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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Crítica: ‘La luz de Aisha’

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Sinopsis

Aisha vive en un reino del Al-Ándalus del siglo XI, donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Sueña con convertirse en una gran pirotécnica como el legendario Maestro Hao, pero su padre, Ahmad, insiste en que siga la tradición familiar de la caligrafía. Cuando un alquimista, Txawir, engaña a Aisha para robar un peligroso libro custodiado por su padre, Ahmad es encarcelado injustamente. Aisha emprende un viaje lleno de aventuras para recuperar el libro y liberar a su padre.

Crítica

Pirotecnia visual para encender la autodeterminación

Hay algo profundamente luminoso y comprometido en ‘La luz de Aisha’, la nueva cinta animada de Shadi Adib. En ella, la directora iraní, conocida por su visión estética refinada y su meticulosa implicación en todos los aspectos de la producción, firma un relato que, bajo el disfraz de aventura juvenil, encierra un comentario sutil sobre la autodeterminación femenina, la herencia cultural y la ruptura de mandatos tradicionales.

Este debut en el largometraje está ambientado en un Al-Ándalus del siglo XI plagado de color, fuegos artificiales y alquimia. La película sigue a Aisha, una niña de 13 años que sueña con ser pirotécnica, enfrentando el peso de las expectativas familiares. La historia toma vuelo cuando la protagonista conoce a un alquimista legendario, lo cual, desemboca en cometer un grave error. Así se lanza a una odisea redentora, tan clásica como entrañable, que rescata los esquemas del viaje del héroe.

Desde el punto de vista temático, la cinta recuerda a ‘Papicha’ o ‘Un diván en Túnez’, en su forma de retratar el anhelo de emancipación femenina dentro de estructuras tradicionales árabes. Si bien ‘La luz de Aisha’ transcurre en un pasado dispuesto para audiencias infantiles, la lucha de su protagonista por abrirse camino en un mundo dominado por hombres resuena con el mismo ímpetu que las jóvenes protagonistas de aquellas cintas. Hay un paralelismo emocional claro: la pirotecnia de Aisha no es tan distinta de los desfiles clandestinos de ‘Papicha’ o las sesiones de terapia subversiva en ‘Un diván en Túnez’. En ese sentido, la película enarbola un discurso de empoderamiento femenino y de desafío a las estructuras sistémicas que bien está inculcárselo a las nuevas generaciones. Por otro lado se olvida de su ambientación en la península ibérica y no hay absolutamente ningún personaje o elemento que nos recuerde que es territorio ocupado por diferentes culturas, lo que describe más menos el andalucismo, por lo que la historia bien podría transcurrir en Argelia, Persia o cualquier otro territorio únicamente musulmán.

Técnicamente está realizada en 3D digital, pero se ha diseñado para que su movimiento y estética recuerden al stop-motion tradicional, por lo menos así lo he percibido. Con movimientos ligeramente menos fluidos, texturas visuales que imitan materiales físicos (como tela, fuego o piedra) y una iluminación y sombreado que generan sombras duras y volúmenes que recuerdan a figuras modeladas a mano. Visualmente, la película brilla. Adib, también diseñadora y supervisora de storyboard, despliega un imaginario estético con inspiración oriental. No es gratuito que el director de animación sea Raúl García, veterano de Disney en ‘Aladdín’, ‘Pocahontas’ o ‘El rey león’. El resultado es una cinta que combina precisión técnica con un lirismo visual muy poco habitual en la animación europea. La ambientación permite a García introducir por ejemplo aquel “parkour” con el que Aladdín recorría los tejados de Agrabah.

‘La luz de Aisha’ trasciende en ocasiones su condición de “cine familiar” y se convierte en un canto a la libertad de elección, al valor de corregir los errores propios y al derecho de soñar, incluso cuando todo parece estar en contra. Una película que no necesita gritar para brillar y de la cual probablemente volvamos a oír hablar en época de Goyas. Ojalá el gancho de marketing que supone la voz de Michelle Jenner y Jordi Sánchez surta efecto porque la película bien merece la oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: La luz de Aisha. Duración: 85 min. País: España, Alemania, Singapur. Dirección: Shadi Adib. Guion: Xavier Romero, Llorenç Español. Música: Edi Pou. Reparto principal (doblaje original): Michelle Jenner, Jordi Sánchez, Nerea Rodríguez, Jose Posada, Toni Mora, Yolanda Gispert. Producción: Mago Production, Filmax, Peng! Boom! Tschak! Films, Sangnila. Distribución: Filmax. Género: aventura. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-luz-de-aisha/308

Crítica: ‘La cita’

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Sinopsis

Las primeras citas siempre son estresantes, pero ¿estar en una primera cita mientras un desconocido te manda memes personales que pasan de molestos a homicidas? Aterrador.

Crítica

Landon se pasa al terror digital transmitiéndonos la tensión vía Bluetooth

Christopher Landon regresa tras sus exitosos slasher cómicos para sumergirse en el  género del thriller con ‘La cita (Drop)’, una película que explota las ansiedades modernas en la era digital. Protagonizada por Meghann Fahy en el papel de Violet, una madre viuda que se aventura en su primera cita en años, la narrativa se centra en cómo una velada aparentemente normal se transforma en una pesadilla cuando Violet comienza a recibir mensajes anónimos a través de Bluetooth. Estas comunicaciones se tornan en amenaza y pronto comienzan las sospechas hacia todos los que la rodean, incluyendo el chico con el que lleva chateando tres meses, Henry, interpretado por Brandon Sklenar. Esto puede recordar a filmes como ‘Equipaje de mano’, ‘Locke’, ‘Eagle eye’ o ‘Última llamada’, pero incorporando nuevas tecnologías y siguiendo derroteros algo diferentes.

La premisa de ‘La cita’ se inspira en una experiencia real de Olivia Sui, quien durante una cena con su pareja y un amigo, los productores Sam Lerner y Cameron Fuller, recibió memes aleatorios de Shrek a través de AirDrop. Este incidente cotidiano tan loco y que bien podría haber salido de la imaginación del director se convierte, bajo la dirección de Landon, en una exploración de las vulnerabilidades tecnológicas y en su mayoría, en una manera de conducirnos hacia un tema mucho más peliagudo.

Comparando ‘La cita’ con trabajos anteriores de Landon, como ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se observa una evolución en su enfoque del terror y el suspense. Mientras que ‘Feliz día de tu muerte’ combinaba el slasher tradicional con bucles temporales y toques de humor negro, y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ exploraba el intercambio de cuerpos con una mezcla de comedia y terror. ‘La cita’ mantiene algo de ese humor sinvergüenza (ahí están los memes, el camarero intensito y el ‘Baby Shark’ a piano) pero se sumerge más en un thriller psicológico. Aquí, Landon abandona los elementos sobrenaturales para centrarse en amenazas plausibles en el mundo hiperconectado de hoy. Con cambio de tercio o sin él queda patente que lo que hace este cineasta es readaptar filmes a corrientes actuales maquillándolo todo a través de artificios tecnológicos que visualmente quedan resultones pero que no esconden que estamos ante lo mismo de siempre. El cierre del filme es el que deja meridianamente claro que estamos ante algo más convencional de lo que las lentejuelas esconden.

