy gore que recorre algunos clásicos de la noche de brujas.
Ambientada en el Pacífico, 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico están atrapados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos mortales deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.
Crítica
Aventura pulp con monstruo de goma y trasfondo bélico
‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, es una curiosa propuesta del director Mike Wiluan que se adentra en el terreno del cine de monstruos de serie B con un marco histórico poco habitual: la campaña del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial. La historia enfrenta a un soldado estadounidense y a un militar japonés, rivales naturales por el contexto bélico, que se ven obligados a cooperar en una isla inhóspita para sobrevivir a una amenaza mucho mayor: una criatura marina ancestral con un instinto depredador implacable.
La película recuerda inevitablemente a ‘Enemigo mío’, aquel clásico en el que dos combatientes de bandos opuestos terminaban forjando una alianza en un entorno hostil. Sin embargo, aquí la fórmula se lleva a un terreno más pulp, con un monstruo anfibio que encarna la naturaleza salvaje y primigenia. La tensión no solo proviene de la enemistad de los protagonistas, sino también de la incertidumbre de cuándo el “hombre pez” volverá a atacar.
El reparto está encabezado por Dean Fujioka, conocido por dar vida a Roy Mustang en el live action de ‘Fullmetal Alchemist’, y Callum Woodhouse, recordado por su papel en ‘Los Durrell’. Su duelo interpretativo es el parte del motor de la película, aunque el guion no aprovecha al máximo la carga dramática que podría desprender el choque cultural y bélico entre ambos.
En lo visual, el filme no esconde a su criatura, lo que resulta refrescante en un género acostumbrado a sugerir más que mostrar. El diseño combina influencias claras de ‘Creature from the Black Lagoon’ con un aire caricaturesco que recuerda a los murlocs de ‘World of Warcraft’. El monstruo, creado con prótesis y máscaras de goma, oscila entre lo fascinante y lo carnavalesco, algo que puede restar tensión a las escenas de terror pero que mantiene un encanto artesanal.
‘Orang Ikan’ funciona como aventura ligera y entretenimiento directo, pero se queda corta en otros aspectos. Su presupuesto limitado justifica parte de sus carencias técnicas, pero no la falta de ambición narrativa. La cinta evita reflexionar sobre el trasfondo histórico o profundizar en la psicología de los personajes, quedándose en una superficie plana y predecible. En definitiva, aporta un nuevo monstruo al imaginario del género, pero no una voz propia que la distinga más allá de su estética.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Orang Ikan. Duración: 123 min. País: Singapur. Dirección: Mike Wiluan. Guion: Mike Wiluan. Música: Akihiko Matsumoto. Fotografía: Asep Kalila. Reparto principal: Dean Fujioka, Callum Woodhouse. Producción: Gorylah Pictures, Infinite Studios, SC Films Internationa, Tigon Pictures, Yaman Films, Zao Wei Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial:https://scfilmsinternational.com/current-films-live-action-titles/orang-ikan/
Sin duda de las películas más esperadas del año, lleva anunciándose bastante y en nuestro caso, gracias al Festival de Sitges y Filmin, hemos tenido la oportunidad de poder verla con antelación. ‘Good boy’ es simple, un perro que ve como un montón de fantasmas acechan a su querido dueño, el cual, está bastante enfermo.
Ya sabéis que es muy típico hacer cintas donde te enseñan que los niños son super sensibles y son capaces de observar a entes que nosotros los adultos no podemos ver. Pero esto, también se ha dicho siempre de los animales y es aquí donde Indy, el gran protagonista de la cinta, nos enseña que es real.
La película es cortita, lo suficiente para no llegar a cansar y también para darnos una buena historia de fantasmas con muchos recursos baratos, como es la falta de luz y los juegos con las sombras. Muy bien utilizados, algo que se agradece y que además logra crear una gran realidad. Eso, junto a la gran actuación de Indy, hace que ‘Good boy’ sea una buena película de terror.
Ben Loenberg y su compañero de vida
El director ya ha contado en varias entrevistas que tardó más de 3 años en rodar la cinta ya que al final solo contaba con su compañero como protagonista. Y es que, cuando hay animales en rodaje, normalmente tienen dos o tres que se parecen entre sí, para que estos no sufran agotamiento. Así que en vez de buscarse varios, simplemente alargó su proyecto y así Indy pudo tener sus descansos y por supuesto ser el gran protagonista junto a su dueño.
Ben Loenberg juega muy bien con Indy y aunque no es actor, trabaja bastante bien. Tampoco es un papel difícil y nunca se muestra su cara. Así que eso también ayuda bastante. Además que con este juego, nos fijamos más en los sentimientos de Indy que en los del humano.
Indy sufre durante toda la película por las terribles fuerzas fantasmales que les persiguen a el y a su dueño. Pero también le vemos mal por culpa de éste. Con una enfermedad incurable que no está llevando nada bien. Todo se le ha venido encima y no trata de la mejor manera a su mejor amigo. Algo que hace que lo pasemos mal mientras vemos la cinta. Sin duda coges bastante manía a Todd, el dueño y simplemente quieres que Indy pueda salir de esa situación.
