Archivo del Autor: Furanu

Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

La Film Symphony Orchestra presenta un viaje musical por las bandas sonoras más legendarias del cine del Oeste

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Un homenaje sinfónico al alma del western

Los sonidos del lejano Oeste regresan con fuerza a los auditorios españoles gracias a WANTED, el nuevo espectáculo de la Film Symphony Orchestra, una propuesta que rinde tributo a algunas de las composiciones más icónicas de la historia del cine. Bajo la dirección de Constantino Martínez-Orts, este concierto se plantea como una experiencia inmersiva donde la música se convierte en narradora de duelos, paisajes infinitos y héroes solitarios.

El repertorio se apoya en piezas que han definido el imaginario colectivo del western, desde los silbidos y guitarras características hasta las orquestaciones más grandilocuentes. La propuesta no solo apela a la nostalgia, sino que reivindica el valor de la música como elemento esencial en la construcción del género.

De Ennio Morricone a John Williams: un recorrido por los grandes maestros

Uno de los pilares del espectáculo es la presencia de la mítica Trilogía del Dólar compuesta por Ennio Morricone, con temas de ‘Por un puñado de dólares’, ‘La muerte tenía un precio’ y ‘El bueno, el feo y el malo’. Estas piezas, reconocibles desde sus primeros compases, representan la esencia del spaghetti western.

El programa también incluye composiciones de otros grandes nombres del género como Elmer Bernstein con ‘Los siete magníficos’, Dimitri Tiomkin con ‘Solo ante el peligro’ o ‘El Álamo’, y Alfred Newman con ‘La conquista del Oeste’.

Además, el repertorio se abre a obras más modernas con compositores como James Newton Howard (‘Wyatt Earp’) o John Barry con ‘Bailando con lobos’, así como la aportación de John Williams en ‘Los Cowboys’.

Cuatro citas imprescindibles de WANTED en España

El espectáculo WANTED tendrá un recorrido limitado con solo cuatro conciertos en distintas ciudades españolas:

  • Madrid – 10 de abril – Auditorio Nacional de Música
  • Valencia – 24 de mayo – Palau de la Música
  • Gijón – 13 de junio – Teatro de La Laboral
  • Valladolid – 14 de junio – Centro Cultural Miguel Delibes

Estas citas prometen reunir a miles de espectadores en torno a una experiencia que combina cine, música y espectáculo en directo.

Una experiencia para fans del cine y la música

La Film Symphony Orchestra continúa consolidándose como una de las formaciones más populares en la interpretación de bandas sonoras en España. Su capacidad para trasladar al directo la emoción del cine convierte cada concierto en una experiencia sensorial completa.

Con WANTED, la orquesta apuesta por un género que ha dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte, ofreciendo al público la oportunidad de revivir sus momentos más emblemáticos a través de la potencia de la música sinfónica.

‘Spider-Man: Brand New Day’ lanza su esperado tráiler con un nuevo comienzo para Peter Parker

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Tom Holland regresa como Spider-Man en una historia que redefine su identidad

El primer tráiler de’ Spider-Man: Brand New Day’ ya está aquí y confirma lo que muchos fans esperaban: un reinicio emocional y narrativo para el personaje de Peter Parker dentro del Marvel Cinematic Universe. Tras los acontecimientos de ‘Spider-Man: No Way Home’, el mundo ha olvidado quién es Spider-Man, lo que abre la puerta a una etapa más solitaria y vulnerable del héroe.

Las primeras imágenes muestran a un Peter Parker reconstruyendo su vida desde cero, sin el apoyo de sus seres queridos y enfrentándose a una ciudad que ya no le reconoce. El tono del tráiler apunta a una historia más urbana, con un enfoque más cercano al Spider-Man clásico de los cómics.

Reparto confirmado y personajes clave

Tom Holland vuelve a ponerse el traje del trepamuros, consolidándose como una de las versiones más queridas del personaje. Junto a él regresa Zendaya como MJ, aunque su papel parece evolucionar tras la pérdida de memoria provocada en la anterior entrega. También vuelve Jacob Batalon en el papel de Ned Leeds, cuya relación con Peter será uno de los puntos emocionales clave si el personaje recupera sus recuerdos.

El tráiler deja entrever la presencia de enemigos como Scorpion, Boomerang, La Mano y Tombstone y por supuesto luce al ya anunciado Punisher de Jon Bernthal .

Un enfoque más callejero y clásico

Uno de los aspectos más comentados del tráiler es su estética, que parece alejarse de las grandes amenazas multiversales para centrarse en conflictos más terrenales. Nueva York vuelve a ser el eje principal de la acción, con persecuciones, combates cuerpo a cuerpo y una sensación constante de peligro urbano.

Este cambio de tono recuerda a las primeras historias del personaje en los cómics, donde Peter Parker debía equilibrar su vida personal con su responsabilidad como héroe, enfrentándose a enemigos más cercanos pero igualmente peligrosos. De hecho una escena del tráiler evoca a su primera portada.

Expectativas ante una nueva trilogía

‘Spider-Man: Brand New Day’ no solo plantea una nueva etapa, sino que podría sentar las bases de una futura trilogía dentro del universo Marvel. La idea de reconstruir al personaje desde sus cimientos, con un enfoque más humano y emocional, ha generado una gran expectación entre los seguidores. Aunque los detractores comentan que estamos ante un nuevo mefistazo.

Con este primer adelanto, Marvel deja claro que el camino de Spider-Man está lejos de terminar y que, en esta nueva fase, el héroe deberá enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a la soledad y las consecuencias de sus decisiones.

Lanzamientos de Arvi Licensing para abril de 2026

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Todo disponible el 22 de abil

El mercado del formato físico sigue demostrando su vigencia con una nueva oleada de lanzamientos que aterrizarán el próximo 22 de abril, llevando a los hogares algunos de los títulos más comentados del panorama reciente. Estas ediciones estarán disponibles en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD, muchas de ellas acompañadas de versiones especiales pensadas para coleccionistas, como steelbooks y ediciones metálicas limitadas.

Entre los lanzamientos más destacados que preparan desde Arvi Licensing se encuentra ‘Núremberg’, un intenso drama judicial protagonizado por Russell Crowe y Rami Malek. La película aborda uno de los episodios más relevantes del siglo XX, centrado en los juicios que sentaron las bases del derecho internacional moderno.

Terror, ciencia ficción y secuelas esperadas

El género fantástico y de terror tendrá también un peso importante con la llegada de ‘28 años después: El templo de los huesos’, una nueva entrega que amplía su universo con un tono más oscuro y visceral. Este lanzamiento contará igualmente con ediciones especiales en alta definición, reforzando su atractivo para los seguidores de la saga.

Por otro lado, ‘El médico II’ continúa la historia iniciada en la exitosa adaptación literaria, combinando ciencia, fe y aventura en una propuesta épica. A su vez, el terror psicológico toma protagonismo con ‘Keeper’, dirigida por Osgood Perkins, que promete transformar lo cotidiano en una experiencia inquietante.

Cine de autor y relatos íntimos

El catálogo también deja espacio para propuestas más personales y autorales. ‘The History of Sound’, protagonizada por Paul Mescal y Josh O’Connor, se presenta como un viaje emocional en torno a la identidad y la música.

Especial atención merece ‘Anémona’, un proyecto muy personal de Daniel Day-Lewis, quien da un paso más retomando su carrera participando también tras las cámaras. Este título se perfila como una de las propuestas más singulares de la temporada.

Clásicos reinventados y homenajes musicales

El tono más ligero llega con ‘Song Sung Blue’, protagonizada por Hugh Jackman y Kate Hudson, que rinde homenaje al legado musical de Neil Diamond.

En el extremo opuesto, ‘Bambi: La venganza’ reinterpreta el clásico desde una perspectiva completamente oscura, transformando un relato conocido en una pesadilla contemporánea que apuesta por el terror.

Con este abanico de títulos, el 22 de abril se presenta como una fecha clave para coleccionistas y cinéfilos que siguen apostando por el formato físico como una forma de disfrutar del cine con la máxima calidad y contenidos adicionales.

‘Tafiti y sus amigos’: clip en exclusiva

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Una fábula infantil ambientada en el desierto más antiguo del mundo

El cine familiar europeo suma una nueva propuesta para los más pequeños con ‘Tafiti y sus amigos’, una película de animación inspirada en los populares cuentos infantiles creados por la escritora Julia Boehme e ilustrados por Julia Ginsbach. Con dirección de Nina Wells, la cinta adapta a la gran pantalla el universo de esta curiosa suricata que ha conquistado a miles de lectores infantiles.

En nuestra web os ofrecemos un clip en exclusiva de esta aventura ambientada en el desierto del Namib, una historia que combina humor, emoción y una clara reivindicación de la amistad y la cooperación.

La película llegará a los cines españoles el próximo 20 de marzo, distribuida por Vercine.

El Namib como escenario de una aventura llena de humor y emoción

El espectacular paisaje del Desierto del Namib sirve como telón de fondo para esta historia dirigida al público infantil. Considerado el desierto más antiguo del planeta, su geografía se convierte en un escenario perfecto para estimular la imaginación de los más pequeños. En ‘Tafiti y sus amigos’, la naturaleza no es solo un paisaje, sino un territorio lleno de desafíos que obligan a los protagonistas a colaborar para superar obstáculos. La película apuesta por un tono ligero y optimista, muy cercano al espíritu de los cuentos originales.

