Crítica: ‘Estado eléctrico’

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Sinopsis

Ambientada en una versión alternativa de los años 90 en la que se sufren las secuelas de una fallida rebelión de los robots, Estado eléctrico narra la historia de una adolescente huérfana que emprende un viaje por el Oeste americano en busca de su hermano pequeño. La acompañan un robot con apariencia de dibujo animado, un contrabandista y el compañero de este.

Crítica

La historia no es nueva, pero es una gran historia

Llega una de las películas más esperadas de Netflix, ya no solo por el pedazo de reparto que tiene o los directores que han llevado a cabo esta estupenda cinta. Si no que además, ‘Estado Eléctrico’ es la película más cara hasta el momento de la plataforma.

Los hermanos Russo, nos embarcan en una aventura en unos ficticios años 90 donde los robots que conviven con nosotros, se revelan contra la humanidad. Pero al final se consigue la paz y quedan doblegados al exilio. En esta aventura conocemos a Michelle que junto a un robot, un contrabandista y el compañero de este va en busca de su hermano pequeño.

‘Estado eléctrico’ está basada en el libro de Simon Stålenhag, autor de obras como ‘Historias del bucle’, de la cual también se hizo hace unos años una adaptación en forma de serie (aquí os hablamos de ella). No me he leído el libro, así que no puedo deciros si realmente es fiel o no. Si que os puedo decir, que como película me ha gustado, es una cinta bastante juvenil y muy entretenida.

Además que tiene imágenes bastante imponentes, el diseño de los robots son bastante curiosos (os dejamos un vídeo donde los hermanos Russo nos hablan sobre esto). Muy cartoons, simpáticas máquinas de matar que lo único que quieren es tener su propia libertad de elegir y vivir. Cada robot es distinto, en tamaño y diseño. Tuvimos la oportunidad de verla en pantalla grande y os puedo decir que merece mucho la pena y que el CGI está muy logrado. Es una película con mucho trabajo técnico y es una pena que vaya a estar al menos una semana en cines para que la podáis disfrutar.

‘Estado eléctrico’ nos habla de muchas cosas, pero sobre todo de la empatía, del respeto entre seres diferentes y de que al final todos queremos lo mismo, la libertad y tranquilidad de vivir. También de la amistad y de como esa amistad puede crear grandes lazos.

Llevamos años con el tema de la nostalgia por los 80 y ahora llegan los 90. Pero admito que yo he caído y ‘Estado eléctrico’ me ha entusiasmado. Esa idea en la que Disney creó los robots para sus parques de atracciones y que terminan revelándose, me ha parecido de lo más convincente. Además recordar muñecos, juegos y esos tremendos looks que nos gastábamos. Y escuchar ‘Wanderwall’ de Oasis al finalizar la cinta, es un detalle más para los que somos de aquella época.

A parte de sus directores y por supuesto los robots, uno de los grandes atractivos es el pedazo de reparto que tiene ‘Estado eléctrico’ y es que ya solo el reparto “humano” cuenta con Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito o Ke Huy Quan entre otros. Pero en el reparto por parte de los robots, sus voces los ponen grandes actores como Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski o Brian Cox entre muchos otros.

Un gustazo ver y escuchar a todos estos actores en una cinta diferente, que le va a gustar a los pequeños y grandes de la casa y con la que pueden comenzar a descubrir la ciencia ficción. ‘Estado eléctrico’ es una película de aventuras que no defrauda.

 Ficha de la película

Estreno en España: 14 de marzo de 2025. Título original: The Electric State. Duración: 128min. País: Estados Unidos. Dirección: Anthony Russo, Joe Russo. Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely. Música: Steve Jablonsky, Alan Silvestri. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito, Ke Huy Quan, Jason Alexander, Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski, Brian Cox. Producción: AGBO, Anthem & Song, Double Dream, BDC Travel. Distribución: Netflix. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81601562

Crítica: ‘Presence’

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Sinopsis

Rebekah, su marido y sus hijos, comienza a experimentar fenómenos inexplicables tras mudarse a su nueva casa. Las extrañas presencias que se manifiestan a su alrededor les harán cruzar la delgada línea entre la realidad y la percepción.

Crítica

Un thriller sobrenatural con una atmósfera muy conseguida

Una cosa es segura. Si vas a ver una película de Steven Soderbergh, seguro que siempre va a sorprender, no por nada, sino porque se arriesga con todo tipo de cine. Director de ‘Contagio’, ‘Magic Mike’ u ‘Ocean’s eleven, esta vez se adentra en el fantástico con un thriller paranormal que la verdad me ha gustado mucho.

Una familia se muda de casa para cambiar de aires. Una familia bastante desestructurada que vamos conociendo gracias a una presencia que hay en la nueva casa que no hace más que vigilarles y ver todo lo que hacen día a día. Esa presencia parece entablar cierta conexión con Chloe, la hija de esta familia que acaba de pasar por un evento trágico.

Me encanta como está rodada, pues vamos todo el rato siguiendo a un ente invisible que como he dicho, va observando, escuchando las conversaciones de esta familia y así nos hace partícipes de toda la historia.

‘Presence’ es una película muy cortita y que no deja de contarte cosas desde el primer minuto. Esos detalles para conocer a esta familia, sus duelos, sus trabajos y su manera de vivir.

Una película con una atmósfera muy conseguida. Estamos todo el rato dentro de una casa, que como digo, recorremos varias veces durante el visionado. Sobre todo la habitación de Chloe.

Lucy Liu y Chris Sullivan, son los encargados de dar vida a estos dos padres que intentan hacerlo lo mejor que pueden, pero a los que les cuesta. Sobre todo al personaje de Lucy Liu, una madre que claramente tiene un favorito entre sus hijos y no lo esconde.

Eddy Maday y Callina Liang son estos dos hijos que no se terminan de aguantar y que tienen muchos secretos entre ellos dos. Ambos están muy bien, pero Callina Liang nos muestra mucho el lado más humano de esta familia, pasando una tristeza que la hace tener unos altibajos considerables.

Técnicamente me ha gustado mucho. La cinta está realizada a partir de varios cortes, y entre esos cortes va contando diferentes escenas en las que vemos grandes planos secuencia que es lo que nos da esa sensación de estar dentro de la película. De adentrarnos en la casa, de llevar ya un rato en ella y conocer cada recoveco.

Steven Soderbergh ha realizado un trabajo tremendo, ya no solo como director, sino también como director de fotografía y editor. Con esto, deja ver lo claro que tenía todo en su cabeza y como lo ha plasmado con su trabajo.

El guion de David Koepp, es muy intrigante y consigue darnos una sorpresa final. Estad atentos durante todo el film pues la clave está sobre la mitad de la película.

A partir del 7 de marzo tenéis la película en los cines y os aseguro que va daros un pequeño debate nada más terminar.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Presence. Duración: 85 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Soderbergh. Guion: David Koepp. Música: Zack Ryan. Fotografía: Steven Soderbergh. Reparto principal: Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, Lucas Papaelias, Benny Elledge, West Mulholland. Producción: Extensión 765, Neon. Distribución: Diamond Films. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/presence

Crítica: ‘Tardes de soledad’

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Sinopsis

Retrato íntimo del torero Andrés Roca Rey y su cuadrilla. Una fascinante reflexión sobre la muerte, la violencia y la belleza.