Nivel técnico de la película
‘Good boy’ es una cinta rodada de manera sencilla, sin demasiados abalorios y jugando mucho con las luces y las sombras. Todo ello muy buscado y bien hecho, porque son recursos que funcionan. Consiguen el susto y el mal rato. Además, otro de los protagonistas es la casa. Esa enorme estancia llena de recovecos oscuros, con unos grandes ventanales en las que siempre parece haber algo.
La fotografía oscura y poco clara, logra darnos esa sensación de claustrofobia que también siente Indy, el cual sale poco debido a la situación de su dueño.
‘Good boy’ llega a nuestras salas de cine gracias a Filmin y solo puedo decir, que os acerquéis y la disfrutéis. Y que por favor, a Indy, le den todos los premios que le tengan que dar que está estupendo.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2025. Título original: Good Boy. Duración: 72 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ben Leonberg. Guion: Ben Leonberg, Alex Cannon. Música: Sam Boase-Miller. Fotografía: Ben Leonberg. Reparto principal: Shane Jensen, Arielle Friedman, Larry Fessenden, Stuart Rudin. Producción: What’s Wrong With Your Dog. Distribución: Filmin. Género: Terror. Web oficial: https://www.goodboy.movie/
Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.
Crítica
Terror, belleza visual y memoria histórica que no caerá nunca en el olvido de la noche de los tiempos
Paul Urkijo Alijo regresa con su apuesta por el cine fantástico hecho dentro de nuestras fronteras y con su gran labor de inmortalizar en los medos modernos aquellas historias tradicionales del País Vasco que podrían caer en el olvido. Y lo hace partiendo de lo que ha demostrado que domina a la perfección: el diálogo entre lo mitológico, lo histórico y lo oscuro.
Siempre ha arrancado sus narraciones con una escena potente y en esta ocasión no hace menos. Al igual que en ‘Errementari’ dispone de una animación que narra un relato antiguo, poniendo los pelos de punta, rememorando cuentos populares, generando escalofríos. Esa atmósfera narrada, esa voz que arranca desde la tradición oral, es el primer acierto de este filme que nos marca el camino hacia un viaje por cuentos y terrores muy vinculados con la naturaleza, lo ancestral y por supuesto lo oculto en las sombras de la noche y el olvido impuesto por las nuevas religiones.
Aunque no se trata de una antología, ‘Gaua’ funciona como un mosaico: muchas historias vividas o sus sombras en la España del pasado laten tras los cuentos que se cuentan entre mujeres junto al río o en el bosque. Kattalin, la protagonista que huye de su marido en plena caza de brujas del siglo XVII, se topa con tres mujeres que lavan la ropa, comparten supersticiones, cuentos escalofriantes y habladurías populares. Poco a poco, lo que parecía relatos ajenos se vuelve personal: ella misma será protagonista de esas historias. Su historia es la de tantas mujeres que sufrieron persecuciones y maltratos injustos. Con esto y con su frase final, ‘Gaua’ carga contra todo aquello que ha creado estigmas o ha arruinado vidas: el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. El film no se limita a asustar o a impactarnos visualmente, reclama memoria, reparación simbólica, denuncia.
El vestuario de época es impresionante: cada prenda, cada textura, cada corte parece hallada en documentos o recreaciones del siglo XVII y convive con vivacidad con las escenas oscuras. Se respira autenticidad, incluso cuando la fantasía va filtrándose. La iluminación está muy bien trabajada, especialmente porque transcurre casi siempre de noche: Urkijo ya ha mostrado destreza en escenas oscuras en ‘Errementari’ o ‘Irati’. Aquí, la oscuridad no es escusa sino materia prima: sombras que devoran, luces de fuego, antorchas, reflejos de luna, las confusas sombras del bosque. La fotografía no tiene nada que envidiar a la de Robert Eggers: hay momentos de una belleza visual apabullante, casi pictórica, que se cruzan con escenas de terror puro, de esas que no se olvidan.
Además, uno reconoce elementos de la cultura vasca difundidos con cariño y conocimiento: la flor en la puerta de la casa de la protagonista (el Eguzkilore), el ser demoníaco contando contar garbanzos o maíz sin poder resistirse a ello, supersticiones rurales, leyendas pasadas de boca en boca hasta llegar al film. Esa textura cultural dota de riqueza al relato, de densidad. Urkijo no sólo está recreando un mundo histórico-fantástico: está recuperando voces acalladas, historias olvidadas. Si un servidor, nacido y criado en la provincia de Salamanca, ya reconoce esos pequeños y específicos elementos sin necesidad de explicación alguna es que Paul Urkijo está consiguiendo su encomiable objetivo.