La directora Nina Wells subraya además la importancia del humor dentro del relato, un elemento esencial para conectar con la audiencia infantil: “Los niños quieren reír. A pesar de toda la tensión y del peligro, la risa es fundamental, especialmente en estos tiempos”.

Una adaptación cinematográfica de una popular colección de cuentos

La película está basada en la serie literaria infantil protagonizada por Tafiti, una colección de más de veinte libros escritos por Julia Boehme e ilustrados por Julia Ginsbach. Estos cuentos, muy populares en Alemania, están pensados para ayudar a los niños a dar sus primeros pasos en la lectura autónoma. A través de pequeñas aventuras, las historias abordan conflictos cotidianos de la infancia sin caer en el tono moralizante.

Valores como la cooperación, el respeto, la igualdad o la aceptación de las diferencias forman parte del núcleo temático de la saga, siempre acompañados por una buena dosis de humor y situaciones divertidas.

Reconocimientos en festivales internacionales de cine infantil

Antes de su llegada a las salas, ‘Tafiti y sus amigos’ ya ha iniciado su recorrido en festivales especializados en cine infantil. La película fue seleccionada en la sección familiar CineKindl del Festival de Cine de Múnich, donde consiguió el Premio de la Audiencia y una nominación a mejor película. Según el propio certamen, este galardón es elegido por “posiblemente el jurado más estricto y honesto del mundo”: el público infantil.

Además, la cinta recibió dos nominaciones en el Festival Internacional de Cine Infantil y Jóvenes Audiencias SCHLiNGEL de Chemnitz: al Gran Premio de la Ciudad y al Premio de la Competición Nacional.

Una producción alemana que apuesta por el cine familiar

La película es una producción de las compañías Tradewind Pictures y Little Dream Entertainment, dos estudios con experiencia en proyectos dirigidos al público infantil. La directora Nina Wells ya ha trabajado previamente en otras producciones familiares como ‘Knight Rusty’, ‘Coco el pequeño dragón’ o ‘Latte y la piedra mágica’, consolidando una trayectoria vinculada al cine de animación europeo para niños.

Crítica: ‘Una hija en Tokio’

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En qué plataforma ver Una hija en Tokio

El mapa más difícil de descifrar no es el metro de Tokio, es el corazón de estos protagonistas

El cine europeo lleva décadas explorando el choque cultural como herramienta dramática, pero pocas veces lo hace desde una perspectiva tan íntima y silenciosa como la que propone ‘Una hija en Tokio’, el drama dirigido por Guillaume Senez y protagonizado por Romain Duris. A primera vista, su planteamiento podría recordar inevitablemente a ‘Wasabi’, la popular comedia de acción protagonizada por Jean Reno y escrita por Luc Besson. En ambos casos encontramos a un padre francés que viaja a Japón para reconectar con una hija a la que apenas conoce. Sin embargo, cualquier similitud termina ahí.

Lejos del tono desenfadado y caricaturesco de aquella película de principios de siglo, ‘Una hija en Tokio’ opta por un drama contenido, profundamente humano y marcado por la incomunicación emocional. La película narra la historia de Jay, un francés que lleva casi una década recorriendo las calles de Tokio en un taxi que ni siquiera es suyo mientras busca a la hija que perdió tras su separación. Cuando está a punto de desistir parece tener suerte y cree haberla encontrado, pero la joven no lo reconoce. Ese momento, aparentemente sencillo, sirve como detonante de una historia sobre la identidad, la paternidad y el peso de las diferencias culturales.

La propuesta de Senez no pretende ofrecer un relato de redención convencional. Más bien se construye como una observación paciente de un hombre que intenta recuperar un vínculo roto en un país cuya cultura y leyes parecen conspirar contra él.

Un choque cultural que condiciona cada gesto

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Una hija en Tokio’ es la manera en que la película utiliza el choque cultural como elemento narrativo constante. No se trata solo de la distancia geográfica entre Francia y Japón, sino de un abismo emocional y social que condiciona cada interacción. La trama se inspira en una realidad jurídica japonesa poco conocida en Europa: en los divorcios, la custodia suele recaer exclusivamente en uno de los padres, el que primero se lleva al hijo/a, sin que exista un sistema de custodia compartida ni visitas garantizadas. Esta circunstancia ha generado miles de casos de padres y madres que pierden todo contacto con sus hijos, algo que el propio director investigó entrevistando a personas afectadas por esta situación.

Por otro lado, Senez evita caer en el exotismo fácil. La intención era clara: retratar un Japón cotidiano, casi invisible, lejos de la postal turística. Aparecen lugares conocidos como el cruce de Shibuya o el Shinjuku Golden-Gai, pero desde una perspectiva alejada de lo instagrameable. Esa decisión estética refuerza la sensación de aislamiento del protagonista. Tokio aparece como un espacio inmenso y críptico en el que Jay se desenvuelve con más soltura que dentro de sus propios sentimientos, por lo que no deja de sentirse fuera de lugar.

Esta mezcla entre la sensibilidad narrativa francesa y la introspección emocional japonesa produce un ritmo particular. La historia avanza despacio, a veces con una deliberada sensación de estancamiento. Pero ese tempo pausado forma parte del discurso de la película: reconstruir una relación rota no es algo que suceda de forma inmediata y el mapa para encontrar el camino correcto se antoja más difícil que el del metro de Tokio.

Romain Duris y la desesperación silenciosa de un padre

Si la película funciona emocionalmente es, en gran medida, gracias al trabajo de Romain Duris. El actor, conocido por títulos como ‘Los tres mosqueteros’ o ‘Esperando a Mister Bojangles’, demuestra una vez más que pertenece a ese grupo de intérpretes capaces de dominar registros muy distintos.

En ‘Una hija en Tokio’ su actuación es profundamente emocional. Duris compone a un hombre cansado, obstinado y vulnerable, atrapado entre su deseo de recuperar a su hija y las barreras culturales que le impiden hacerlo. El actor incluso tuvo que aprender japonés fonéticamente hablando para el papel, una preparación poco habitual en su carrera. Curiosamente, según contó el propio equipo del film, su pronunciación llegó a ser demasiado correcta para el personaje, por lo que tuvo que “desaprender” parte del idioma para sonar como un extranjero real.

Ese detalle resume bastante bien el espíritu de la película: todo en ella gira en torno a la idea de no encajar del todo. Jay vive en Japón desde hace años, pero nunca deja de ser un outsider, un gaijin. La desesperación de su personaje no se expresa mediante grandes explosiones dramáticas, sino a través de una resistencia casi obstinada. También se construye el personaje a través de la aparición de actores secundarios que han pasado previamente por las mismas fases que él.

Un drama sobre lo que nunca se puede recuperar del todo

‘Una hija en Tokio’ es una película sobre el tiempo perdido. Sobre esos vínculos familiares que, una vez rotos, jamás vuelven a reconstruirse exactamente igual. Guillaume Senez construye un drama que evita el sentimentalismo fácil y que apuesta por una mirada más realista sobre la paternidad, el desarraigo y la identidad cultural. Su fuerza reside precisamente en los pequeños momentos de conexión que surgen entre dos personas que deberían conocerse, pero que en realidad son casi extrañas.

En un mundo donde todo parece resolverse de manera inmediata, ‘Una hija en Tokio’ recuerda que ciertas heridas requieren años y a veces toda una vida para empezar a cicatrizar. En un panorama cinematográfico cada vez más dominado por narrativas frenéticas, la película de Senez apuesta por el silencio, la observación y la paciencia. Y en esa apuesta reside, precisamente, su mayor virtud.

Ficha de ‘Una hija en Tokio’

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Une part manquante. Duración: 98 min. País: Francia. Dirección: Guillaume Senez. Guion: Guillaume Senez, Jean Denizot. Música: Olivier Marguerit. Fotografía: Elin Kirschfink. Reparto principal: Romain Duris, Judith Chemla. Producción: Les Films Pelléas, Versus Production, France 2 Cinéma, RTFB, Proximus, VOO, BE TE, Savage Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial.

Palmarés de los Oscars 2026

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Narramos todos los premios y momentos clave de los Oscars 2026

La 98ª edición de los Premios de la Academia como siempre pasa a ser una noche histórica en Hollywood. Este año, la indiscutible favorita por número de nominaciones era el thriller de terror ‘Sinners (Pecadores)’, que ha hecho historia al romper todos los récords con unas asombrosas 16 nominaciones. Todos sabíamos que el número final de estatuillas se reduciría finalmente y se ceñirían a temas técnicos pero no fue así pues tanto Michael B. Jordan como Ryan Coogler subieron a por premios por Mejor Actor y Mejor Guión respectivamente. Por criterio y casi unánimemente la favorita era la gran epopeya contemporánea de Paul Thomas Anderson, ‘Una batalla tras otra’ con 13 nominaciones. Aunque ambas han acaparado focos y premios en la temporada actual, hay otros títulos que se han quedado fuera o con menos nominaciones, como es el caso de ‘Frankenstein’, ‘Marty Supreme’ o ‘Valor sentimental’ que contaban con la nada desdeñable cantidad de 9 candidaturas, seguidas por el aclamado drama ‘Hamnet’ con 8.