Crítica

Del honor al horror hay solo un pequeño cambio de raíz

Escribir sobre esta película seguramente suponga exponerse a oleadas de hate por uno y otro lado, incluso antes de posicionarme de ninguna manera o se sepa qué pienso yo de la tauromaquia en general. Si algo deja claro ‘Tardes de soledad’ es que el toreo sigue siendo un tema que despierta pasiones y rechazos con la misma intensidad. Así se ve en la calle, se ve en las redes y se ve en todo lo que rodea a este filme que salió premiado en el último Festival de San Sebastián.

Provengo de la ciudad donde aún sigue en pie y activa la plaza de toros más antigua de España, para algunos del mundo. Crecí a la sombra indirecta de esa cultura, pero nunca terminé de entenderla ni compartirla, reconozco que para mi esto es tortura adornada. Es algo que forma parte de mi/nuestro pasado pero que no se percibe ya como algo nuestro o parte del ADN de nuestra cultura actual. Para una inmensa mayoría es una celebración que está obsoleta, prueba de ello es el fracaso de plataformas como Onetoro TV. Sin embargo hoy en día los toreros siguen siendo figuras consideradas y forradas de dinero. Es precisamente ese choque de sensibilidades lo que ‘Tardes de soledad’ explora con una puesta en escena cuidada y un ojo casi antropológico para captar el ambiente de las corridas de toros. La película es una concatenación de retransmisiones completas de corridas de toros, de tal manera que permite que el espectador saque conclusiones y sean los protagonistas los que se autorretraten.

‘Tardes de soledad’ es un buen ejercicio artístico a la hora de documentar una tradición repleta de religiosidad, superstición y ritualismo. La película capta con precisión el peso simbólico del toreo: la vestimenta, la liturgia previa, los gestos repetidos como mantras, la entrega casi mística de los toreros a su destino. Todo ello está filmado con respeto, pero también con una distancia que impide saber si esto es tan adulador como el propio séquito (cuadrilla) de Andrés Roca Rey o si Albert Serra quiere que la barbarie hable por si sola.

Para quienes no comulgamos con esta «fiesta», la experiencia es dura. Para mi no es un filme para ver comiendo palomitas u otra cosa pues siento asco al ver muchas de sus imágenes. La belleza de la fotografía no puede maquillar el sufrimiento y es imposible no preguntarse qué sentido tiene perpetuar algo así en pleno siglo XXI. He visto muchísimo gore en mi vida e incluso vivido desde pequeño la matanza del cerdo, pero he de decir que han sido las dos horas más asquerosas que he pasado en una sala de cine.

La cinta no toma partido de manera explícita, pero hay planos que hablan por sí solos: la mirada del toro antes de la estocada, la sangre en la arena, el júbilo de algunos contrastando con el dolor evidente de un animal que ni de lejos es consciente del “honor” que se le atribuye al participar de esta tradición… El sonido del filme es una parte vital para lograr su golpe de efecto. La elección del director denota cuan cerca e invisible ha querido estar en cada uno de los momentos. Se silencia el ruido de la muchedumbre para escuchar constantemente los consejos desde la barrera, la respiración del toro o el sonido de las estocadas. Incluso hay veces que la banda sonora de Marc Verdaguer nos pasa de una auténtica película de terror a los momentos más laureados de un gladiador.

Quizás la mayor virtud del filme es que, sin necesidad de discursos, deja que las imágenes hablen por sí solas. El quid de la cuestión es que esas imágenes no tienen la misma lectura para todos. Para unos, será una oda a la tradición, para otros, un testimonio del horror normalizado. En cualquier caso, es un documento valioso para entender por qué el toreo sigue dividiendo opiniones de manera tan visceral. Del honor al horror hay solo un pequeño cambio de raíz.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Tardes de soledad. Duración: 125 min. País: Portugal, España, Francia. Dirección: Albert Serra. Guion: Albert Serra. Música: Marc Verdaguer. Fotografía: Artur Tort. Reparto principal: Andrés Roca Rey, Pablo Aguado. Producción: LaCima Producciones, 3Cat, A Contracorriente Films, Andergraun Films, Arte France Cinéma, RTVE, Rosa Filmes, RTP, ICEC, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/afternoons-of-solitude?whereToWatch=in-cinemas

Crítica: ‘Lee Miller’

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Sinopsis

La película gira en torno a la corresponsal de guerra Lee Miller (Kate Winslet) en su viaje a las primeras filas de la Segunda Guerra Mundial para embarcarse en la misión de destapar las verdades ocultas del Tercer Reich. Pero a consecuencia de la traición, llegará un ajuste de cuentas sobre las verdades de su propio pasado.

Crítica

Kate Winslet brilla en un nuevo zasca para los negacionistas del holocausto

El biopic ‘Lee Miller’ supone el segundo largometraje de Ellen Kuras como directora, quien hasta ahora se encargaba sobre todo de la fotografía en películas como ‘¡Olvídate de mi!’, ‘Jane’ o ‘Rebobine, por favor’. Protagonizado por Kate Winslet se sumerge en la fascinante vida de la fotoperiodista Lee Miller. Una fotógrafa retratando a otra fotógrafa.

Lee Miller fue una mujer que pasó de ser portada de Vogue, musa del artista visual Man Ray o modelo para Picasso a convertirse en una de las cronistas más crudas de la Segunda Guerra Mundial. Es una persona a la que los libros de historia cada vez retratan con más similitudes a Marie Curie o María Lejárraga, ambas mujeres talentosas a la sombra de sus parejas. Con un guion basado en la biografía escrita por su hijo, Antony Penrose, la película busca capturar la intensidad de una figura compleja y adelantada a su tiempo. Sin embargo, aunque la actuación de Winslet es notable y la figura de su personaje digna de muchos honores, la película no logra escapar de la estructura convencional de muchos biopics, lo que la hace perder fuerza en su conjunto.

Desde su primera escena, ‘Lee Miller’ establece su tono dramático con una explosiva secuencia en la que la protagonista se sumerge en la destrucción de la guerra. La película sigue una estructura fragmentada, saltando entre distintos momentos de la vida de Miller: desde sus años bohemios en París junto a Man Ray y Paul Éluard hasta su trabajo como corresponsal de guerra, donde acabó convirtiéndose en la mujer que se bañó y durmió en las dependencias de Hitler y Braun. La Gran Guerra es el eje del filme convirtiéndose la película poco a poco en un alegato más contra los negacionistas del holocausto y estas escenas son potentes y visualmente sobrecogedoras, pero la narrativa a veces pierde cohesión y no termina de profundizar en algunos aspectos clave de su vida personal y profesional, por mucho que materialice bien los momentos que llevaron a sus fotos más famosas.

Uno de los recursos más interesantes es el uso de una entrevista en 1977 entre Miller (ya en su vejez) y un joven periodista/hijo interpretado por Josh O’Connor. Este diálogo no solo estructura la película, sino que también enfatiza el contraste entre la indiferencia del pasado y la necesidad de contar la verdad que impulsaba a Miller. Sin embargo, el guion no siempre saca el máximo provecho de esta estructura, y en algunos momentos la trama se siente dispersa.