‘Gaua’ termina siendo algo más que un film de terror o fantasía: es un acto de reivindicación, de reconciliación con la noche, con lo femenino, con lo mítico y lo humano. Para quienes aman el cine visualmente potente, con carga simbólica y con raíces culturales profundas, este film será de los que perduran. Con todos estos detalles cabe decir que Paul Urkijo Alijo es hoy por hoy el mayor exponente del folk horror en España.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Gaua. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Yune Nogueiras, Ane Gabarain, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xbi “Jabato” López, Erika Olaizola, Elena Uriz, Manex Fuchs, Elias García, Laura Iturregi. Producción: Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE, Vilaüt Films. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/gaua/307
En una invasión alienígena, Rita revive el mismo día, muriendo repetidamente mientras se vuelve guerrera. Descubre a Keiji, otro atrapado en el ciclo.
Crítica
Magnífica re-interpretación que aboga por vivir pese a entretener con la muerte
En el pasado los videojuegos eran secuenciales, con un solo sentido en la partida, pasos y ataques fijos y constantes para los enemigos y sin posibilidad de guardar partida, si te mataban volvías a empezar. Un claro ejemplo de ello es el ‘Dragon’s Lair’. Si querías ganar tenías que ir aprendiendo cada uno de los movimientos y situaciones que se te planteaba. Esa sensación de peligro y repetitividad es la que se traslada a la protagonista de esta historia que vive una y otra vez una invasión extraterrestre.
Con algunos cambios, principalmente en lo estético, ‘All you need is kill’ de Kenichiro Akimoto adapta el manga homónimo que en su día inspiró Al filo del mañana, la película protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt. En este futuro en el que arranca una la guerra contra una especie alienígena implacable, los humanos protagonistas han de convertir sus exoesqueletos de trabajo en unos de combate y ayudarse de sus vanguardistas gadgets.
La historia, como en el manga y el filme, gira en torno a un bucle temporal que obliga a su protagonista a revivir la misma batalla cada vez que muere. La diferencia aquí radica en el tono: lejos de resultar reiterativo o agotador, Akimoto logra dotar de ritmo y curiosidad a cada nuevo ciclo. La repetición se convierte en aprendizaje, y el aprendizaje en desesperación, pero también en humor. Hay momentos en los que morir se vuelve casi cómico, mientras que en otros el dramatismo se impone con crudeza.
El resultado es una obra de ciencia ficción bélica muy imaginativa, que equilibra acción y reflexión sin perder su espíritu de entretenimiento. Lo más destacable es su apartado visual: el dibujo de Akimoto es angular y vivo, con una paleta de colores intensa que recuerda más a la novela gráfica europea que al anime japonés. Las líneas duras y los trazos que esquivan las redondeces alejan a los personajes de los estereotipos estéticos del manga comercial, lo que les otorga una personalidad diferenciativa.
En lugar de apoyarse únicamente en la comedia o la acción, Akimoto desarrolla una historia sobre la resiliencia, la pérdida y la necesidad de encontrar sentido en la vida. En una historia en la que parece que lo importante es matar, el guión encuentra una manera de clamar por vivir con ganas cada nuevo día. Y al centrar la narración en la perspectiva femenina (la soldado que en ‘Al filo del mañana’ encarnó Emily Blunt), el relato adquiere un tono más emocional y empático. La guerra deja de ser una prueba heroica y se convierte en una experiencia íntima de resistencia.
‘All you need is kill’ es un ejercicio de fidelidad y justicia hacia el material original, pero también una reinterpretación visual y narrativa que profundiza en lo humano dentro de lo mecánico. Akimoto no solo adapta un manga; lo hace renacer.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: All you need is kill. Duración: 82 min. País: Japón. Dirección: Kenichiro Akimoto. Guion: Yûichirô Kido, Hiroshi Sakurazaka. Música: Yasuhiro Maeda, Akasaki. Reparto principal (doblaje original): Ai Mikami, Natsuki Hanae, Kana Hanazawa, Hiccorohee, Mo-junior. Producción: Studio4ºC. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://aynk-anime.com/
Mitos como Dante, Kaufman, Crampton y Band reciben sus justos aplausos del fandom
Hoy ha sido el día en el que nuestra niño y adolescente interior se han reencontrado. Hemos coincidido con Joe Dante (‘Gremlins’), Lloyd Kaufman (‘El vengador tóxico’) y BarbaraCrampton (actriz) y Richard Band (compositor) de ‘Re-animator’. Con todos ellos hemos tenido encuentros muy de cerca y podemos aseguraros que son francamente cercanos a pesar del gran legado que han dejado en el fantástico.
