Basado en el videojuego homónimo de éxito mundial creado por KOTAKE CREATE. Un hombre atrapado en una interminable estación de metro se propone encontrar la Salida 8. Las reglas de su búsqueda son sencillas: no pasar por alto nada fuera de lo normal. Si descubre una anomalía, debe dar media vuelta inmediatamente. Si no es así, puede continuar. Cualquier descuido le enviará de vuelta al principio. ¿Conseguirá alcanzar su objetivo y escapar de este pasillo infinito?
Crítica
Del error en Matrix al terror japonés en una inquietante película
La adaptación cinematográfica de ‘The Exit 8’ supone un reto similar al que ya planteaba el videojuego original: trasladar a otro medio un walking simulator minimalista que, a pesar de su sencillez mecánica, atrapaba por la tensión psicológica y su atmósfera opresiva. El juego, disponible en múltiples plataformas, nos sumerge en un bucle aparentemente interminable que recrea con un hiperrealismo perturbador los pasillos de un metro japonés. Eso sí, con un curioso contraste: mientras la arquitectura está recreada con un nivel de detalle casi fotográfico, los personajes parecen sacados de un título de finales de los 90. La clave estaba en detectar y esquivar anomalías para encontrar la salida correcta, la ansiada salida 8.
La película entiende que la tensión del juego no radica en la acción frenética sino en la espera, la observación y el nerviosismo creciente. Esa sensación de inseguridad, de tener que desconfiar de lo cotidiano, ha sido trasladada con bastante acierto a la gran pantalla. Buena parte de ello se debe tanto al diseño de producción, que replica con mimo ese submundo subterráneo, como a la interpretación de Kazunari Ninomiya, a quien muchos reconocerán de los live action de Gantz. Su rostro transmite el desconcierto, la confusión y, poco a poco, el terror latente que impregna cada rincón del laberinto.
El filme se atreve a ir un paso más allá: mientras el videojuego ponía a prueba la memoria y la concentración, aquí se añaden elementos de terror psicológico y jump scares que aportan variedad y dinamismo. Además, introduce anomalías nuevas que no estaban en el material original, lo que convierte la experiencia en algo novedoso incluso para quienes ya han exprimido el juego hasta el final. En paralelo, se expande el lore, ofreciendo pistas de un trasfondo que en el videojuego era completamente inexistente.
Uno de los mayores añadidos es una trama personal para el protagonista, algo ausente en la obra base que ni siquiera te pone en precedentes. Esa historia dota de mayor peso dramático al viaje, planteando una moraleja vinculada a la superación y al miedo al cambio. El laberinto pasa así a ser metáfora de un estado de shock del que el personaje no logra escapar, pero también una lectura más amplia sobre las rutinas asfixiantes de las grandes ciudades como Tokio, que pueden terminar anulando la identidad individual.
Dado el funcionamiento del juego era casi obligado que la película estuviese rodada con largos planos secuencia. No es un filme que se haya rodado en una sola toma, de hecho, tiene bastantes cortes y trucos, pero está lograda la sensación de continuidad que nos sumerge en el bucle. La escenografía calca a la que vemos frente a la pantalla del ordenador y dan ganas de hacerse con la versión jugable con gafas VR.
‘Exit 8’ no se limita a ser una copia literal del videojuego: lo amplifica, lo reinterpreta y lo enriquece. Si bien el metro real de Japón no es tan laberíntico como su propio mapa hace parecer, la cinta aprovecha esa sensación de desorientación para convertirse en una alegoría sobre la importancia de los detalles, sobre cómo nuestras decisiones, por nimias que parezcan, pueden definir el rumbo de nuestra vida. No es casual que el filme juegue con ecos de ‘Matrix’, recordando aquella célebre frase que se refería a los déjà vu como fallos en el sistema. Al final, la película funciona tanto para los jugadores que disfrutan con los retos de observación (como si de un “encuentra las siete diferencias” enfermizo se tratara) como para los espectadores que buscan un relato desconcertante, cargado de atmósfera y con más lecturas de las que se aprecian a simple vista.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: 8-ban deguchi. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Genki Kawamura. Guion: Genki Kawamura, Hirase Kentaro. Música: Shouhei Amimori. Fotografía: Keisuke Imamura. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Kotone Hanase, Nana Komatsu. Producción: AOI Promotion, Story, Toho. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, suspense, adaptación. Web oficial:https://exit8-movie.toho.co.jp/
Nuevas estrellas y grandes premiados han presentado hoy sus películas
El día de hoy ha arrancado con un maestro como Park Chan-wook y su nuevo trabajo, ‘No other choice’ (crítica aquí). Pero también con estrellas emergentes como el trío formado por Peter Cilella, Justin Benson y Aaron Moorhead que presentan ‘Descendent’ o los artífices de ‘Luger’, la nueva comedia de acción española. También ha llegado al festival a presentar ‘Bulk’ el director Ben Wheatley, autor también de ‘Megalodón 2’.
Wheatley defendió la diversidad de escalas de producción y dijo que le gusta trabajar con presupuestos variados: “No creo que haya un buen filme con más dinero o un mal filme con menos dinero”. El director ha recibido el Premio Màquina del Temps y reconoció que “me gusta la ciencia ficción de los 60, la franquicia de Marvel o jugar a videojuegos. Me lo paso bien con todo”.
‘Descendent’ es el debut como director de Peter Cilella, habitual en los filmes de Justin Benson y Aaron Moorhead, quienes también producen junto a Mark Ward (‘Hatchet’). La película se centra en Sean Bruner, un vigilante escolar atrapado entre la frustración laboral y la inminente paternidad. Tras un misterioso encuentro con una luz en el cielo, comienza a sufrir visiones, desarrolla un oído extraordinario y una inesperada habilidad para la pintura.
El planteamiento evita clichés: no seguimos a un profesor o alumno, sino a un trabajador común que enfrenta el miedo de repetir el trágico destino de su padre. El filme combina ciencia ficción, drama y thriller psicológico para explorar la herencia del trauma y la sombra del suicidio como amenaza intergeneracional.
Con ritmo pausado y un uso ambiguo de lo visual y sonoro, ‘Descendent’ propone una experiencia inquietante más cercana a la reflexión existencial que al espectáculo alienígena.
Si el año pasado ya sufrimos con los ancianos en ‘La ley de Penny Lane’, este año nos adentramos en un asilo un tanto peculiar. Una pequeña urbanización llena de fiestas y muy buen rollo
Aquí es donde entra nuestro protagonista después de varios avisos por parte de la policía de terminar en la cárcel. Su padre consigue que le dejen hacer trabajos sociales y así poder redimirse.
Pero, no todo es lo que parece en este lugar “feliz” y es que como todos los lugares tienen un gran secreto y esto ocurre en la cuarta planta, donde no todo es tan divertido como debería. A partir de este momento la vida de Max comienza a parecer una verdadera pesadilla.
‘The home’ es bastante entretenida, tiene una premisa interesante y el giro es bastante curioso. Además, cuando se pone rara es cuando más divertida es.
Comedia negra con corazón, donde un hombre despedido tras décadas de servicio se convierte en un villano torpe y desesperado, decidido a eliminar a su competencia laboral. Con esto ya os puedo adelantar que la ambigüedad moral y la comedia negra se acerca a ‘Breaking Bad’. Lee Byung-hun destaca al mostrar esa mezcla de solemnidad casi imponente (a lo Mads Mikkelsen) y torpeza absurda, mientras Son Ye-jin aporta al filme la tensión emocional: su madre/esposa funciona casi como brújula moral entre la sospecha y la complicidad. El enredo recuerda al estilo de Woody Allen, con entrevistas de trabajo que se vuelven rituales, malentendidos, e incluso humor slapstick, pero el suspense late fuerte bajo la superficie. El tema social es doloroso: la presión de mantener el empleo, el miedo de perderlo, la autoexigencia, temas que en Asia se reflejan también en alarmantes tasas de suicidio laboral. Quizá la película habría ganado fuerza si fuera algo más breve, concentrada, pero su ambición la convierte en uno de los trabajos más juguetones de Park Chan-wook.