La interpretación de Kate Winslet es, sin duda, el mayor atractivo de la película. La actriz logra capturar la complejidad de Lee Miller, una mujer fuerte, apasionada y llena de contradicciones. Winslet encarna tanto su valentía en el frente de batalla como su vulnerabilidad en la intimidad, reflejando cómo el trauma de la guerra la llevó a refugiarse en el alcohol y el silencio. Sin embargo, aunque su actuación es sobresaliente, la película no logra aprovechar completamente la riqueza emocional de su historia, como hizo en un caso similar la reciente e injustamente olvidada en esta temporada de premios, ‘Civil War’.

El elenco secundario también es destacable, con actuaciones sólidas aunque breves de Marion Cotillard, Andrea Riseborough y Alexander Skarsgård. Sin embargo, algunos personajes parecen estar subutilizados, y ciertas relaciones clave, como la de Miller con la editora de Vogue, Audrey Withers, podrían haber tenido mayor desarrollo. Queda patente que Vogue está tras esta producción al intentar ensalzar la figura de la fotógrafa centrándose en la etapa de guerra y pasar por alto, por ejemplo, la hipocresía tras la frase “prefiero hacer fotografías, no ser una” pronunciada por alguien que pasó parte de su vida convirtiendo a mujeres en fotografías.

Visualmente, la película refleja el habitual desempeño de la directora tras las cámaras. Presenta un trabajo sólido, con una fotografía que oscila entre la luminosidad habitual del imaginario colectivo sobre de los años previos a la guerra y la crudeza de los campos de batalla. Pawel Edelman, el director de fotografía, logra capturar tanto la estética vibrante del círculo artístico de París como la brutalidad del conflicto bélico. La icónica imagen de Miller en la bañera de Hitler en Múnich, por ejemplo, es recreada con gran impacto simbólico. En el apartado sonoro, la banda sonora de Alexandre Desplat aporta elegancia y dramatismo, aunque el diseño de sonido en algunas escenas de combate podría haber sido más trabajado.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Lee. Duración: 116 min. País: Reino Unido. Dirección: Ellen Kuras. Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Josh O’Connor, Andy Samberg, Marion Cotillard, Andrea Riseborough. Producción: 55 Films, Brouhaha Entertainment, Embassy Films, Hantz Motion Pictures, Hopscotch Features, Juggle Productions, MS Participations S.A., Pasaca Entertainment, Pioneer Stillking Films, Sky Originals, Vogue Films. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial: https://www.sky.com/watch/lee

Crítica: ‘Mi única familia’

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Sinopsis

Para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla; Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante el día es caminar sin rumbo por la ciudad.

Crítica

Marianne Jean-Baptiste nos rompe en un drama armado con precisión arquitectónica

‘Mi única familia’ de Mike Leigh es una joya cinematográfica que nos sumerge en las profundidades de la psique humana, presentando personajes tan memorables como difíciles de manejar como los icónicos Walt Kowalski de ‘Gran Torino’ o el desequilibrado Tony Soprano. En esta obra, Leigh nos presenta a Pansy, interpretada magistralmente por Marianne Jean-Baptiste, una mujer cuya vida está marcada por la ira y la confrontación constante.

Pansy es una figura envuelta en una furia perpetua, enfrentándose a todo y a todos: su esposo Curtley (David Webber), su hijo Moses (Tuwaine Barrett) y cualquier desconocido que se cruce en su camino. Esta agresividad, que inicialmente puede parecer cómica, pronto revela un dolor profundo y no resuelto, mostrando a una mujer quebrada por la tristeza y el arrepentimiento. La dinámica familiar se ve atrapada en esta espiral emocional, con Moses refugiándose en su mundo interior y Curtley buscando escape en su trabajo, mientras la casa se convierte en un espacio de tensión contenida.

La interpretación de Jean-Baptiste es simplemente deslumbrante. Su capacidad para transmitir la complejidad emocional de Pansy ha sido reconocida internacionalmente. Todos los que hemos visto ‘Mi única familia’ coincidimos en que era una firme candidata a llevarse el BAFTA, el BIFA y el Critics Choise Award. Su actuación bien podría haber estado reconocida en los Oscar pero claro está que estamos en un año donde la polémica o la reivindicación han ganado el pulso.

‘Mi única familia’ es una producción conjunta entre España y Reino Unido. Esta colaboración transnacional ha permitido a Leigh explorar temas universales como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental, ambientados en el Londres contemporáneo. La narrativa de Leigh, combinada con la poderosa actuación de Jean-Baptiste, crea una experiencia que deja una huella indeleble en la memoria del espectador, sobre todo en lo referente al dolor y la complejidad de aquellos considerados simples por ser únicamente de clase media. Esta cinta es una exploración profunda de la condición humana, que nos recuerda la complejidad de las emociones y las relaciones que nos definen seamos quienes seamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de febrero de 2025. Título original: Hard Truths. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Dirección: Mike Leigh. Guion: Mike Leigh. Música: Gary Yershon. Fotografía: Dick Pope. Reparto principal: Marianna Jean-Baptise, Michele Austin, David Webber, Tuwaine Barrett. Producción: Creativity Media, Film4, The MediaPro Studio, Thin Man Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.hardtruths.co.uk/

Crítica: ‘A Complete Unknown’

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Sinopsis

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, ‘A Complete Unknown’, cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Crítica

Un biopic bastante sencillo con muy buenas interpretaciones

Llega a nuestros cines ‘A Complete Unknown’ , basada en el libro ‘Dylan Goes Electric!’ de Elijah Wald. Aquí vemos a Bob Dylan desde sus primeros éxitos en la música folk hasta cuando comenzó a utilizar instrumentos eléctricos.

James Mangold, director de ‘En la cuerda floja’ o ‘Logan’ nos trae un biopic bastante sencillo, no es una gran fiesta de situaciones locas o grandes dramas. No, al final, vemos a un músico encontrando su estilo, disfrutando de la vida y siendo algo egoísta en algún que otro sentido.

Vemos dos de sus grandes amores, al menos en aquella época. Interpretadas por Elle Fanning (‘Mary Shelley’) y Monica Barbaro, (‘Fubar’), esta última está estupenda y tiene la merecida nominación al Oscar.

Y por supuesto, que decir de Timothée Chalamet, está increíble, canta, y actúa como Bob Dylan. Físicamente no es que realmente se parezca, pero lo hace tan bien, que da igual, ves al músico e incluso, aunque su voz tampoco sea igual, le escuchas a él. Un gran trabajo que sin duda denota un gran estudio sobre la figura de Bob Dylan.

Si que me ha gustado mucho la historia que nos cuentan de Woody Guthrie y Peter Seeger. Interesantes personajes en la vida de Bob Dylan. Quizás lo más atractivo de la película.

Como ya habéis visto el punto fuerte de la cinta sin duda es su reparto y es que estos dos personajes están interpretados por un fantástico Edward Norton como Peter Seeger y Scoot McNairy como Woody Guthrie.

La ambientación, vestuario y montaje en general están muy bien. Si que creo que la película podría haber durado algo menos, y nos hubiesen contado lo mismo. Pero, como siempre digo, al final no es mí película y como espectadora, simplemente se me hizo un poquito larga, pero sigue siendo un buen producto.

‘A Complete Unknown’ está nominada al Oscar a Mejor Película, entre otras muchas nominaciones. Sin duda es un homenaje al comienzo de este Premio Nobel de Literatura y sobre todo compositor que nos ha dado grandes obras musicales.