Lloyd Kaufman nos ha concedido una entrevista que podréis ver pronto en nuestro canal de Youtube. El artífice de las películas de la Troma además ha estado en un encuentro con fans. Hemos comprobado como las películas que ha hecho siempre son fiel reflejo de su personalidad. Es una persona que no sabe responder a una pregunta sin tener un chiste en la boca. Muy divertido, muy sensato y muy consciente de que hay que agradecer a todo lo que rodea al cine independiente y a festivales por dar voz a su cine. Es un un chorro de energía con patas. “Hago muchas bromas, pero de verdad estoy agradecido al festival y a Angel Sala por estar aquí” dijo en varias ocasiones. “La comedia es subjetiva, lo que hace gracia en California a lo mejor no hace gracia en España” comentó. “El vengador es una re-imaginación a la que el público general le puso las pilas. Pero ahora surgen talentos de la escuela de la Troma como James Gunn, quien ha hecho historia. Hacía mis películas y ahora tiene su estudio, hace ‘Superman’…” dijo orgulloso. Sus películas se han basado siempre en usar efectos prácticos y le preguntaron al respecto: “el CGI o la IA son grandes herramientas. Si te gustan… Hay quienes van a los Oscar diciendo, “no usen IA” (con tono burlón). El punto es, que no quieren competencia. Creo en la mezcla de ambas técnicas”. Ya fuera de micro Kaufman nos ha contado que tiene o tuvo un acuerdo con Santiago Segura para rodar una película de El Vengador Tóxico.
Por otro lado hemos estado en otro encuentro con público con Joe Dante, podéis encontrar algunos fragmentos en los shorts de nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Recibió preguntas sobre si tenía futuros proyectos, reiterando qeu está retirado. Evidentemente surgió la pregunta ¿qué pasa con Gremlins? Pero el tema se derivó más hacia las nuevas tecnologías que hacia una tercera entrega o a la bastante ignorada serie de HBO: «normalmente me preguntan por la 3. El tema de la IA para recrear gremlins es interesante. Se está usando bastante en política y anuncios. Puedes hacer una película entera en unos días con un ordenador. Es el futuro» atajó. Cabe señalar que previamente, en su primera declaración, se declaró en contra de Trump y todo el tema del Nobel de la Paz. Durante la charla se habló de ‘The ‘Burbs’ y su relación con , su live action con los Looney Tunes, de las lecciones que extrajo en su época con Roger Corman, de cómo contribuyó a la serie ‘Police squad’ de la cual surgió ‘Agárralo como puedas’. Y quizá ahí llegó la declaración más dolorosa o llamativa, rechazó en su día dirigir ‘Airplane’, conocida en España como ‘Aterriza como puedas’.
Sin duda una de las películas que más esperaba de este Sitges Festival y por supuesto de este año y qué deciros, que me ha gustado. Es una cinta que no da para mucho, de ahí su duración y sin duda la estrella es Indy, ese perro que ve presencias y que solo quiere intentar alejarlas de su dueño.
La cinta está bien dirigida, además juega muy bien con el entorno, una casa vieja llena de recovecos y con un montón de materiales por todos lados capaces de crear infinidad de sombras. Además, como digo, está Indy, este perro es una maravilla y es que actúa muy bien. Para ello han contado con más de 3 años de rodaje para que el animal pudiese tener sus descansos y poder sacar lo mejor de él como actor y es que Indy es el compañero del propio director y por supuesto nadie quería que sufriese estrés.
‘Good Boy’ os va a gustar si no esperáis demasiado de ella y disfrutáis con una buena dosis de tensión y algún susto que otro.
Qué maravilla y que locurón. Un slasher en el que el asesino es un chimpancé que pertenecía a una familia. La rabia siempre ha sido protagonista de muchas películas y aquí la vemos más desatada que nunca. Increíble cinta llena de violencia y muertes salvajes. Con unos increíbles efectos especiales. El mono es una pasada, está súper bien hecho.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido que la película dura muy poquito y aún así va al grano. Con una leve presentación de personajes, lo suficiente para que los conozcas un poquito y no les cojas demasiado cariño, después de esto, preparaos para la fiesta. Sin duda una de las grandes sorpresas del festival y ya os digo, sorpresa de 2026 pues llega a cines en enero gracias a Paramount Pictures.
‘Rabbit Trap’, dirigida por Bryn Chainey, se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, supone un giro extraño en su carrera tras ‘Monkey Man’ y sus colaboraciones con Wes Anderson. Aquí encarna a un obsesivo del sonido que, junto a Rosy McEwen (magnética y con un aire a Nicole Kidman) explora grabaciones que van más allá del ASMR hasta rozar lo ancestral.
El filme combina folk horror, psicofonías, traumas y rituales, con imágenes hipnóticas donde las ondas sonoras se funden con bandadas de pájaros. Sin embargo, el montaje confuso y el exceso de simbolismo dejan demasiadas preguntas abiertas, frustrando parte de su potencial.
Es un experimento visual y poético difícil de ignorar y también de aprobar que está más cerca del terror elevado que del folk horror. Arriesgada, críptica y perturbadora, confirma a McEwen como revelación y coloca a Patel en una de las etapas más desconcertantes de su carrera.
Después de liarla tras robar el oro de la peligrosa banda de criminales liderada por Sugarman, Tornado se ve envuelta en una terrible lucha de supervivencia. Cuando asesinan a su padre, ella intentará vengarse. ‘Tornado’ ha sido una grata sorpresa. No me esperaba mucho de este western y la verdad que está muy bien dirigido. Con un reparto lleno de estrellas, Tim Roth, Takehiro Hira, Jack Loeden o Rory McCann. La película es ágil y tiene unas imágenes bastante intensas.