Ai, una joven estudiante japonesa, comienza a observar comportamientos extraños de sus compañeros de clase. Tanto los alumnos como los profesores se convierten en una especie de secta que hace que las rutinas de gimnasia, se conviertan en una gran pesadilla.
Junji Ito, podría ser la mente pensante de esta locura. Tenemos una pirámide humana gigante moviéndose por todos lados, gente haciendo figuras intentando atrapar a quien no piensa como ellos.
Al final es una gran metáfora de la falta de individualismo que tiene últimamente nuestra sociedad. Donde no hay nada original y todo el mundo termina haciendo lo mismo. Ya sea por modas o simplemente no quedarse atrás o ser un marginado. La película está entretenida, aunque la esperaba algo más sangrienta.
Después de estar desempleado durante varios años, un hombre diseña un plan único para conseguir un nuevo trabajo: eliminar a su competencia.
Crítica
Posee el dramatismo y la moral ambigua cómicamente negra de obras como ‘Breaking Bad’
Park Chan-wook regresa al largometraje tras tres años de su último estreno cinematográfico y nos entrega una sátira oscura que combina humor, suspense y tragedia ligera. ‘No other choice’ parte de una premisa a la que estamos acostumbrados en España pero que en Corea es prácticamente un infortunio y una vergüenza: Man-su (Lee Byung-hun), veterano trabajador de una fábrica de papel, es despedido luego de 25 años de fidelidad. Para una persona de su edad eso supone una crisis similar a la de los cuarenta y coloca su dignidad, su masculinidad, su rol como padre de familia en riesgo.
El protagonista de esta historia se convierte a la desesperada en un villano improvisado. Man-su no es un malvado clásico, ni un antihéroe puro, sino algo más complejo: es el villano torpe que, en su ingenio desesperado, traza un plan para eliminar la competencia en entrevistas de trabajo. Sus tropiezos físicos, sus equivocaciones, su ingenuidad criminal lo acercan más a una figura tragicómica que a un asesino frío. Lee Byung-hun lo interpreta con una vis comica facial que impone, similar en esto al carácter estirado de Mads Mikkelsen, pero con momentos de torpeza tan exagerados que provocan risa, sin quitar que el personaje posee también una desesperación real.
El tono recuerda en ciertos pasajes al Woody Allen de “comedia de enredos” y criminales, donde entrevistas, encuentros absurdos y diálogos sobre la identidad laboral se suceden con rapidez e ironía. Pero Park lo mezcla con suspense: el humor no está reñido con la tensión, con el miedo de no encontrar empleo, con la angustia social. Esa fusión funciona, aunque se nota que, si la película hubiese sido más corta, habría mantenido un ritmo aún más afilado. Hay secuencias que se sienten repetitivas o cuya acción alargada es poco necesaria para el avance del conflicto.
Son Ye-jin interpreta a Mi-ri, esposa de Man-su, madre que flota entre la sospecha y la complicidad. Ella capta el suspense: sabe más de lo que admite; su mirada, su paciencia, su equilibro entre sostener la familia y dudar de lo que hace su marido suman tensión. En muchos momentos ella parece ser el centro moral oculto, o al menos el pivote más humano. La película acierta al darle ese espacio, porque acaba siendo el personaje más interesante.
El film no se limita a la comedia negra y pudiera ser que debajo lata una denuncia social potente. En Asia (y en otros lugares), la presión de mantener el empleo, de no fallar, de sostener a la familia puede llegar a ser devastadora. Se sabe que allí los índices de suicidio relacionados con la pérdida de empleo o el miedo de perderlo crecen, ya pudimos verlo en ‘El juego del calamar’. Y ‘No Other Choice’ pone esa ansiedad en primer plano. Man-su no quiere solo volver al trabajo: espera que los entrevistadores no tengan otra opción que elegirlo a él, una metáfora de lo desesperado de su situación económica, social y emocional. Esa presión de “no hay alternativa” es lo que le da su título todo el peso dramático: no solo habla de su lucha personal, sino de un mecanismo de opresión laboral, donde muchas personas sienten que no hay otra opción.
‘No Other Choice’ es una obra que tenía posibilidades y no es que fracase, pero si podría haber sembrado más debate de haber sido más corta o ahondar más en el drama social que expone. Mantiene al espectador en esa franja incómoda entre la identificación y la repulsión, entre la risa y el nudo en la garganta. Si final posee esa moral ambigua que hace difícil saber si estamos ante un villano o una víctima, como sucedía a veces en ‘Breaking Bad’.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de febrero de 2026. Título original: Eojjeolsuga eobsda. Duración: 139 min. País: Corea del Sur. Dirección: Park Chan-wook. Guion: Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi, Jahye Lee. Música: Young-wuk Cho. Fotografía: Kim Woo-hyung. Reparto principal: Lee Byung Hun, Son Yejin, Park Hee Soon, Lee Sung Min, Yeom Hye Ran, Cha Seung Won. Producción: CJ ENM Co., CJ Entertainment, Moho Film. Distribución: MUBI. Género: comedia, drama, suspense. Web oficial: https://mubi.com/es/es/films/no-other-choice
Un guardia escolar de LA, marcado por una tragedia familiar, tiene visiones extrañas tras ver una luz misteriosa, y debe enfrentar sus demonios antes del parto de su esposa.
Crítica
Muy buena reflexión sobre como los traumas familiares pueden abducir tu presente
La ciencia ficción independiente sigue demostrando que, sin necesidad de grandes presupuestos, puede ofrecer relatos cargados de atmósfera, ideas y desasosiego. ‘Descendent’, dirigida por Peter Cilella (actor habitual en los filmes de Justin Benson y Aaron Moorhead), es un buen ejemlo de ello. La película cuenta con la producción de Mark Ward, responsable en su día de títulos de culto como ‘Hatchet’ o los documentales ‘Working with a Master’. También figuran en los créditos como productores ejecutivos los propios Benson y Moorhead, quienes han dado el salto al gran público con series como ‘Daredevil: Born Again’, ‘Loki’ o ‘Caballero Luna’, aunque siempre serán más recordados por sus obras personales que exploran viajes en el tiempo, paradojas y dimensiones alternativas. Con ese aval, muchos nos acercamos a este estreno con expectativas altas.
Lo que propone Cilella es un relato de encuentro en la tercera fase con tintes profundamente íntimos. El protagonista, Sean Bruner (Ross Marquand), es un vigilante de colegio que vive una doble crisis: el estancamiento laboral y el vértigo de ser padre primerizo junto a su esposa Andrea (Sarah Bolger). Esa elección del rol protagónico resulta refrescante; no estamos ante el enésimo profesor, alumno o director de instituto, sino ante un trabajador de base, alguien que observa desde fuera la vida escolar, y cuya rutina se ve sacudida por un extraño suceso. Una luz en el cielo, una caída en el trabajo y, a partir de ahí, el inicio de una transformación.
Sean comienza a sufrir visiones y pesadillas que parecen mezclar recuerdos traumáticos con experiencias alienígenas. De pronto desarrolla habilidades inusitadas: pinta con una maestría inesperada y su oído se vuelve extremadamente agudo. El misterio sobre qué es real y qué pertenece al terreno de la alucinación vertebra la película, pero el guion no se limita al suspense de ciencia ficción. Hay un poso dramático evidente: la sombra de la herencia familiar y la tendencia al suicidio que marcó a su padre. A lo largo del metraje se repite como un mantra la idea de que los hijos acaban por parecerse a los padres, tanto en gestos como en destino, y ese miedo impregna cada decisión del protagonista.
El filme avanza con un ritmo más contemplativo que trepidante, apoyándose en la ambigüedad visual y sonora para mantener la incertidumbre. El espectador, al igual que Sean, nunca sabe si lo que ocurre pertenece a lo sobrenatural o a la fractura psicológica de un hombre atenazado por la ansiedad y la herencia del trauma. Esa ambigüedad puede resultar frustrante para quien espere respuestas claras, pero es precisamente lo que convierte a ‘Descendent’ en una obra con eco: habla del miedo a la paternidad, del peso del pasado y de cómo los fantasmas personales pueden ser más aterradores que cualquier encuentro alienígena.
