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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Diario de Sitges 2025. 12 de octubre

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Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros

Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.

Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.

Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.

‘Esa cosa con alas’ (crítica completa)

Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.

Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.

Comentado por Furanu.

‘La vida de Chuck’ (crítica completa)

Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.

Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.

El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.

Comentado por Vicky Carras.

‘The forbidden city (La città proibita)’ (crítica completa)

Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.

Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.

Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.

Comentado por Furanu.

‘Singular’

Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.

Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.

Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.

Comentado por Vicky Carras.

‘Decorado’ (crítica completa)

‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.

Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.

Comentado por Furanu.

‘La leyenda de Ochi’ (crítica completa)

‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.

El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.

Comentado por Furanu.

‘They call her death’

Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.

La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.

Comentado por Vicky Carras.

‘Balearic’

Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.

No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.

Comentado por Vicky Carras.

‘Todos los males’

Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.

Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.

Comentado por Vicky Carras.

‘Silencio’ (crítica completa)

Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.

Comentado por Furanu.

‘The Vile’ (crítica completa)

La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.

Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘The vile’

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 Sinopsis

La tranquila vida de Amani como esposa y madre se hace añicos cuando su marido trae a casa a una segunda esposa, desatando misteriosas fuerzas oscuras en su hogar.

Crítica

Terror psicológico y cultura chocan en una propuesta potente pero imperfecta

‘The Vile’, dirigida por Majid Al Ansari, es una película de terror psicológico que mezcla lo sobrenatural con un drama íntimo para explorar el costo emocional de la poligamia cuando no hay consentimiento. La propuesta tiene muchas virtudes, pero también algunos tropiezos que impiden que sea plenamente memorable.

La trama sigue a Amani, madre y esposa, cuya vida se tambalea cuando su marido trae a casa una segunda mujer embarazada sin previo aviso. Mientras Amani lucha por mantener su rol en la familia y proteger su vínculo con la hija Noor, ocurren sucesos inquietantes que parecen apuntar a algo más oscuro que los celos o la traición.

Entre los aspectos más logrados está la construcción del ambiente: la casa se convierte en una jaula, los espacios se sienten opresivos y Al Ansari no teme combinar lo doméstico con lo perturbador aunque emplea recursos harto vistos ya en occidente. La atmósfera funciona, en gran parte gracias recursos como el montaje frenético, el split dipter o los juegos con luces y oscuridad que refuerzan la tensión.

Dentro de las interpretaciones cabe destacar la de la madre protagonista, Bdoor Mohammed. Aunque a veces muy acotada a cánones orientales y por ello sobreactuada, es la que logra transmitir con mayor efectividad el viaje que sufre su personaje, sobre todo demostrando vulnerabilidad, coraje y confusión emocional.

Sin embargo, ‘The Vile’ tiene debilidades. Algunas decisiones narrativas se sienten previsibles: el arranque del conflicto es potente, pero la resolución hacia el final peca de sobreactuada, como si quisiera cerrar todos los cabos en vez de dejar algunas preguntas en el aire. Eso le resta algo de sutileza a un filme que había construido tan bien la tensión gradual y que a veces parece que se niega a cerrar disponiendo de varias escenas que bien podrían haber servido de cierre.

También, aunque el enfoque cultural con la poligamia, los roles de género o la tradición es interesante y necesario, en ciertos momentos se queda en lo simbólico en lugar de ahondar más en las consecuencias reales, dejando alguna capa emocional un poco superficial. Aun así, el filme logra conmover y provocar reflexión, sobre todo en lo que respecta al empoderamiento personal y la identidad femenina frente a situaciones impuestas. Es muy valioso que estemos hablando de este tipo de temática teniendo en cuenta el país de producción.

‘The Vile’ no es perfecta y mucho menos no me parece tan premiable como se dice. Pero sí es ambiciosa, emocional y en algunos momentos efectiva. A quienes les guste el horror que no se queda solamente en sustos, sino que busca significado, este filme les ofrecerá un pequeño regalo. No alcanza a ser un clásico instantáneo del género, pero confirma a Majid Al Ansari como una voz importante en el cine de terror contemporáneo, especialmente en el contexto del cine árabe. 

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Hoba. Duración: 97 min. País: Emiratos Árabes. Dirección: Majid Al Ansari. Guion: Majid Al Ansari, Johnnie Alward. Música: Jerry Lane. Fotografía: Benjamin Kirk Nielsen. Reparto principal: Bdoor Mohammad, Sarah Taibah, Iman Tarik, Jasem Alkharraz, Samira Al Wahaibi. Producción: Imagenation Abu Dhabi FZ, Breakout Films, Breakout Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://www.imagenationabudhabi.com/

Crítica: ‘La ciudad prohibida (La città proibita)’

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En qué plataforma ver La ciudad prohibida (La città proibita)

Sinopsis

El hijo de un restaurante endeudado y una chica extranjera buscan a sus familiares mientras luchan juntos contra los criminales más despiadados del bajo mundo romano.

Crítica

Gabriele Mainetti firma un cruce audaz entre artes marciales y drama social

Gabriele Mainetti ha demostrado en cada paso de su carrera que no es un director conformista. Con ‘Le llamaban Jeeg Robot’ sorprendió al mundo fusionando la tradición del cómic con la marginalidad urbana, y con ‘Freaks Out’ consolidó un estilo que mezcla lo fantástico con lo humano más vulnerable. Ahora, con ‘La città proibita’, se adentra en un terreno todavía más arriesgado: el cine de artes marciales con aroma oriental, pero trasladado al corazón de una Roma en estrecha relación con la migración.

El resultado es una película imperfecta pero en algunos aspectos fascinante, que confirma la valentía de un cineasta que se atreve a ir más allá de lo que el cine italiano suele permitirse. Y lo demuestra con una secuencia inicial que marca territorio. La historia comienza en China, en pleno eco de la política del hijo único, que nos recuerda que apenas hace una década se levantó aquella restricción. Allí conocemos a dos hermanas cuya vida queda marcada por el secreto y la represión. Una de ellas acaba emigrando a Roma para buscar a su hermana perdida, iniciando un viaje que combina emoción, acción y denuncia social. El traslado de China a Italia se plasma en una escena poderosa, que no solo conecta culturas, sino que nos mete de lleno en el corazón de la trama: la migración, el desarraigo y la búsqueda de identidad.

Si algo convierte a ‘La città proibita’ en una experiencia memorable es su protagonista. Yaxi Liu, quien fue extra de acción en el live action de ‘Mulan’, interpreta con carisma y fuerza a un personaje que va más allá de ser una mujer en las redes de la trata de blancas. Es una experta en artes marciales que carga con heridas emocionales, con la memoria de una infancia marcada por la represión y con la determinación de no rendirse en un entorno hostil. Mainetti logra construir en ella a una verdadera heroína de acción para el cine europeo. Sus coreografías son espectaculares, sí, pero lo que hace que destaquen es que cada golpe tiene sentido narrativo. No pelea por espectáculo, sino por supervivencia, justicia y amor fraternal.