John Maclean, director y guionista de la cinta, nos muestra que a día de hoy se pueden hacer buenas películas sin mucha complicación. En la fotografía encontramos a Robbie Ryan, encargado de darnos unas imágenes preciosas llenas de fuerza y con muchos detalles de los verdes bosques de Escocia, donde está ambientada la cinta. Un gran acierto al ser un lugar distinto con el que pueden jugar con la naturaleza que hay alrededor. ‘Tornado’ es una propuesta interesante y diferente.
‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es un film de animación chino que deslumbra por su calidad técnica: partículas, pelos, materiales y paisajes con un nivel casi hiperrealista. No obstante, los protagonistas tienen un acabado plástico que resta expresividad emocional.
La película propone una aventura con resonancias de Tintín, Indiana Jones o Lara Croft, combinando objetos mágicos, amistad, viajes y un componente de ciencia ficción gracias al viaje en el tiempo, evocador de ‘Prince of Persia’ o ‘Flash’.
El mayor acierto es su escala visual y la imaginación del guion; el mayor defecto, cierta rigidez expresiva en momentos importantes. En definitiva, una aventura cautivadora, visualmente sorprendente, para quienes valoran tanto la fantasía como la animación oriental.
‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, con momentos memorables, sobre todo para quienes disfrutan del Takashi Miike más emocional y menos inclinado al exceso grotesco. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles. Si te acercas con ese ánimo, puede funcionar. Pero sobre todo ten en cuenta que el filme parece hecho para un público muy fan y muy juvenil pues tiene varias escenas un tanto videoclipistas, enseñando cacho y sobretodo recreándose con el rostro de los protagonistas. De hecho, hay en el reparto varios idols como Gackt o Kaname Yoshizawa.
Sexo, violencia y cantidad ingentes de sangre es lo que vemos en las películas de la Troma. Cintas como ‘El Vengador Tóxico’ o ‘Tromeo y Julieta’ son parte de su catálogo. Cine independiente que necesita cierto presupuesto para poder seguir existiendo. De ahí está esta incursión a Cannes en busca de distribución para su último trabajo, ‘Return to Return to Nuke ‘Em High’’.
En el documental vemos cómo van poco a poco van liándola por la ciudad francesa mostrando cómo son ellos y su cine, con pancartas, su personaje de Toxie, su gente desnuda corriendo… Por supuesto todo en nombre del arte, algo que a la policía francesa no hizo nada de gracia. El documental es un poco queja de cómo se trata al cine independiente. Y también es una carta de amor hacia el trabajo de esta compañía.
Ikuto y Ryoma se conocen en un centro de detención juvenil y se convierten en mejores amigos. Ambos persiguen su sueño de participar en el evento de artes marciales Breaking Down. Sin embargo, las rivalidades pronto convierten sus sueños en conflictos inesperados.
Crítica
Cuando Miike se aleja del manga y se acerca el rollo idol malote
Takashi Miike lleva décadas sorprendiendo con géneros extremos, violencia estilizada, películas de horror, de crimen, experimentales… pero si te gusta Miike, vete olvidando de esta película, porque ‘Blazing Fists’ no es una de las suyas habituales. No es adaptación de manga, ni comedia absurda, ni fantasía hortera. Esta vez opta por algo distinto: un drama centrado en dos jóvenes guaperas que se conocen en un reformatorio y deciden entrar en un reality show de kickboxing / MMA. Esa premisa sugiere algo al estilo Street Fighter o Tekken. “Quiero ser tu freno” le dice una chica a uno de los protagonistas declarándole su amor y su intención de sacarle de la mala vida. Parece que este filme es un freno momentáneo a las locuras de Miike pues decide ir más por los derroteros de una historia sencilla en la que se tocan de soslayo temas como la culpa, la superación o los estigmas que se crea uno mismo o se heredan de los padres.
El sentido de la violencia y el espectáculo es auténtico. Cuando hay peleas, y sobre todo en la parte final, hay intensidad, edición certera, sonido que golpea. Miike demuestra que sigue sabiendo componer escenas de combate visual y callejero. Junto a eso están los temas de culpa y redención, presentes con cierta honestidad y se logra en puntuales momentos intensidad moral y drama real, no solo efectismo. Se supone que ese drama se ve cimentado con historias paralelas o ampliadas. Sin embargo, hay demasiadas digresiones, personajes secundarios que se olvidan largos tramos, momentos de ritmo lento, pausa que no conduce al conflicto evidente.
Se supone que estamos rodeados constantemente de tipos malos: el convencional, la banda callejera, los moteros que rozan la Yakuza… Pero los actores protagonistas, a priori parte de ese ambiente, no dan siempre la talla como calaña de la sociedadd. Eso sí, se esfuerzan durante las peleas, pero muchas veces sus conflictos internos o sus expresiones dramáticas no convencen del todo. Parecen estrellas de marketing, figuras atractivas más que personajes con peso. Esto se ve agravado por escenas que parecen hechas para público geográficamente joven, para culturizar idols.