Sin ser una interpretación de Oscar Meghann Fahy demuestra capacidad para transmitir la creciente desesperación y el conflicto interno de su personaje. Es en gran medida responsable de la tensión que conseguirá mantener a buena parte de los espectadores en vilo. Si piensas que en Tinder encuentras citas raras espérate a ver la que tiene esta joven viuda. Landon se podría haber puesto mucho más loco pero ha optado por embadurnar al filme de un tema comprometido y eso merece por lo general mucho respeto y menos cachondeo. ‘La cita’ es una película en la que la protagonista no tiene el control de la situación e irónicamente el guión consigue contenerse y evitar un desmadre que quizá habría hecho del final algo más remarcable.

A parte del tema social, que no comentaré por no destripar el trasfondo de la protagonista, ‘La cita’ también destaca por su comentario sobre la invasión de la privacidad en la era digital. Al basar la trama en una función común de los smartphones, Landon convierte una utilidad cotidiana en una fuente de terror, recordando al público las posibles vulnerabilidades en su vida diaria. Muchas veces una función la mar de práctica se convierte en herramienta para hacer fechorías: mensajería instantánea, envíos de imágenes, ver cámaras de seguridad desde el móvil, clonado de datos… Día a día la tecnología deja con la sensación de obsolescencia a más gente y esta es una fuente de terror e inquietudes que sin ser novedosa explota bien el filme. Sin llegar a tener giros a lo Shyamalan ‘La cita’ demuestra que Landon se esfuerza por sorprender alejándose una vez más de las fórmulas de terror convencionales. Pero carece del talento o la visión que convirtieron a cineastas como Edgar Wright, Karyn Kusama o, más recientemente, Oz Perkins, en voces realmente distintivas dentro del género.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Drop. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach. Música: Bear McCreary. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Jacob Robinson, Reed Diamond, Gabrielle Ryan. Producción: Blumhouse, Platinum Dunes, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://www.instagram.com/dropthemovie/

Crítica: ‘Misión panda en África’

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Sinopsis

Pang es un joven panda que crece en un idílico pueblo del corazón de china. Pero cuando secuestran a su mejor amiga, la dragona Jielong, para regalársela a un joven y caprichoso rey león, Pang no lo duda ni un segundo: ¡se embarca en una aventura que le llevará hasta África! Con la ayuda de un travieso mono, Pang conocerá nuevos amigos y descubrirá el esplendor de un continente totalmente desconocido para los pandas.

Crítica

Colorido y buenas lecciones en un filme a la sombra de sus referentes

‘Misión Panda en África’ es un filme que cuenta con participación de hasta seis países y llega orquestada por dos directores: Richard Claus y Karsten Kiilerich. Ambos están muy experimentados en la animación y ya trabajaron juntos en ‘El pequeño vampiro’. Ahora regresan con la promesa de ofrecer una aventura animada para toda la familia. Con un mensaje claro sobre la amistad, la inclusión y el valor de aceptar las diferencias, esta película europea busca hacerse un hueco entre los clásicos del cine infantil. Sin embargo, al compararla con otras producciones del mismo género, como ‘Madagascar’, ‘Kung Fu Panda’ o incluso ‘Salvaje (The wild)’, queda patente que el público objetivo es únicamente el infantil.

La historia sigue a Pang, un joven panda que viaja desde China hasta África para rescatar a su amiga, la dragona Jielong. En el camino, se enfrenta a peligros, conoce nuevos amigos y aprende lecciones sobre valentía, empatía y diversidad cultural. Aunque es un argumento bienintencionado y educativo —ideal para niños de entre 4 y 8 años—, no logra ofrecer la frescura ni el dinamismo que sí caracterizan a películas anteriores del mismo corte, donde el desarrollo del protagonista está mejor matizado, hay canciones pegadizas y todo está sostenido por un ritmo narrativo más consistente.

La película tiene guiños y chanzas hacia otros filmes como ‘El rey león’ o ‘Kung fu panda’, pero lo justo es ponerle en la liga de títulos como ‘Madagascar’. Aunque ‘Misión panda en África’ propone un viaje de animales fuera de su entorno habitual y emplea un humor pillo en ciertas ocasiones, se queda muy enfocada en el público infantil, dejando poco margen para que los adultos encuentren dobles lecturas o bromas discretas para su disfrute. La cinta carece del ingenio que consigue convertir a títulos infantiles en clásicos para toda la familia.

En cuanto a la ambientación, tanto China como África ofrecen el color y la diversidad de plantas y animales que es capaz de sugestionar la imaginación de los más pequeños, sirviendo como una manera subliminal para que estos se vaya familiarizando con la variedad de flora y fauna de cada uno de esos ecosistemas. De ahí que podamos decir que si en algo destaca ‘Misión Panda en África’ es en su intención pedagógica. Esta película promueve no solo el conocimiento de la naturaleza, sino también valores esenciales como la tolerancia, la amistad y el respeto por aquellos que son distintos, algo que también buscaron en su día otras producciones europeas como ‘Ainbo’ (del mismo director Richard Claus).

Visualmente, la animación cumple pero no deslumbra. Quizá recientes éxitos europeos como ‘Flow’ han marcado un hito demasiado alto. Quizá sucede que el diseño de personajes cumpla demasiado el estándar de dibujos 3D. Pero al menos ofrece una buena cantidad de texturas y expresividad en sus personajes. Eso si, yo personalmente habría descartado el diseño del dragón que luce un peinado a lo Dragon Ball.

‘Misión Panda en África’ es una película adecuada para los más pequeños y puede ser una buena primera experiencia cinematográfica. No obstante, en comparación con sus referentes más populares y sofisticados, se siente como una versión más simple y didáctica, sin la fuerza visual ni narrativa que caracteriza a los grandes títulos del cine animado. Una propuesta con corazón, pero que difícilmente dejará huella más allá de su estreno.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Panda Bear in Africa. Duración: 84 min. País: Dinamarca, Estonia, Países Bajos, Francia, China, Alemania. Dirección: Richard Claus, Karsten Kiilerich. Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich, Rob Sprackling. Música: Vidjay Beerepoot. Reparto principal (doblaje original): Yootha Wong-Loi-Sing, Georgina Verbaan, Li Zihui, Thom Hoffman, Mick Aerts, Ji Yunhan, Silas Lekgoathi, Maurits Delchot, Charles Ouda. Producción: A Film Estonia, A Film, Comet Film Produktion GmbH, Cool Beans, Fuente Culture, Le Pacte. Distribución: Vercine. Género: aventura, comedia. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/831-mision-panda-en-africa/

Crítica: ‘Muy lejos’

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Sinopsis

Sergio (Mario Casas) viaja a Utrecht con su familia para asistir a un partido de fútbol. Antes de coger el vuelo de regreso a Barcelona, sufre un ataque de pánico y decide quedarse en Holanda. Incapaz de dar una explicación lógica a los suyos, corta el contacto con su pasado. A partir de ese momento, tendrá que sobrevivir sin dinero, sin amigos, sin casa y sin hablar el idioma, hasta que sea capaz de encontrarse a sí mismo.