La gala arrancó con un gag usando a ‘Weapons’ como hilo conductor y con las clásicas bromas hacia los invitados por parte del presentador Conan O’Brien. Y la noche se reservó muchas bromas, también con algo de miedo hacia el futuro, un futuro en el que la robótica, la IA o los formatos verticales pondrán en jaque a la industria. No obstante, conscientes de ello, la Academia bromeó con el hecho de que en 2027 los Oscars podrán ser vistos gratis en Youtube, esto es un hecho ya anunciado que acaba con los derechos de retransmisión para Disney.

La noche pasará a la historia por ser la primera gala en la que se premió al mejor casting, quizá el año que viene por fin celebremos que se reconoce a los actores que se dejan la piel por las estrellas como son los dobles de acción. La persona que ha pasado a los libros de historia del cine por ello es Cassandra Kulukundis por su selección de actores y actrices para ‘Una batalla tras otra’. Otro hecho raro e histórico aunque no visto por primera vez es el empate en el premio a Mejor Cortometraje y el hecho de que por fin una mujer (Autumn Durald) haya ganado el premio a Mejor Fotografía.

Por supuesto en estos Oscars 2026 hubo mensajes y dardos para el gobierno de Trump y los valedores de las guerras de hoy en día, empezando por las reivindicaciones por parte de Javier Bardem en la mismísima alfombra roja antes y también en el momento de entregar uno de los premios, el de película de habla no inglesa. También aprovechó Jimmy Kimmel en su reaparición en los Oscars y los ganadores a mejor documental. Pero también fueron mensajes emotivos aquellos sucedidos durante el in memoriam. Y es que este año numerosos artistas han fallecido y la Academia ha decidido que sus amigos tuviesen momentos para dirigirles unas palabras.

La noche estuvo muy reñida entre ‘Una batalla tras otra’ (6) y ‘Los pecadores’ (4). Este duelo tan igualado ha sido considerado por muchos como una celebración para el cine crítico con la Norteamérica actual y para el género fantástico. Para otros tantos es una victoria para Warner, que es propietaria de esas dos películas y que últimamente está en boca de todos por su probable venta. Quizá la mayor sorpresa para casi todo el mundo es que ‘Hamnet’ se ha ido casi de vacío, pues únicamente se alzó con un premio prácticamente cantado, el de Mejor Actriz para Jessie Buckley. Y por otro lado en cuarto puesto del palmarés el hecho de que aparezca ‘Frankenstein’ con tres estatuillas. A continuación, podéis leer el recuento y el palmarés al completo.

Oscars 2026 ordenados por películas más premiadas

  • ‘Una batalla tras otra’ – 6
  • ‘Los pecadores’ – 4
  • ‘Frankenstein’ – 3
  • ‘Las guerreras k-pop’ – 2
  • ‘Hamnet’ – 1
  • ‘Weapons’ – 1
  • ‘F1: La película’ – 1
  • ‘Valor sentimental’ – 1
  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’ – 1
  • ‘The singers’ – 1
  • ‘The Girl Who Cried Pearls’ – 1
  • ‘Mr. Nobody Against Putin’ – 1
  • ‘All the Empty Rooms’ – 1
  • ‘Two People Exchanging Saliva’ – 1

Listado completo de ganadores de los Oscar 2026

Mejor película

  • ‘Bugonia’
  • ‘F1: La película’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘El agente secreto’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor dirección

  • Paul Thomas Anderson, por ‘Una batalla tras otra’
  • Josh Safdie, por ‘Marty Supreme’
  • Joachim Trier, por ‘Valor sentimental’
  • Ryan Coogler, por ‘Los pecadores’
  • Chloé Zhao, por ‘Hamnet’

Mejor actriz

  • Jessie Buckley, por ‘Hamnet’
  • Rose Byrne, por ‘Si pudiera, te daría una patada’
  • Kate Hudson, por ‘Song Sung Blue’
  • Renate Reinsve, por ‘Valor sentimental’
  • Emma Stone, por ‘Bugonia’

Mejor actor

  • Timothée Chalamet, por ‘Marty Supreme’
  • Leonardo DiCaprio, por ‘Una batalla tras otra’
  • Ethan Hawke, por ‘Blue Moon’
  • Michael B. Jordan, por ‘Los pecadores’
  • Wagner Moura, por ‘El agente secreto’

Mejor actriz de reparto

  • Elle Fanning, por ‘Valor sentimental’
  • Inga Ibsdotter Lilleaas, por ‘Valor sentimental’
  • Amy Madigan, por ‘Weapons’
  • Wunmi Mosaku, por ‘Los pecadores’
  • Teyana Taylor, por ‘Una batalla tras otra’

Mejor actor de reparto

  • Benicio del Toro, por ‘Una batalla tras otra’
  • Jacob Elordi, por ‘Frankenstein’
  • Delroy Lindo, por ‘Los pecadores’
  • Sean Penn, por ‘Una batalla tras otra’
  • Stellan Skarsgård, por ‘Valor sentimental’

Mejor guion original

  • ‘Blue Moon’
  • ‘Un simple accidente’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’

Mejor guion adaptado

  • ‘Bugonia’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor montaje

  • ‘F1: La película’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’

Mejor fotografía

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor casting

  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘El agente secreto’
  • ‘Los pecadores’

Mejor diseño de producción

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’

Mejor vestuario

  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Los pecadores’

Mejor maquillaje y peluquería

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Kokuho’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘The Smashing Machine’
  • ‘La hermanastra fea’

Mejores efectos visuales

  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’
  • ‘F1: La película’
  • ‘Jurassic World: El renacer’
  • ‘Laberinto en llamas’
  • ‘Los pecadores’

Mejor sonido

  • ‘F1: La película’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sirat’

Mejor banda sonora original

  • ‘Bugonia’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’

Mejor canción original

  • ‘Dear Me’, de ‘Diane Warren: Relentless’
  • ‘Golden’, de ‘Las guerreras k-pop’
  • ‘I Lied to You’, de ‘Los pecadores’
  • ‘Sweet Dreams of Joy’, de ‘Viva Verdi!’
  • ‘Train Dreams’, de ‘Sueños de trenes’

Mejor película de animación

  • ‘Arco’
  • ‘Elio’
  • ‘Las guerreras k-pop’
  • ‘Little Amélie’
  • ‘Zootrópolis 2’

Mejor película de habla no inglesa

  • ‘El agente secreto’
  • ‘Un simple accidente’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Sirat’
  • ‘La voz de Hind’

Mejor documental

  • ‘The Alabama Solution’
  • ‘Come See Me in the Good Light’
  • ‘Cutting Through Rocks’
  • ‘Mr. Nobody Against Putin’
  • ‘The Perfect Neighbor’

Mejor cortometraje de ficción

  • ‘Butcher’s Stain’
  • ‘A Friend of Dorothy’
  • ‘Jane Austen’s Period Drama’
  • ‘The Singers’
  • ‘Two People Exchanging Saliva’

Mejor cortometraje de animación

  • ‘Butterfly’
  • ‘Forevergreen’
  • ‘The Girl Who Cried Pearls’
  • ‘Retirement Plan’
  • ‘The Three Sisters’

Mejor cortometraje documental

  • ‘All the Empty Rooms’
  • ‘Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud’
  • ‘Children No More: ‘Were and Are Gone»
  • ‘The Devil Is Busy’
  • ‘Perfectly a Strangeness’

Palmarés del 29 Festival de Málaga

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Citamos los títulos más premiados y a los cuales no perder de vista para esta temporada

La 29ª edición del Festival de Málaga ha echado el cierre con un palmarés que, por encima de los grandes artificios, ha decidido premiar la verdad desnuda. El triunfo de ‘Yo no moriré de amor’, de Marta Matute, no es solo un reconocimiento a una dirección novel brillante, sino una declaración de intenciones del jurado presidido por Jaione Camborda: el cine que importa hoy es aquel que se atreve a mirar de frente a las heridas de lo cotidiano. La cinta no solo se alzó con la Biznaga de Oro a Mejor Película Española, sino que confirmó su calado emocional con los premios de interpretación para Júlia Mascort y el veterano Tomás del Estal. En parte el filme ‘Iván & Hadoum’ se ha llevado una buena porción del palmarés con 3 reconocimientos.

Sin embargo, el equilibrio internacional llegó de la mano de la Biznaga de Oro Iberoamericana para ‘El jardín que soñamos’. Joaquín del Paso ha firmado una obra visualmente hipnótica (merecidísima su Biznaga a la Mejor Fotografía para Gökhan Tiryaki) que utiliza la metáfora para hablar de realidades complejas, logrando además el premio a la Mejor Dirección.

Mención aparte merece el fenómeno de ‘Hangar rojo’. Aunque la crítica y el público a veces caminan por sendas separadas, en esta ocasión han convergido en la obra de Juan Pablo Sallato. Al llevarse tanto el Premio Especial del Jurado de la Crítica como el Premio del Público ‘El País’, la película se posiciona como el título imprescindible de esta edición, reforzada por el trabajo actoral de Nicolás Zárate. Málaga 2026 nos deja un mensaje claro: el cine en español goza de una salud de hierro, capaz de transitar entre el drama íntimo de Matute y la potencia visual de Del Paso sin perder la conexión con el espectador.