A pesar de los recursos visuales y la violencia, ‘Blazing Fists’ tiene una identidad de género algo difusa: ¿es un drama, es un filme de deporte, es un coming-of-age, es un espectáculo de acción? A veces la mezcla funciona, otras veces confunde, y el clímax parece prometer algo más potente de lo que finalmente da. Hay tramos en los que uno desea que se decante por algo similar a ‘The Warriors’ y en otras ya prefieres que se incline por el drama carcelario tipo ‘En el nombre del padre’. Pero ni lo uno ni lo otro.
‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, hecha sobre todo para quienes disfrutan del Miike más emocional y volcado con los nuevos talentos. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Blazing Fists. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Yuya Aoki. Reparto principal: Gackt, Wataru Ichinose, Kaname Yoshizawa, Nobuaki Kaneko, Karuma, Konatsu Kato, Danhi Kinoshita, Mariko Shinoda, Katsunori Takahashi. Producción:Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://bluefight.jp/
El matrimonio de músicos compuesto por Daphne y Darcy Davenport se muda de Londres al campo galés para grabar un nuevo álbum. Accidentalmente graban un sonido místico, desconectándose lentamente de la realidad.
Crítica
El salto extraño de Dev Patel hacia el folk horror experimental
Muchos son los que se quieren sumar a la pequeña moda que existe dentro del terror que consiste en revivir o re-imaginar el folk horror. Pero algunos se pasan de rosca retorciendo el género o buscando darle otros significados. Ese es el caso de ‘Rabbit Trap’ la película dirigida por Bryn Chainey.
‘Rabbit Trap’ es una película que se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, el actor británico que parece atravesar una etapa singular en su carrera, el filme nos aleja de la épica de acción de ‘Monkey Man’ (su debut como director) y del estilo meticuloso que conoció en su colaboración con Wes Anderson, para adentrarnos en un terreno mucho más incómodo: el folk horror con tintes psicológicos y ritualistas.
Patel interpreta a un obsesivo del sonido, un hombre que junto a su compañera de experimentos (encarnada por Rosy McEwen) intenta ir más allá de la simple experiencia auditiva para la grabación de su próximo álbum. No se conforman con grabaciones propias de las modas del ASMR, sino que llevan sus obsesiones sin querer hasta un nivel que conecta con lo ancestral. McEwen, cuya expresividad y gestualidad recuerdan a Nicole Kidman en su juventud y en sus años de exploración dramática, aporta a la historia un equilibrio inquietante: es cómplice, musa y espejo distorsionado del protagonista. Su trabajo no se limita a ser una sombra secundaria, sino que brinda densidad emocional a los dilemas de la trama.
Uno de los aspectos más llamativos de la película son sus experimentos formales. Bryn Chainey convierte la experiencia sonora en un espectáculo visual: las ondas captadas en un osciloscopio se funden con la coreografía de bandadas de pájaros en el cielo. Es una apuesta arriesgada, casi hipnótica, que conecta con la idea de que los sonidos son también formas, vibraciones que hablan un lenguaje oculto. El campo, como escenario de grabaciones y rituales, se convierte en un territorio liminal donde lo cotidiano se pliega hacia lo espectral. Todo esto suena a excesivamente intrincado y el resultado es una especie de propuesta a medio camino entre el folk horror y el terror elevado.
‘Rabbit Trap’ se adentra en los territorios de la parálisis del sueño, las psicofonías y los traumas psicológicos. El filme bebe de tradiciones ritualistas y de saberes ancestrales para articular su metáfora central: la trampa de conejo. En esencia, ofrecer a la presa lo que más desea para capturarla, una imagen poderosa que sirve como brújula de los conflictos personales y colectivos que atraviesan a los protagonistas. Pero tanto el desarrollo como la conclusión dejan excesivos detalles a la interpretación y se ofrecen muy pocas respuestas que sean claras o explícitas. Para más inri el montaje resulta confuso en varios tramos, con transiciones abruptas que dejan la sensación de que solo el guionista podría desentrañar ciertos símbolos. La fuerza visual está ahí, cautivadora y ambiciosa, pero a menudo se topa con un hermetismo que frustra al espectador.