Crítica

Un grito de liberación que se manifiesta tan despacio como un párpado que duda antes de despertar

Dos gestos en los primeros compases del filme bastan para que sepamos que el protagonista que interpreta Mario Casas en ‘Muy lejos’ reprime algo. Esta no es de esas ocasiones en las que visto eso ya no hay nada más que hacer, el debut como director de largometrajes de Gerard Oms tiene mucho más que ofrecernos, mezclando algo profundamente personal con lo íntimo y lo social, en ocasiones incluso con lo cinematográficamente poético.

Soy de los que defienden que Mario Casas ya ha demostrado hace tiempo que es un actor que va más allá de la fachada y de las pelis romanticonas. Protagoniza este filme en un nuevo cambio de registro y nos transporta a solo unos años atrás, a la Europa de la crisis de 2008, en concreto a Utrecht.

La película narra la historia de un español, quien tras un inesperado giro decide no volver a Barcelona y quedarse en Países Bajos, rompiendo con todo vínculo familiar y emocional. Un giro que intuimos que responde a una inquietud personal que le supera pero que también está cargado de misterio. A partir de ahí estamos ante una historia de supervivencia. Mario Casas se ve sin casa, sin trabajo y sin amigos. Pero esta premisa no es solo un acto de huida: es también un grito de liberación que se manifiesta tan despacio como un párpado que duda antes de despertar.

Oms construye esta historia desde su propia experiencia: él mismo emigró en aquellos años en los mismos escenarios donde ahora plasma su ópera prima. Esta conexión autobiográfica no solo añade veracidad, sino una textura emocional que atraviesa cada fotograma, algo que se percibe con claridad en la mirada del protagonista, siempre al borde del abismo, pero con una esperanza temblorosa al fondo del plano. Quizá no sea el tema central pero habla de una Europa que no trata bien a los emigrantes, ni siquiera siendo estos europeos. No voy a mencionar la temática principal del filme pues para algunos puede desmontar media película el saberlo de antemano. Pero si que es un fiel reflejo de que en la Europa más libre aún hay corsés que muchos mantienen atados, incluso para sí mismos.

Mario Casas firma una de sus interpretaciones más maduras y vulnerables, no me extraña el premio recibido recientemente en Málaga. Alejado de su imagen de galán, se sumerge en un papel que requiere una entrega física y emocional absoluta. Se percibe cierta improvisación para explorar la desconcertante situación de su personaje. Oms logra con su interpretación y con el reparto secundario entretejer una red que refleja la complejidad de un entorno que, es en sí una dicotomía: un sin fin de frialdades y rincones donde encontrar solidaridad.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Molt lluny. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Gerard Oms. Guion: Gerard Oms. Música: Sílvia Pérez Cruz. Fotografía: Edu Canet. Reparto principal: Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani. Producción: Zabriskie Films, Revolver Ámsterdam, MEDIA, ICEC, ICAA, NL Film Fonds, TV3, TVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/muy-lejos/

Crítica: ‘La niña de la cabra’

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Sinopsis

Madrid, 1988. Elena afronta la reciente pérdida de su abuela mientras se prepara para hacer la Primera Comunión. Su amistad con Serezade, una niña que no se separa de su cabra, le lleva a plantearse si realmente el mundo es tal y como se lo han contado.

Crítica

Retrato tierno de ruptura y desafío generacional

‘La niña de la cabra’, el filme de Ana Asensio, se adentra en un terreno que el cine español ha visitado con frecuencia en los últimos años: la infancia en los años 80 (véanse films como ‘Las niñas’, ‘El universo de Oliver’ o ‘Los Aitas’). Asensio debutó hace años con ‘Most Beautiful Island’ en un filme que te gustase o no se percibía íntimo y ahora apuesta por enfoque aún más introspectivo, sincero y profundamente humano. Este es un largometraje que evita el exceso de dramatismo y la idealización para ofrecer un testimonio honesto y emocionalmente resonante.

Protagonizada por la joven Alessandra González como Elena, la película nos sitúa en un barrio de la periferia sur madrileña, donde la niña vive entre preocupaciones cotidianas tales como su Primera Comunión, los grupitos del patio de recreo, la ausencia de su abuela o los prejuicios familiares hacia su nueva amiga gitana Serezade (Juncal Fernández). Esa pequeña joven en situación de riesgo de exclusión siempre va acompañada de una enigmática cabra que desata las fantasías y pesadillas de Elena, alimentados por sus lecciones escolares sobre las pinturas negras de Goya y los catecismos que te dicen que todo es pecado. Este cruce entre lo real y lo simbólico, entre la infancia como experiencia y como percepción alterada, es uno de los grandes aciertos narrativos del film que, en mi opinión refleja, como llega un momento en la vida en que se rompe el mundo que nos presentan nuestros padres.

Asensio opta por narrar desde la mirada infantil, lo que imprime al relato un filtro de inocencia, subjetividad y ternura. En lugar de imponer un discurso adulto, la cámara se alinea con la perspectiva de Elena, lo cual dota a la película de una autenticidad tan enternecedora como desarmante. Esta elección nos lleva a otro mundo y recuerda a la estrategia empleada por obras recientes como ‘El universo de Óliver’ o ‘Rita’, pero ‘La niña de la cabra’ consigue sobresalir por su equilibrio entre lo costumbrista, lo nostálgico y lo poético. Es tal en enfoque en la infancia que a veces parece que estamos en un capítulo de Snoopy, donde los adultos nunca eran vistos por encima de su cintura.

La dirección artística está meticulosamente cuidada, desde la ambientación hasta el vestuario, logrando una evocación nostálgica sin caer en la caricatura. A diferencia de otras cintas ambientadas en los 80, que abusan de la estética vintage para ganarse al espectador, aquí todo está al servicio de una historia que también podría transcurrir perfectamente en 2025. Los segmentos en blanco y negro aportan la misma confusión del expresionismo alemán y refuerzan el tono melancólico sin robar protagonismo a los silencios, tan importantes en esta narración cargada de emociones no verbalizadas, que en parte parece que buscan la complicidad del espectador y en parte reflejan la desorientación o el desafío que a veces está presente durante nuestros primeros años. No es igual de eficiente la voz en off (de la propia directora) que aparece de manera aleatoria.

Uno de los aspectos más destacables del filme es su retrato de la exclusión social. Sin recurrir al panfleto, Asensio visibiliza el racismo cotidiano y socialmente interiorizado que enfrentan personajes como Serezade, pero también la posibilidad de la amistad como puente entre mundos aparentemente inconciliables. El guion evita maniqueísmos y apuesta por la ambigüedad, dejando espacio para que el espectador reflexione sobre sus propios recuerdos de infancia y los prejuicios heredados. Así mismo plasma las barreras sentimentales que existían en la época y que impedían la comunicación y comprensión entre generaciones.