‘Descendent’ no es un espectáculo de ciencia ficción al uso, sino un thriller psicológico con tintes cósmicos que dialoga con las obsesiones temáticas de Benson y Moorhead, pero filtradas a través de la mirada de un debutante que ha sabido hacer de la vulnerabilidad y el miedo humano su motor narrativo.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Descendent. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Peter Cilella. Guion: Peter Cilella. Música: Tyler Strickland. Fotografía: Alexander Chinnici. Reparto principal: Ross Marquand, Sarah Bolger, Susan Wilder. Producción: Rustic Films. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.rustic.film/
Rafa y Toni son dos delincuentes de poca monta que trabajan para Ángela, una abogada de moral flexible que ofrece a sus clientes soluciones rápidas al margen de la ley. La historia se desarrolla a lo largo de un día frenético en un laberíntico polígono industrial, cuando son contratados para recuperar un coche robado para uno de esos clientes. En su maletero, encuentran una misteriosa caja fuerte que contiene una reliquia de la Segunda Guerra Mundial: una pistola Luger P08, muy codiciada por gente muy peligrosa del mundo del hampa.
Crítica
Cine de acción sin glamour, pero con carácter
‘Luger’, lo nuevo de Bruno Martín, se presenta como una bocanada de aire fresco para el cine de acción español, respirando no solo por su violencia cruda, sino por la química contagiosa de sus protagonistas. El productor de ‘Os Reviento’, éxito reciente de la acción en España, da aquí su salto a la dirección con un filme que homenajea los ochenta, los beat’em ups de recreativa o las buddy movies convertidas en enjambre de mamporros, traiciones y lealtades rotas. En ‘Luger’ los personajes centrales son dos matones que, palabras textuales «emiten fracturas, no facturas»: están interpretados por David Sanz con acento canario y descaro, y por Mario Mayo con chispa callejera. Con ellos se construye una dupla memorable, pareja tipo “el cerebro y el forzudo”, como si Shane Black hubiera hecho casting callejero en alguna barriada española. Entre ellos hay amor-odio, fricciones, risas y mamporros que suenan tan rotundos que casi te duelen.
Toda la acción sucede en un polígono industrial (el ficticio “Santos 117”), escenario perfecto para las luces duras, los espacios de hormigón vacíos de vida o llenos de chatarra, los callejones entre naves oxidadas y esa atmósfera industrial que recuerda a la estética de los primeros filmes de Tarantino o Guy Ritchie cuando el barrio y el hampa se encontraban con estilo. No hay concesiones al glamour; los golpes duelen, las heridas no pasan desapercibidas ni dejan a los protagonistas indemnes y únicamente manchados como Rambo tras la batalla. Eso hace que ‘Luger’ no sea solo espectáculo visual de puñetazos, sino algo que se vive en la piel: la violencia como materia narrativa, no sólo decorado.
El ritmo tiene momentos más rítmicos que frenéticos, pero Bruno Martín sabe cuándo bajar el puño para dejar respirar la tensión, mostrar la vulnerabilidad, dejar que los personajes sangren emocionalmente. Constantemente nos vienen a la mente películas del corte ‘Arma letal’ o ‘Dos buenos tipos’, es decir, a Shane Black le gustará esta película. Y eso es porque hay estilo, hay esa escuela, no hay plagio o copia barata. La película está repleta de ecos, pero cuenta con una identidad española que se cuela en la jerga, los modismos, los ambientes del barrio, de los que viven al margen, de hecho aquí todo es calaña, no hay ni un solo personaje benigno. Puede que no todo en el guion sorprenda pues algunas decisiones siguen trazas conocidas, pero en conjunto ‘Luger’ se alza como un thriller de acción contundente, con corazón, adrenalina, risas y dolor.
Quizá su mayor acierto sea no permitirse la frialdad que tantas películas del género sufren: los personajes importan, sus heridas pesan, su relación importa. Y aunque la trama no sale del polígono ni de esos ambientes ese enfoque resulta, paradójicamente, su fuerza: la geografía cerrada aumenta la claustrofobia, las traiciones se sienten más cerca, la violencia más cruda. El ejercicio de arraigo y personalidad calé es quizá cercano al que hizo Miguel Ángel Vivas con ‘Asedio’ y si estuviésemos hablando de cine francés esta película llevaría el título de ‘Los miserables’ o si fuese una producción estadounidense quizá estaríamos ante un ‘The tax collector’ o cualquier otra de David Ayer. ‘Luger’ no es perfecta, pero es una película de acción que recuerda por qué vemos estas pelis: para que nos golpeen, para que nos rían, para que amemos a nuestros inadaptados. Bruno Martín demuestra que conoce el género, lo respeta, y lo revuelve hasta hacerlo suyo.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Luger. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Bruno Martín. Guion: Bruno Martín, Santiago Taboada. Música: Levi Star. Fotografía: David Hebrero. Reparto principal: David Sainz, Mario Mayo, Ángel Acero, Ana Turpin, Ramiro Alonso, Bruno Martín, Mauricio Morales, Mónica Miranda, Daniel Ortiz, Kike Guaza, Roberto García, Mariví Carrillo, Javier Calleja, Ana Peregrina. Producción: La Dalia Films, The Go Betweeners, Far Seas Productions, Futurotel, BM, Labia.Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://lugerlapelicula.com/
Cumberbach recibe el Premio Máquina del Tiempo con una inconmensurable ovación
Emocionante el día de hoy es decir poco. Al margen de películas que hemos visto durante la jornada, cuyas mi-críticas tenéis en los párrafos tras la galería de fotos, hemos estado en compañía de gran talento francés y británico. Para empezar hemos acudido a la rueda de prensa sobre ‘El hombre menguante’, la nueva película que adapta la novela clásica. Para continuar hemos estado con un mítico actor francés como Dominique Pinon, presente en series actuales como ‘Outlander’ o ‘The walking dead’ y en clásicos como ‘Alien 4’ o ‘Amelie’. Y por último la gran estrella mediática del día Benedict Cumberbach acompañado del director de ‘Esa cosa con alas’.
En la presentación de ‘El hombre menguante’ contamos con su protagonista Jean Dujardin, su director Jan Kounen y su productor Alain Goldman. Todos remarcaron que esta película no es un remake de la película de Jack Arnold, sino una nueva adaptación de la novela de Richard Matheson. Pese a los avances de la época está hecha con efectos prácticos. Dujardin ha dicho al respecto que «le fue poco cómodo estar solo sin replicas de otros actores. Tuve que ser paciente y obedecer mucho. Nunca hubo araña o pelota de tenis como referencia, no diré que tenía para guiarme. Únicamente que la araña representa simbólicamente para mi los miedos, la angustia, las dificultades de la vida Pero en el rodaje no conté con nada de eso. Por su parte Kounen contó como contaron con la tecnología para rodar diferentes escalas del mismo espacio, pero todo desde lo práctico: «hemos hecho una película a la antigua, haciendo homenaje a Jack Arnold (soy gran fan de su obra) conectando con sus retos». Las referencias que el director tomó para inspirarse fueron «El naufrago o El planeta de los simios. Y la idea con el sonido era recordar que todo es muy grande, no él muy pequeño. Alexandre Desplat es un compositor al que le gusta proponer, íbamos en sintonía con el hilo que me presentó, intentando encajar con algo como los cuentos de Hans Christian Andersen» finalizó para transmitirnos cómo de sensorial es el filme.
Con Dominique Pinon revivimos películas míticas. En Sitges 2025 se proyectará ‘Delicatessen’ en 4k a si es que era ineludible tratarla en el encuentro que tuvimos con ellos: «fue una película diferente, loca. Y es que está llena de personajes locos. Fue la primera película para mucha gente, actores y técnicos. El sentimiento era el de estar en un rodaje especial. Desde el guion. Fue el primer proyecto que vi que contaba con storyboard». Sobre ‘Alien resurrection’: recibí la llamada de Jean-Pierre Jeunet, es lo primero que recuerdo siempre. Estaba por entonces en Francia en una obra de teatro. Me comentó que tenía algo para mí desde Hollywood, para Alien. Ok, muy bien. Con Sigourney Weaver. ¡¿Como?! Muy bien. Nunca pensé que un francés pudiese formar parte de una producción de ese tipo. Nunca imagine que pudiese ser yo». Y por supuesto le preguntamos por su participación en el live action de Mortadelo y Filemón: «fue divertido. fue difícil para mi por las frases en español y un trabalenguas que tenía que decir en catalán. Fesser me decía, que hablase más rápido siempre. Fesser es muy simpático y muy español. Había mucha gente amateur como Benito Pocino, que era un cartero de un pueblo catalán. Eso sumado a mis problemas de idioma… Fue muy divertido».