La película no oculta su vocación social. En Roma la protagonista se enfrenta a las mafias que se lucran con el tráfico de mujeres, los falsos mendigos y la explotación de extranjeros sin papeles. Mainetti sigue fiel a su mirada: dar voz a quienes normalmente son invisibles. Como ya hizo en ‘Freaks Out’, defiende a los marginados con sensibilidad, evitando caer en el sentimentalismo fácil, y aportando una pizca de humor socarrón que aligera la dureza del relato. Aunque se percibe un guiño a ‘Roman Holiday’ la Roma que muestra no es la postal turística, sino la de los barrios multiculturales, la de las calles donde conviven supervivencia y esperanza.

‘La città proibita’ es por eso una obra imperfecta pero emocionante, que demuestra que el cine italiano puede dialogar con géneros que parecían exclusivos de Hollywood o Asia. Es cierto que ‘La città proibita’ peca de ser demasiado larga. Con más de dos horas de metraje, acumula escenas ralentizan el ritmo. Pero incluso en esos momentos se aprecia la ambición de Mainetti: quiere mezclar acción, melodrama, crítica social y comedia, y aunque no siempre logre un equilibrio perfecto, lo hace con una pasión que se transmite en cada plano. Esa abundancia, lejos de ser un defecto grave, puede verse como un síntoma de su generosidad creativa. Aunque también es cierto que es de esos filmes donde podemos intuir el final.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: La cità proibita. Duración: 137 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Mainetti. Guion: Stefano Bises, Gabriele Mainetti, Davide Serino. Música: Fabio Amurri. Fotografía: Paolo Carnera. Reparto principal: Yaxi Liu, Enrico Borello, Sabrina Ferilli, Marco Giallini. Producción: Wildside, Goon Films, Vision Distribution, Netflix, Ministerio della Cultura. Distribución: por determinar. Género: acción, drama. Web oficial: https://wildside.it/en/movie/la-citta-proibita/

Crítica: ‘Silencio’

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Sinopsis

Dos hermanas vampiras luchan por sobrevivir durante la Peste Negra. Siglos después, su descendiente enfrenta retos similares en la España de los 80s. Una historia sobre prejuicios, amor prohibido y el peso del silencio a través del tiempo.

Crítica

Casanova establece una nueva y valiosa metáfora

Eduardo Casanova debuta como director en el formato seriado con ‘Silencio’, una miniserie de tres capítulos producida por Movistar Plus+ (estreno el 1 de diciembre) que lleva su sello visual extremo y su sentido del humor incómodo a un nuevo terreno: el del mito vampírico. La serie confirma que el creador de ‘Pieles’ y ‘La Piedad’ sigue empeñado en convertir el exceso o lo kitsch en un vehículo de emoción, identidad y denuncia.

‘Silencio’ se plantea como una tragicomedia de terror queer rodada en 16 mm, donde lo grotesco y lo poético conviven con naturalidad. La historia salta entre dos tiempos: la peste negra y la España de los años 80, cuando la epidemia del VIH marcó a toda una generación de un modo similar a la que asoló Europa en la Edad Media. En ambos periodos, unas vampiras enfrentan un mismo mal: el miedo m, la agresividad y el silencio que impone la sociedad ante lo diferente. En esa condena, Casanova encuentra una poderosa metáfora de la exclusión y el deseo reprimido, pero sobretodo una manera de dar visibilidad a figuras que permanecen en la sombra, las mujeres que tienen VIH y los personajes vampíricos femeninos.

Visualmente, la serie es un despliegue de color, textura y teatralidad. Cada plano parece un cuadro barroco iluminado por los diferentes tonos de rosa. Una mezcla de lo sagrado y lo hortera que ya define al director. Pero aquí ese estilo no es un capricho: el artificio se convierte en lenguaje emocional. Los cuerpos pálidos, los decorados imposibles y los diálogos cargados de humor negro no son una mera parodia, sino una forma de exorcismo. Casanova se atreve a usar la estética como catarsis, igual que Taika Waititi se sirvió de la comedia para humanizar a los vampiros en ‘Lo que hacemos en las sombras’, pero desde una sensibilidad profundamente española y queer.

Como suele hacer Paco Plaza en sus películas, Casanova usa canciones populares del último cuarto del siglo XX como un anzuelo emocional, un guiño al espectador que mezcla nostalgia y terror. Bajo su apariencia, ‘Silencio’ es una obra profundamente política y social: habla del miedo al contagio, de la soledad y de la necesidad de amar pese al juicio ajeno.

Si algo parece querer complacer ‘Silencio’ es a aquellos que necesitan voz y si algo parece querer provocar, es a los que se regodean en la incomprensión. Es incómoda, excesiva y sincera, pero también jocosa. Casanova firma una obra que, más que reinventar el vampirismo, lo utiliza para enfrentarnos a nuestros propios monstruos, centrándose en ese silencio que aún pesa sobre muchos aspectos de nuestra realidad.

Crítica: ‘Decorado’

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Sinopsis

Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.

Crítica

Lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta

Una de las referencias que en algunas fases de ‘Decorado’ pueden venirnos a la cabeza es ‘El show de Truman’. La película consiste en el despertar de una persona que descubre que su mundo es una impostura, que su vida está llena de gente que finge constantemente. Evidentemente los derroteros son otros, esto que acabo de decir no es un spoiler, pero hay ahí un estudio similar de la condición humana. En Decorado, Alberto Vázquez construye un espejo distorsionado que nos obliga a mirar hacia nosotros mismos, a revisar nuestras máscaras, tanto las que nos ponen como las que voluntariamente aceptamos. Su película se mueve tanto en la sátira como en la reflexión existencialista, y lo hace a través de animales antropomórficos que resultan irónica y extremadamente humanos.

Alberto Vázquez continúa con su exploración de lo humano mediante un imaginario antropomórfico. En Decorado, protagonizada por ratones (Arnold y María) la trama parte de una crisis existencial: crisis laboral, matrimonio en ruinas, sensación de absurdo, sospecha de que todo lo que rodea al protagonista es una gigantesca farsa. El tema del consumismo está sobre la mesa, pero más todavía la cuestión de cómo las corporaciones (aquellas entidades omnipresentes y omnipotentes) moldean escenarios donde los individuos pierden autonomía; donde la personalidad, las relaciones y la salud mental se ven comprometidas. En ‘Decorado’, la megacorporación ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency) funciona como símbolo de un poder que lo fabrica absolutamente todo, definiendo la estética, los roles, la ilusión de bienestar.

Ese decorado artificial alimenta un sentimiento de alienación profundo. Arnold no solo se enfrenta al mundo externo, sino a sus propias dudas: el síndrome del impostor cobra vida, la depresión aparece como un fantasma continuo, la vida íntima se resiente. Vázquez no ahorra crudeza ni violencia, ni visual ni psicológica. La película se erige como quizá la más pesimista y deprimente de sus obras, en la que la comedia se mezcla con la tragedia, y la fantasía con la pesadilla.

Visualmente, ‘Decorado’ destaca: su dirección de arte, a cargo de José Luis Ágreda (‘Robot dreams’), trae consigo una paleta que no renuncia a colores chillones, pero sí están rodeados de oscuridad. Los escenarios son ricos, trazados con cuidado y cargados de todo detalle. Los animalitos transmiten emociones muy humanas. Todo esto crea una extraña empatía y al mismo tiempo una distancia inquietante. Queremos acercarnos a achuchar y consolar a los personajes, pero a la vez queremos rehuir su mundo herido y sucio. Esa yuxtaposición es muy característica del cine de Vázquez: lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta.