Palmarés del Festival de Málaga 2026 al completo

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Jaione Camborda (Presidenta), Belén Funes, Loreto Mauleón, Daniela Michel, Rosa Montero, Gastón Pauls y Santiago Roncagliolo, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 8.000 euros
Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 8.000 euros
El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso.

BIZNAGA DE PLATA ‘PEUGEOT’ PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Júlia Mascort por Yo no moriré de amor.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Ángeles Pradal por Ángeles.

BIZNAGA DE PLATA ‘MAKE & MARK’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Nicolás Zárate por Hangar rojo.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Silver Chicón por Iván & Hadoum.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO
María Magdalena Sanizo por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO
Tomás del Estal por Yo no moriré de amor.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN
Ian de la Rosa por Iván & Hadoum

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA
Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Gökhan Tiryaki por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE                                                                                                                                                      
Valeria Hernández y Sebastián Brahm por Hangar rojo.

Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA
El Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Norberto Chab, José Antonio Díaz y Marcelo Stiletano, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA a Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Francisco Aranda, María José Bueno, Pedro Monzón, Lucía Muñoz, Miguel Núñez y Laura Sánchez, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO ‘EL PAÍS’ a Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO (VOTACIÓN EN SALA)
Pioneras. Sólo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz.

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES FUERA DE CONCURSO

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes Fuera de Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Víctor Blanco, Lola García, Luis Alfonso Martínez, Víctor Martínez, Valeria Molinelli, Emilio Pérez, David Ramos, Hugo Saavedra y Sara Volpini, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a Dos días, de Gonzaga Manso.

SECCIÓN OFICIAL ZONAZINE

El Jurado Oficial de la Sección Oficial ZonaZine de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por, Nicolás Gil Lavedra, Àlex Monner y Paula Palacios otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 4.000 euros
La carn (La carne), de Joan Porcel.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 4.000 euros
Oca, de Karla Badillo.

MENCIÓN ESPECIAL a Los Nadadores, de Sol Iglesias.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Gwai Lou por We are the jungle (Somos la jungla)

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Angela Sarafyan por Quase Deserto.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Lluís Garau por La carn (La carne)

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Oca, de Karla Badillo.

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 4.000 euros, para El mapa para tocarte, de Mercedes Afonso.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO a Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN a María Molina Peiró por Como todo mortal.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO a A voz de Deus (La voz de Dios), de Miguel Antunes Ramos.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL a Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DOCUMENTALES
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, dotado con 2.000 euros, a Los días azules de Javier García Lerín.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL a Los días azules, de Javier García Lerín.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DE FICCIÓN
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, para Talk Me, de Joecar Hanna.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN a Marc Camardons por Per bruixa i metzinera.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA a Sonia Almarcha y Mirela Balic por Una vocal.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA a Chete Guzmán por Epifanía.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Instrucciones para cocinar un pollo bajo tierra, de Oliva Delcán y Nacho Sánchez.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, elegida por votación del público asistente a la sala, es para El lago silente, de Varo López.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES IBERSHORTS
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE IBEROAMERICANO a Domingo familiar, de Gerardo del Razo.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES ANIMAZINE
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN, dotado con 2.000 euros, a Pinchu es así, de Carmen Córdoba.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Bobs, de Júlia Marcó.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES MÁLAGA
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, a Las desqueridas, de Charlie García Villalba y Gonzalo Ruiz Esteban.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para En Toronto no pasan estas cosas, de Manolo Orellana Naranjo.

SECCIÓN OFICIAL MOSAICO. PANORAMA INTERNACIONAL
La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, dotada con 8.000 euros a la distribuidora en España y elegida por votación del público asistente a la sala, es para Les enfants vont bien (Los niños están bien), de Nathan Ambrosioni.

BIZNAGAS MÁLAGA CINEMA

Ana de Alva
Juan Antonio Espigares
María Pepa Lara García
Concha Baquero (in memoriam)

AYUDAS A LA PRODUCCIÓN

Un pingüino en el desierto, de José Rodríguez-Vergara Pérez (3.500 euros)
La exorcista, de Marga Dorao (4.000 euros)
Azucenas, de Daniel Parra(4.500 euros)
Los ojos que no lloraron, de Sonia Madrid (4.500 euros)
Perdón, de José Vega (4.500 euros)
Sonia y Selena, de Nerea Guitart (4.500 euros)
Destello eterno, de Paula Sánchez Lobato y Pedro Jesús Medina Criado (6.000 euros)
El heredero, de Jorge Rivera (6.000 euros)
Los de aquí, de José Mari Martínez y Martí Juan Balet (6.000 euros)
Un espejo adulto, de Daniel Fraga y Andrés Goñi (6.000 euros)

PREMIOS AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES

BIZNAGA DE PLATA PRIMER PREMIO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental
Llamarse Olimpia, de Indira Cato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES AL MEJOR DOCUMENTAL
Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas.

BIZNAGA DE PLATA MÁLAGA MUJERES EN ESCENA al cortometraje No estamos locos, de Lucia Criado Rosas.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR TRABAJO DE FICCIÓN
Pietra, de Cynthia Levitan.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR DOCUMENTAL
Pasionaria. Dolores Ibárruri, de Amparo Climent.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO MUJERES EN ESCENA
Un hombre libre, de Laura Hojman.

PREMIOS CINEMA COCINA

El Jurado Oficial de la sección Cinema Cocina de la 29 edición del Festival de Málaga, formado por Jacobo Gavira, Sacha Hormaechea y Paco Cruz Rivera, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘CERVEZAS VICTORIA´ AL MEJOR LARGOMETRAJE, dotado con 4.000 euros
Decían que aquí no se había nada, de Jorge Fernández Mayoral.

BIZNAGA DE PLATA ‘ALIMENTOS DE ESPAÑA’ AL MEJOR CORTOMETRAJE, dotado con 2.000 euros
Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets, David Salvador y Víctor Solsona.

El Jurado Popular de la sección Cinema Cocina, integrado por David Correa, Manuel F. Duarte, Rosario Alba Gaitán, Manuel Lucas Rodríguez y Remedios Reina, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘BODEGAS EMILIO MORO’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE
Todos los días domingo, de Abraham López Feria.

BIZNAGA DE PLATA ‘DIPUTACIÓN DE JAÉN’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE
Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets y David Salvador.

OTROS PREMIOS

BIZNAGA QUIRÓNSALUD AL DOCUMENTAL MÁS SOCIAL para La huella y el tiempo, de Raúl Vaquero.

BIZNAGA THE CORE SCHOOL AL MEJOR CORTOMETRAJES para Killjote, de Ángel Villahermosa.

PREMIO ESCUELAS DE CINE AL MEJOR LARGOMETRAJE DE ZONAZINE
El Jurado Escuelas de Cine de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Nicole Benvenuti, Jesús Criado, David Fernández, Alejandro Gil, Damaris Martín, Roberto Salas y Stella Vanrose , otorga el PREMIO ESCUELAS DE CINE A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN ZONAZINE a We Are the Jungle (Somos la jungla), de Gwai Lou.

PREMIO ASECAN ÓPERA PRIMA DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO
El jurado formado por Sofía Carvajal, Álvaro García-Baquero y Carlos Mera, miembros de la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía, otorga el premio a Corredora, de Laura García Alonso.

PREMIO FEROZ PUERTA OSCURA 2026 AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO
Los miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España acreditados como Prensa han elegido en votación secreta que el premio es para Yo no moriré de amor, de Maite Matute.

PREMIO SIGNIS AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO
La Organización Católica Mundial para los Medios de Comunicación, a través de su jurado compuesto por Rosa Die, Wolfgang Hamdorf y Belén Pérez Llamas, otorga el premio a la película La mujer de la fila, de Benjamín Ávila.

Crítica: ‘La cosa en la niebla’

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Un viaje con gracia y misterio pero sin cinturón de seguridad a través de la ciencia ficción

Cuando nos sentamos en la butaca del cine para enfrentarnos a una ópera prima de un director, a menudo esperamos encontrarnos con un ejercicio de contención, un drama intimista o una historia que no arriesgue demasiado. Sin embargo, el director Chedey Reyes ha decidido que su carta de presentación en el largometraje sea exactamente lo opuesto. Con ‘La cosa en la niebla’, Reyes nos invita a abrocharnos los cinturones en un vuelo turbulento que esquiva a volantazos la prudencia narrativa. Encerrados en la cabina de un avión de pasajeros, nos sumergimos en una aventura que abraza el caos cósmico, el humor absurdo y el terror con una pasión desbordante que contagia desde el primer fotograma hasta los créditos finales donde han introducido unas siempre divertidas secuencias de tomas falasas.

Un despegue entre el homenaje pulp y el neón retro

Para entender la propuesta visual de esta cinta, hay que dejar los prejuicios estéticos del cine contemporáneo en la puerta de embarque. La película es una mezcla con sabor pulp y color retro lisérgico de las producciones fosforitas de ciencia ficción de los 60 y 70. Lejos de las paletas desaturadas y grises que inundan las superproducciones de hoy en día, aquí los colores estallan en la pantalla, creando una atmósfera alienígena, extraña e irreal.