Benedict Cumberbatch y Dylan Southern protagonizaron el momento más multitudinario de la jornada. Vienen a presentar ‘Esa cosa con alas’, una adaptación de la novela de Max Porter sobre el duelo y el desconsuelo. Una obra que el director había leído hacía ya diez años y para cuya criatura realizada con prostéticos contó hasta cuatro artistas. El actor, que hace en el filme un gran trabajo de introspección ha señalado que «El duelo es una experiencia que forma parte de la naturaleza del ser humano. Y es importante poder hablar abiertamente de ello». La mayor ovación llegó cuando Cumberbatch finalizó su discurso sobre el arte declarando que «se trata de intentar hacer buen arte, no importa donde sea. Ya sea una obra de bajo presupuesto, ya sea algo de Hollywood». Poco antes de este encuentro el actor recibió el Premi Màquina del Temps. Pronto tendréis todo el encuentro subido en nuestro canal de Youtube.
‘Death of a Unicorn’
Un padre y una hija atropellan a un unicornio salvaje en su camino hacia una importante reunión con el jefe de una empresa farmacéutica. Lo que parecía un fin de semana de negocios se convierte en algo mucho peor.
‘Death of a unicorn’ no desfasa, pero sí que tiene las suficientes muertes macabras para divertir. Es como si fuese una película infantil pero que se les va de las manos. Lo digo, por la manera en la que está contada la cinta. Tenemos personajes un tanto tontos intentando cazar unicornios y realmente es como un pequeño cuento.
La película, como digo, es entretenida sin más, pero merece la pena su visionado ya solo por el diseño que tienen estas criaturas. El CGI, quizás a veces deja un poquito que desear. Supongo que esa es la razón para llevarla directamente a plataformas y no estrenarla en cines.
La ópera prima de Alex Scharfman es un divertimento simple con unas cuantas dosis de salvajes muertes que logra una mezcla un tanto peculiar.
Un documental que transita entre el documental real y el cine fantástico, haciendo que los directores de esta película se vean incluidos dentro de la propia trama de la cinta.
Es extraña y bastante curiosa, tiene sus altibajos y creo que es porque al final lo han alargado en exceso, pero no quita que sea un documental muy interesante. Además, podéis conocer ‘Arrebato’ y ver como estaba tan en paralelo con su propia realidad.
No conocía la figura de Iván Zulueta y una de las grandes cosas que hace ‘El último arrebato’ es devolvernos a este artista a la vida y lograr que veamos partes de ‘Arrebato’, su última película que se estreno en el cine Azul de Madrid el 9 de junio de 1980. Una cinta que sigue siendo uno de los grandes enigmas del cine español.
Marta Medina y Enrique López Lavigne son los encargados de dirigir este curioso documental y como digo, nos han devuelto a esta figura tan desconocida para muchos. Para mí conocer a uno de los grandes diseñadores de carteles del cine español ha sido una de las mejores cosas de ‘El último arrebato’. Los carteles de películas como ‘El Verdugo’, ‘Viridiana’, ‘Asignatura pendiente’ o ‘Matador’, salieron de su cabeza y sin duda es algo increíble.
Desde su arranque con una escena de body horror, ‘The Surrender’ de Julia Max marca el tono de una propuesta inquietante y visceral. Pronto queda claro que no se trata solo de terror físico, sino de un relato donde rituales, creencias y hechicería desafían tanto la ciencia como la cordura. Kate Burton interpreta a una madre que se aferra a prácticas homeopáticas y vudú para retrasar lo inevitable, mientras Colby Minifie encarna a una hija atrapada entre la lógica médica y la herencia de un mundo ancestral. El título juega con varios niveles: la resistencia filial, la negación materna ante la muerte y un giro que no puede desvelarse. Con ecos de Relic, la película combina drama familiar y terror metafísico, explorando el miedo a rendirse cuando un ser querido se transforma o desaparece. Julia Max firma un debut irregular pero poderoso, cargado de tensión y atmósfera malsana.
‘Together’, debut de Michael Shanks, se adentra en el body horror para explorar las relaciones de pareja desde lo grotesco y lo íntimo. La historia sigue a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja desgastada cuya mudanza al campo deriva en un proceso insólito: sus cuerpos empiezan a fusionarse. Lo que podría ser simple efecto visual se convierte en metáfora del miedo al compromiso, la pérdida de individualidad y el deseo de pertenecer por completo al otro. Shanks combina horror y ternura, incomodidad y lirismo, en un relato que recuerda que el amor puede ser refugio o prisión. Con un desenlace perturbador y abierto a múltiples lecturas, la película confirma el buen momento del género y supone un arriesgado y prometedor debut.
Nos vamos de campamento, donde chavales adolescentes pasan parte del verano. Todo esto puede ser maravilloso, pero también un infierno para ciertas personas que puedan sufrir algún caso de bullying. ‘La plaga’ es eso, esa manera de contagiarte y terminar siendo marginado por la sociedad. En este caso, esa sociedad son adolescentes a los que nadie guía y actúan como animales.
Lo de guiar, es que es tremendo como los monitores, profesores, pasan totalmente de todo, no se dan cuenta de nada. Y claro, esto es al final, bastante real y nos hace darnos cuenta de lo desprotegido que están muchas veces estos niños y que no tienen ciertas herramientas para salir de esto ellos solos. La película es muy buena, realmente me ha dejado un poco fría, porque me esperaba algún elemento fantástico, pero una vez ya sabiendo lo que he visto, admito que me ha gustado bastante y los chavales están de 10.
Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke, es una fábula fantástica sobre el duelo, la memoria y el olvido. Tras morir por una enfermedad causada por la contaminación, Nat regresa como espíritu en una aspiradora, obligando a su marido a convivir con el pasado de forma literal. La propuesta, de tono absurdo y poético, recuerda por momentos al humor surrealista de José Luis Cuerda o Quentin Dupieux, jugando con la delgada línea entre la risa y la melancolía.
Boonbunchachoke crea un universo en el que los objetos conservan emociones y los fantasmas representan tanto pérdidas personales como olvidos sociales. Sin embargo, la película peca de olvidarse de su propia vis cómica en su tramo central, volviéndose más contemplativa que divertida. Aun así, su originalidad visual y su delicado equilibrio entre lo íntimo y lo político la convierten en una de las propuestas más sugerentes del cine tailandés reciente.
En 1957 ya se hizo una versión de la novela de Richard Mathenson y tengo que decir que me parece maravillosa, tiene mucho ritmo y unos grandes efectos. Desde Francia, nos llega una nueva versión de la novela y al igual que la anterior, me ha gustado, de manera diferente, pero creo que es una gran adaptación.
La cinta nos cuenta como un hombre normal comienza a encoger después de un suceso extraño pero nada llamativo en el cielo. Día a día ve como su ropa le queda grande y como su mujer se va convirtiendo en una persona más alta. Con una premisa muy sencilla, la película nos trae una historia llena de filosofía y con un gran mensaje.
Si que es cierto que esta adaptación no tiene mucho ritmo, es una película pausada, pero creo que le viene de perlas con la novela de Mathenson, con su escritura que parece poesía y sus frases que dan tanto para pensar. Además el tema de efectos especiales está de maravilla, la mayoría de ellos son prácticos. Y por supuesto Jean Dujardin está muy bien, la película recae sobre sus hombros y lo aguanta con soltura.