El guion, firmado junto a Francesc Xavier Manuel, no elude lo contemporáneo: la dificultad para encontrar un trabajo digno, la precariedad, la imposibilidad de vivienda estable, la salud mental como asunto pendiente, relaciones vacías en eras tecnológicas, amistades que parecen puestos de utilería. Todos estos elementos forman parte de la fábula crítica compuesta para interrogar no solo lo que somos sino lo que aceptamos que seamos. La película obliga al espectador a verse reflejado, a pensar si su vida está siendo decorada por otros, si ha aceptado roles sin cuestionar. Esa lucidez resuena con frases como “No es síntoma de salud estar adaptado a una sociedad enferma” o “El mundo es un maravilloso escenario, pero tiene un reparto deplorable”.

Y aunque su retrato de la depresión y de la hipócrita sensación de cuidado que recibimos por parte de las multinacionales están muy bien reflejadas, sí que hay que advertir que ‘Decorado’ transmite demasiada pesadumbre. Esto es reflejo de haber conseguido una buena obra, de esas que calan en el espectador, pero para algunos, la opresión continua puede resultar agotadora, puede faltar un respiro o una luz al final que ofrezca cierto alivio, aunque claro, esa quizá no sea la intención principal. Y tal es la complejidad elaborada que en ocasiones el ritmo oscila, se siente que hay tantas capas simbólicas que puede perderse parte de la claridad en el mensaje.

Como siempre, no hay que confundir animación con producto infantil o alegre. Si buscas una película amable y liviana, ‘Decorado’ no es eso. Si buscas algo que te deje machacado, cuestionándote cuánto de lo que haces, piensas o sientes es auténtico, y cuánto parte de una función en un decorado gigantesco, entonces esta obra de Alberto Vázquez es imprescindible para ayudarte a desenredar tus ideas. ‘Decorado’ se alza como una visión feroz de lo que somos cuando aceptamos fingir, pero también como prueba de que todavía hay memoria, hay martillazos de verdad que importan y hay afecto real que resiste.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Decorado. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Guion: Alberto Vázquez, Francesc Xavier Manuel Ruiz. Música: Joseba Beristain. Reparto principal (doblaje original): Chelo Díaz, Daniel Lema Blanco, Damián Cortés, Luís Iglesia Besteiro, Óscar Fernández, Gaspar González Somoza. Producción: Abano Producións, UniKo, The Glow, Sardinha em lata, María, Arnold AIE. Distribución: Barton Films. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://www.uniko.com.es/filmografia/#Decorado

Crítica: ‘Esa cosa con alas’

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Sinopsis

Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.

Crítica

Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión

Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.

El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.

Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.

Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.

Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.

‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música: Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers

Crítica: ‘La leyenda de Ochi’

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Sinopsis

Una niña descubre los misterios de la comunicación animal.

Crítica

Ni su sabor a fábula escandinava, ni la impresionante expresividad de sus animatrónicos consiguen transmitir algo más allá de lo visualmente cautivador

Con ‘La leyenda de Ochi’, Isaiah Saxon y A24 entregan una obra que parece surgir de un sueño febril y lúcido, un híbrido entre fábula escandinava y cine indie contemporáneo. La película no es solo un relato de aventuras, es un ensayo visual sobre la memoria de los mitos y la interacción entre humanidad y monstruosidad. En su estructura y tono, remite inevitablemente a ‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero lo hace desde un lugar inexplorado: el norte de Europa, entre bosques brumosos y aldeas que parecen extraídas de un cuento de otra época.

Desde el primer plano, la película demuestra una obsesión estética que roza lo pictórico. La saturación cromática de cada escena, tan cuidada que recuerda a un cuento en technicolor, tiene la meticulosidad de un Wes Anderson. La música, pausada y con tintes melancólicos, se entrelaza con la flema de los diálogos, creando un ritmo hipnótico que no busca la espectacularidad sino la contemplación. Cada gesto de los personajes, cada movimiento de cámara, parece meditado para reforzar esa sensación de atemporalidad.

El universo de ‘La leyenda de Ochi’ es igualmente fascinante. La isla protagonista recuerda poderosamente a Isla Melé de ‘Monkey Island’, pero habitada por criaturas que son tanto entrañables como peligrosas. La población humana ha sufrido las embestidas de estos monstruos: personas con miembros amputados conviven con los que los temen y los veneran. La protagonista, una niña huérfana de madre entrenada para cazar a las criaturas, fracasa en su cometido y encuentra en la amistad con Ochi, un ser híbrido entre mono y vampirillo, la llave de una reconciliación imposible entre especies. De nuevo símiles y reminiscencias inevitables con la película de Dean DeBlois y Chris Sanders. Esta criatura, trabajada mediante animatrónicos con una expresividad sobresaliente, logra transmitir simultáneamente ternura y ferocidad, recordándonos que la línea entre lo temible y lo adorable es frágil y difusa cuando estamos en plena naturaleza.

La narrativa también juega con un anacronismo deliberado: casas de techo vegetal, armaduras y lanzas conviven con coches, postes eléctricos y abrigos de pluma. Esa mezcla de tiempos históricos crea un espacio liminal donde lo mítico se encuentra con lo cotidiano, reforzando la sensación de que estamos ante un relato fuera del tiempo. Saxon, lejos de limitarse a emular los clásicos de animación, transforma los elementos del cuento en un discurso sobre la convivencia y la violencia latente de la civilización.

Sin embargo, lejos de innovar, ‘La leyenda de Ochi’ se queda atrapada en su propia estética. La narrativa avanza con una lentitud que roza el tedio, y los paralelismos con clásicos animados no aportan novedad alguna. La película parece depender exclusivamente de su impacto visual, mientras desaprovecha el potencial dramático y emocional que podrían haber aportado sus actores. Emily Watson y Willem Dafoe, dos talentos de primer nivel, quedan reducidos a meros adornos en una historia que no les permite explorar profundidad alguna.

‘La leyenda de Ochi’ es un ejercicio visualmente atractivo, pero excesivamente superficial. La mezcla de technicolor, animatrónicos y ambientación nórdica no logra sostener una narrativa que resulta monótona y previsible. La película se percibe como un bello envoltorio sin contenido sólido: la relación humano-monstruo, la tensión moral y la fábula de convivencia apenas se desarrollan, dejando al espectador más frustrado que fascinado. Una obra que, pese a su atractivo estético, termina siendo excesivamente aburrida y desaprovecha tanto sus recursos técnicos como a su destacado elenco. Incluso su final, que se supone que tiene que transmitir unas lágrimas que traspasan la pantalla, no logra contagiar al público por forzado y mal cimentado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: The legend of Ochi. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Isaiah Saxon. Guion: Isaiah Saxon. Música: David Longstreth.  Fotografía: Evan Prosofsky. Reparto principal: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, AGBO, Encyclopedia Pictura, Nieghborhood Watch, Year of the rat. Distribución: A Contracorriente Film. Género: fantástico, aventuras. Web oficial: https://a24films.com/films/the-legend-of-ochi

Crítica: ‘V/H/S Halloween’

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En qué plataforma ver V/H/S Halloween

Sinopsis

Varias cintas de vídeo de Halloween liberan historias macabras y sangrientas, transformando el truco o trato en una lucha por la supervivencia.