Resulta interesante descubrir, buceando entre las curiosidades de su rodaje, que para lograr este entorno inmersivo sin caer en el aspecto plano del croma tradicional, el equipo rodó en Gran Canaria utilizando pantallas de tecnología LED, imitando el estilo Stagecraft tan popularizado por ‘The Mandalorian’. Al proyectar los fondos nubosos o interdimensionales en tiempo real, los rostros de Ismael, un piloto veterano interpretado con una vis cómica impecable por Martín Garabal, y Daniela, su atípica y novata copiloto a la que da vida Elena de Lara, se tiñen orgánicamente con esas luces vibrantes. A través de los cristales surge una amenaza que evoca directamente a los cómics clásicos sesenteros como ‘Mars Attacks’ o ‘Strange Tales’.

Más allá de John Carpenter: ecos de la ciencia ficción de culto

El título de la cinta es toda una declaración de intenciones. Cualquiera que ame el terror clásico sabe a qué maestro del terror se está invocando. Sin embargo, limitar la película a un simple tributo sería injusto. Aunque el propio título y muchos otros guiños recuerdan a películas de Carpenter como ‘They live’, a nuestra cabeza también vienen referentes más cercanos como ‘Perdidos’, ‘Fringe’, clásicos de la ciencia ficción cómica como ‘Men in Black’ o la actual ‘Pluribus’, rodada en buena parte también en Canarias. No quiero entrar en más detalles al respecto por no destriparos nada, pero espero que esos referentes susciten tanto vuestra imaginación como para comprar una entrada si os llegáis a cruzar con esta película.

El guion, firmado por Juan José Ramírez Mascaró, es un artefacto que asimila todas estas influencias y las destila en un formato claustrofóbico. Nos encontramos ante una narrativa que sabe combinar la tensión de la supervivencia a miles de pies de altura con las anomalías del estratosféricas. Los diálogos tienen una chispa y un carisma que lo protagonistas han sabido materializar, de tal modo que rápidamente nos enganchamos a su aventura.

La imaginación desatada como única regla de vuelo

Lo que verdaderamente convierte a ‘La cosa en la niebla’ en una experiencia divertida es su absoluta falta de complejos. Llega un momento en el que parece que puede salirte por donde sea, pero por donde sea en plan de términos fantásticos con cualquier tipo de giro o solución. Chedey Reyes y su equipo no tienen reparos en dar rienda suelta a la imaginación puramente de ciencia ficción, abandonando las pesadas ataduras del realismo para abrazar lo inverosímil.

Eso está divertido porque tanto guionista como espectador juegan con la trama según se va sucediendo. La película juega constantemente con la imaginación y con el conocimiento de fantástico del espectador. Cuando crees que la historia tomará la ruta predecible de un thriller de la aviación, te lanza a la cara una paradoja loca. Es evidente que no busca la verosimilitud científica, busca el impacto, la sorpresa y la pura diversión. En definitiva, ‘La cosa en la niebla’ es un billete de ida a otra dimensión que demuestra que, con atrevimiento, el cine de género puede volar por encima de cualquier expectativa.

PD: que los protagonistas vistan el mismo traje de tripulación que Robert Hays y Julie Hagerty en ‘Aterriza como puedas’ para mí ya es señal de que, a los autores no les importa el qué dirán y además tienen buen gusto.

Ficha de ‘La cosa en la niebla’

Estreno en España: 2026. Título original: La cosa en la niebla. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Chedey Reyes. Guion: Juanjo Ramírez. Música: Fotografía: Teresa Ruano Santana. Reparto principal: Elena de Lara, Martín Garabal, Carla Miranda, Pablo Padrón, Paco Show. Producción: Barrios Producciones, Instituto del Cine Canarias, Jugoplástika. Distribución: por determinar. Género: comedia, ciencia ficción, terror. Web oficial.

Crítica: ‘Pioneras. Solo querían jugar’

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Conecta con un presente que celebra lo que en el pasado se reprimía

Al leer la sinopsis de esta película inmediatamente me vino la cabeza el título de una serie reciente llamada ‘Las pelotaris 1926’, en la cual, se contaba la historia real de unas mujeres que fueron ninguneadas por su afán de pretender ser deportistas de élite y, por no ser hombres y sin tener en cuenta la relevancia internacional que alcanzaron ni el talento que realmente tenían, pasaron al olvido histórico. Con las pelotaris también estaba el hecho posterior de que el franquismo favorecía el mundo del fútbol frente a otros deportes que podían estar más vinculados con País Vasco y Navarra, pero no se llegó a tocar eso pues la serie no tuvo más temporadas. Con ‘Pioneras. Solo querían jugar’ si tenemos el elemento futbolístico, pero obviando eso, por comparativa gana esta película por goleada pues la serie citada, estrenada por SkyShowtime en 2024, cometía el tremendo error de transformar el relato, de usar los códigos errados, en concreto los de las telenovelas, con todos sus amoríos y giros melodramáticos que ello conlleva, destrozando así cualquier reivindicación y visibilización planteada.

Dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz llega una película que usa el fútbol como campo de batalla simbólico. La película, ambientada en los años setenta y presentada en un formato 4:3 que refuerza su vocación de crónica de época, se inspira en hechos reales como el primer partido femenino disputado en Villaverde o aquel despropósito ridículo que contó con las folclóricas de la época. Desde el inicio se advierte que está “inspirada en hechos reales”, y no es un mero reclamo: la cinta se apoya en documentación histórica, rescatando también figuras de periodistas en la época que como Sara Estévez Urquijo a.k.a. Maratón, tuvieron que luchar contra lo establecido para ejercer la profesión que les gustaba.

Fútbol femenino y memoria histórica: más allá del deporte

‘Pioneras. Solo querían jugar’ no habla solo de fútbol femenino en la España tardofranquista y de la Transición; habla de un país encerrado en sus propios prejuicios. Si en ‘Las pelotaris 1926’ se insinuaba el olvido histórico de aquellas mujeres, aquí el balón es un espejo social. La directora, que ya había demostrado sensibilidad para retratar comunidades cerradas en ‘Mi querida cofradía’ y ‘Los buenos modales’, vuelve a explorar la fricción entre tradición y deseo de emancipación.

El deporte funciona como vehículo narrativo para retratar un machismo estructural que no se limita al vestuario. Hay insultos en la grada, burlas en la prensa, paternalismo institucional. Y, sin necesidad de subrayados discursivos, la película conecta con realidades que aún persisten: el odio en el deporte, el racismo que aflora en los estadios, las corruptelas que convierten la pasión en negocio. No es casual que hoy, tras los recientes éxitos de la selección española femenina, esta historia resuene con fuerza: el presente celebra lo que el pasado reprimía.

Como exentrenador de fútbol base femenino, puedo afirmar que la película acierta en la textura cotidiana: la precariedad de los entrenamientos, la incomprensión familiar, la mezcla de ilusión y vergüenza que muchas niñas han sentido al desafiar lo establecido. ‘Pioneras. Solo querían jugar’ entiende que el gesto de calzarse unas botas podía ser, en aquel contexto, un acto tan subversivo como necesario y evolutivamente inevitable.

Contención frente al melodrama: una decisión estética y política

Uno de los mayores aciertos del filme es su negativa a caer en la hipérbole. No convierte la reivindicación en catálogo de causas ni introduce subtramas forzadas para amplificar la agenda. No hay una acumulación de conflictos diseñados para arrancar aplausos fáciles. Esa sobriedad la distancia de productos como ‘Las chicas del cable’, donde la sobrecarga temática terminaba diluyendo la fuerza del relato.

Aquí no se instrumentaliza la identidad ni se introducen discursos impostados; se muestra la desigualdad con naturalidad, dejando que la injusticia hable por sí sola. Incluso el recurso al 4:3 no es un capricho estético, sino una forma de encuadrar a las protagonistas en un marco físico y simbólico más estrecho, acorde con las limitaciones que enfrentaban.

La película tampoco convierte a sus personajes masculinos en villanos unidimensionales. Hay ignorancia, hay desprecio, pero también hay contradicción y matices. Esa complejidad evita el panfleto y fortalece la dimensión humana de la historia. Porque, al final, ‘Pioneras. Solo querían jugar’ no es un alegato contra los hombres, sino contra una mentalidad que reprime a las mujeres. Si eres de los que se sienten cómodos con la mujer confinada al hogar (como ocurría hace apenas medio siglo), probablemente esta película te incomode y eso es precisamente parte de su valor y de tu problema.

Ficha de ‘Pioneras. Solo querían jugar’

Estreno en España: por determinar. Título original: Pioneras. Solo querían jugar. Duración: por determinar. País: España. Dirección: Marta Díaz. Guion: Marta Díaz, Zebina Guerra. Música: Fotografía: Maria Codina. Reparto principal: Daniel Ibáñez, Aixa Villagrán, Sofía de Iznájar, Bruna Lucadamo, Nora Otxoteko, Leire Aguiar, Lorea Carballo, Miriam Rubio. Producción: Cine365 Films, Ciudadano Ciskul, Crea SGR, ICAA, Movistar Plus+, Nadie es Perfecto, Pioneras la película, RTVE. Distribución: por determinar. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Línea de extinción’

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En qué plataforma ver Línea de extinción

Una monster movie a rebufo de ‘Un lugar tranquilo’

‘Línea de extinción’ parte de una premisa que busca la originalidad dentro del marco de la ciencia ficción postapocalíptica. Sobre el papel resulta sugerente: la humanidad ha sido empujada a sobrevivir únicamente por encima de los 2400 metros sobre el nivel del mar. Esa cota marca el límite infranqueable para unas criaturas surgidas del subsuelo que han arrasado la civilización tal y como la conocíamos. El dato altimétrico no es una mera cifra decorativa, sino la regla fundacional de este nuevo orden mundial: por debajo, la muerte; por encima, una frágil supervivencia.