‘Luger’, ópera prima en la dirección para Bruno Martín (productor de ‘Os Reviento’), es un thriller de acción puro y duro, inspirado en los buddy movies de los ochenta y las películas de directores como Tarantino o Guy Ritchie. En un único día, dos buscavidas, el astuto Rafa (David Sanz) y el fornido Toni (Mario Mayo), se ven envueltos en una misión que escala rápidamente en violencia cuando descubren una reliquia de la Segunda Guerra Mundial en un coche robado. La película transcurre únicamente en un polígono industrial, lo que ofrece variedad escénica pese a los límites del espacio, y cada golpe duele, cada herida deja huella que no se cura al instante como sucede con la mayoría de personajes de acción hollywoodienses.
Aquí no hay un personaje bondadoso, todo es calaña. La relación de amor-odio entre los dos protagonistas aporta calor humano, chistes constantes con referencias y ese descaro callejero que sorprende. Luger no evade la crudeza ni la convicción del género: los personajes están manchados de violencia, pero no de indiferencia. No es solo adrenalina, sino también lealtad, traición y redención. Una nueva pieza que consolida al cine de acción en España como algo más que fuegos artificiales: con pulso, corazón y puñetazos.
Me ha tenido intrigada y a la vez aburrida. Una cinta un tanto repetitiva y que la verdad hace que pierdas bastante el hilo. En la cinta encontramos un antiguo espía jubilado que comienza a sentir curiosidad por la mujer que está en la habitación de al lado.
Antes de seguir, admito que tengo un problema con el cine italiano y me cuesta entrar bastante, no se el por qué, pero me pasa a menudo. Siguiendo con esto, la película es bastante interesante, tira de varios recursos y otra cosa no, no para, tiene un ritmo vertiginoso. Que como he dicho, en mi caso, ha hecho perderme. No quiere decir que ‘Reflection in a dead Diamond’ sea mala ni mucho menos, simplemente no es mi tipo de cine. Como virtudes, su fotografía, es increíble, tiene unos decorados super cuidados y nada está puesto gratuitamente.
‘It Ends’, dirigida por Alex Ullom, es una de esas películas que, bajo la apariencia de un coming of age clásico, esconde una mirada más profunda sobre el tránsito a la madurez. Un grupo de jóvenes viaja por una carretera que parece no tener fin, símbolo de una generación que busca sentido en un mundo que se repite y se desgasta. Teniendo cerca el estreno de ‘La larga marcha’ recordará a muchos a historias de Stephen King. Lo sorprendente es que Ullom y su equipo, con apenas experiencia profesional y un presupuesto obtenido en partidas de póker online, logran una obra coherente, sensible y visualmente envolvente. Su tono contemplativo, su ritmo pausado y su sinceridad emocional le otorgan un peso inusual dentro del cine independiente reciente. ‘It Ends’ habla de lo que se pierde al crecer y de lo poco que entendemos sobre nosotros mismos mientras seguimos conduciendo hacia la nada. Un debut que, por madurez y ambición, merece ser escuchado.
Tras la trágica muerte de Nat a causa de la contaminación por polvo, su esposo March se ve consumido por el dolor. Pero su vida cotidiana da un vuelco cuando descubre que el espíritu de su mujer se ha reencarnado en una aspiradora. Por absurdo que parezca, su vínculo se reaviva, haciéndose más fuerte que nunca…
Crítica
Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke y ya podemos decir que estaremos pendientes de su segunda película. Es un filme que se propone explorar el dolor, la memoria y el olvido mediante una comedia negra fantástica que coquetea con lo absurdo, y que en muchos momentos nos ha hecho recordar a maestros del absurdo como José Luis Cuerda o Quentin Dupieux.
La historia parte de una premisa tan insólita como desgarradora: Nat muere víctima de una enfermedad respiratoria provocada por contaminación, y su esposo March queda sumido en el duelo. Cuando descubre que el espíritu de su mujer se ha reencarnado en una aspiradora doméstica, su vida cambia por completo. Aparentemente una idea de humor surrealista, pero bajo esa superficie late una reflexión sobre el olvido: la memoria de una persona querida, el miedo a ser olvidado, el modo en que los seres vivos y los objetos pueden retener o borrar rastros de lo que fue. También aparece otro fantasma, de un obrero muerto en la fábrica familiar, lo que introduce la idea de los olvidos colectivos, de las heridas que no cierran o que la sociedad prefiere ignorar.
Originalidad del planteamiento es innegable. La unión entre lo doméstico absurdo (una aspiradora poseída) y lo íntimo (el duelo, la culpa, el recuerdo) es potente, y permite jugar con tonos que van rondan sobretodo el humor chanante. Escenas de sexo con aspiradoras, combates entre electrodomésticos, poltergeists fabriles… Las situaciones son tan dispares durante la primera hora que no paras de reírte. A parte la ambientación y estética del film se apoya en un diseño visual cuidado y en la capacidad de generar cuadros que resultan inquietantes, poéticos o cómicamente espeluznantes según el momento. Solo el primer fotograma con personajes ya nos recuerda a las comedias manchegas de Cuerda.
Y tras todo esto hay metáfora social. Un fantásma útil no es sólo una historia personal y cómica, pues el fantasma de la fábrica recuerda que hay olvidos sociales (accidentes laborales, contaminación, responsabilidad colectiva) que están presentes, aunque se trate de barrerlos bajo la alfombra de manera que los ricos o poderosos queden impunes.
Pero hay algo que no termina de cuajar. Lo más claro es que el film padece de olvidarse de su propia vis cómica en algunos tramos. Cuando el absurdo alcanza su cúspide, se espera que el humor sostenga el peso y en ciertos momentos, la película se vuelve demasiado contemplativa, demasiado asfixiada por sus propias metáforas y dramas, perdiendo ese equilibro entre lo ridículo y lo profundo que prometía al inicio. Eso hace que la narrativa decaiga a ratos, especialmente en la parte central, donde el ritmo se relaja y algunas escenas se sienten redundantes. Eso si, el final es un apoteosis asegurado.
‘Un fantasma útil’ es una obra ambiciosa que merece atención por cómo mezcla lo fantástico con lo político, lo íntimo con lo colectivo, lo visual con lo simbólico. Su defecto principal es un cierto desbalance: promete delirios cómicos pero no siempre los sostiene. Aun así, cuando acierta, conmueve, provoca y arranca carcajadas. Porque al final lo que perdura es esa idea punzante: olvidar no es simplemente dejar de recordar, sino permitir que lo que fue deje de existir, incluso cuando pasada la garantía la aspiradora siga funcionando.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Phi Chidi Kha. Duración:130 min. País: Tailandia. Dirección: Ratchapoom Boonbunchachoke. Guion:Ratchapoom Boonbunchachoke. Música: Chaibovon Seelukwa. Fotografía:Pasit Tandaechanurat. Reparto principal: Davika Hoorne, Apasiri Nitibhon, Wanlop Rungkamjad, Wisarut Homhuan, Wisarut Himmarat. Producción:185 Films, Haut les Mains Productions, Mayana Films, Momo Film Co, Tsixtysix. Distribución:YouPlanet Pictures. Género:comedia, drama. Web oficial: https://185films.co/work/
Dave Franco (The Disaster Artist, Malditos Vecinos) y Alison Brie (Mad Men, Community) interpretan a una pareja en crisis que se muda al campo, donde descubren una cueva con una fuerza sobrenatural. Al beber de su agua, comienzan a sentir transformaciones físicas y emocionales. Una experiencia de body horror intensa e inquietante que critica la codependencia en las relaciones de pareja.
Crítica
Una metáfora magnífica
Cuando uno se acerca a ‘Together’, debut en el largometraje para Michael Shanks, es inevitable pensar en referentes recientes que exploran el horror corporal como metáfora. Confieso que entré a la sala con la idea de que iba a toparme con algo similar a ‘Dos’ de Mar Targarona, aquella producción española donde dos desconocidos despiertan cosidos por el abdomen y luchan desesperadamente por liberarse. También me vino a la mente ‘Else’, de Thibault Emin, un título mucho menos conocido pero tremendamente perturbador, en el que el protagonista experimentaba el aislamiento existencial al ser absorbido por un edificio y expulsado por el recto del mismo (no es invent). No obstante, aunque ‘Together’ comparte con ambas la explotación y reinvención del body horror, su moraleja es otra: aquí lo grotesco sirve para diseccionar los pliegues más íntimos de las relaciones de pareja.