Crítica

Una de las entregas más divertidas y frenéticas de la franquicia

‘V/H/S/Halloween’ es la octava entrega de la antología de películas que cada año reúne a directores en torno a una temática, el metraje encontrado y el terror. En esta ocasión el leitmotiv es la festividad de Halloween, transcurriendo mayoritariamente en el país que más ha popularizado esta celebración, Estados Unidos, aunque cuenta con un segmento español dirigido por Paco Plaza y escrito por Alberto Marini.

Para quienes no la conozcan consiste en una serie de cortos, unidos por una trama central y que han de encontrar la manera de consistir en vídeos, cintas o metraje encontrado de alguna u otra manera. Véase cintas de vídeo, vídeos encontrados en un móvil, material extraído de una tarjeta de memoria… De ahí que de pie a tener diferentes directores, estilos y narrativas. Aunque es una antología con altibajos se puede decir que está en franco ascenso y que siempre encontramos algún cortometraje dentro de ella. Pero lo que siempre suele fallar es ese corto que vertebra y va conectando con el resto de propuestas. En esta ocasión está muy divertido pero no conecta narrativamente con los cortos, salvo por el hecho de que está relacionado con el consumismo de Halloween.

‘Diet Phantasma’ (Bryan M. Ferguson)

Este segmento de Ferguson sirve como hilo conductor para ‘V/H/S Halloween’: una corporación documenta los efectos secundarios mortales de una bebida dietética que contiene ectoplasma. Tiene un tono oscuro y humorístico, un poco autoparódico. En su función de marco, es cero efectivo en enlazar los episodios, aunque su sentido frío y satírico casa con la intensidad visceral de los segmentos más extremos. En muchos momentos, parece más una “presentación institucional decadente” que un genuino episodio de terror, pero cumple el cometido de dar unidad a la antología.

‘Fun Size’ (Casper Kelly)

Quizás el episodio más descabellado del conjunto. La escritura de Kelly (también guionista de esta entrega) propone una fábrica de pesadillas con muchas golosinas, un personaje macabro y un castigo extremo. La premisa es delirante, el ritmo frenético, y es de los pocos momentos que provocan risa y sobresalto a la vez. Su locura interna funciona como válvula de escape dentro de una antología que a menudo se toma bastante en serio.

‘Home Haunt’ (Micheline Pitt-Norman y R.H. Norman)

Este segmento apuesta por el “haunted house”, con estética de pasaje de terror casero pero potenciado hasta lo grotesco. Se recurre a elementos clásicos de Halloween (maniquíes, efectos visuales caseros, sombras que se mueven) pero llevados al extremo y con un giro que es mucho mejor cuando se descubre. Aquí la mezcla de lo reconocible y lo plástico resulta mortal para los protagonistas y bastante eficaz para el espectador que tiene como premio momentos delirantemente sangrientos.

‘Kidprint’ (Alex Ross Perry)

Con una tensión distinta, Perry explora los miedos derivados de la infancia, la paranoia sobre la seguridad infantil y los rastros digitales. Emplea recursos nostálgicos (cámaras antiguas, grabaciones hogareñas) y los emplea como elementos siniestros propios o cercanos al snuff. Su carácter es serio, no se anda con gamberradas o mojigaterías. Sin duda el director ha querido crear un capítulo comprometido que deja consternado.

‘Ut Supra Sic Infra’ (Paco Plaza y Alberto Marini)

Este es el episodio español, el más distinto estilísticamente y no por ello pierde de vista el Halloween que ya parece implantado dentro de nuestras fronteras. Va entre fragmentos narrativos: el joven Enric sobreviviente de una matanza policial, flashbacks del vídeo que grabó su amiga la noche anterior y declaraciones ante la policía. Hay paralelismos de planos, rupturas de punto de vista y un uso fragmentado del espacio. Aunque Plaza no se aferra tanto a iconografía puramente halloweenesca, logra mantener la atmósfera oscura y casi mística. Siembra misterio entorno a lo que ha sucedido con los protagonistas y crea la atmósfera de manera efectiva, nada extraño sabiendo quién está al timón de la historia.

‘Coochie Coochie Coo’ (Anna Zlokovic)

Esta es sin duda la historia más repelente de todas. Dos chicas están en su último Halloween juntas, a las puertas de separarse para acudir cada una a sus universidades iniciando una nueva vida separadas. En busca del subidón entran en una casa apartada del camino, sospechosa, pero a la vez llamativa por su efectiva iluminación. Allí encuentran una pesadilla que consiste en un corre que te pillo con multitud de seres de carácter asqueroso y grotesco. La directora de ‘Apéndice’ ha iniciado aquí un universo  propio con una retahíla de horrores que le darían para más juego.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: V/H/S Halloween. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Bryan M. Ferguson, Casper Kelly, R.H. Norman, Alex Ross Perry, Micheline Pitt, Paco Plaza, Anna Zlokovic. Guion: Bryan M. Ferguson, Anna Zlokovic, Alberto Marini, Paco Plaza, Casper Kelly, Alex Ross Perry, Micheline Pitt, R.H. Norman. Música: Nick Chuba. Fotografía: Adrián Hernández, Robert Kolondy, Owen Laird, Daniel Marks, Sean McDaniel, Powell Robinson. Reparto principal: Lawson Greyson, Sarah Nicklin, Jenna Hogan, Rick Baker David Haydn, María Romanillos, Ismael Martínez, Almudena Amor, Sonia Almarcha, Teo Planell, Sandra Escacena. Producción: Shudder Films, Cinepocalypse Productions, Imagenation Abu Dhabi FZ, Spooky Pictures. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: página de IMDB

Diario de Sitges 2025. 11 de octubre

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Acción y gore se unen hoy en la noche de la Zombie Walk

Hoy en nuestro tercer día, hemos tenido la ocasión de ver un montón de películas y disfrutar de nuevos momentos en este gran festival. También hemos tenido la ocasión de ver a Hugo Stiglitz, que ha recibido el Premio Nosferatu, por toda su carrera. El actor mexicano, conocido por cintas como ‘Noche de pánico’, ‘Seducción y muerte’ o ‘El fantasma del lago’ ha sido recibido con el gran cariño del público. También hemos visto a la directora y protagonistas de ‘La hermanastra fea’. Emilie Blichfeldt, Lea Myren y Thea Sofie Loch, han sido super simpáticas y muy emocionadas por la gran acogida de su película. Y otro de los grandes momentos del día ha sido poder conocer a Kenji Tanigaki y a Miao Xie, director y actor de ‘The Furious’, que han disfrutado de lo lindo en la proyección de su película.

El equipo de ‘Gaua’ al completo también ha estado disponible durante el festival, ya sea para la presentación de su película, en el photocall y para declaraciones.

Durante el día de hoy también se ha dado el I Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina a Ángeles Huerta, por su obra ‘Lampreas’. Seleccionada entre 31 propuestas internacionales por su mirada femenina, calidad literaria y originalidad dentro del género. También se han dado los premios SGAE Nova Autoria, a la Mejor Dirección-Realización y Mejor Guion Original ha sido para ‘Furia’ de Fran Moreno Blanco y Santi Pujol (ESCAC). Mejor Música Original se lo ha llevado Sergio Rojas por ‘Matcha’.