En cuanto al reparto y aunque con la voz en off parece que nos indica que hay algo de autobiográfico, la directora se enfrentaba al reto de contar una historia que no protagonizaba ella misma como, fue el caso de su anterior filme, y por lo tanto, de conseguir que otros transmitan lo que tiene en mente. Se podría decir que ha conseguido moldear a las dos pequeñas niñas para exteriorizar sus inquietudes. Alessandra González ofrece una interpretación poderosa y tierna, llena de matices que no parecen ni de su edad. Su química con Juncal Fernández aporta una naturalidad conmovedora, pilar esencial para sostener la historia.

‘La niña de la cabra’ es una película pequeña en escala pero enorme en sensibilidad. Un testimonio de ruptura generacional que no necesita grandes giros ni efectos para dejar huella. Ana Asensio consolida su voz como cineasta sensible y comprometida con las historias que para algunos son incluso tabú, las que no suelen aparecer en los titulares o las que rompen tradiciones, pero que forman el tejido emocional de quienes fuimos niños alguna vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: La niña de la cabra. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Ana Asensio. Guion: Ana Asensio. Música: Marius Leftarache. Fotografía: David Tudela. Reparto principal: Alessandra González, Juncal Fernández, Lorena López, Javier Pereira, Enrique Villén, Zaira Romero, Gloria Muñoz. Producción: Aquí y Allí Films, Avalon, La niña de la cabra AIE, Avanpost. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/la-nina-de-la-cabra/

Crítica: ‘Polígono X’

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Sinopsis

Unas canchas de fútbol de barrio. Rana y su equipo se sienten humillados por los brasileños del barrio de al lado, que les ganan desde hace tiempo. Pero hoy no van a permitirse perder y menos delante de Alba, la ex de Rana, saliendo a jugar contra ellos en una partida de cinco contra cinco en donde todos tienen algo contra todos. Esta es la oportunidad perfecta para los chicos del barrio Polígono X de hacer algo que llevan esperando mucho tiempo: expulsar a los brasileños de su barrio.

Crítica

Un retrato sin concesiones de la tensión del cemento

Hay que decirlo desde el inicio: pocos cortos logran condensar con tanta precisión y tensión narrativa un universo tan reconocible como el que plantea Néstor López en ‘Polígono X’. Un director que ya sabe lo que es levantar un Goya, vaticinamos hace poco el éxito de ‘Semillas de Kivu’ y aprovechamos esta ocasión para dar nuestra sincera enhorabuena. Esta vez nos golpea con una pieza compacta y brutal que se mueve con la precisión de una coreografía… pero sin artificios, sin alardes vacíos. Aquí, el plano secuencia no es un capricho técnico, es una necesidad narrativa que sirve para subrayar la tensión psicológica, el asedio de gallitos y la sensación de que algo puede explotar en cualquier momento.

Uno de los méritos y aciertos de ‘Polígono X’ reside en cómo consigue que la cámara se convierta en un personaje más, un testigo que respira el mismo aire cargado que los protagonistas. No hay cortes y tampoco hay pausas. Todo fluye con una naturalidad inquietante, como si de manera arriesgada la cámara se hubiese sumergido en un barrio real y a modo de documental. Esa cámara nerviosa pero precisa no solo capta la acción sino también el contexto: esas fachadas desconchadas, ese lenguaje corporal endurecido por los años, esa jerga que es tan música como amenaza.

‘Polígono X’ no habla solo de un conflicto puntual: habla de una cultura enquistada, de una masculinidad tóxica que sobrevive inexplicablemente al paso del tiempo. Viviendo actualmente con bombardeo de discursos progresistas y de un audiovisual que enarbola discursos en aras de la igualdad, sorprende que aun parece lejos el ganar pulso a “los trogloditas” que necesitan el refuerzo físico para sentirse alguien. En pleno siglo XXI, cuando las pantallas han educado a generaciones enteras y deberían habernos enseñado otras formas de ser, López nos recuerda que hay realidades donde la evolución no ha llegado, o ha llegado a medias. Y no lo hace desde la superioridad moral ni el panfleto: lo hace desde una mirada que parece fruto de la observación, desde una mirada que entiende el barrio, tanto como los que hemos crecido en él y lo hemos mamado casi como firma de vida.

En este sentido, quienes hemos transitado esas calles, esas pistas de fútbol sala donde se juega más que el marcador, encontramos en ‘Polígono X’ una fidelidad completa, vibrante. Porque no es solo el decorado, es el código gestual, la violencia sorda que se esconde tras mirada, el orgullo ridículo que se convierte en detonante de una tragedia. López clava estos matices con precisión y lo hace apoyado en un reparto que parece no actuar, sino simplemente estar. Ahí está el otro gran acierto del corto. Juan José Ballesta suma una nueva interpretación que clava los patrones de aquellos que son endémicos de las calles de la España de los 2000. Pero no solo él, sino que todo un reparto encabezado realmente por Guillermo Hego, que compone una pandilla veraz que podríamos cruzarnos si salimos ahora mismo a barrios madrileños de zonas como Carabanchel, Vallecas, El Pilar o Villaverde.

El corto se ve rápido, sí, pero deja una sensación amarga que permanece. Como una bronca mal cerrada o una conversación pendiente. ‘Polígono X’ es cine social, quizá la versión actual del cine quinqui de los 70 u 80. Sin florituras, sin condescendencias. Una ventana para quienes no quieren mirar y un recordatorio para los que vivimos o hemos vivido momentos como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 2025. Título original: Polígono X. Duración: 15 min. País: España, Francia. Dirección: Néstor López. Guion: Néstor López. Fotografía: Juanjo Sánchez. Reparto principal: Guillermo Hego, Juan José Ballesta, Deivis de Jesús, Carlos Cábalas, Antonio Belvis, Anjel Collado, Alba Tissera. Producción: Filmakers Monkeys, Cvpvla Studio, La Última Sensación, The Other Films, La Luna Productions. Distribución: La Luna Productions. Género: drama. Web oficial: https://laultimasensacion.com/project/poligono-x/

Os presentamos ‘Producto Local’

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Serie independiente rodada con menos de mil euros

Nos llegan noticias de nuevos rodajes independientes, de esos que muchas veces ganan en originalidad, pasión y entrega a las grandes producciones. De la mano de Jaxsa, director vizcaíno del municipio de Leioa experimentado en cortometrajes, mediometrajes y documentales, está desarrollando la serie ‘Producto Local’ y ha confiado en nosotros para hacérosla conocer.

‘Producto Local’ cuenta con un presupuesto de menos de 1000€. Para llevarse a cabo la serie se ha trasladado a más de 250 localizaciones exteriores de Bizkaia, especialmente en la margen izquierda de Bilbao. “Nosotros no contamos con medios. Esto ha sido posible gracias a los voluntarios y al trabajo y esfuerzo volcados en la obra por más de 3 años”, reflexiona Jaxsa después de las últimas jornadas de postproducción.

‘Producto Local’ retrata a personajes anclados en la cultura de los años 80. Hombres y mujeres fruto (o producto) de una sociedad que aún no estaba preparada para acepar un contexto de homosexualidad. Los protagonistas representan a una familia compuesta por dos hombres y un joven.