El body horror es un subgénero complejo y, durante mucho tiempo, relegado a un rincón de culto reservado a los fans de Cronenberg o de experimentos más extremos del cine independiente. Sin embargo, producciones recientes como ‘La sustancia’ han demostrado que puede tener un eco comercial y crítico, abriendo la puerta al público general a películas como esta. El cuerpo mutando, deformándose o desbordándose de lo humano se convierte en un espejo aterrador, un recordatorio de que lo físico es inseparable de lo psicológico. En ‘Together’, esa fusión orgánica entre dos amantes no es simplemente un efecto visual: es la materialización de una ansiedad colectiva sobre el amor, la convivencia y la pérdida de individualidad.
El argumento nos presenta a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja que arrastra años de rutina y complicidades oxidadas. Su mudanza al campo parece un intento de recomponer lo que ya está resquebrajado. Pero la naturaleza (con un lago misterioso y una cueva que parece tragarse sus dudas) convierte su unión en un proceso irreversible: sus cuerpos comienzan a fundirse. Shanks construye a partir de ahí un relato que bascula entre lo íntimo y lo grotesco, entre la metáfora emocional y el espectáculo visual.
Lo fascinante de ‘Together’ es cómo utiliza la mutación para hablar del miedo al compromiso, del pánico a ser absorbido por el otro, de las crisis de ansiedad que nacen de relaciones estancadas. A la vez, plantea el otro extremo: el deseo profundo de pertenecer, de ser uno con la persona que se ama, incluso si eso significa desaparecer como individuo. El filme camina sobre esa paradoja con un pulso que mezcla horror y ternura, incomodidad y lirismo. Al fin y al cabo, ¿cuántas parejas no terminan funcionando como una sola entidad tras años de convivencia?
La película no ofrece respuestas fáciles ni moralejas simplistas, de hecho, plantea un enigma sobrenatural u ocultista de difícil intuición. Su cierre es tan perturbador como poético. No se trata de un “vivieron felices para siempre”, sino de otro tipo de conclusión que permite interpretaciones, con todas las implicaciones aterradoras que eso conlleva. Por supuesto todos coincidiremos en que el filme se proyecta para recordarnos que el amor puede ser un refugio, pero también una prisión invisible de la que no siempre hay escapatoria. Pero habrá quienes extraigan otras lecturas.
‘Together’ es un relato sobre el horror de sentirse atrapado en una relación infeliz y sobre la belleza y el peligro de entregarse sin reservas. Una obra que confirma que el body horror está viviendo una nueva juventud, donde las transformaciones físicas hablan de ansiedades sociales y emocionales con más verdad que cualquier melodrama convencional. Shanks debuta con una película incómoda y fascinante, destinada a quedarse en la memoria como una de las propuestas más arriesgadas y acertadas del 2025. Sin duda es una metáfora magnífica.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: Together. Duración: 102 min. País: Australia. Dirección: Michael Shanks. Guion: Michael Shanks. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Germain McMicking. Reparto principal: Alison Brie, Dave Franco. Producción: 1.21, 30West, Picturestart, Princess Pictures, Tango Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial:https://www.neonrated.com/film/together
Cuando el patriarca de la familia muere, una madre y una hija afligidas arriesgan sus vidas para llevar a cabo un brutal ritual de resurrección y resucitarlo de entre los muertos.
Crítica
Interesante mezcla entre terror ritual y drama familiar
Desde sus primeros minutos, ‘The Surrender’ se impone como una película incómoda, oscura, que no se anda con medias tintas: arranca con una escena de body horror inmediata, explícita, que remite a ‘La sustancia’. Pero rápidamente el relato se desnuda con sus pretensiones: esto no será solo terror físico ni una puesta en escena aséptica y deslumbrante, sino un filme que pone sobre la mesa ritos, creencias, hechicería, magia que desafía tanto a la ciencia como a las convenciones médicas.
La directora y guionista Julia Max construye una narrativa dual: por un lado, el duelo y la desesperación de una madre (interpretada por Kate Burton), ante la muerte inminente o real de su esposo; por otro, la enorme resistencia a aceptar lo inevitable, pasando por rituales ocultos y tratos con lo sobrenatural. La hija (Colby Minifie) vive ese choque generacional y emocional: ama, duda, teme, y se encuentra atrapada entre la lógica de la prohibición médica y las advertencias frente a algo ancestral, casi tribal, que su madre invoca con fe inquebrantable.
Es curioso que la madre se arranque mechones de pelo. No como desgaste psicológico cotidiano: este gesto se identifica más con lo ceremonial, lo ritual, lo mágico; un sacrificio del cuerpo como moneda de cambio con lo desconocido. Ese detalle hace inevitable comparar con la interpretación de Colby Minifie en ‘The Boys’, donde se arrancaba mechones por puro estrés extremo. Podría repetir perfectamente ese acto pues la película va de cómo la situación, el duelo y el pulso con su madre, llevan al límite a su personaje.
La película no evade el uso de prácticas como la homeopatía o rituales vudú, no para decorado exótico, sino como fuerzas reales dentro del universo narrativo. Es interesante cómo Max introduce estas creencias: como refugios frente al sufrimiento, pero también como trampas morales y emocionales. El espectador entiende que el empeño no consiste sólo en negar la muerte del marido y padres, sino, en cierto sentido, evitar rendirse ante algo más profundo: la culpa, la ausencia, la traición posible de sus propias convicciones.
El título, ‘The Surrender’, se desliza sobre al menos tres niveles de lectura. Primero y obvio, la resistencia de la hija frente al fanatismo maternal, la negativa a rendirse al influjo mágico o ceremonial. Segundo, la lucha interna de la madre por no rendirse ante la muerte de quien ha sido su polo emocional, rehusando aceptar que algo amado deje de existir tal como lo conocía. Y tercero no podría desvelarlo sin hacer spoilers. Lo que sí puedo decir es que con esos tres temas llega el miedo pues por un lado está el flirteo con los “trucos mágicos” y por otro el terror a darse por vencido con un ser querido.
¿El terror? Está ahí. No tanto en los jump scares fáciles, sino en la tensión que se genera cuando el realismo se agrieta: magia negra insinuada, rituales clandestinos, enfermedades incurables, espectros del dolor, la vieja fantasía de que lo oculto puede revertir lo irreversible. Y ese terror psicológico que nace del vínculo madre-hija enfermo, cargado de culpa, de expectativas, del dolor heredado. En ese sentido, ‘The Surrender’ recuerda inevitablemente a ‘Relic’ de Natalie Erika James, otra obra que mezcla el drama familiar con el horror metafísico, con el deterioro corporal o mental como manifestación externa del trauma interno.
Estéticamente, Julia Max acierta en los contrastes: una primera parte con luz, con silencio, tensión contenida; luego un tercer acto donde lo oscuro, lo grotesco, lo corporal, lo sobrenatural, todo se desborda. Los momentos de horror más gráfico funcionan, aunque hay instantes donde la película parece tambalearse: ¿cuándo permanecer fiel al drama filial y cuándo ceder al exceso de lo oculto? Hay desajustes de tono que podrían distraer, pero también le dan carácter. Es un debut fuerte, imperfecto, pero con voluntad, con ideas.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: The surrender. Duración: 90 min. País: Canadá. Dirección: Julia Max. Guion: Julia Max. Música: Alex Winker. Fotografía: Cailin Yatsko. Reparto principal: Colby Minifie, Kate Burton, Chelsea Alden. Producción: Codependent Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: ver en Amazon.
Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros
Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.
Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.
Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.
Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.
Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.
Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.
Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.
El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.
Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.
Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.
Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.
Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.
Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.
Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.
‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.
Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.
‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.
El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.
Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.
La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.
Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.
No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.
Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.
Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.
Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.
La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.
Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.
La tranquila vida de Amani como esposa y madre se hace añicos cuando su marido trae a casa a una segunda esposa, desatando misteriosas fuerzas oscuras en su hogar.
Crítica
Terror psicológico y cultura chocan en una propuesta potente pero imperfecta
‘The Vile’, dirigida por Majid Al Ansari, es una película de terror psicológico que mezcla lo sobrenatural con un drama íntimo para explorar el costo emocional de la poligamia cuando no hay consentimiento. La propuesta tiene muchas virtudes, pero también algunos tropiezos que impiden que sea plenamente memorable.