Y por supuesto ha sido la Zombie Walk, ese día tan especial en que toda la ciudad de Sitges se viste con sus mejores galas y sale a caminar cual muerto viviente. Con unos maquillajes espectaculares, las calles se han convertido en una gran pesadilla para los viandantes vivos.

 

‘The ugly stepsister (La hermanastra fea)’ (crítica completa)

Un giro más a las distintas versiones de ‘La Cenicienta’ y esta vez seguimos a Elvira, una de las hermanastras, que su único sueño es ser el amor del príncipe.

Invitadas al baile para que el príncipe elija con quien casarse, Elvira, se somete a un sinfín de chapuzas estéticas, que realmente le dan resultado, pero que al ser en una época un tanto antigua, son algo desagradables de ver. Además de otras ayudas extras para conseguir mantener un tipo de escándalo.

La tiranía de la belleza se impone en esta historia, como digo, con escenas algo desagradables, pero todas llenas de sentido, en un cuento un tanto macabro, en lo que lo importante es verse la más bella del reino, para conseguir su gran objetivo. Cambian cosas en cuanto al cuento original, pero en general es bastante fiel.

‘La hermanastra fea’ es un entretenimiento bastante gore pero al que le falla un poco su ritmo lento. Pero aun así, recomiendo su visionado, una apuesta algo distinta a lo que estamos acostumbrados.

Comentado por Vicky Carras.

‘Orang ikan’ (‘Enemigos’, ‘Monster Island’) (crítica completa)

‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, combina cine bélico y de monstruos en plena Segunda Guerra Mundial. Un soldado estadounidense y un militar japonés, enemigos naturales, deben cooperar en una isla para sobrevivir al ataque de una criatura marina. La premisa recuerda a ‘Enemigo mío’, aunque con un enfoque pulp y un villano anfibio que encarna la lucha primigenia por la vida.

Protagonizada por Dean Fujioka (‘Fullmetal Alchemist’) y Callum Woodhouse (‘Los Durrell’), la película apuesta más por la acción que por la carga dramática de su conflicto. El monstruo, claramente inspirado en ‘Creature from the Black Lagoon’ y con regusto a los murlocs de ‘World of Warcraft’, se presenta sin tapujos mediante prótesis y máscaras de goma, logrando un efecto artesanal, pero a veces carnavalesco.

‘Orang Ikan’ resulta entretenida y directa, aunque plana en personajes y sin aprovechar su contexto histórico. Una curiosidad de serie B para amantes del género.

Comentado por Furanu.

‘Gaua’ (crítica completa)

‘Gaua’, de Paul Urkijo Alijo, es un filme fantástico-histórico que retrata la España rural del siglo XVII a través de un prisma oscuro, mitológico y reivindicativo. Desde su apertura, similar a ‘Errementari’, con ilustración y voz en off contando una historia antigua, el filme instala una atmósfera de misterio y escalofrío que perdura. La trama sigue a Kattalin, mujer que huye de su marido, se adentra en un bosque nocturno, y encuentra mujeres que comparten cuentos de miedo, y en los relatos ella misma acabará siendo parte de ellos rememorando a mujeres que en pasado sufrieron historias similares.

El vestuario de época impresiona, tan auténtico como los escenarios, y la iluminación trabaja la noche como territorio propio. La fotografía salta a la altura de la de Robert Eggers: momentos de belleza visual épica pero también terrorífica. ‘Gaua’ no es sólo terror, es una alegoría contra el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. Con su frase final adquiere carácter reivindicativo. Urkijo vuelve a demostrar que la mitología vasca tiene voz y fuerza en la pantalla grande cumpliendo el objetivo propuesto de inmortalizar en medios modernos aquellas historias de la tradición oral.

Comentado por Furanu.

‘We bury the dead’

Un arma estadounidense cae por error en la isla de Tasmania. Miles de personas mueren por culpa de un campo magnético y cientos de voluntarios marchan para ayudar a recuperar los cuerpos. Ava va en busca de su marido sabiendo que hay cadáveres que se están levantando.

La premisa me ha gustado mucho, aunque parezca lo mismo de siempre, está muy bien tratado, como los voluntarios van yendo ayudando a sacar cadáveres o avisando si alguno se levanta. Pero me pasa como en muchas historias de “zombies” y es que a mitad de la película me cambia un poco el chip, que se termina recuperando al final. Por cierto, con cierto humor, bastante irónico.

En general, ‘We bury the dead’ nos plantea situaciones bastante curiosas y maquillaje, fotografía, dirección, están muy bien, se nota mucho el trabajo el trabajo en equipo.

Comentado por Vicky Carras.

‘All you need is kill’ (crítica completa)

La visión de Kenichiro Akimoto es una vibrante re-interpretación del manga que inspiró ‘Al filo del mañana’. En un futuro dominado por una presencia alienígena gigantesca y un ataque por sorpresa, su protagonista revive una y otra vez la misma batalla, atrapada en un bucle temporal que combina acción y humor.

Akimoto apuesta por un estilo visual angular y colorido, más cercano a la novela gráfica europea que al anime japonés. Su narrativa, lejos de caer en la monotonía, convierte la repetición en una forma de aprendizaje y autodescubrimiento.

Centrada en la perspectiva femenina, la historia adquiere un tono más emocional y reflexivo sobre la resiliencia, la identidad y sobre todo a cerca del sentido de la vida. ‘All you need is kill’ no solo adapta fielmente y con licencias el manga original, sino que potencia su mirada hacia lo humano, consolidándose como una de las obras más imaginativas de la ciencia ficción bélica moderna.

Comentado por Furanu.

Cortometrajes

Un total de siete cortometrajes, ha sido una de las sesiones en las que hemos estado hoy. Sin duda, es un gustado poder acudir a pequeñas maratones así, ya que ves trabajos muy diferentes y con animaciones diversas.

En este caso, hemos tenido la oportunidad de ver ‘Sisowath Quay’, ‘First Light’, ‘Todos los futuros’, ‘Amarelo banana’, ‘The gnawer of rocks’, ‘Dreamwalker’ y ‘Signal’. No voy a comentar todos, pero me quedo con la simpleza y bondad de ‘First Light’ con una historia conmovedora y que llega de lleno al corazón. Y con ‘The gnawer of rocks’, un cortometraje en stopmotion que nos narra un cuento inuit, super chulo y con un diseño precioso.

Comentado por Vicky Carras.

‘The Furious’

Tenemos ante nosotros una de las mejores cintas de artes marciales del año. Si, lo sé, es mucho decir, pero es que ‘The Furious’ es increíble. Una mafia que trafica con niños, pero esta vez, han dado con la niña equivocada, su padre va a ir a buscarla hasta el fin del mundo. Junto a él se une un periodista que busca a su pareja y que desapareció mientras investigaba el mismo caso.

Todo esto, da igual, lo que importa que desde el minuto uno ya vemos patadas, puñetazos y un sin fin de personas en el suelo después de recibir una gran paliza por parte de este padre mudo. Tiene unas coreografías increíbles, que puedo decir cuando parte del reparto ha aparecido en ‘The Raid’. Es una pasada. Sobre todo si os gustan las artes marciales.

Comentado por Vicky Carras.