“Antes se mataba. Se vendía droga, se extorsionaba. Antes se hacían cosas”, esa es la frase con la que arrancará ‘Producto Local’. Esa es la reflexión de uno de sus protagonistas. cuyas decisiones tomadas en el pasado tienen eco en el presente de él y su pareja, augurando tragedia. “Son gente marginal. […] Para ellos, el dinero es algo importante: […] cuando tienen mucho creen que eso les va a durar eternamente, y cuando no tienen salen a buscarlo”, reflexionaba Felipe Cuétara (Daddy, en ‘Producto Local’). Además de sus actores habituales, como Félix Marín, el director ha contado con nuevas apuestas locales para dar rostro a los protagonistas, con Fernando López y Felipe Cuétara, veterano director de teatro.

Maternidad y paternidad en un entorno de pobreza y precariedad son el eje de la serie. Los efectos de unos padres “defectuosos” en los hijos forman parte de un retrato que aparece con frecuencia en el Bizkaia industrial del pasado, específicamente en la margen izquierda y los barrios altos. La crisis de empleo da paso a trapicheos y esta serie quiere reflejar esa vida cotidiana.

Nos ha parecido digna de mención la cartelería de esta serie. Es por ello que a continuación os ofrecemos una galería y seguidamente la sinopsis de esta serie.

Sinopsis oficial:

La serie ‘Producto Local’ explora el resultado (producto) de las vidas de hombres y mujeres que vivieron la realidad de los años 80 y que, en la actualidad, no han logrado adaptarse a los nuevos tiempos. Los protagonistas conforman una familia atípica compuesta por dos hombres y un joven, en un contexto de homosexualidad no aceptada ni socialmente ni por ellos mismos. La realidad de los dos personajes principales, las decisiones tomadas en el pasado y sus consecuencias en la actualidad son el eje central de la historia. Todos ellos buscan escapar de la difícil vida que han arrastrado durante años, con la esperanza de ofrecer un futuro mejor a su “hijo” no biológico.

En la serie se reflejan algunos temas muy presentes en la sociedad actual. Uno de los temas vertebrales de ‘Producto Local’ es el maltrato estructural hacia la mujer, presente tanto en las protagonistas como en personajes secundarios que también son víctimas de esta lacra. Una joven, madre de una niña de 10 años, se ve obligada a prostituirse para mantener a su familia. En este entorno dramático, los derechos de los niños se ven vulnerados por la falta de cuidados y acompañamiento.

Los personajes de ‘Producto Local’ viven bajo el umbral de la pobreza debido a la precariedad laboral que sufren. Tanto la paternidad como la maternidad son un foco central de la narrativa, ejercidos de forma torpe y con efectos perniciosos para los hijos. La serie presenta el abandono de los menores a cargo de unas familias que, debido a sus circunstancias, son incapaces de ofrecer apoyo y un entorno seguro para la crianza. Asimismo, se muestran con frecuencia escenarios del pasado industrial de Bizkaia, la margen izquierda y los barrios altos. Donde antes hubo empleo, ahora se desarrollan los trapicheos y la vida cotidiana de los personajes.

Max se suma a las suscripciones con anuncios

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El plan básico de Max con anuncios costará 6.99€

Max, lo que anterior y popularmente se conocía como HBO, se suma a la propuesta de plataformas mayoritarias como Netflix, Prime Video y Disney+, de ofrecer planes con anuncios. El plan básico que propone Max en España consiste en 6,99 € y estará disponible a partir del próximo 8 de abril, justo a tiempo para ver recién estrenado el final de ‘The White Lotus’ temporada 3.

El rebranding de HBO Max a Max lleva apenas un año cuando recibimos esta novedad. El servicio de streaming se suma a la corriente actual de ofrecer una lista de posibilidades y tarifas entre las que la más básica ofrece un precio similar al de una entrada de cine pero con contenido para un mes y con pausas publicitarias.

Alessandro Araimo, vicepresidente ejecutivo y director general de Warner Bros. Discovery Iberia e Italia, ha declarado: “Nos complace enriquecer nuestro servicio de streaming Max y ofrecer en España una nueva forma de que el público se suscriba al servicio y acceda a cientos de títulos memorables que forman parte de nuestro grupo. Al mismo tiempo, somos conscientes de que los anunciantes quieren difundir sus mensajes a través de medios fiables, sólidos y con un posicionamiento claro y distintivo en el mercado”.

Luca Nicoli, VP Digital Ad-supported Services de WBD para EMEA, dijo: “Ampliar nuestra disponibilidad de publicidad a España, Portugal y Andorra ofrece a las marcas una oportunidad única de asociarse con nuestro servicio de streaming de primer nivel a través de productos publicitarios de gran impacto en torno a las series originales de HBO y Max. Los suscriptores han respondido de manera extremadamente positiva al lanzamiento de los planes con anuncios en Max, lo que ha ayudado a ampliar nuestra base de clientes al atraer a segmentos de audiencia que desean acceder a un precio más bajo al contenido de calidad de Max, como The White Lotus, The Last of Us, El Pingüino y La Casa del Dragón”.

Los planes de suscripción de Max para nuevos clientes a partir del 8 de abril quedarían de esta manera:

  • Plan básico con anuncios (mensual): 6.99€
  • Plan estándar (mensual): 10.99€
  • Plan premium (mensual): 15.99€
  • Plan básico con anuncios (anual): 69.90€
  • Plan estándar (anual): 109.00€
  • Plan premium (anual): 159.00€
  • Max DAZN (mensual, complemento deportes incluído): 44.99€
  • Complemento deportes (mensual, para todos los planes): 5.00€

Comparativa con otras plataformas con planes con anuncios y condiciones similares:

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Nuevo tráiler del ‘Superman’ de James Gunn

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Más bien una expansión del que vimos en diciembr

El segundo tráiler de la nueva película ‘Superman’ de James Gunn, ha generado gran expectación entre los seguidores del Hombre de Acero. Aunque es una extensión del que vimos en diciembre ofrece la escena entera con Krypto que tantos memes y fans ha generado, ofreciendo una visión completa sobre la nueva Fortaleza de la Soledad, llena de asistentes, aquellos que los fans conocen como Kelex.

Además de disponer a David Corenswet en nuevas escenas en las que luce la “S” en el pecho el tráiler también presenta a otros personajes clave del universo DC. Se muestra a Rachel Brosnahan como Lois Lane, compartiendo momentos significativos con Clark Kent. Nicholas Hoult aparece como Lex Luthor, sugiriendo la compleja relación entre el héroe y su némesis. Además, se revelan brevemente a Edi Gathegi como Mr. Terrific, Nathan Fillion como Guy Gardner/Linterna Verde, Isabela Merced como Hawkgirl y Anthony Carrigan como Metamorpho, indicando la inclusión de múltiples héroes en la narrativa como ya analizamos en este hilo.

La película ‘Superman’ tiene previsto su estreno el 11 de julio de 2025, y este segundo tráiler ha incrementado en pocos minutos las expectativas, prometiendo una narrativa que combina acción, un reparto coral, profundidad emocional y un respeto evidente por la mitología más noble del personaje.