Ficha de la película

Estreno en España:  28 de febrero de 2025. Título original: A Complete Unknown. Duración: 141 min. País: Estados Unidos. Dirección: James Mangold. Guion: Jay Cocks, James Mangold. Fotografía: Phendon Papamichael. Reparto principal: Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Eriko Hatsune, Peter Gray Lewis, Peter Garety, Scoot McNairy, Riley Hashimoto, Wloise Peyrot. Producción: The Picture Company, Veritas Entertainment Group, Fox Searchlight, Range Media Partners. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/a-complete-unknown

Crítica: ‘Amenaza en el aire’

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Sinopsis

En este claustrofóbico thriller, un piloto (Mark Wahlberg) transporta en su avioneta a una teniente general (Michelle Dockery) que custodia a un testigo (Topher Grace) que va a testificar en un juicio contra la mafia. A medida que atraviesan las montañas de Alaska, las tensiones se disparan, ya que no todo el mundo a bordo es quien parece ser. Y a 3000 metros de altura no hay escapatoria posible.

Crítica

Aun siendo el vuelo más discreto y automático de Mel Gibson entretiene

Mel Gibson es un director con una filmografía marcada por la intensidad visual y emocional. Desde la brutalidad épica de ‘Braveheart’ hasta la conmovedora ‘Hasta el último hombre’, su cine ha demostrado un pulso narrativo sólido y una inclinación por la acción visceral y el drama humano. Sin embargo, en ‘Amenaza en el aire’ (‘Flight Risk’), su última incursión tras la cámara, Gibson entrega una obra que, aunque funcional en su género, carece de la fuerza y el carácter distintivo de sus mejores trabajos.

Protagonizada por Michelle Dockery, Topher Grace y Mark Wahlberg, la película sigue una premisa sencilla: un piloto debe transportar a una marshall y a un miembro de la mafia, mientras la tensión crece en la limitada cabina de su avión. El thriller se construye sobre una atmósfera claustrofóbica, apoyándose en la incertidumbre sobre las verdaderas intenciones de los personajes. Sin embargo, lo que podría haber sido una historia llena de intriga y giros memorables se desarrolla de manera predecible, sin aprovechar del todo el potencial dramático de la situación y además dándonos demasiadas notas humorísticas que rozan el ridículo.

La puesta en escena de Gibson es correcta pero sorprendentemente convencional. A diferencia de ‘Hasta el último hombre’, donde cada secuencia de combate tenía una crudeza y magnitud impactante, aquí la acción es contenida y sin momentos memorables. Da la impresión de que el presupuesto es tan ajustado que han tenido que recurrir a algunos planos con CGI barato. En ‘Apocalypto’, Gibson construyó una persecución frenética y absorbente, mientras que en ‘Flight Risk’ el ritmo resulta más plano, sin la misma energía sangrienta aunque con más tensión. Parece que cuando Gibson ha encontrado más apoyos en su lucha conservadora y anti-woke es cuando más se ha suavizado.

El guion, firmado por Jared Rosenberg, no ayuda demasiado. A pesar de la promesa de una tensión psicológica en el reducido espacio del avión, los diálogos carecen de profundidad y los conflictos no evolucionan de manera convincente. Wahlberg cumple con su papel, pero no se le da el material necesario para explotar su carisma ni la intensidad que ha demostrado en otras colaboraciones con directores más exigentes. Sin duda la previsibilidad del libreto juega en su contra.

Si bien es entretenida y no es una película fallida, ‘Amenaza en el aire’ es, sin duda, la obra menos inspirada de Mel Gibson como director, hasta tal punto de parecer un filme amateur. Se echa en falta su característico estilo visual, su habilidad para crear secuencias de acción electrizantes y su capacidad para inyectar emoción genuina en sus historias. Para un realizador que ha dejado huella con su audacia, violencia y visión cinematográfica, este thriller resulta sorprendentemente genérico. No es un desastre, pero tampoco es el vuelo que esperábamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de febrero de 2025. Título original: Flight Risk. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Mel Gibson. Guion: Jared Rosenberg. Música: Antonio Pinto. Fotografía: Johnny Derango. Reparto principal: Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat, Savanah Joeckel, Paul Ben-Victor. Producción: Lionsgate, Media Capital Technologies, Hammerstone Studios, Blue Rider Pictures, Icon Productions, Davis Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.lionsgate.com/movies/flight-risk

Crítica: ‘Con el agua al cuello’

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La vida de Andy Goodrich (Michael Keaton) da un vuelco cuando su mujer ingresa en un centro de rehabilitación, dejándolo al cargo de sus hijos gemelos de 9 años. Sobrepasado por sus nuevas responsabilidades, Goodrich acudirá a su hija mayor (Mila Kunis) para que le ayude a convertirse en el padre que ella jamás tuvo.

Crítica

Michael Keaton flota sobre un guion que se mantiene en la orilla sin llegar a ahondar

Hallie Meyers-Shyer, hija de Nancy Meyers (la directora de ‘En qué piensan las mujeres), se nos acerca con una película sobre cómo el concepto de familia ha mutado y cómo el tradicional padre de familia está en vías de extinción (como si la película de su madre le hubiese inspirado). La comedia dramática ‘Con el agua al cuello’, protagonizada por Michael Keaton, es una película que transita con ligereza tanto por su drama como por su comedia. Si bien no se destaca por una profundidad emocional particularmente impactante, sí logra capturar las problemáticas de la vida moderna, especialmente en lo que respecta a la paternidad, la pareja y la familia.

La historia sigue a Andy Goodrich (Keaton), un hombre de mediana edad cuya vida cambia repentinamente cuando su esposa le abandona para ingresar en rehabilitación, dejándolo al cuidado de sus hijos pequeños. Desbordado por las nuevas responsabilidades, busca apoyo en su hija mayor (Mila Kunis), con quien mantiene una relación distante. A partir de ahí, la película explora la reconstrucción de vínculos familiares y el aprendizaje tardío sobre lo que significa ser padre.

Uno de los puntos más interesantes del filme es cómo retrata una generación que sigue el supuesto orden establecido de la vida —casarse, tener hijos, formar una familia, tener un trabajo exitoso— sin estar necesariamente preparada para lo que implica. También pone sobre la mesa la carga emocional y las responsabilidades que surgen en las relaciones de pareja y el cuidado de los seres queridos en un mundo donde la estructura tradicional de la familia ha cambiado radicalmente en solo un par de décadas.

A nivel narrativo, la película avanza sin grandes sobresaltos, con una combinación de momentos emotivos y situaciones medianamente cómicas que hacen que el relato fluya con facilidad. Sin embargo, la falta de un conflicto más sólido o de un tratamiento más profundo de los temas impide que la historia deje una marca duradera. Aun así, Keaton entrega una actuación entrañable, aportando calidez a su personaje y logrando que la historia tenga momentos ligeramente genuinos de conexión emocional.

Más allá de su desarrollo predecible, ‘Con el agua al cuello’ plantea una reflexión valiosa sobre el tiempo que se pierde con los seres queridos al priorizar el trabajo y otras responsabilidades. En una sociedad donde el ritmo de vida muchas veces obliga a dejar de lado lo esencial, la película funciona como un recordatorio de la importancia de estar presente para la familia antes de que sea demasiado tarde. La pregunta más importante que se lanza al espectador es, ¿compartes el tiempo suficiente o conoces realmente a las personas que habitan tu casa?