‘V/H/S Halloween’ (crítica completa)

Octava entrega de la antología de películas que cada año reúne a directores entorno a una temática, el metraje encontrado y el terror. En esta ocasión el leitmotiv es la festividad de Halloween, transcurriendo en el país que más la ha popularizado, Estados Unidos, pero con un segmento que sucede en España dirigido por Paco Plaza y escrito por Alberto Marini. V/H/S centra su acción en material que ficticiamente se ha encontrado en cintas de vídeo. En el caso del episodio español se trata de dos: una grabación del móvil de un adolescente y el material captado por personal de la policía. Original historia que os hará plantearos si colaros en un caserón y si coger ciertas llamadas.
Pero ha habido historias que también nos han llamado la atención y divertido sobremanera. ‘Fun size’ es el más gracioso y uno de los que tiene el ritmo más frenético. Con un macabro personaje y muchos dulces, Casper Kelly (guionista de ‘Mandy’) nos plantea una fábrica de pesadillas y un castigo más que desorbitado. Por otro lado, Micheline Pitt nos quita las ganas de meternos en una casa del terror factoría casera en un pasaje muy gore que recorre algunos clásicos de la noche de brujas.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Orang Ikan (Monster Island)’

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Sinopsis

Ambientada en el Pacífico, 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico están atrapados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos mortales deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.

Crítica

Aventura pulp con monstruo de goma y trasfondo bélico

‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, es una curiosa propuesta del director Mike Wiluan que se adentra en el terreno del cine de monstruos de serie B con un marco histórico poco habitual: la campaña del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial. La historia enfrenta a un soldado estadounidense y a un militar japonés, rivales naturales por el contexto bélico, que se ven obligados a cooperar en una isla inhóspita para sobrevivir a una amenaza mucho mayor: una criatura marina ancestral con un instinto depredador implacable.

La película recuerda inevitablemente a ‘Enemigo mío’, aquel clásico en el que dos combatientes de bandos opuestos terminaban forjando una alianza en un entorno hostil. Sin embargo, aquí la fórmula se lleva a un terreno más pulp, con un monstruo anfibio que encarna la naturaleza salvaje y primigenia. La tensión no solo proviene de la enemistad de los protagonistas, sino también de la incertidumbre de cuándo el “hombre pez” volverá a atacar.

El reparto está encabezado por Dean Fujioka, conocido por dar vida a Roy Mustang en el live action de ‘Fullmetal Alchemist’, y Callum Woodhouse, recordado por su papel en ‘Los Durrell’. Su duelo interpretativo es el parte del motor de la película, aunque el guion no aprovecha al máximo la carga dramática que podría desprender el choque cultural y bélico entre ambos.

En lo visual, el filme no esconde a su criatura, lo que resulta refrescante en un género acostumbrado a sugerir más que mostrar. El diseño combina influencias claras de ‘Creature from the Black Lagoon’ con un aire caricaturesco que recuerda a los murlocs de ‘World of Warcraft’. El monstruo, creado con prótesis y máscaras de goma, oscila entre lo fascinante y lo carnavalesco, algo que puede restar tensión a las escenas de terror pero que mantiene un encanto artesanal.

‘Orang Ikan’ funciona como aventura ligera y entretenimiento directo, pero se queda corta en otros aspectos. Su presupuesto limitado justifica parte de sus carencias técnicas, pero no la falta de ambición narrativa. La cinta evita reflexionar sobre el trasfondo histórico o profundizar en la psicología de los personajes, quedándose en una superficie plana y predecible. En definitiva, aporta un nuevo monstruo al imaginario del género, pero no una voz propia que la distinga más allá de su estética.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Orang Ikan. Duración: 123 min. País: Singapur. Dirección: Mike Wiluan. Guion: Mike Wiluan. Música: Akihiko Matsumoto. Fotografía: Asep Kalila. Reparto principal: Dean Fujioka, Callum Woodhouse. Producción: Gorylah Pictures, Infinite Studios, SC Films Internationa, Tigon Pictures, Yaman Films, Zao Wei Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://scfilmsinternational.com/current-films-live-action-titles/orang-ikan/

Crítica: ‘Gaua’

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En qué plataforma ver Gaua

Sinopsis

Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.

Crítica

Terror, belleza visual y memoria histórica que no caerá nunca en el olvido de la noche de los tiempos

Paul Urkijo Alijo regresa con su apuesta por el cine fantástico hecho dentro de nuestras fronteras y con su gran labor de inmortalizar en los medos modernos aquellas historias tradicionales del País Vasco que podrían caer en el olvido. Y lo hace partiendo de lo que ha demostrado que domina a la perfección: el diálogo entre lo mitológico, lo histórico y lo oscuro.

Siempre ha arrancado sus narraciones con una escena potente y en esta ocasión no hace menos. Al igual que en ‘Errementari’ dispone de una animación que narra un relato antiguo, poniendo los pelos de punta, rememorando cuentos populares, generando escalofríos. Esa atmósfera narrada, esa voz que arranca desde la tradición oral, es el primer acierto de este filme que nos marca el camino hacia un viaje por cuentos y terrores muy vinculados con la naturaleza, lo ancestral y por supuesto lo oculto en las sombras de la noche y el olvido impuesto por las nuevas religiones.

Aunque no se trata de una antología, ‘Gaua’ funciona como un mosaico: muchas historias vividas o sus sombras en la España del pasado laten tras los cuentos que se cuentan entre mujeres junto al río o en el bosque. Kattalin, la protagonista que huye de su marido en plena caza de brujas del siglo XVII, se topa con tres mujeres que lavan la ropa, comparten supersticiones, cuentos escalofriantes y habladurías populares. Poco a poco, lo que parecía relatos ajenos se vuelve personal: ella misma será protagonista de esas historias. Su historia es la de tantas mujeres que sufrieron persecuciones y maltratos injustos. Con esto y con su frase final, ‘Gaua’ carga contra todo aquello que ha creado estigmas o ha arruinado vidas: el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. El film no se limita a asustar o a impactarnos visualmente, reclama memoria, reparación simbólica, denuncia.

El vestuario de época es impresionante: cada prenda, cada textura, cada corte parece hallada en documentos o recreaciones del siglo XVII y convive con vivacidad con las escenas oscuras. Se respira autenticidad, incluso cuando la fantasía va filtrándose. La iluminación está muy bien trabajada, especialmente porque transcurre casi siempre de noche: Urkijo ya ha mostrado destreza en escenas oscuras en ‘Errementari’ o ‘Irati’. Aquí, la oscuridad no es escusa sino materia prima: sombras que devoran, luces de fuego, antorchas, reflejos de luna, las confusas sombras del bosque. La fotografía no tiene nada que envidiar a la de Robert Eggers: hay momentos de una belleza visual apabullante, casi pictórica, que se cruzan con escenas de terror puro, de esas que no se olvidan.

Además, uno reconoce elementos de la cultura vasca difundidos con cariño y conocimiento: la flor en la puerta de la casa de la protagonista (el Eguzkilore), el ser demoníaco contando contar garbanzos o maíz sin poder resistirse a ello, supersticiones rurales, leyendas pasadas de boca en boca hasta llegar al film. Esa textura cultural dota de riqueza al relato, de densidad. Urkijo no sólo está recreando un mundo histórico-fantástico: está recuperando voces acalladas, historias olvidadas. Si un servidor, nacido y criado en la provincia de Salamanca, ya reconoce esos pequeños  y específicos elementos sin necesidad de explicación alguna es que Paul Urkijo está consiguiendo su encomiable objetivo.