Sinopsis oficial:

Sigue al superhéroe titular mientras reconcilia su herencia con su educación humana. Es la encarnación de la verdad, la justicia y un mañana mejor en un mundo que ve la bondad como algo anticuado.

Tráiler del ‘Agárralo como puedas’ de Liam Neeson

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En cines el 1 de agosto

Uno de los referentes cinematográficos cómicos de las últimas décadas es la saga ‘The naked gun’, bautizada en España como ‘Agárralo como puedas’. Protagonizada por Leslie Nielsen en uno de los cambios de registro más exitosos de la historia del cine, seguíamos la historia y fortuitos éxitos de un policía chapado a la antigua, Frank Drebin. Lo que era una parodia de películas como ‘Harry el sucio’, ‘Los intocables’ o ‘James Bond’, dio paso a toda una saga de cintas, precedidas por ‘Aterriza como puedas’ y sucedidas por la ‘Scary Movie’.

La muerte de Nielsen nos dejó huérfanos y también sin la participación de los ZAZ (Jerry Zucker, Jim Abrahams y David Zucker) llevamos años sin cine paródico. Pero Liam Neeson está aquí para rescatarnos. Akiva Schaffer (‘Chip y Chop: Los guardianes rescatadores’) dirige esta nueva entrega en la que Neeson interpreta al hijo de Drebin, bautizado también como Frank.

En el reparto de este nuevo ‘Agárralo como puedas’ encontramos también a Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, CCH Pounder, Kevin Durand, Cody Rhodes, Liza Koshy, Eddie Yu y Danny Huston.

Viendo el tráiler queda claro que se mantendrá el tono irreverente. Viendo quién produce la película (Seth MacFarlane, ‘Padre de familia’) también estamos seguros de que la corrección política brillará por su ausencia. Ahora queda pendiente si la cadencia, originalidad y eficiencia de gags es igual de buena.

Crítica: ‘Devil May Cry’

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En qué plataforma ver Devil May Cry

Amplía el lore a través de un Dante menos maduro y en una etapa menos sombría

Cuando Netflix anunció su adaptación animada de ‘Devil May Cry’, las expectativas quedaron marcadas por dos factores clave en extremos opuestos: el historial de fracasos en adaptaciones de videojuegos de la industria norteamericana y el éxito de ‘Castlevania’, una serie con la que comparte estudio de animación y showrunner, Adi Shankar. La saga de Capcom ya había tenido otros intentos previos en televisión, como la serie de 2007 y otra en 2013, ambas con ligera aceptación por los fans. Ahora, con un equipo más experimentado y un público más receptivo a este tipo de proyectos, ¿logra ‘Devil May Cry’ redimirse en el formato animado?

Netflix estrena esta serie el 3 de abril con 8 episodios de media hora cada uno. Desde los primeros segundos, la serie deja clara su intención de jugar con el factor nostalgia. Nada más empezar, nos regala un guiño a ‘Masters del Universo’ y otros clásicos Capcom de los 90, como ‘Captain Commando’ o ‘Resident Evil’. El opening, con la versión censurada de Rollin’ de Limp Bizkit, es una declaración de intenciones: nos sitúa en ese ambiente de finales de los 90 y principios de los 2000, justo antes del nacimiento de la saga. A lo largo de los episodios la banda sonora sigue esta línea con temas remezclados de Rage Against the Machine, Papa Roach, Evanescence y otros contemporáneos, lo que refuerza el carácter caótico y desenfadado de la serie.

En cuanto a la historia, la serie se ambienta alrededor de los eventos de ‘Devil May Cry 3’, uno de los juegos más queridos de la franquicia. Introduce nuevos demonios y recupera otros conocidos, ofreciendo contexto y, en algunos casos, relleno en las bios de ciertos personajes, especial y evidentemente sobre Dante. Se introducen elementos de física cuántica como parte del lore demoníaco, algo que, hasta donde sé, no había sido mencionado en la saga, pero que aquí se usa como una interpretación más de la naturaleza del inframundo. No es un problema grave, pero puede desconcertar a los fans más puristas.

Uno de los aspectos más discutibles de la serie es su tono visual. Studio Mir apuesta por un estilo más colorido que choca con la estética lúgubre y oscura de los juegos, especialmente si recordamos los gráficos de PlayStation. Esto le resta parte de la sensación de terror y opresión que caracterizaba a los primeros ‘Devil May Cry,’ a cambio de reforzar el componente cómico de la serie, algo que en los juegos solía recaer exclusivamente en la actitud descarada de Dante. El episodio 6 es un claro ejemplo de esta dualidad: su uso de diversos estilos de animación es visualmente impresionante y emotivo, pero se aleja bastante del tono de la saga. Aún así, si reducimos la serie a mínimos, es un chorreo de acción sangrienta repleta de bosses.

En el apartado del doblaje, la gran sorpresa es Johnny Yong Bosch como la voz de Dante. Bosch, conocido por ser el Power Ranger negro, Kaneda en ‘Akira’, Ichigo Kurosaki en ‘Bleach’ y Ken en ‘Street Fighter’ (para el cual hay guiño nostálgico en la serie), ya tenía relación con la franquicia al haber sido la voz de Nero en los videojuegos. Su fichaje como Dante resulta curioso y viene tras la salida de Reuben Langdon, quien había interpretado al personaje durante 19 años. Langdon, actor, luchador en artes marciales y especialista en captura de movimiento, se distanció de Capcom por cuestiones políticas, lo que llevó al estudio a optar por un cambio de voz. También es notable el homenaje en el primer episodio a Kevin Conroy, legendario actor de voz de Batman, quien aquí interpretaba a VP Baines.

A nivel de referencias, la serie cumple con creces. Elementos icónicos como la Force Edge de Sparda, las pistolas Ebony e Ivory y la espada Rebellion… están presentes, y la acción mantiene el espíritu frenético de los videojuegos. Aunque algunos cambios pueden generar debate entre los seguidores más veteranos, sobre todo los que humanizan a los demonios y les ponen en un contexto que parece responder a inquietudes actuales con las crisis migratorias. A este ‘Devil May Cry’ le falta la madurez, el dramatismo y la tragedia de la saga y le sobra algo de socarronería, pero no olvidemos que surge a partir de la que fue una gran precuela y el protagonista aún no tiene ese punto de madurez. Si obviamos eso, hay que reconocer que consigue capturar la esencia de ‘Devil May Cry’.

Nace el Museo del Cine

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Emplazado en el antiguo edificio del NO-DO

Esta mañana, el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, Fernando Méndez-Leite, y el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, han anunciado la creación del Museo del Cine, que se instalará en el antiguo edificio del NO-DO.

El Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), dependiente del Ministerio de Cultura, ha formalizado la cesión de este inmueble, situado en la calle Velázquez 145 de Madrid, a la Academia de Cine con el propósito de desarrollar este nuevo espacio cultural.

El Museo del Cine nace con la misión de convertirse en un referente en la difusión y conservación del cine español, aprovechando una ubicación emblemática en la historia audiovisual del país. Para ello, el edificio será rehabilitado, permitiendo la exhibición y resguardo del patrimonio cinematográfico.