El proyecto viene avalado por los productores de ‘La purga’ y, sobre todo, de ‘Un lugar tranquilo’, referencia ineludible por su planteamiento: criaturas que emergen y fuerzan a los supervivientes a vivir bajo estrictas normas de comportamiento. De hecho, ‘Línea de extinción’ podría encajar sin demasiada fricción dentro del universo de ‘Un lugar tranquilo’, del mismo modo que en su día se especuló con la posible conexión entre ‘Un lugar tranquilo’ y ‘Cloverfield’. Sin embargo, donde aquellas destacaban por su tensión y su originalidad conceptual, aquí encontramos una propuesta más funcional que inspirada.

La cinta arranca con uno de los tópicos más sobados del cine de catástrofes: el niño con problemas respiratorios cuya medicación se ha agotado y su padre (Anthony Mackie) en busca de una solución. Este recurso, diseñado para forzar la salida del refugio y precipitar la acción, transmite una sensación de déjà vu que juega en contra del arranque. A ello se suma otro cliché: en el mismo enclave montañoso donde resisten los protagonistas se halla, casualmente, la única persona con capacidad real para investigar a las criaturas y ofrecer una posible solución. Se trata de una científica femenina (Morena Baccarin), con cuya presencia con personaje arisco pero a la vez intelectual, al menos se subvierte parcialmente la inercia habitual del género. La actriz que reincide en el terreno postapocalíptico tras su participación en las dos entregas de ‘Greenland’.

No obstante, aunque el filme supera su arranque y consigue desarrollarse de un modo entreteniendo, comete un error estratégico: aplaza la explicación sólida de la regla de los 2400 metros para una hipotética secuela declarada a través de una escena post-créditos. La altitud como barrera biológica o física es una idea demasiado atractiva como para dejarla en el aire. Ese aplazamiento debilita el cierre y refuerza la sensación de producto concebido con calculadora comercial en mano.

Lo mejor, las criaturas y los conflictos

El diseño de las criaturas es, sin duda, uno de los aspectos más estimulantes. Estas entidades recuerdan a una mezcla entre saltamontes gigantes y escarabajos acorazados, con escamas duras que evocan a un dragón mitológico. La textura y morfología transmiten amenaza física real, y hay momentos en los que la puesta en escena consigue exprimir esa cualidad insectoide para generar inquietud. Con esta película nos sucede lo mismo que con ‘Godzilla Minus One’, hay poco presupuesto para las imágenes generadas por ordenador pero se aprovechan los recursos y se juega bien desde el guión para que la amenaza parezca constantemente presente.

Por otro lado, el conflicto central se articula en torno a dos posturas enfrentadas: huir, recolectar y perpetuar una supervivencia precaria o arriesgarlo todo para investigar y hallar una solución definitiva. Este dilema dota al relato de una dimensión ética interesante. Los protagonistas no están unidos por una tensión romántica latente (otro alivio frente al automatismo de género), sino por una relación áspera, casi hostil, que añade fricción dramática. La convivencia forzada y la desconfianza mutua aportan una capa de realismo emocional que, por momentos, eleva el conjunto.

Aun así, la película se aproxima más en tono y ambición a ‘Skyline’ que a ‘Un lugar tranquilo’. Su presupuesto más contenido y su entrega sin complejos a la ciencia ficción pura la sitúan en un terreno donde prima la premisa espectacular sobre la sofisticación narrativa. Donde ‘Un lugar tranquilo’ convertía el silencio en dispositivo dramático y terrorífico y ‘Cloverfield’ explotaba la incertidumbre del fuera de campo, ‘Línea de extinción’ se limita a ejecutar una fórmula algo más conocida.

El propio director, George Nolfi, carga con una herencia creativa que aquí pesa más por contraste que por continuidad. Fue guionista en títulos con un denominador común, Matt Damon (‘El ultimátum de Bourne’, ‘Ocean’s Twelve’ o ‘Destino oculto’). En aquellas producciones brillaban la arquitectura narrativa, el ritmo y ciertos juegos de identidad o conspiración. En ‘Línea de extinción’ no hay rastro de esa complejidad estructural ni de esa chispa de sofisticación. La puesta en escena es correcta, pero raramente sorprendente.

Marketing, títulos y sensación de oportunidad desaprovechada

Si algo resume la experiencia de ‘Línea de extinción’ es la sensación de no estar ante una obra moldeada por imperativos de mercado, el hecho de ser una producción de no muy alto presupuesto nos refuerza esa impresión. Quizá por eso ha sido víctima de otro tópico, el cambio de título según qué país. El título original, ‘Elevation’, remitía de forma directa al elemento clave y no explicado de la historia: la altitud. En España se optó por ‘Línea de extinción’ y en Latinoamérica por ‘Criaturas: línea de extinción’, una decisión que evidencia la necesidad de subrayar explícitamente el componente monstruoso. Ese añadido semántico parece diseñado por departamentos de marketing ansiosos por justificar su presupuesto más que por respetar la sutileza conceptual del original.

Es una pena porque ‘Línea de extinción’ ofrece una premisa jugosa, un diseño de criaturas convincente y un conflicto moral interesante, pero no alcanza la tensión ni la originalidad de las obras a las que inevitablemente remite. Además es fácil que el espectador fan del género se enganche pues los protagonistas son harto queridos por la audiencia. Es un entretenimiento competente dentro del cine postapocalíptico, con destellos de potencial que quedan parcialmente lastrados por clichés narrativos y por la voluntad de dejar puertas abiertas a futuras entregas. En un panorama saturado de distopías y monstruos, eso puede ser suficiente para pasar el rato, pero no para trascender.

Ficha de ‘Línea de extinción’

Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: Elevation. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: George Nolfi. Guion: John Glenn, Jacob Roman, Kenny Ryan. Música: H. Scott Salinas. Fotografía: Shelly Johnson. Reparto principal: Anthony Mackie, Morena Baccarin, Maddie Hasson. Producción: Lyrical Media, Grinder Monkey, John Glenn Entertainment. Distribución: Tripictures. Género: ciencia ficción, terror. Web oficial.

Crítica: ‘Septeno’

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Porque en el oeste de España también hay antiguas tradiciones que dan para cine

La película ‘Septeno’, dirigida por Óscar Pérez, se presenta como un proyecto profundamente ligado a su tierra. Rodada en los parajes la Sierra de Francia donde nos encontramos pueblos como La Alberca, Miranda del Castañar o Mogarraz (territorio colindante con Las Hurdes, tierra otrora documentada antropológica y terroríficamente por Buñuel), la cinta es, en esencia, una producción salmantina de principio a fin. Incluso su cartel, obra del ilustrador Tomás Hijo, refleja ese espíritu artesanal y muy arraigado en lo local.

La historia bebe del imaginario del “folkhorror castellano” y de tradiciones profundamente enraizadas en la zona. En La Alberca, por ejemplo, cada noche se mantiene la figura de la Moza de Ánimas, que recorre las calles con su comitiva en honor a las Ánimas Benditas. Ese eco de creencias antiguas sirve como punto de partida para una narración donde se habla de normas que no deben romperse y de criaturas que regresan cada cierto tiempo. La advertencia es clara: hay noches en las que no conviene salir al bosque.

Tradición frente a progreso

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Septeno’ es su planteamiento temático. La película sugiere un conflicto entre el avance del progreso representado por aquellos que viven en la gran ciudad y la supervivencia de las leyendas ancestrales, un tema que conecta con los pueblos casi abandonados hoy en día y el folk que cineastas como Paul Urkijo Alijo buscan reivindicar. Sin embargo, aquí el relato se apoya más en la invención que en una exploración profunda de las tradiciones reales.

El punto de partida resulta quizás inspirado por películas como ‘El laberinto del Fauno’: la España rural del franquismo como un escenario en el que la represión y las leyendas te siguen por igual. En ese contexto, la película deja entrever una reivindicación de la llamada España vaciada, esa geografía olvidada del oeste peninsular donde las historias sobreviven casi siempre entre líneas o en viejos escritos de paisanos con nostalgia.

Virtudes visuales y limitaciones narrativas

A nivel técnico, ‘Septeno’ deja sensaciones mixtas. La fotografía y el etalonaje funcionan correctamente, y las localizaciones, tanto naturales como rurales, aportan una atmósfera convincente. Los encuadres también demuestran cierta sensibilidad visual que ayuda a sostener el interés.

No ocurre lo mismo con otros apartados. El sonido resulta en ocasiones demasiado artificial y recurre a recursos muy explotados en el género (como los niños canturreando) que terminan restando fuerza al conjunto. Además, el desarrollo narrativo se queda corto: la idea inicial prometía más profundidad de la que finalmente se explora.