‘Gaua’ termina siendo algo más que un film de terror o fantasía: es un acto de reivindicación, de reconciliación con la noche, con lo femenino, con lo mítico y lo humano. Para quienes aman el cine visualmente potente, con carga simbólica y con raíces culturales profundas, este film será de los que perduran. Con todos estos detalles cabe decir que Paul Urkijo Alijo es hoy por hoy el mayor exponente del folk horror en España.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Gaua. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Yune Nogueiras, Ane Gabarain, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xbi “Jabato” López, Erika Olaizola, Elena Uriz, Manex Fuchs, Elias García, Laura Iturregi. Producción: Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE, Vilaüt Films. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/gaua/307

Crítica: ‘All you need is kill’

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Sinopsis

En una invasión alienígena, Rita revive el mismo día, muriendo repetidamente mientras se vuelve guerrera. Descubre a Keiji, otro atrapado en el ciclo.

Crítica

Magnífica re-interpretación que aboga por vivir pese a entretener con la muerte

En el pasado los videojuegos eran secuenciales, con un solo sentido en la partida, pasos y ataques fijos y constantes para los enemigos y sin posibilidad de guardar partida, si te mataban volvías a empezar. Un claro ejemplo de ello es el ‘Dragon’s Lair’. Si querías ganar tenías que ir aprendiendo cada uno de los movimientos y situaciones que se te planteaba. Esa sensación de peligro y repetitividad es la que se traslada a la protagonista de esta historia que vive una y otra vez una invasión extraterrestre.

Con algunos cambios, principalmente en lo estético, ‘All you need is kill’ de Kenichiro Akimoto adapta el manga homónimo que en su día inspiró Al filo del mañana, la película protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt. En este futuro en el que arranca una la guerra contra una especie alienígena implacable, los humanos protagonistas han de convertir sus exoesqueletos de trabajo en unos de combate y ayudarse de sus vanguardistas gadgets.

La historia, como en el manga y el filme, gira en torno a un bucle temporal que obliga a su protagonista a revivir la misma batalla cada vez que muere. La diferencia aquí radica en el tono: lejos de resultar reiterativo o agotador, Akimoto logra dotar de ritmo y curiosidad a cada nuevo ciclo. La repetición se convierte en aprendizaje, y el aprendizaje en desesperación, pero también en humor. Hay momentos en los que morir se vuelve casi cómico, mientras que en otros el dramatismo se impone con crudeza.

El resultado es una obra de ciencia ficción bélica muy imaginativa, que equilibra acción y reflexión sin perder su espíritu de entretenimiento. Lo más destacable es su apartado visual: el dibujo de Akimoto es angular y vivo, con una paleta de colores intensa que recuerda más a la novela gráfica europea que al anime japonés. Las líneas duras y los trazos que esquivan las redondeces alejan a los personajes de los estereotipos estéticos del manga comercial, lo que les otorga una personalidad diferenciativa.

En lugar de apoyarse únicamente en la comedia o la acción, Akimoto desarrolla una historia sobre la resiliencia, la pérdida y la necesidad de encontrar sentido en la vida. En una historia en la que parece que lo importante es matar, el guión encuentra una manera de clamar por vivir con ganas cada nuevo día. Y al centrar la narración en la perspectiva femenina (la soldado que en ‘Al filo del mañana’ encarnó Emily Blunt), el relato adquiere un tono más emocional y empático. La guerra deja de ser una prueba heroica y se convierte en una experiencia íntima de resistencia.

‘All you need is kill’ es un ejercicio de fidelidad y justicia hacia el material original, pero también una reinterpretación visual y narrativa que profundiza en lo humano dentro de lo mecánico. Akimoto no solo adapta un manga; lo hace renacer.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: All you need is kill. Duración: 82 min. País: Japón. Dirección: Kenichiro Akimoto. Guion: Yûichirô Kido, Hiroshi Sakurazaka. Música: Yasuhiro Maeda, Akasaki. Reparto principal (doblaje original): Ai Mikami, Natsuki Hanae, Kana Hanazawa, Hiccorohee, Mo-junior. Producción: Studio4ºC. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://aynk-anime.com/

Diario de Sitges 2025. 10 de octubre

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Mitos como Dante, Kaufman, Crampton y Band reciben sus justos aplausos del fandom

Hoy ha sido el día en el que nuestra niño y adolescente interior se han reencontrado. Hemos coincidido con Joe Dante (‘Gremlins’), Lloyd Kaufman (‘El vengador tóxico’) y Barbara Crampton (actriz) y Richard Band (compositor) de ‘Re-animator’. Con todos ellos hemos tenido encuentros muy de cerca y podemos aseguraros que son francamente cercanos a pesar del gran legado que han dejado en el fantástico.

Lloyd Kaufman nos ha concedido una entrevista que podréis ver pronto en nuestro canal de Youtube. El artífice de las películas de la Troma además ha estado en un encuentro con fans. Hemos comprobado como las películas que ha hecho siempre son fiel reflejo de su personalidad. Es una persona que no sabe responder a una pregunta sin tener un chiste en la boca. Muy divertido, muy sensato y muy consciente de que hay que agradecer a todo lo que rodea al cine independiente y a festivales por dar voz a su cine. Es un un chorro de energía con patas. “Hago muchas bromas, pero de verdad estoy agradecido al festival y a Angel Sala por estar aquí” dijo en varias ocasiones. “La comedia es subjetiva, lo que hace gracia en California a lo mejor no hace gracia en España” comentó. “El vengador es una re-imaginación a la que el público general le puso las pilas. Pero ahora surgen talentos de la escuela de la Troma como James Gunn, quien ha hecho historia. Hacía mis películas y ahora tiene su estudio, hace ‘Superman’…” dijo orgulloso. Sus películas se han basado siempre en usar efectos prácticos y le preguntaron al respecto: “el CGI o la IA son grandes herramientas. Si te gustan… Hay quienes van a los Oscar diciendo, “no usen IA” (con tono burlón). El punto es, que no quieren competencia. Creo en la mezcla de ambas técnicas”. Ya fuera de micro Kaufman nos ha contado que tiene o tuvo un acuerdo con Santiago Segura para rodar una película de El Vengador Tóxico.

Por otro lado hemos estado en otro encuentro con público con Joe Dante, podéis encontrar algunos fragmentos en los shorts de nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Recibió preguntas sobre si tenía futuros proyectos, reiterando qeu está retirado. Evidentemente surgió la pregunta ¿qué pasa con Gremlins? Pero el tema se derivó más hacia las nuevas tecnologías que hacia una tercera entrega o a la bastante ignorada serie de HBO: «normalmente me preguntan por la 3. El tema de la IA para recrear gremlins es interesante. Se está usando bastante en política y anuncios. Puedes hacer una película entera en unos días con un ordenador. Es el futuro» atajó. Cabe señalar que previamente, en su primera declaración, se declaró en contra de Trump y todo el tema del Nobel de la Paz. Durante la charla se habló de ‘The ‘Burbs’ y su relación con , su live action con los Looney Tunes, de las lecciones que extrajo en su época con Roger Corman, de cómo contribuyó a la serie ‘Police squad’ de la cual surgió ‘Agárralo como puedas’. Y quizá ahí llegó la declaración más dolorosa o llamativa, rechazó en su día dirigir ‘Airplane’, conocida en España como ‘Aterriza como puedas’.