La trama sigue a Amani, madre y esposa, cuya vida se tambalea cuando su marido trae a casa una segunda mujer embarazada sin previo aviso. Mientras Amani lucha por mantener su rol en la familia y proteger su vínculo con la hija Noor, ocurren sucesos inquietantes que parecen apuntar a algo más oscuro que los celos o la traición.
Entre los aspectos más logrados está la construcción del ambiente: la casa se convierte en una jaula, los espacios se sienten opresivos y Al Ansari no teme combinar lo doméstico con lo perturbador aunque emplea recursos harto vistos ya en occidente. La atmósfera funciona, en gran parte gracias recursos como el montaje frenético, el split dipter o los juegos con luces y oscuridad que refuerzan la tensión.
Dentro de las interpretaciones cabe destacar la de la madre protagonista, Bdoor Mohammed. Aunque a veces muy acotada a cánones orientales y por ello sobreactuada, es la que logra transmitir con mayor efectividad el viaje que sufre su personaje, sobre todo demostrando vulnerabilidad, coraje y confusión emocional.
Sin embargo, ‘The Vile’ tiene debilidades. Algunas decisiones narrativas se sienten previsibles: el arranque del conflicto es potente, pero la resolución hacia el final peca de sobreactuada, como si quisiera cerrar todos los cabos en vez de dejar algunas preguntas en el aire. Eso le resta algo de sutileza a un filme que había construido tan bien la tensión gradual y que a veces parece que se niega a cerrar disponiendo de varias escenas que bien podrían haber servido de cierre.
También, aunque el enfoque cultural con la poligamia, los roles de género o la tradición es interesante y necesario, en ciertos momentos se queda en lo simbólico en lugar de ahondar más en las consecuencias reales, dejando alguna capa emocional un poco superficial. Aun así, el filme logra conmover y provocar reflexión, sobre todo en lo que respecta al empoderamiento personal y la identidad femenina frente a situaciones impuestas. Es muy valioso que estemos hablando de este tipo de temática teniendo en cuenta el país de producción.
‘The Vile’ no es perfecta y mucho menos no me parece tan premiable como se dice. Pero sí es ambiciosa, emocional y en algunos momentos efectiva. A quienes les guste el horror que no se queda solamente en sustos, sino que busca significado, este filme les ofrecerá un pequeño regalo. No alcanza a ser un clásico instantáneo del género, pero confirma a Majid Al Ansari como una voz importante en el cine de terror contemporáneo, especialmente en el contexto del cine árabe.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Hoba. Duración: 97 min. País: Emiratos Árabes. Dirección: Majid Al Ansari. Guion: Majid Al Ansari, Johnnie Alward. Música: Jerry Lane. Fotografía: Benjamin Kirk Nielsen. Reparto principal: Bdoor Mohammad, Sarah Taibah, Iman Tarik, Jasem Alkharraz, Samira Al Wahaibi. Producción: Imagenation Abu Dhabi FZ, Breakout Films, Breakout Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://www.imagenationabudhabi.com/
El hijo de un restaurante endeudado y una chica extranjera buscan a sus familiares mientras luchan juntos contra los criminales más despiadados del bajo mundo romano.
Crítica
Gabriele Mainetti firma un cruce audaz entre artes marciales y drama social
Gabriele Mainetti ha demostrado en cada paso de su carrera que no es un director conformista. Con ‘Le llamaban Jeeg Robot’ sorprendió al mundo fusionando la tradición del cómic con la marginalidad urbana, y con ‘Freaks Out’ consolidó un estilo que mezcla lo fantástico con lo humano más vulnerable. Ahora, con ‘La città proibita’, se adentra en un terreno todavía más arriesgado: el cine de artes marciales con aroma oriental, pero trasladado al corazón de una Roma en estrecha relación con la migración.
El resultado es una película imperfecta pero en algunos aspectos fascinante, que confirma la valentía de un cineasta que se atreve a ir más allá de lo que el cine italiano suele permitirse. Y lo demuestra con una secuencia inicial que marca territorio. La historia comienza en China, en pleno eco de la política del hijo único, que nos recuerda que apenas hace una década se levantó aquella restricción. Allí conocemos a dos hermanas cuya vida queda marcada por el secreto y la represión. Una de ellas acaba emigrando a Roma para buscar a su hermana perdida, iniciando un viaje que combina emoción, acción y denuncia social. El traslado de China a Italia se plasma en una escena poderosa, que no solo conecta culturas, sino que nos mete de lleno en el corazón de la trama: la migración, el desarraigo y la búsqueda de identidad.
Si algo convierte a ‘La città proibita’ en una experiencia memorable es su protagonista. Yaxi Liu, quien fue extra de acción en el live action de ‘Mulan’, interpreta con carisma y fuerza a un personaje que va más allá de ser una mujer en las redes de la trata de blancas. Es una experta en artes marciales que carga con heridas emocionales, con la memoria de una infancia marcada por la represión y con la determinación de no rendirse en un entorno hostil. Mainetti logra construir en ella a una verdadera heroína de acción para el cine europeo. Sus coreografías son espectaculares, sí, pero lo que hace que destaquen es que cada golpe tiene sentido narrativo. No pelea por espectáculo, sino por supervivencia, justicia y amor fraternal.
La película no oculta su vocación social. En Roma la protagonista se enfrenta a las mafias que se lucran con el tráfico de mujeres, los falsos mendigos y la explotación de extranjeros sin papeles. Mainetti sigue fiel a su mirada: dar voz a quienes normalmente son invisibles. Como ya hizo en ‘Freaks Out’, defiende a los marginados con sensibilidad, evitando caer en el sentimentalismo fácil, y aportando una pizca de humor socarrón que aligera la dureza del relato. Aunque se percibe un guiño a ‘Roman Holiday’ la Roma que muestra no es la postal turística, sino la de los barrios multiculturales, la de las calles donde conviven supervivencia y esperanza.
‘La città proibita’ es por eso una obra imperfecta pero emocionante, que demuestra que el cine italiano puede dialogar con géneros que parecían exclusivos de Hollywood o Asia. Es cierto que ‘La città proibita’ peca de ser demasiado larga. Con más de dos horas de metraje, acumula escenas ralentizan el ritmo. Pero incluso en esos momentos se aprecia la ambición de Mainetti: quiere mezclar acción, melodrama, crítica social y comedia, y aunque no siempre logre un equilibrio perfecto, lo hace con una pasión que se transmite en cada plano. Esa abundancia, lejos de ser un defecto grave, puede verse como un síntoma de su generosidad creativa. Aunque también es cierto que es de esos filmes donde podemos intuir el final.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: La cità proibita. Duración: 137 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Mainetti. Guion: Stefano Bises, Gabriele Mainetti, Davide Serino. Música: Fabio Amurri. Fotografía: Paolo Carnera. Reparto principal: Yaxi Liu, Enrico Borello, Sabrina Ferilli, Marco Giallini. Producción: Wildside, Goon Films, Vision Distribution, Netflix, Ministerio della Cultura. Distribución: por determinar. Género: acción, drama. Web oficial: https://wildside.it/en/movie/la-citta-proibita/
Dirigida por Mike Flanagan (La maldición de Hill House; Doctor Sueño) y protagonizada por Tom Hiddleston (Los Vengadores; Thor), La vida de Chuck cuenta una emocionante historia, narrada en orden inverso, sobre un hombre común cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo. A medida que la cinta retrocede, descubrimos fragmentos clave de su pasado: su trabajo, su amor por la música, y sus luchas personales. Un increíble relato que entrelaza elementos realistas con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.
Crítica
La vida está para vivirla y esto es lo que nos enseña Chuck
Cada vez que pienso en ‘La vida de Chuck’ más me gusta. Una película tan bonita, aterradora y que deja un poco de tranquilidad que simplemente, solo y únicamente la podía haber dirigido Mike Flanagan. Sin duda el director, es de los mejores en captar el lado más humano de las historias de Stephen King y es que aquí lo borda.