En conjunto, la película transmite un espíritu claramente amateur. Su tono recuerda por momentos a un reportaje alargado del programa ‘Cuarto Milenio’, con misterio rural y leyendas locales como eje central. Aun así, se percibe una intención sincera de poner en valor un territorio y un imaginario cultural que rara vez encuentran espacio en el cine.

Ficha de ‘Septeno’

Estreno en España: 2026. Título original: Septeno. Duración: 29 min. País: España. Dirección: Óscar Pérez. Guion: Óscar Pérez. Música: Aleix Losa. Fotografía: Luis Bascuñana. Reparto principal: Jordan Blasco, Agus de Cabo, Fernando Saldaña, Carolina Morocho, Alejandra Pérez, Ana del Pozo, Mario del Pozo. Producción: Reto Films. Distribución: Reto Films. Género: terror. Web oficial.

Hal Jordan y John Stewart se preparan para iluminar el nuevo DCU. Tráiler de ‘Lanterns’

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Por fin ‘Lanterns’ muestra algunas de sus cartas

El nuevo universo audiovisual de DC continúa tomando forma y uno de sus proyectos más esperados y más dilatados en el tiempo acaba de mostrar sus primeras imágenes. La serie ‘Lanterns ‘ha lanzado su primer teaser tráiler, ofreciendo un vistazo inicial a los personajes de Hal Jordan y John Stewart, dos de los Linternas Verdes más importantes del universo de DC Comics.

El avance presenta a Kyle Chandler como Hal Jordan y a Aaron Pierre como John Stewart, estableciendo desde el primer momento una dinámica clara entre mentor y aprendiz. La historia gira en torno a una investigación criminal que los llevará a trabajar juntos en un pequeño pueblo de Estados Unidos, con un tono cercano al thriller policiaco más que al espectáculo superheroico tradicional, lo cual, recuerda al cómic ‘The Green Lantern-Green Arrow’.

Un teaser que esconde el traje… pero muestra el poder

Uno de los detalles que más ha llamado la atención del teaser es lo que no se ve. El tráiler evita mostrar con claridad el traje completo de los Linternas Verdes, manteniendo cierto misterio sobre el diseño definitivo dentro del nuevo universo DC. Sin embargo, el adelanto sí permite observar dos elementos fundamentales del mito de los Green Lantern:

  • El anillo de poder, la fuente principal de las habilidades del personaje.
  • La linterna o batería de poder, el dispositivo donde los miembros del cuerpo recargan la energía del anillo.

Estos elementos aparecen brevemente en pantalla y confirman que la serie respetará la iconografía clásica del personaje, aunque por ahora la producción prefiera centrarse en el tono narrativo antes que en los efectos espectaculares.

Un enfoque más cercano al thriller que al superhéroe clásico

Otro aspecto que deja claro el tráiler es el tono de la serie. Lejos de apostar únicamente por la épica espacial habitual del Cuerpo de Linternas Verdes, el primer avance apunta a una narrativa más terrenal y detectivesca. La trama seguirá a Hal Jordan, un veterano Lantern, que actúa como mentor de John Stewart, un nuevo recluta que todavía está en proceso de entrenamiento. Juntos investigarán un misterioso asesinato que podría tener implicaciones mucho mayores para el universo DC. Este enfoque recuerda a series como True Detective, combinando elementos de ciencia ficción con una historia de crimen e investigación.

Un proyecto clave para el nuevo DCU

La serie forma parte del relanzamiento del universo DC impulsado por James Gunn y Peter Safran, y está desarrollada por Damon Lindelof, Chris Mundy y el guionista de cómics Tom King. Si todo sigue según lo previsto, ‘Lanterns’ llegará a HBO Max en agosto de 2026, y promete ser una de las piezas clave para expandir el nuevo DCU en televisión.

Por ahora, el teaser deja claro que la serie apostará por el misterio, la relación entre sus protagonistas y una construcción gradual del mundo de los Linternas Verdes… incluso si todavía tendremos que esperar un poco más para ver el traje completo en acción.

Crítica: ‘El mago del Kremlin’

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En qué plataforma ver El mago del Kremlin

Interesante retrato del “Rasputín” de Putin

Hablar de ‘El mago del Kremlin’ supone partir de una paradoja: la película se presenta como adaptación de una novela histórica que, en realidad, es una ficción inspirada en hechos reales. Ese triple filtro (realidad, ficción literaria y reinterpretación cinematográfica) le resta de entrada cierta credibilidad documental que ya de por sí llega velada por el oscurantismo y la opacidad de la Rusia de Putin. Sin embargo, también le otorga libertad dramática. Lo que propone Olivier Assayas no es una crónica periodística, sino una disección moral del poder contemporáneo.

Inspirada en la novela de Giuliano da Empoli, la película articula el ascenso de Vladimir Putin a través de la figura de Vadim Baranov, trasunto evidente de Vladislav Surkov. En pantalla, Baranov es interpretado por Paul Dano, que compone un personaje frío, cerebral y magnéticamente ambiguo. Se le ha llamado el “Rasputín moderno”, y la comparación no es gratuita: no gobierna, pero susurrando al oído del poder modela el destino de un país.

La cinta funciona como una lección acelerada de historia reciente rusa, desde el caos postsoviético hasta la consolidación del Kremlin putinista. Y lo hace sin caer en el didactismo explícito, sino a través de una estructura narrativa fragmentada y retrospectiva.

Flashbacks y densidad política

Assayas apuesta por un thriller político de ritmo pausado y arquitectura compleja. La narración se despliega mediante múltiples flashbacks que, en ocasiones, contienen a su vez otros recuerdos insertados. Esta estructura en abismo podría haber resultado farragosa, pero la actualidad de los acontecimientos y la escasez de ficciones cinematográficas centradas en la trastienda del poder ruso sostienen el interés durante sus casi dos horas y media de metraje.

La acción física es secundaria frente a la batalla simbólica. No se trata de espionaje clásico, sino de ingeniería narrativa. Baranov diseña el concepto de “democracia soberana”, formulación ideológica que legitima un sistema formalmente democrático, pero profundamente centralizado y controlado, de hecho, se le conocía también como “El cardenal gris”. La película convierte ese término en eje dramático: ¿es la democracia una estructura institucional o un relato cuidadosamente administrado?

En este punto, el filme trasciende el caso ruso y se adentra en una reflexión más amplia sobre las autocracias contemporáneas. La manipulación mediática, la creación de oposiciones controladas y la fabricación de consensos aparecen como piezas de un tablero donde la verdad es moldeable. Los medios no son meros observadores, sino actores activos en lo que la película sugiere como planes maquiavélicos para alcanzar fines políticos o económicos.

Hay una secuencia especialmente elocuente que remite a la gestión del hundimiento del Kursk en el mar de Barents. La inacción política, el cálculo oportunista y el sensacionalismo mediático dialogan con resonancias contemporáneas que trascienden Rusia. Resulta inevitable que el espectador español detecte paralelismos con la gestión de crisis propias, donde la búsqueda de la verdad se diluye entre intereses cruzados.

Reparto al servicio del retrato de la autocracia

Aunque Alicia Vikander aparece como cabeza de cartel, su papel es más bien episódico y funcional. Sirve para iluminar algunas facetas íntimas de Baranov, pero no altera el eje narrativo. El verdadero protagonista es Paul Dano, cuya interpretación sostiene el peso moral e intelectual de la película. Su Baranov no es un villano caricaturesco, sino un estratega patriota convencido de que la estabilidad justifica la manipulación.

Como secundarios con verdadero peso dramático destacan Jude Law (en una composición contenida que evoca al propio Putin sin caer en la imitación grotesca) y Will Keen, cuyo personaje aporta contrapunto ideológico y mayor presencia en pantalla que la propia Vikander. Junto a ellos el rodaje recrea con meticulosa fidelidad despachos y ambientes del Kremlin en localizaciones europeas, evitando filmar en Rusia por razones obvias. El resultado es un retrato de una Rusia edificada a través de actos violentos, no siempre bélicos ni explícitos, pero sí estructurales: violencia simbólica, institucional y narrativa. Evidentemente están los conflictos de Crimea y la guerra en Ucrania que planean sobre la historia como consecuencia lógica de un sistema donde el relato precede a la realidad.

‘El mago del Kremlin’ puede incomodar. Es probable que escueza en determinados círculos rusos, y cuesta imaginar a Putin asistiendo a una proyección privada. Pero más allá de su dimensión geopolítica, la película funciona como advertencia universal: cuando la verdad se convierte en herramienta, la democracia deja de ser un sistema y pasa a ser una escenografía. Propone es una mirada lúcida y densa sobre el poder contemporáneo. Y en ese terreno, ‘El mago del Kremlin’ no es solo un thriller político, sino un espejo incómodo de nuestro tiempo.

Ficha de ‘El mago del Kremlin’

Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: Le Mage du Kremlin. Duración: 156 min. País: Francia. Dirección: Olivier Assayas. Guion: Emmanuel Carrère, Olivier Assayas. Fotografía: Yorick Le Saux. Reparto principal: Jude Law, Paul Dano, Alicia Vikander, Tom Sturridge, Jeffrey Wright. Producción: Curiosa Films, Gaumont, France 2 Cinema, Tribune Pictures, LB Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial.