Este proyecto facilitará la preservación, el estudio y la valorización del legado audiovisual español. Contará con un programa de exposiciones, proyecciones y actividades educativas que garantizarán su accesibilidad e inclusión para todos los públicos.

«Con esta cesión damos el primer paso para hacer realidad un museo que rinda homenaje al cine español y a sus creadores. Es un espacio necesario para recordar nuestra historia cinematográfica, reconocer el trabajo de quienes la cimentaron y dar visibilidad a las nuevas generaciones de cineastas», ha señalado Fernando Méndez-Leite.

El presidente de la Academia ha expresado su agradecimiento al Ministerio de Cultura por su apoyo en este proyecto, que representa un anhelo largamente esperado por la comunidad cinematográfica.

Por su parte, el ministro Ernest Urtasun ha destacado que el museo «responde al interés compartido por proteger y difundir nuestro patrimonio audiovisual». Además, subrayó que sus principales objetivos serán «poner en valor nuestra herencia cinematográfica, acercarla a la ciudadanía y fomentar nuevas oportunidades de diálogo y creación en torno al cine español».

Este espacio también servirá como punto de encuentro para artistas emergentes, profesionales del sector, académicos, críticos y amantes del cine.

NO-DO: Un espacio de memoria

El edificio que albergará el museo fue, desde 1942, la sede de la delegación encargada de producir el Noticiario Cinematográfico Español, conocido como NO-DO, durante el franquismo.

Con la llegada de la democracia, el inmueble pasó por distintas etapas y albergó las oficinas de Radio Televisión Española hasta 2007, cuando quedó en desuso. Actualmente, cuenta con una superficie construida de 4.840 metros cuadrados y 3.913 metros cuadrados útiles, distribuidos en cuatro plantas.

Los archivos del NO-DO, que contienen cerca de 70.000 negativos, fueron trasladados al Centro de Conservación y Restauración de la Filmoteca Española. Desde 2017, su gestión está en manos del ICAA.

A partir de este material patrimonial, el museo contará con un espacio de memoria e interpretación que permitirá conocer la historia del edificio y el impacto del NO-DO en el imaginario audiovisual español. De este modo, se facilitará el acceso a sus archivos y se contribuirá a la comprensión del cine en España durante la dictadura.

Crítica: ‘Karma’

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¿Casualidad o merecido? La serie en la que el karma juega con la tercera ley de Newton

Netflix continúa con uno de sus idilios más lucrativos y nos trae una nueva serie surcoreana. ‘Karma’ es una próxima serie y la tendréis en la parrilla de la plataforma el 4 de abril de 2025. Dirigida y escrita por Lee Il-hyung, la serie está basada en un webtoon homónimo y cuenta con un elenco destacado, incluyendo a Park Hae-soo, conocido por su papel en ‘El juego del calamar’, Shin Min-a, Lee Hee-joon, Kim Sung-kyun, Lee Kwang-soo y Gong Seung-yeon. ​

La trama se centra en seis personajes cuyas vidas se entrelazan de manera inesperada y desafortunada debido a decisiones impulsadas por la codicia y el deseo. Catástrofes personales, accidentes, malas decisiones, filosofía de vida cuestionable, ética reprochable… los protagonistas son unos malnacidos y unos cabroncetes. Todo ello, según la serie, les trae mal karma. La deriva de sus vidas les lleva a interrelacionarse con otras personas que también acumulan nubes negras sobre ellos. Dicho así suena como ‘Bronca’, el gran éxito de Netflix. Con un carácter menos cómico y más negro nos expone una cadena de sucesos entrelazados con misterio entremedias, con conexiones por resolver. Todo son casualidades o merecidos, según se quiera entender.

Entre los protagonistas de ‘Karma’ encontramos a un hombre que, tras presenciar un accidente misterioso, realiza un trato irreversible, una médica que enfrenta traumas de su infancia al reencontrarse con alguien de su pasado; o un individuo endeudado por inversiones fallidas en criptomonedas. Estos relatos se combinan para explorar temas de destino, venganza y las consecuencias de las acciones humanas, como si el destino hubiese tomado nota de la ley de acción y reacción de Newton. Desde luego que la serie te empuja a ser mejor ciudadano o por el contrario, un canalla más calculador. Desde luego es mucho más efectiva que ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’. Si lo miramos desde ciertas perspectivas algunos personajes son simpáticos buscavidas que se creen unos sabelotodo y realmente son unos pringados. Pero bajo otra perspectiva la serie muestra que nos pasa lo que nos pasa por que somos y estamos rodeados de calaña.

‘Karma’ ofrece una narrativa intensa y reflexiva sobre las interconexiones humanas y las repercusiones de nuestras elecciones. Es un thriller completamente negro con mucho drama psicológico.​ Te deja con mucha intriga tras cada uno de sus episodios y aporta grandes giros de guión, algunos pocos predecibles y otros sorprendentes, como el que nos reserva en su final. Quizá la solución de cada uno de los eventos que vemos esté tan medida y sea a veces tan fruto de lo premeditado que le reste ese sabor a “merecido”, pero este es un enredo la mar de interesante.

Crítica: ‘Sorda’

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Sinopsis

Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. La llegada de la niña altera la relación de pareja, y lleva a Ángela a afrontar la crianza de su hija en un mundo que no está hecho para ella.

Crítica

Un relato poderoso sobre la comunicación en todas sus formas

La ópera prima de Eva Libertad, ‘Sorda’, se alza como una de las propuestas más conmovedoras y casi obligatorias del cine español reciente. Ganadora de dos premios en Berlín y de la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, así como del premio del público y de los galardones ex aequo a mejor interpretación para Miriam Garlo y Álvaro Cervantes, la película aborda con sensibilidad las barreras comunicativas y emocionales que enfrenta una pareja en la que uno de sus miembros es sordo y el otro oyente, especialmente en el reto de la paternidad.

A través de la historia de los personajes de Ángela y Héctor, ‘Sorda’ explora los desafíos que surgen cuando una pareja compuesta por una persona sorda y oyente deciden traer alguien a este mundo. La llegada del bebé intensifica las dificultades de comunicación, la incertidumbre sobre cómo enfrentar la crianza y la necesidad de encontrar un equilibrio en una sociedad que sigue sin estar completamente adaptada a la diversidad funcional. La película no solo denuncia las barreras externas que se encuentran aquellos que no son oyentes, sino también las internas, aquellas que nacen de los miedos, las inseguridades y las múltiples o posibles faltas de entendimiento dentro de la pareja.