La vida de Chuck, es un relato corto que encontramos en dentro del recopilatorio de cuentos de ‘La sangre manda’ y es un cuento que comienza por el final, un viaje hacia el terror existencialista, el qué pasará si simplemente desaparecemos hasta llegar al principio de todo y a ese por qué ha ocurrido todo lo que hemos visto. Aunque sin duda te lo ves venir. Pero la sorpresa no está ahí, está en su final. Del cual me encantaría debatir aquí, pero al final sería un spoiler y no estoy aquí para esto. Si no más bien para daros mi humilde opinión y por lo que podéis ver, es bastante positiva.
Antes de nada, aunque el cuento es muy bueno y bastante igual, recomendaría no leerlo, y es simplemente porque la primera parte de éste y por supuesto de la película es igual y creo que quita un poco la desazón que pretenden darnos. Pero esto como digo, como opinión, por supuesto si lo has leído no ocurre nada. Simplemente ya sabes que va a pasar.
Flanagan nos presenta una película bastante luminosa, pese a su comienzo tan desolador. Pero nos muestra a este hombre normal, a Chuck un hombre desconocido que comienza a aparecer en todos los lugares de mundo, un simple contable que parece muy querido por los suyos.
Tom Hiddleston está maravilloso. Brilla en cada escena, en las felices y en las no tan felices. La escena del baile me parece de las cosas más chulas que he visto en tiempo y esa libertad de escoger pasos, de moverse, de estar vivo en ese mismo momento. Es una delicia.
En el reparto encontramos caras muy conocidas, como, Karen Gillian, Samantha Sloyan, Mia Sara, Michael Trucco, Rahul Kohli, Annalise Basso, Kate Siegel, Jacob Tremblay, Chiwetel Ejiofor, Carl Lumbly o Mark Hamill. Todos y cada uno, dando su granito de arena en esta historia tan íntima, en este cuento que nos habla de la existencia.
La banda sonora es uno de los puntos fuertes, tan cósmica y natural que logra su cometido y es adentrarnos muchísimo en toda la historia que tenemos delante. Esto es gracias a The Newton Brothers, los cuales ya han realizado las bandas sonoras de muchos de los trabajos de Mike Flanagan.
Poco más que añadir de ‘La vida de Chuck’. Como he dicho, realmente me pillaría horas hablado de ella y debatiendo. Id al cine y disfrutarla que es una película que merece mucho la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: The life of Chuck. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Flanagan. Guion: Mike Flanagan, novela de Stephen King. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Eben Bolter. Reparto principal: Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak, Cody Flanagan, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan Mia Sara, Carl Lumbly, Mark Hamill, David Dastmalchian, Harvey Guillén, Michael Trucco, Matthew Lillard, Mark Hamill, Rahul Kohli. Producción: Intrepid Pictures, Red Room Pictures, QWGmire. Distribución: Diamond Films. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:https://diamondfilms.es/pelicula/la-vida-de-chuck
Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.
Crítica
Lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta
Una de las referencias que en algunas fases de ‘Decorado’ pueden venirnos a la cabeza es ‘El show de Truman’. La película consiste en el despertar de una persona que descubre que su mundo es una impostura, que su vida está llena de gente que finge constantemente. Evidentemente los derroteros son otros, esto que acabo de decir no es un spoiler, pero hay ahí un estudio similar de la condición humana. En Decorado, Alberto Vázquez construye un espejo distorsionado que nos obliga a mirar hacia nosotros mismos, a revisar nuestras máscaras, tanto las que nos ponen como las que voluntariamente aceptamos. Su película se mueve tanto en la sátira como en la reflexión existencialista, y lo hace a través de animales antropomórficos que resultan irónica y extremadamente humanos.
Alberto Vázquez continúa con su exploración de lo humano mediante un imaginario antropomórfico. En Decorado, protagonizada por ratones (Arnold y María) la trama parte de una crisis existencial: crisis laboral, matrimonio en ruinas, sensación de absurdo, sospecha de que todo lo que rodea al protagonista es una gigantesca farsa. El tema del consumismo está sobre la mesa, pero más todavía la cuestión de cómo las corporaciones (aquellas entidades omnipresentes y omnipotentes) moldean escenarios donde los individuos pierden autonomía; donde la personalidad, las relaciones y la salud mental se ven comprometidas. En ‘Decorado’, la megacorporación ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency) funciona como símbolo de un poder que lo fabrica absolutamente todo, definiendo la estética, los roles, la ilusión de bienestar.
Ese decorado artificial alimenta un sentimiento de alienación profundo. Arnold no solo se enfrenta al mundo externo, sino a sus propias dudas: el síndrome del impostor cobra vida, la depresión aparece como un fantasma continuo, la vida íntima se resiente. Vázquez no ahorra crudeza ni violencia, ni visual ni psicológica. La película se erige como quizá la más pesimista y deprimente de sus obras, en la que la comedia se mezcla con la tragedia, y la fantasía con la pesadilla.
Visualmente, ‘Decorado’ destaca: su dirección de arte, a cargo de José Luis Ágreda (‘Robot dreams’), trae consigo una paleta que no renuncia a colores chillones, pero sí están rodeados de oscuridad. Los escenarios son ricos, trazados con cuidado y cargados de todo detalle. Los animalitos transmiten emociones muy humanas. Todo esto crea una extraña empatía y al mismo tiempo una distancia inquietante. Queremos acercarnos a achuchar y consolar a los personajes, pero a la vez queremos rehuir su mundo herido y sucio. Esa yuxtaposición es muy característica del cine de Vázquez: lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta.
El guion, firmado junto a Francesc Xavier Manuel, no elude lo contemporáneo: la dificultad para encontrar un trabajo digno, la precariedad, la imposibilidad de vivienda estable, la salud mental como asunto pendiente, relaciones vacías en eras tecnológicas, amistades que parecen puestos de utilería. Todos estos elementos forman parte de la fábula crítica compuesta para interrogar no solo lo que somos sino lo que aceptamos que seamos. La película obliga al espectador a verse reflejado, a pensar si su vida está siendo decorada por otros, si ha aceptado roles sin cuestionar. Esa lucidez resuena con frases como “No es síntoma de salud estar adaptado a una sociedad enferma” o “El mundo es un maravilloso escenario, pero tiene un reparto deplorable”.
Y aunque su retrato de la depresión y de la hipócrita sensación de cuidado que recibimos por parte de las multinacionales están muy bien reflejadas, sí que hay que advertir que ‘Decorado’ transmite demasiada pesadumbre. Esto es reflejo de haber conseguido una buena obra, de esas que calan en el espectador, pero para algunos, la opresión continua puede resultar agotadora, puede faltar un respiro o una luz al final que ofrezca cierto alivio, aunque claro, esa quizá no sea la intención principal. Y tal es la complejidad elaborada que en ocasiones el ritmo oscila, se siente que hay tantas capas simbólicas que puede perderse parte de la claridad en el mensaje.
Como siempre, no hay que confundir animación con producto infantil o alegre. Si buscas una película amable y liviana, ‘Decorado’ no es eso. Si buscas algo que te deje machacado, cuestionándote cuánto de lo que haces, piensas o sientes es auténtico, y cuánto parte de una función en un decorado gigantesco, entonces esta obra de Alberto Vázquez es imprescindible para ayudarte a desenredar tus ideas. ‘Decorado’ se alza como una visión feroz de lo que somos cuando aceptamos fingir, pero también como prueba de que todavía hay memoria, hay martillazos de verdad que importan y hay afecto real que resiste.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Decorado. Duración: 93 min. País: España. Dirección:Guion: Alberto Vázquez, Francesc Xavier Manuel Ruiz. Música: Joseba Beristain. Reparto principal (doblaje original): Chelo Díaz, Daniel Lema Blanco, Damián Cortés, Luís Iglesia Besteiro, Óscar Fernández, Gaspar González Somoza. Producción: Abano Producións, UniKo, The Glow, Sardinha em lata, María, Arnold AIE. Distribución: Barton Films. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://www.uniko.com.es/filmografia/#Decorado
Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.
Crítica
Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión
Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.
El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.
Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.
Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.
Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.
‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música:Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers
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