En definitiva, es una película amena que, atraerá por la presencia de Keaton y la vuelta de Kunis a la pantalla grande. Aunque no sorprenda ni profundice demasiado en sus temas, logra capturar ciertas verdades de la vida contemporánea. Su tono ligero la hace accesible y sus mensajes, aunque convencionales, resultan relevantes para cualquier espectador que haya sentido alguna vez que las responsabilidades lo sobrepasan.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Goodrich. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Hallie Meyers-Shyer. Guion: Hallie Meyers-Shyer. Música: Christopher Willis. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Michael Keaton, Mila Kunis, Andie MacDowell, Michael Urie, Carmen Ejogo, Kevin Pollak. Producción: C2 Motion Picture Group, CaliWood Pictures, Gramercy Park Media, RainMaker Films, Stay Gold Features. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/goodrich/

Crítica: ‘Aún estoy aquí’

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Sinopsis

Brasil, 1971. Un país en las garras de una dictadura militar. Una madre se ve obligada a reinventarse cuando la vida de su familia se ve destrozada por un acto de violencia arbitraria.

Crítica

Conmovedora película llena de una terrible realidad

Walter Salles, nos trae ‘Aún estoy aquí’, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que seguimos a su madre obligada a investigar la desaparición de su marido durante la dictadura militar de Brasil en 1971.

Vamos conociendo a la familia Paiva, poco a poco. Como su casa siempre está abierta a sus amigos y familias. Como sus hijos crecen en un ambiente feliz lleno de libertad y amor. Y como todo esto poco a poco se ve truncada tras la detención de Rubens, el padre de familia y su desaparición. Vemos detenciones, controles en carretera, escuchamos torturas y cómo van amedrentando la paciencia de Eunice. Esta madre coraje tiene que lidiar con mantener a sus hijos y su propia cordura en un mundo que les ha abandonado. Y ya no eso, sino también aceptar un luto que no entiende y no quiere comprender.

Fernanda Torres da vida a esta mujer y lo hace de una manera increíble. Las lágrimas que se traga para que sus hijos no la vean. Su rostro triste, pero siempre con una sonrisa para que no la vean sufrir. Todos sus gestos están medidos al dedillo y logra una actuación de 10. No sé si se llevará o no el Oscar, pero sin duda se lo merecería.

Como curiosidad, vemos a una Eunice anciana y ese papel está protagonizado por Fernanda Montenegro, madre de Fernanda Torres. También actriz.

El trabajo de dirección de casting me ha parecido tremendo. Al finalizar la película aparecen las fotografías de la familia Paiva y es que han realizado un trabajo de captación increíble, se parecen un montón. Además, luego el trabajo de arte, y es que han recreado las fotografías totalmente. Es una pasada lo que han trabajado para que sea totalmente fiel a la historia de esta familia.

Si que es cierto, que para Salles, rodar esta historia es bastante personal. Pues el, era uno de los amigos de las hijas de los Paiva. Pasó buena parte de su adolescencia en esa casa y quería reflejar y contar lo que sucedió con ellos. Sobre todo, al leer la historia de Marcelo, el único hijo varón de la familia y que ha participado en la creación del guion.

Aún estoy aquí, habla de lo que cuesta cerrar heridas, de la fortaleza por sobrevivir en un mundo que no lo pone nada fácil y la entereza de salir a la calle con la cabeza bien alta. También habla de ese dolor que se calla, el que queda dentro y solo se refleja en la mirada. Una película que, aunque es triste, deja un halo de esperanza en el que vemos como después de todo lo ocurrido la verdad termina saliendo a la luz. Además que el amor hace que toda una familia logre aceptar y perdonar.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Ainda estou aquí. Duración: 135 min. País: Brasil. Dirección: Walter Salles. Guion: Murilo Hauser, Heitor Lorega, Marcelo Rubens Paiva. Música: Warren Ellis. Fotografía: Adrian Teijido. Reparto principal: Fernanda Torres, Fernanda Montenegro, Selton Mello, Valentina Herszage, Luiza Kosovski, Bárbara Luz, Guiherme Silveira, Cora Mora, Dan Stulbach, Pri Helena, Carla Ribas, Maeve Jinkings. Producción: VideoFilmes, RT Features, MACT Productions, Cospiraçao Filmes, arte. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://vertigofilms.es/movie/aun-estoy-aqui/

Crítica: ‘Amor a lo bestia’

En qué plataforma ver Amor a lo bestia

Sinopsis

Una joven descubre que no está sola en su habitación: un extraño y aterrador ser vive en su armario. Pero a medida que lo conoce, lo que parecía una amenaza se convierte en algo más complejo.

Crítica

Una mezcla de géneros que funciona perfectamente

No esperéis una comedia romántica al uso, la venden así, pero sin duda una comedia romántica no. ‘Amor a lo bestia’ (‘Your monster’ en su versión original) es un drama con toques de humor y amor. Y sobre todo es la vida real, pese al elemento fantástico, es una chica que está pasando de todo y que, aunque piensa que está superando todo, no es así. Y todo el recorrido de la película y el final, sin duda uno de los mejores que podría tener, es una forma de ver que no ha superado nada.

Laura Franco es una joven actriz de musicales a la que la vida no la trata nada bien, una ruptura terrible y una enfermedad se le vienen encima cuando es apartada del papel de su vida. Los primeros minutos de ‘Amor a lo bestia’ me parecen increíbles. Como Caroline Lindy logra contarnos todo el terror que pasa esta chica y a la vez te logra sacar una sonrisa. Esto también es gracias a Melissa Barrera que está increíble.

Pero entonces diréis, ¿Dónde está el punto fantástico de la cinta? Es que cuando nuestra protagonista llega al fondo de su vida, se encuentra que en su casa de la infancia vive un monstruo que no le va a poner las cosas fáciles. O si, porque al final ‘Amor a lo bestia’ es una historia de amor un poquito a ‘La Bella y la Bestia’.

No puedo contar mucho, pero comentaros que tiene un final inesperado, que, en mi caso, no me esperaba para nada y no puedo negaros que me encantó el sorpresón.

‘Amor a lo bestia’ es la primera película que rueda Caroline Lindy. Esta historia viene de uno de sus cortos. Muchas veces cuando ocurre esto, se nota mucho que son cortos alargados y este no es el caso. La película avanza con fuerza y no hay ningún momento que pienses que sobre.

Melissa Barrera está perfecta. Solo la había visto en ‘Scream’ y no sabía ni lo bien que canta, ni todos los registros que es capaz de realizar. Es sin duda la estrella de la película y es que es un personaje tan real, con sus defectos y virtudes, con sus errores tan humanos que hará daño al único ser que le importa.

Su química con Tomy Dewey, Monstruo, es tremenda. Las escenas en las que están ellos en casa me parecen tan perfectas y bonitas.

Edmund Donovan, Meghann Fahy, Kayla Foster, Ikechukwu Ufomadu, Megan Haley o Brandon Victor Dixon son parte del reparto de esta historia tan diferente.

La fotografía de la película es muy bonita, sencilla y con detalles muy cotidianos del día a día. Al igual que el vestuario, nada especial, si no, un vestuario que nos lleva a cualquier día de una persona normal. Que al final es lo que nos quiere mostrar la directora.