‘Rabbit Trap’ es un experimento cinematográfico que no teme perderse en sus propios laberintos. Para Dev Patel supone un giro extraño pero interesante, mientras que Rosy McEwen se confirma como una presencia magnética que equilibra lo caótico. Por otro lado, la tercera y única compañera de reparto, Jade Croot, consigue la mejor interpretación con un personaje que llega a cabrear hasta a los espectadores, siendo ese su cometido. Bryn Chainey entrega una obra imperfecta, a veces excesivamente críptica, pero con un pulso poético y perturbador que la hace tan difícil de ignorar como de aprobar.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Rabbit trap. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Bryn Chainey. Guion: Bryn Chainey. Música: Lucrecia Dalt. Fotografía: Andreas Johannessen. Reparto principal: Dev Patel, Rosy McEwen, Jade Croot. Producción: SpectreVision, Align, Bankside Films, Carte Blanche, Mad As Birds, Wiser Films. Distribución: por determinar. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.spectrevision.com/films/rabbit-trap
Un asesino frío y una alegre chica pescadora, unidos por la rueda misteriosa del tiempo, viven una aventura romántica donde el tiempo se detiene por su amor.
Crítica
Pese a su plasticidad es una aventura fantástica entrañable
‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es una película que deslumbra visualmente y propone una aventura clásica pero ambiciosa, que recuerda en sus mejores momentos a grandes éxitos del cine de animación reciente como ‘Ne Zha’ o ‘Deep Sea’. Matmitako Films posee los derechos del filme en España, lo que garantiza que el público hispanohablante asistirá a verla en cines o en plataformas.
Desde el primer fotograma, la calidad técnica impone: partículas, pelos, materiales, texturas y paisajes están tratados con un nivel impresionante. En muchos pasajes, el paisaje parece cobrar vida, las superficies reflejan la luz como si existieran de verdad. Sin embargo, hay un contrapunto evidente: los protagonistas, con su aspecto de figuras de plástico, muestran una plasticidad que roba naturalidad. Esta elección estilística, que podría entenderse como parte del encanto visual, termina reduciendo la expresividad en momentos emotivos, sobretodo teniendo en cuenta que esto también es un romance. Lo que pierde en gestualidad lo gana en estilo, pero no siempre el equilibrio se sostiene.
El guion toma elementos de aventuras clásicas para una protagonista tipo Tintín, Nathan Drake, Indiana Jones, Lara Croft… y los mezcla con historia de amor, objetos fantásticos y viajes. También con personajes extraños y ladrones que nosnrecuerdan a ‘LupinLa historia se enriquece con el factor de viajes en el tiempo, lo que abre posibilidades de juego narrativo interesantes como en ‘Prince of Persia’ o en algunas aventuras de ‘Flash’ y añade un motivo de tensión dramática más allá de lo meramente visual. Además, hay un guiño muy cinefilo al estilo de Cinema Paradiso, un amor al cine que atraviesa la película como un filigrana: la inocencia de los personajes jóvenes, la nostalgia por imágenes antiguas, el contraste entre lo cotidiano y lo mágico que venos en el celuloide.
En cuanto a ritmo y montaje, ‘Xana y el secreto del tiempo’ acierta en mantener el interés con escenas ágiles y graciosas. No obstante, la sobrecarga visual puede jugar en su contra: cuando los personajes parecen demasiado plásticos, se diluye algo del dinamismo emocional, pues cuesta empatizar plenamente en ciertas escenas de diálogo íntimo. El contraste entre lo espectacular y lo íntimo es fuerte, y la película se esfuerza por encontrar un punto medio.
‘Xana y el secreto del tiempo’ es una película de aventuras animadas que brilla por su impresionante factura técnica, por el ambicioso uso de los viajes en el tiempo y lo fantástico, y por su homenaje al cine clásico de amor y aventuras. Su gran logro está en lo visual y en la imaginación expansiva del guion. Su principal punto débil es la expresividad de los personajes, pues que en ocasiones el corazón de la historia se siente algo frío. Aun así, es una conquista notable y entretenida, recomendada para quienes aman la fantasía, la aventura y las imágenes poderosas. Evidentemente es un must para los que siguen de cerca a la creciente industria china de la animación.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Shi Jian Zhi Zi. Duración: 106 min. País: China. Dirección: Ao Yu, Zhou Tienan. Guion: Yicheng Shu, Ao Yu, Tienan Zhou. Música: Xie-Loussignian Yun. Reparto principal (doblaje original): Xiaoyu Liu, Karry Wang, Huang Bo. Producción: Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: Marmitako Films. Género: ciencia ficción.
Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre soltera. Su mundo se derrumbará el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.
Crítica
Un pornodrama que deja pétreo tanto a sus personajes como a espectadores
Con ‘Alpha’, Julia Ducournau confirma que su cine no teme al abismo ni a la incomodidad. Tras la desconcertante ‘Titane’, esta nueva película logra ser más coherente, más emocional y con un mensaje mucho mejor articulado. La directora francesa parece haber encontrado un equilibrio más sólido entre su body horror y lo simbólico: la historia de una epidemia que convierte la piel en mármol funciona como metáfora de la fragilidad humana, del miedo al contagio y la negación a despedirnos de seres queridos. Hay ecos de los años ochenta y noventa, de aquel cine que hablaba del VIH desde la confusión y la culpa, pero también de un presente que aún arrastra la sombra del COVID. En esa mezcla de paranoia y carne, ‘Alpha’ encuentra su tono más honesto.