‘Sorda’ construye con sutileza un relato entrañable y cotidiano que, en su tercer acto, despliega con mayor claridad las inquietudes y dilemas que atraviesa la pareja protagonista. Es especialmente valioso que el filme evite caer en el melodrama fácil, alejándose de los conflictos basados en discusiones o tragedias. En cambio, abre un debate que muchos jamás se habrán planteado. Para aquellos menos familiarizados con la comunidad sorda, o incluso para quienes desconocen la relevancia de la lengua de signos en la vida de tantas personas, la película supone una auténtica inmersión en una realidad distinta, especialmente en sus últimos diez minutos. La controversia radica en la diferencia entre aceptar y desear tener un hijo sordo. Mientras algunos padres no oyentes rechazan la idea de criar hijos CODA (oyentes con padres sordos), lo que algunos consideran una postura contraria a la evolución, los abuelos, por otro lado, temen transmitir una herencia que implique el reto adicional. Además, la película aborda con sensibilidad la compleja transición de quienes deben salir de la comunidad en la que se sienten comprendidos para integrarse en entornos ajenos que la paternidad les impone.

El trabajo de Miriam Garlo es sobresaliente, aportando una autenticidad única a su personaje. Su expresividad y dominio del lenguaje corporal logran transmitir la complejidad emocional de Ángela sin necesidad de artificios. Por su parte, Álvaro Cervantes ofrece una interpretación matizada, encarnando con sensibilidad el papel de un hombre que, pese a su amor y voluntad de apoyo, se enfrenta a dificultades que no siempre sabe cómo manejar.

Con una puesta en escena sobria pero efectiva y un guion que equilibra lo íntimo con lo universal, ‘Sorda’ no solo es un drama sobre la discapacidad auditiva, sino también un reflejo de los retos que enfrentan muchas parejas al convertirse en padres. Es, en última instancia, una llamada a la empatía y la comprensión, recordándonos que la comunicación va mucho más allá de las palabras.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2025. Título original: Sorda. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Eva Libertad. Guion: Eva Libertad. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario. Producción: Distinto Films, Nexus CreaFilms. Adolfo Blanco, RTVE, Movistar Plus+, La7, ICAA, ICEC, Región de Murcia, Ayuntamiento de Molina de Segura. Distribución: A Contracorriente Films, Latido Films. Género: drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/deaf-2

Crítica: ‘A Working Man’

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Sinopsis

Levon Cade (Statham) ha dejado atrás una laureada carrera militar en operaciones encubiertas para llevar una vida sencilla trabajando en la construcción. Pero el día que unos traficantes de personas secuestran a la hija de su jefe, a la que considera como de la familia, su búsqueda para rescatarla le descubre un mundo de corrupción mucho mayor de lo que jamás hubiera podido imaginar.

Crítica

Lo de Statham ya es más monótono que un trabajo de oficina

Si Jason Statham entregara su currículum en el SEPE, lo devolverían con una sola anotación: “Muy trabajador, especialista en venganza, puñetazos y cara de pocos amigos”. No hay nada nuevo en ‘A Working Man’, el enésimo vehículo de acción hecho a su medida, que bien podría titularse El ‘Transporter retirado.

‘A Working Man’ llega con la fórmula probada y reciclada de ‘Beekeeper’: mismo director (David Ayer), mismo protagonista (Statham) y misma productora (Cedar Park Entertainment). La sensación de déjà vu es tan fuerte que parece que en lugar de estrenar películas nuevas, Ayer simplemente reenvía la misma con un título diferente. Y si el año que viene nos sorprenden con ‘El carpintero’, ‘El fontanero’ o ‘El jardinero’ tampoco me sorprendería, aunque este último título se lo acaba de agenciar Van Damme. Statham se repite tanto como Gerard Butler, Liam Neeson, Aaron Eckhart y similares, no nos sorprende, pero cabía esperar más dado quien estaba implicado en este proyecto.

A pesar de que esta historia surge de la primera novela de la serie de libros Levon Cade de Chuck Dixon, el guión está firmado por Sylvester Stallone. Stallone quería hacer una serie sobre estos doce libros pero su intención se ha quedado, de momento en esta película que nos propone el clásico enfrentamiento de un hombre contra una amenaza imposible. Stallone y Statham ya habían coincidió en ‘Homefron (El protector)’ con una trama no muy diferente y un mundo de narcotraficantes. El mal a erradicar esta vez es el tráfico de personas, un tema recurrente en las ficciones conspiranoicas que obsesionan a la ultraderecha estadounidense. No es casualidad que Stallone, últimamente muy halagador hacia Donald Trump, escriba esta historia con el entusiasmo de quien cree que la solución a todos los problemas del mundo es un puñetazo bien dado.

El arranque de la película promete: una secuencia de créditos que parece sacada de un Call of Duty, con música épica y planos de armamento que harían salivar a la clientela de una tienda de armas de Texas en Black Friday. Pero una vez pasamos de la “intro”, la historia avanza con una parsimonia inesperada para un filme de acción. Se supone que Statham está en una misión de rescate contrarreloj… pero lo suyo es más bien una persecución sin prisa, como si en cualquier momento pudiera detenerse a hacer trámites administrativos. Eso sí, nos hace una guía de bares de los Estados Unidos que ni un free tour.

Los villanos son un espectáculo variado pero no precisamente memorable. Algunos parecen haber salido de una película de Guy Ritchie, con chándales de mercadillo y acentos de Europa del Este, pero sin la gracia ni el carisma que Ritchie sabe imprimir en sus maleantes. Otros parecen versiones de El Pingüino de Batman, pero menos sofisticados y tenemos también a una especie de Joker happy flower y encocado, con una interpretación que haría sonrojar hasta al Jared Leto de ‘Suicide Squad’. Premio para el villano encubierto, el abuelo de la niña con un sinfín de horteradas y sus tácticas fabianas.

Las escenas de acción cumplen con lo esperado: disparos con precisión imposible, explosiones aleatorias y coreografías de combate donde cada puñetazo suena como si alguien estuviera aporreando un bombo de la Orquesta Filarmonica de Viena. Todo ello muchas veces acompañado de una luna que aparece en el cielo con un tamaño tan descomunal que parece sacada de ‘Moonfall’ de Roland Emmerich. No sabemos si la luna está ahí para ambientar o para recordarnos que incluso los satélites naturales tienen más expresividad que algunos de los secundarios.

Michael Peña intenta aportar algo de drama a la historia, pero su personaje parece atrapado entre la seriedad y el deseo de hacer algún chiste para romper la tensión. Viéndolo aquí, uno no puede evitar imaginar que en cualquier momento se girará a la cámara y empezará a contar una de sus historias rápidas de ‘Ant-Man’, lo que, sinceramente, habría sido un gran añadido. En conclusión, ‘A Working Man’ es exactamente lo que parece: otra entrega en la saga infinita de “Jason Statham hace de Jason Statham”. Creo que va a rebufo de Homer Simpson e intenta haber trabajado en todas las profesiones posibles.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2028. Título original: A Working Man. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: David Ayer. Guion: Sylvester Stallone. Música: Jared Michael Fry. Fotografía: Shawn White. Reparto principal: Jason Statham, Jason Flemyng, Merab Ninidze, Maximilian Osinski, Cokey Falkow, Michael Peña, David Harbour. Producción: Black Bear, Block Films, Balboa Productions, CAT5, Cedar Park Entertainment, Punch Palace Productions, Balboa Productions. Distribución: Warner Bros. Género: acción. Web oficial: https://www.instagram.com/aworkingmanmovie/