‘Amor a la bestia’ es sin duda una de esas pequeñas sorpresas que se estrenan en cines sin apenas publicidad y que supongo y deseo que cuando llegue a plataformas la gente se anime a verla, porque la verdad merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Your Monster. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Caroline Lindy. Guion: Caroline Lindy. Música: Tim Williams. Fotografía: Will Stone. Reparto principal: Melissa Barrera, Tommy Dewey, Edmund Donovan, Meghann Fahy, Kayla Foster, Ikechukwu Ufomadu, Megan Haley, Brandon Victor Dixon, Taylor Trensch, Lana Young, Brian McCarthy, Katy Grenfell, Woody Fu, Jawan Jackson. Producción:  Bombo Sports & Entertainment, Mermade Films, TBD Post. Distribución: Version digital. Género: comedia. Web oficial: https://www.yourmonstermovie.com/

Crítica: ‘Tu color’

En qué plataforma ver Tu color

Sinopsis

Totsuko es una estudiante de secundaria con la capacidad de ver los “colores” de los demás. Colores de felicidad, emoción y serenidad, además de un color que ella atesora como su favorito. Un día, forma una banda con Kimi, una compañera de clase que emite el color más hermoso de todos, y Rui, un amante de la música a quien conoce en una librería de segunda mano. Pero todos ellos albergan secretos: Kimi no le ha explicado a su familia que ha abandonado las clases, Rui toca a espaldas de su madre, quien quiere que sea médico, y Totsuko no puede ver su propio color. Mientras ensayan en una antigua iglesia en una isla remota, la música les acaba uniendo. El festival escolar se aproxima y con él su primera actuación en vivo. ¿Qué colores mostrarán en el auditorio repleto?

Crítica

Un anime que brilla en lo estético pero titubea en su simbolismo

Naoko Yamada regresa a nuestros cines con ‘Tu Color’ (‘Kimi no Iro’), una nueva película anime que reafirma la intención de esta directora por diferenciarse con un estilo delicado a través de un lenguaje visual refinado y un esmero por explorar la emocionalidad juvenil. En esta ocasión, colabora con el estudio Science SARU (‘Inu-Oh’), conocido por su enfoque innovador en la animación, dando como resultado una obra con una estética cautivadora y un trasfondo emocional profundo.

La historia sigue a Totsuko, una adolescente con la capacidad de ver a las personas como colores que reflejan su personalidad, como si fuesen una de esas pulseras con gemas que supuestamente cambian de color según como te sientas. Esta premisa inicial, que podría haber sido explotada de manera más simbólica de lo que suena, se diluye en ciertos momentos, dejando espacio para el desarrollo de la amistad entre Totsuko, y los personajes de Kimi y Rui, quienes encuentran en la música un refugio para afrontar sus propias crisis identitarias.

Si bien ‘Tu color’ aborda de manera efectiva la exploración de la juventud y el deseo de encontrar un lugar en el mundo, el guion de Reiko Yoshida, aunque sólido, no alcanza la complejidad emocional de ‘A Silent Voice’. Algunos espectadores pueden sentir que ciertos conflictos quedan esbozados sin una resolución completamente satisfactoria. No obstante, la interacción entre los protagonistas logra transmitir una calidez genuina, con momentos de ternura y un vínculo que, aunque sugiere matices queer, no termina de explorarse a fondo. Es una película que se sale de la norma y nos muestra un Japón más católico que nunca, pero sin embargo ls costumbres recatadas japonesas de cara a la galería le ponen ciertos corsés.

Uno de los puntos más destacables de ‘Tu Color’ es su apartado visual. Yamada y Science SARU han creado una estética evocadora con una paleta de colores pastel que enriquece la narrativa. La animación es fluida, con una atención minuciosa a los pequeños gestos y detalles en los fondos, una característica distintiva del trabajo de Yamada. Sin embargo, el uso del simbolismo cromático, aunque eficiente en los primeros compases de la película, no siempre se mantiene con la misma fuerza en el desarrollo de la historia.

Además, la puesta en escena de los momentos musicales es un gran acierto. A parte de que cada vez el jpop está más presente en la cultura occidental, la película acierta a retratar la experiencia de tocar en una banda de adolescentes, con una música que, lejos de sonar demasiado pulida, tiene una cualidad cruda y natural, reflejando los progresos y las dificultades de los personajes al expresarse a través del sonido. Kensuke Ushio firma una banda sonora que encaja perfectamente con la sensibilidad del filme. La música no solo refuerza la atmósfera emocional de la historia, sino que también juega un papel narrativo importante. Los temas compuestos para la banda de los protagonistas tienen un toque amateur intencionado, lo que los hace creíbles dentro de la trama. A medida que avanza la película, la música se convierte en un reflejo del crecimiento personal de los personajes, culminando en una secuencia final vibrante y emotiva.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Kimi no Iro. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Naoko Yamada. Guion: Reiko Yoshida. Música: Kensuke Ushio. Reparto principal (doblaje original): Sayu Suzukawa, Akari Takaishi, Taisei Kido, Yasuko, Aoi Yûki, Minako Kotobuki, Keiko Toda, Yui Aragaki. Producción: East Japan Marketing & Communications Inc., Lawson Group, Science SARU, Story (II), Toho Studios. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial: https://gkids.com/films/the-colors-within/

Crítica: ‘La última reina (Firebrand)’

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Sinopsis

Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.

Crítica

Más desafiante que terrorífica

‘Firebrand’, la cinta de Karim Aïnouz que se estrena en España bajo el título ‘La última reina’, se presenta como un relato feminista e interpretativo sobre Catalina Parr, última esposa de Enrique VIII. Promocionada como terror psicológico, la película tiende más hacia el drama histórico convencional, dejando de lado las posibilidades de tensión narrativa que brinda el terror y alzándose como thriller sentimental.

La trama gira en torno a la relación entre Catalina (Alicia Vikander) y Enrique (Jude Law). Este último se encuentra en un estadio físico y mental deteriorado debido a una infección que lo convierte en una figura grotesca y volátil. Si Enrique VIII se caracterizaba por su carácter caprichoso e impetuoso imaginad si está psicológicamente afectado por un problema de salud. Jude Law ofrece una interpretación inquietante de un monarca paranoico y cruel que aterroriza a su corte, mientras que Vikander representa una Catalina más idealizada que rigurosa. ‘La última reina’ intenta alzar a esta figura histórica como un mito revolucionario, de ahí el título original Firebrand” (agitadora). Ambos evidentemente están representados desde la imaginación más novelesca que quizá histórica.

La película insinúa momentos de suspense con las acusaciones de traición y herejía que amenazan la vida de Catalina, pero no logra mantener un clima de auténtica opresión. En lugar de explorar los matices oscuros de la relación entre los protagonistas o el miedo como una fuerza subyacente, la narrativa se enfoca en ensalzar a Catalina como una heroína adelantada a su tiempo y una figura desafiante a pesar incluso de las muertes de sus predecesoras. Esto desvía la película hacia un tono más político, sacrificando la atmósfera que cabría esperar de un thriller terrorífico.