Crítica: ‘El joven Sherlock’

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Un origen innecesario y un protagonista sin magnetismo

Había margen para explorar la juventud de Sherlock Holmes. El canon de Arthur Conan Doyle deja un vacío biográfico deliberado: Holmes aparece ya formado, cerebral, casi quirúrgico en su método. Pero una cosa es expandir y otra reescribir sin red. ‘El joven Sherlock’, producida y parcialmente dirigida por Guy Ritchie, arranca torcida desde su casting principal: Hero Fiennes Tiffin no logra sostener el peso icónico del personaje ni siquiera bajo la coartada de la inmadurez.

Su interpretación reproduce tics ya vistos en la saga ‘After’: mirada intensa pero vacía, presencia física correcta y escasa densidad dramática. No hay ironía afilada, ni esa electricidad mental que asociamos al detective de Baker Street. Si comparamos, el joven Nicholas Rowe en ‘Young Sherlock Holmes’ (‘El secreto de la pirámide’) irradiaba curiosidad e inteligencia precoz; incluso Guy Henry en la serie ‘Young Sherlock Holmes’ de 1982 aportaba un poso reflexivo más coherente con el canon. Aquí, en cambio, Holmes es un héroe juvenil genérico con barniz victoriano.

El guion toma una decisión arriesgada y discutible al convertir a Sherlock y a James Moriarty en amigos y compañeros de aventura. El germen de su enemistad se pospone tanto que otro personaje ocupa el rol de villano maquiavélico durante buena parte de la temporada. Se diluye así la tensión fundacional entre genio y némesis. No hay duelo intelectual, hay trama funcional en piloto automático.

Psicología forzada y un Holmes convertido en aventurero

Ritchie ya había reinterpretado al personaje en ‘Sherlock Holmes’ y ‘Sherlock Holmes: A Game of Shadows’, con un Holmes físico y pendenciero encarnado por Robert Downey Jr.. Allí el riesgo funcionaba porque la química y el ritmo compensaban la heterodoxia. En ‘El joven Sherlock’, el director redobla la apuesta inventando una hermana, Beatrice, y otorgando entidad dramática al padre, Silas (interpretado por Joseph Fiennes), figura ausente en las novelas. Conan Doyle construyó a Holmes como personaje funcional a la narrativa detectivesca. La introspección psicológica y el desarrollo familiar no eran prioridades del género en esa etapa victoriana y los autores de ahora parece que quieren llenar un vacío que nadie ha pedido llenar.

La madre, en una línea que recuerda a ‘Enola Holmes’, es presentada como perturbada, aunque aquí al menos se sugiere una vertiente artística coherente con la mención canónica a la ascendencia vinculada al pintor Horace Vernet. Natascha McElhone compone una figura materna magnética, sin nada que envidiar a Helena Bonham Carter en la citada película. Pero la serie confunde inteligencia deductiva con memoria eidética: Holmes parece un prodigio fotográfico antes que un lógico experimental. Se echa de menos el método científico, la observación microscópica, la inferencia encadenada.

En lo formal, el sello Ritchie asoma en personajes de aire caballeresco mezclados con bajos fondos, aunque el tono promete más de lo que entrega. La canción del opening (ya asociada por el imaginario contemporáneo a ‘Peaky Blinders’) sugiere un Sherlock más canalla, pero la serie no abraza ese filo autoral. Tampoco el guion ofrece un caso de complejidad real que invite al espectador a colaborar intelectualmente. Hay acción, vestuario fastuoso (tres o cuatro looks por capítulo) y cliffhangers previsibles: sabemos que el héroe saldrá indemne.

Reparto, relevo generacional y una dirección dispersa

El casting evidencia un curioso relevo generacional: Max Irons (hijo de Jeremy Irons) comparte cartel con Hero Fiennes Tiffin, sobrino de Ralph y Joseph Fiennes. Pero el verdadero acierto es Dónal Finn como Moriarty. Finn es el único que parece comprender la psique de su personaje y anticipar su deriva hacia la amoralidad estratégica. Cuando está en pantalla, la serie respira.

Ritchie dirige dos episodios, pero la temporada se reparte con Anders Engström (‘See’), Dennie Gordon (‘Kingdom’) y Tricia Brock (‘Bridgerton’). La falta de unidad tonal se percibe: Holmes termina siendo un aventurero más en situaciones límite que erosionan el suspense. No hay aliciente intelectual ni enriquecimiento del lore. ‘El joven Sherlock’ de Prime Video es una expansión que prioriza la estética y la psicología inventada sobre la esencia deductiva. Queda la sensación de que, en su empeño por modernizar, la serie ha olvidado lo elemental.

Crítica: ‘El último vikingo’

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Fábula nórdica, cruel y sorprendentemente tierna

Anders Thomas Jensen lleva años demostrando que la comedia negra escandinava no es un simple ejercicio de provocación, sino una herramienta quirúrgica para diseccionar la culpa, el duelo y la violencia cotidiana. En ‘El último vikingo’, el director danés vuelve a apoyarse en ese humor incómodo que provoca carcajadas y a veces inseguras, para luego obligar al espectador a empatizar con unos personajes que no viven ni de lejos una comedia. No es casual que el filme esté protagonizado por Mads Mikkelsen (‘Otra ronda’) y Nikolaj Lie Kaas (‘Los casos del departamento Q’), dos intérpretes que ya han demostrado con él, especialmente en ‘Jinetes de la justicia’, una capacidad excepcional para moverse entre la farsa y el drama sin que se note la costura.

La premisa parece salida de un chiste cruel contado en un bar de carretera: un botín enterrado en paradero desconocido, escondido por el hermano de un ladrón con problemas de salud mental que se cree un Beatle y que se pasa la vida robando perros a los vecinos. Jensen abraza lo grotesco desde el primer minuto. Cada elemento absurdo no está ahí para despistar, sino para preparar el terreno emocional. Como en muchas canciones de The Beatles, aparentemente luminosas, pero con letras sorprendentemente duras, la película disfraza su mensaje con un barniz de humor constante y situaciones surrealistas que esconden una verdad mucho más amarga.

‘El último vikingo’ funciona, en esencia, como un road trip de entendimiento fraternal. El viaje físico es también un desplazamiento moral: dos hermanos obligados a convivir con sus errores, sus resentimientos y una herencia emocional imposible de enterrar, por mucho que uno se empeñe incluso de manera inconsciente. Jensen no juzga a sus personajes, los observa con una mezcla de ironía y compasión que resulta profundamente incómoda.

Mads Mikkelsen y Nikolaj Lie Kaas: química y dolor

Uno de los grandes aciertos del filme es volver a reunir a Mads Mikkelsen y Nikolaj Lie Kaas bajo la batuta de Jensen. Su química no es explosiva pero si palpable y eso que ambos personajes están condenados a los desencuentros y el enfrentamiento constante. Mikkelsen aporta esa gravedad natural que convierte su frialdad en contención emocional. Lie Kaas, por su parte, encarna a un personaje vil y desesperado, un hombre que se refugia en la posibilidad de salvar el pescuezo a través de una remota posibilidad de recuperar el dinero. El actor interpreta bien esa situación entre la espada y la pared limitada por un cariño fraternal frágil.

Jensen utiliza el humor como anestesia temporal. Reímos ante situaciones que, en otro contexto, serían directamente trágicas: la violencia, el abandono, la incapacidad de comunicarse entre hermanos. Esa risa es clave para que el golpe posterior sea más contundente. Cuando el drama emerge sin aviso, lo hace sin música subrayando la emoción ni discursos explicativos. Simplemente está ahí, como una constatación brutal de que el dolor no desaparece por reírse de él.

Una moraleja incómoda: el cuento nórdico y la herencia de la violencia

La estructura circular del filme, con un cuento narrado al principio y al final, refuerza su condición de fábula retorcida. Quizá, como suele decirse, haya que ser nórdico para aceptar sin reservas la moraleja que propone ‘El último vikingo’. No hay redención fácil ni aprendizaje luminoso. La conclusión es truculenta, estremecedora y deliberadamente ambigua, como si Jensen se negara a ofrecer consuelo al espectador.

Aquí reside la fuerza (y también la incomodidad) de la película. ‘El último vikingo’ no pretende gustar a todo el mundo. Su humor es áspero, su visión del ser humano profundamente pesimista, y su mensaje final deja un poso inquietante. Pero precisamente por eso resulta coherente con la filmografía de su director. Jensen vuelve a recordarnos que la risa puede ser una forma de violencia, y que la familia, lejos de ser un refugio, puede convertirse en un campo de minas emocional.

En última instancia, la película plantea una pregunta incómoda: ¿Cómo tratamos a esas personas que se sienten en una realidad distinta a la nuestra? La respuesta del director de ‘El último vikingo’ es empática, pero altamente radical.

Ficha de ‘El último vikingo’

Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: Den sidste viking. Duración: 116 min. País: Dinamarca. Dirección: Anders Thomas Jensen. Guion: Anders Thomas Jensen. Música: Jeppe Kaas. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Søren Malling, Sofie Gråbøl, Nicolas Bro. Producción: Zentropa Entertainment, Film i Väst, FilmFyn, TV2, The Danish Film Institute Archive. Distribución: Avalon. Género: drama, comedia. Web oficial.