Sin embargo, Ducournau no renuncia a su estilo excesivo. ‘Alpha’ es un pornodrama en toda regla: una avalancha de emociones, cuerpos y metáforas que a veces sobrepasa lo necesario. La película carga con tanto dramatismo y simbolismo que termina rozando el agotamiento sensorial. Su propuesta se mueve entre la crudeza quinqui y el lirismo filosófico, como si Eloy de la Iglesia se encontrara con Cronenberg en plena crisis sanitaria. Esa mezcla resulta fascinante, pero irregular. Hay momentos de brillantez genuina, otros en los que el peso del discurso ahoga a los personajes.
El reparto sostiene el pulso con una entrega admirable. Mélissa Boros aporta vulnerabilidad, Tahar Rahim desprende una energía autodestructiva magnética y Golshifteh Farahani brilla como la madre médica, aportando calma y compasión a un universo dominado por el miedo. Su presencia humaniza lo que podría haber sido un simple experimento visual. Visualmente, ‘Alpha’ es impactante: fotografía precisa, estética enfermiza, texturas casi táctiles. Cada plano parece esculpido en mármol. Pero, de nuevo, tanta perfección puede volverse fría.
‘Alpha’ es mejor que ‘Titane’, sin duda, porque logra dar forma a su mensaje. Pero sigue siendo una película que exige más de lo que ofrece emocionalmente y lleva hasta el agotamiento tanto a personajes como a espectadores. Una obra que se debate entre el caos y la reflexión, entre el melodrama y la metáfora. Hermosa, intensa, saturada y absolutamente personal. Un cine que se atreve a sentir demasiado… incluso cuando no sabe muy bien cómo decirlo.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Alpha. Duración: 128 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Tahar Rahim, Golshifteh Farahani, Mélissa Boros, Emma Mackey, Finnegan Oldfield. Producción: Mandarin & Compagnie, Kallouche Cinéma, Frakas Productions, France 3 Cinéma, RTBF, Proximus, BE TV. Distribución: Caramel Films, Youplanet. Género: suspense, drama. Web oficial:https://alphalefilm.fr/
Una fiesta en Polonia se convierte en pesadilla cuando un invitado llega armado con una ballesta y bloquea el sistema de seguridad. Los asistentes quedan atrapados en una noche que se transforma en una lucha por sobrevivir.
Crítica
Slasher europeo, estándar pero solvente
‘13 Days Till Summer’ es un filme europeo que se adentra en los esquemas más reconocibles del cine slasher adolescente: abusones, asesino enmascarado, muertes sangrientas, feromonas desbocadas, diversos sospechosos, personajes inutilizados en cuanto no disponen de su móvil… Pero lo hace con una energía diferente a la habitual y cierto pulso que Bartosz M. Kowalski no lograba en su obra anterior.
La trama arranca con Antek, un joven acosado en el instituto, marcado por la ausencia de su madre y una relación tensa con su hermana mayor Paula. Cuando ella decide organizar una fiesta en la casa de los padres, con sus amigos, todo apunta a una noche típica de jóvenes al borde del desfase. Pero pronto la celebración se vuelve pesadilla: desaparecen los smartphones, el sistema de seguridad inteligente que debiera protegerlos se vuelve en su contra, el asesino enmascarado emerge, y los jóvenes quedan atrapados en una casa que se convierte en un matadero.
Kowalski mejora respecto a su filme previo (‘Night silence’): la historia está más movida, con mayor kill count, menos pausas innecesarias. Su dirección fotográfica (la geografía interior de la casa, los pasillos, las ventanas, las puertas cerradas) funciona bien para generar tensión, y la máscara del asesino es uno de los puntos más fuertes: perturbadora, icónica, memorable. El diseño de la luz, los planos cerrados, los espacios confinados, todo contribuye al ambiente opresivo.
En el lado negativo, algunos personajes quedan demasiado al servicio del género. Las relaciones adolescentes, los celos, el triángulo amoroso, etc., se presentan sin demasiado matiz. Cuando los jóvenes dejan de tener acceso al móvil, su impotencia es clara, pero también algo predecible, ciertos diálogos suenan forzados, como si estuviesen ahí solo para marcar tensión o justificar sustos. El final puede pillar a más de uno desprevenido y a otros parecer excesivo.
‘13 Days Till Summer’ sobresale dentro de lo que promete ser, un slasher adolescente europeo. Kowalski ha elevado el nivel: más acción, más muertes, más ritmo. No reinventa el género, pero deja su impronta. Para fans del horror sangriento y los thrillers de invasión, este filme puede ser un hallazgo.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: 13 dni do wakacji. Duración: 80 min. País: Polonia. Dirección: Bartosz M. Kowalski. Guion: Bartosz M. Kowalski, Thor Magnusson, Mirella Zaradkiewicz. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Cezary Stolecki. Reparto principal:Producción: Akson Studio. Distribución: por determinar. Género: terror, slasher.
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Crítica
Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita
‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.
La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.
La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.
La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.
En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.
‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca
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