Desde el punto de vista técnico, la película tiene sus méritos. La fotografía casi pictórica de Hélène Louvart y la partitura de Dickon Hinchliffe evocan una sensación de asfixia, reflejando el estado físico y emocional de sus personajes. Sin embargo todos coincidiremos en que el guión hace que la tensión conseguida con estos elementos se diluya entre tejemanejes cortesanos. El conflicto principal entre el drama de pareja y el terror psicológico radica en cómo se aborda la relación entre Catalina y Enrique. Un thriller psicológico efectivo habría profundizado en la manipulación, el miedo y la vulnerabilidad que define la dinámica de poder entre ambos, pero aquí esos elementos se tocan superficialmente. La película parece más cómoda relatando los conflictos externos, como las amenazas de los asesores de Enrique o las tensiones religiosas del reino, dejando al margen el potencial interno de la historia o el horror que sufre Catalina al intentar hacer valer sus ideas por encima de quienes la quieren como una mera proveedora de herederos.

‘La última reina’ destaca como un drama histórico cruel y lleno de desesperación encabezado por dos potentes figuras, pero no como la terrorífica historia que se nos promete. Aunque ofrece actuaciones notables y un diseño de producción impecable, su enfoque narrativo diluye el impacto emocional que podría haber alcanzado. La película es una reivindicación de Catalina Parr, pero carece de la profundidad y la intensidad que la habrían hecho memorable dentro de un género pocas veces vinculado a este periodo histórico. Podría haber sido un episodio más de ’Los Tudor’ o similares.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2024. Título original: Firebrand. Duración: 120 min. País: Reino Unido. Dirección: Karim Aïnouz. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Alicia Vickander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Sam Riley, Simon Russell Beale. Producción: MBK Productions, FilmNation Entertainment, Brouhaha Entertainment, Magnolia Mae Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.firebrandmovie.co.uk/

Crítica: ‘Daniela Forever’

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Sinopsis

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La vida pierde todo sentido para Nicolas con la pérdida de su novia Daniela. Un día es invitado a formar parte de un ensayo clínico que le permitirá controlar sus sueños y accede con la esperanza de recuperarse. Ahora Nicolas puede soñar con Daniela cada noche y reanudar su relación más idílica que nunca. Aunque sea en sueños. Y corriendo el riesgo de perderse en ellos para siempre.

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Crítica

Hay que despertar, aunque el sueño sea perfecto

Siempre que Nacho Vigalondo estrena película tengo que verla. Y se que mucha gente no comulga con sus historias, pero a mí me encanta que aun a día de hoy sea capaz de crear historias tan diferentes y originales.

‘Daniela Forever’ para mi fue una pequeña sorpresa, si, admito que iba gran interés y en el fondo sabía que me iba a gustar, pero también tengo que decir, que no sabía que me iba a gustar tanto, que iba a dar para tanta charla después del visionado y que haya logrado quedarse en mi mente después de tanto tiempo. Y eso es un logro en un mundo en el que olvidamos tan rápido las cosas.

Pero que vais a ver en ‘Daniela Forever’, pues una historia de amor, una historia sobre la pérdida y sobre lo peligroso que es quedarse atrapado en nuestros sueños.  Una mezcla entre ‘Origen’ y ‘Olvídate de mí’. Más cercana a la película de Nolan que a la de Michel Gondry, pero que deja el mismo sentimiento de tristeza y felicidad que la segunda.

Nicolas se enfrenta a la pérdida de Daniela. Atormentado por su muerte, descubre un tratamiento con el que poder controlar sus sueños, en un intento de recuperarse y sanar, se da cuenta que ahora puede soñar lo que quiera y revivir su vida junto a Daniela. Nicolas no es capaz de seguir adelante, no es capaz de comprender que necesita el luto en su vida y avanzar. Se adentra en los sueños para no sufrir, para ver que su vida sigue igual y que no necesita la vida real.

Con colores muy llamativos, imágenes preciosas y grandes ideas, vamos conociendo la historia de estas dos personas y de toda la gente que tienen a su alrededor. Un mundo lleno de ilusiones, imágenes bucólicas y por supuesto, un mundo en el que ellos son el centro de todo.

Henry Golding y Beatrice Grannò tienen una química muy bonita, representan una pareja perfecta, al menos en los sueños de Nicholas. En el reparto encontramos a Aura Garrido, con un papel también bastante bonito y lleno de misterio que de vez en cuando aparecerá en los sueños de Nicolas para atormentarle.

Ruben Ochandiano, Nathalie Poza, Frank Feys, Cindy Claes, Hidrogenesse, son parte de elenco que podemos encontrar en ‘Daniela Forever’.

Como he comentado, uno de los puntos fuertes de la cinta son sin duda sus imágenes, llenas de fuerza y color. Esto es gracias a Jon D. Domínguez, que crea una fotografía preciosa, en la que nos muestra Madrid más bonito que nunca. Y es que la ciudad es otra de las grandes protagonistas de la cinta. Esas calles en las que perderse, ese estrés que odiamos y a la vez necesitamos y que será clave en la vida de Daniela y Nicolas.

‘Daniela Forever’, es una película con mucho trasfondo y que como he comentado, al finalizar os va a dar para un buen debate. El final no va a gustar a todos, pero sin duda es un final bastante lógico para la historia que nos van contando. En mi caso, sin duda fue de mis películas favoritas de 2024, ya que la pude ver en Sitges y a día de hoy sigue en mi memoria.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Daniela Forever. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Nacho Vigalondo. Guion: Nacho Vigalondo. Música: Hidrogenesse. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido, Rubén Ochandiano, Nathalie Poza. Producción: Sayaka Producciones, Wrong Men, Mediacrest, XYZ Films, Filmin, Movistar Plus+, IPR.VC. Distribución: Filmax. Género: Ciencia ficción. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/daniela-forever/297

Crítica: ‘Paddington: aventura en la selva’

En qué plataforma ver Paddington: aventura en la selva

Sinopsis

Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, ‘Paddington: aventura en la selva’ encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.

Crítica

Mantiene esa inocencia que es todo un ejemplo a seguir

Tercera entrega de la saga a la que muchos nos acercamos por las bromas hechas en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’, la película protagonizada por Nicolas Cage y Pedro Pascal. Después de dos entregas aclamadas por la crítica y el público, ‘Paddington: aventura en la selva’ tenía la difícil tarea de mantener el encanto y la calidad de la saga. Sin embargo, con un cambio de director y un giro hacia la aventura buscatesoros clásica, la película se aleja del tono original que hizo tan especial a ‘Paddington’ (2014) y ‘Paddington 2’ (2017). Eso no tiene que ser necesariamente algo malo.

Las dos primeras películas fueron dirigidas por Paul King, quien logró equilibrar el humor, la emoción y la estética encantadora de la historia. Pero este director ha estado ocupado sin duda dándole el toque british a ‘Wonka’. ‘Paddington: aventura en la Selva’ cuenta con Dougal Wilson en la dirección, un debutante en esto del largometraje. Su experiencia en videos musicales y comerciales le permite aportar un toque visual atractivo, pero su narrativa es más convencional y menos innovadora que la de su predecesor. Uno de los mayores cambios es la partida de Sally Hawkins (que también estaba trabajando en ‘Wonka’), quien interpretaba a la Sra. Brown y ahora es reemplazada por Emily Mortimer. Aunque la transición es fluida y la película se enfoca en la dinámica familiar, el centro de atención es la expedición a Perú. Por mucho que suponga el regreso a casa para el osezno se pierde parte del encanto hogareño de las anteriores. Sin duda estamos ante el ‘Stuart Little’ de esta generación, dado su toque british y sus valores familiares y de hospitalidad, incluso en su tercera y animada entrega también se iba de aventuras a la naturaleza. Como decía, estos cambios no son necesariamente para mal, no estamos ante el caso de otra saga destrozada por el ansia de hacer más y más.

La historia sigue a Paddington y la familia Brown en la búsqueda de la desaparecida tía Lucy. La película introduce elementos de cine de aventuras al estilo de ‘Indiana Jones’ o ‘Tras el corazón verde’, con escenarios selváticos idealizados y el misterio de un tesoro perdido. Acaba apareciendo El Dorado y la selva amazónica acoge elementos occidentales como en ‘Fitzcarraldo’, pero prefiero no comparar y conviene alejar la sombra del molesto Klaus Kinski. Visualmente se va a más, al público se le aporta la misma cantidad de carcajadas, más adrenalina y menos momentos lacrimógenos o empalagosos. La ternura está menos presente pero es compensada con carcajadas. Sobre todo por la inclusión de Olivia Colman (que sí que ha sacado tiempo tras rodar ‘Wonka’) en la piel de una monja a medio camino de ‘Sonrisas y lágrimas’ y un personaje de ‘Los Simpson’ a punto de explotar, demencial.

Quién espere una visión fidedigna de Perú se va a llevar un chasco. Vale que estas historias de Michael Bond son un estandarte de la cultura británica, pero qué vamos a esperar de algo surgido de un cuento infantil en el que el protagonista es un oso con abrigo de pana adicto a la mermelada. Evidentemente no es un filme retratista, todo podría haber sucedido en cualquier selva. Lugares donde siempre se ha vituperado la huella de los conquistadores españoles. En ‘Paddington 3’ Antonio Banderas intenta lidiar con algo de luz ese tipo de legado.

El humor mudo sigue presente, con guiños incluso a sketches clásicos de Buster Keaton. Las mentiras piadosas, la manera tan correcta de afrontar los conflictos y la capacidad de ser magnánimo con una criatura tan exacerbadamente torpe siguen siendo señas de identidad. Tanto en el protagonista como en casi todo el filme, reina la inocencia. Reitero que quizá la emotividad esté mucho menos presente, pero hay que aplaudir que aún con todo y con eso este oso se gana nuestros corazones y se alza como un ejemplo a seguir. Seguir, quizá la franquicia no crezca con más películas, por lo menos su escena post-créditos no parece tener intenciones continuistas, pero seguro que los resultados de crítica y taquilla ponen a sus productores los dientes largos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Paddington in Peru. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Dougal Wilson. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Olivia Colman, Antonio Banderas. Producción: Studio Canal, Columbia Pictures, Stage 6 Films, Kinoshita Group, Canal+, Marmalade Films Ltd. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://paddingtonmovie.com/

Crítica: ‘Bridget Jones: loca por él’

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Sinopsis

Bridget está sola después de enviudar hace cuatro años, cuando Mark murió durante una misión humanitaria en Sudán. Es la madre de Billy, de nueve años, y de Mabel, de cuatro, y se encuentra en una especie de limbo emocional mientras cuida a los niños con la ayuda de sus mejores amigos y de un antiguo amante, Daniel Cleaver (Hugh Grant).

Presionada por su familia urbana, compuesta por Shazzer, Jude y Tom, su compañera de trabajo, Miranda, su madre y su ginecóloga, la Dra. Rawlings (la oscarizada Emma Thompson), se siente obligada a interesarse por la vida y el amor. Trabaja de nuevo e incluso prueba con una App de citas, a través de la cual conoce a un soñador más joven que ella (Leo Woodall, la serie “The White Lotus”). Mujer trabajadora, ama de casa, madre y enamorada (a medias), Bridget se enfrenta al enjuiciamiento de las madres perfectas en el colegio, se preocupa por Billy, que no acaba de acostumbrarse a no tener un padre, y mantiene una extraña relación con el muy racional profesor de Ciencias de su hijo (Chiwetel Ejiofor, nominado a un Oscar).

Crítica

Con más melancolía que nunca, vuelve el caos y los flirteos torpes de Jones

Cuarta entrega inspirada en las novelas de Helen Fielding. Bridget Jones ha vuelto, y esta vez, con más pundonor y el mismo caos. En ‘Bridget Jones: Loca por él’ la querida protagonista de la novela y películas interpretada por Renée Zellweger se enfrenta a la vida a los cincuenta y tantos, lidiando con la maternidad, el duelo y, por supuesto, las citas en la era digital.

La trama nos sitúa cuatro años después de la trágica muerte de Mark Darcy (Colin Firth), dejando a Bridget como madre soltera de dos hijos. A pesar de las adversidades, decide lanzarse al mundo de las citas modernas, donde los “me gusta” y los “match” son la nueva norma.   Aquí es donde entra Roxter (Leo Woodall), un joven que podría hacer que cualquiera reconsiderara su edad en Tinder.

Debo reconocer que nunca me ha gustado la manera en cómo Renée Zellweger actúa ante la cámara, sobre todo cuando se empeña en moverse como si fuese todo el rato fumada (supongo que sus continuos y no reconocidos retoques no ayudan). Y aunque la comedia romántica no suele ser mi taza de té, hay que admitir que esta entrega logra equilibrar el humor con momentos emotivos y es buen producto para su audiencia. Las situaciones cómicas, desde malentendidos tecnológicos hasta encuentros incómodos, son tan efectivos como actuales. Además, la química entre Zellweger y Woodall es sorprendentemente buena aportando una dinámica interesante que mantiene la atención del espectador. Pero lo mejor del filme es como sabe manejar el tema de la pérdida y los gags por parte de Hugh Grant y Mila Jankovic, quien interpreta a la incontrolable hija.

Además de saber meter algún que otro guión a los filmes anteriores el director Michael Morris ha sabido capturar la esencia de Bridget, presentándola como una mujer que, a pesar de las tragedias y lo que ha tardado en encontrase a sí misma y a su(s) media naranja, mantiene su optimismo y torpeza característica. La película también aborda temas relevantes como las presiones sociales sobre las mujeres maduras y la búsqueda de identidad en una etapa casi crepuscular de la vida. De hecho apuesta fuerte, más que en los filmes de Sharon Maguire y Beeban Kidron, por la sensiblería y el drama suavizado.

En resumen, ‘Bridget Jones: Loca por él’ es una comedia romántica que, aunque sigue fórmulas conocidas, ofrece una perspectiva fresca y actualizada de un personaje entrañable. Para aquellos que disfrutan del género, es una adición valiosa y para los que no, al menos es una excusa para reír y reflexionar sobre las ironías de la vida moderna.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de febrero de 2025. Título original: Bridget Jones: Mad About the Boy. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Michael Morris. Guion: Helen Fielding, Abi Morgan, Dan Mazer. Música: Dustin O’Halloran. Fotografía: Suzie Lavelle. Reparto principal: Renée Zellweger, Hugh Grant, Emma Thompson, Chiwetel Ejiofor, Leo Woodall. Producción: Universal Pictures, Stuio Canal, Miramax. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia romántica. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/bridget-jones-loca-por-el