‘Good boy’ (crítica completa)

Sin duda una de las películas que más esperaba de este Sitges Festival y por supuesto de este año y qué deciros, que me ha gustado. Es una cinta que no da para mucho, de ahí su duración y sin duda la estrella es Indy, ese perro que ve presencias y que solo quiere intentar alejarlas de su dueño.

La cinta está bien dirigida, además juega muy bien con el entorno, una casa vieja llena de recovecos y con un montón de materiales por todos lados capaces de crear infinidad de sombras. Además, como digo, está Indy, este perro es una maravilla y es que actúa muy bien. Para ello han contado con más de 3 años de rodaje para que el animal pudiese tener sus descansos y poder sacar lo mejor de él como actor y es que Indy es el compañero del propio director y por supuesto nadie quería que sufriese estrés.

‘Good Boy’ os va a gustar si no esperáis demasiado de ella y disfrutáis con una buena dosis de tensión y algún susto que otro.

Comentado por Vicky Carras.

‘Primate’

Qué maravilla y que locurón. Un slasher en el que el asesino es un chimpancé que pertenecía a una familia. La rabia siempre ha sido protagonista de muchas películas y aquí la vemos más desatada que nunca. Increíble cinta llena de violencia y muertes salvajes. Con unos increíbles efectos especiales. El mono es una pasada, está súper bien hecho.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido que la película dura muy poquito y aún así va al grano. Con una leve presentación de personajes, lo suficiente para que los conozcas un poquito y no les cojas demasiado cariño, después de esto, preparaos para la fiesta. Sin duda una de las grandes sorpresas del festival y ya os digo, sorpresa de 2026 pues llega a cines en enero gracias a Paramount Pictures.

Comentado por Vicky Carras.

‘Rabbit Trap’ (crítica completa)

‘Rabbit Trap’, dirigida por Bryn Chainey, se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, supone un giro extraño en su carrera tras ‘Monkey Man’ y sus colaboraciones con Wes Anderson. Aquí encarna a un obsesivo del sonido que, junto a Rosy McEwen (magnética y con un aire a Nicole Kidman) explora grabaciones que van más allá del ASMR hasta rozar lo ancestral.

El filme combina folk horror, psicofonías, traumas y rituales, con imágenes hipnóticas donde las ondas sonoras se funden con bandadas de pájaros. Sin embargo, el montaje confuso y el exceso de simbolismo dejan demasiadas preguntas abiertas, frustrando parte de su potencial.

Es un experimento visual y poético difícil de ignorar y también de aprobar que está más cerca del terror elevado que del folk horror. Arriesgada, críptica y perturbadora, confirma a McEwen como revelación y coloca a Patel en una de las etapas más desconcertantes de su carrera.

Comentado por Furanu.

‘Tornado’

Después de liarla tras robar el oro de la peligrosa banda de criminales liderada por Sugarman, Tornado se ve envuelta en una terrible lucha de supervivencia. Cuando asesinan a su padre, ella intentará vengarse. ‘Tornado’ ha sido una grata sorpresa. No me esperaba mucho de este western y la verdad que está muy bien dirigido. Con un reparto lleno de estrellas, Tim Roth, Takehiro Hira, Jack Loeden o Rory McCann. La película es ágil y tiene unas imágenes bastante intensas.

John Maclean, director y guionista de la cinta, nos muestra que a día de hoy se pueden hacer buenas películas sin mucha complicación. En la fotografía encontramos a Robbie Ryan, encargado de darnos unas imágenes preciosas llenas de fuerza y con muchos detalles de los verdes bosques de Escocia, donde está ambientada la cinta. Un gran acierto al ser un lugar distinto con el que pueden jugar con la naturaleza que hay alrededor. ‘Tornado’ es una propuesta interesante y diferente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Xana y el secreto del tiempo’ (crítica completa)

‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es un film de animación chino que deslumbra por su calidad técnica: partículas, pelos, materiales y paisajes con un nivel casi hiperrealista. No obstante, los protagonistas tienen un acabado plástico que resta expresividad emocional.

La película propone una aventura con resonancias de Tintín, Indiana Jones o Lara Croft, combinando objetos mágicos, amistad, viajes y un componente de ciencia ficción gracias al viaje en el tiempo, evocador de ‘Prince of Persia’ o ‘Flash’.

El mayor acierto es su escala visual y la imaginación del guion; el mayor defecto, cierta rigidez expresiva en momentos importantes. En definitiva, una aventura cautivadora, visualmente sorprendente, para quienes valoran tanto la fantasía como la animación oriental.

Comentado por Furanu.

‘Blazing fist’ (crítica completa)

‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, con momentos memorables, sobre todo para quienes disfrutan del Takashi Miike más emocional y menos inclinado al exceso grotesco. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles. Si te acercas con ese ánimo, puede funcionar. Pero sobre todo ten en cuenta que el filme parece hecho para un público muy fan y muy juvenil pues tiene varias escenas un tanto videoclipistas, enseñando cacho y sobretodo recreándose con el rostro de los protagonistas. De hecho, hay en el reparto varios idols como Gackt o Kaname Yoshizawa.

Comentado por Furanu.

‘Occupy Cannes’

Sexo, violencia y cantidad ingentes de sangre es lo que vemos en las películas de la Troma. Cintas como ‘El Vengador Tóxico’ o ‘Tromeo y Julieta’ son parte de su catálogo. Cine independiente que necesita cierto presupuesto para poder seguir existiendo. De ahí está esta incursión a Cannes en busca de distribución para su último trabajo, ‘Return to Return to Nuke ‘Em High’’.

En el documental vemos cómo van poco a poco van liándola por la ciudad francesa mostrando cómo son ellos y su cine, con pancartas, su personaje de Toxie, su gente desnuda corriendo… Por supuesto todo en nombre del arte, algo que a la policía francesa no hizo nada de gracia. El documental es un poco queja de cómo se trata al cine independiente. Y también es una carta de amor hacia el trabajo de esta compañía.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Blazing Fists’

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Sinopsis

Ikuto y Ryoma se conocen en un centro de detención juvenil y se convierten en mejores amigos. Ambos persiguen su sueño de participar en el evento de artes marciales Breaking Down. Sin embargo, las rivalidades pronto convierten sus sueños en conflictos inesperados.

Crítica

Cuando Miike se aleja del manga y se acerca el rollo idol malote

Takashi Miike lleva décadas sorprendiendo con géneros extremos, violencia estilizada, películas de horror, de crimen, experimentales… pero si te gusta Miike, vete olvidando de esta película, porque ‘Blazing Fists’ no es una de las suyas habituales. No es adaptación de manga, ni comedia absurda, ni fantasía hortera. Esta vez opta por algo distinto: un drama centrado en dos jóvenes guaperas que se conocen en un reformatorio y deciden entrar en un reality show de kickboxing / MMA. Esa premisa sugiere algo al estilo Street Fighter o Tekken. “Quiero ser tu freno” le dice una chica a uno de los protagonistas declarándole su amor y su intención de sacarle de la mala vida. Parece que este filme es un freno momentáneo a las locuras de Miike pues decide ir más por los derroteros de una historia sencilla en la que se tocan de soslayo temas como la culpa, la superación o los estigmas que se crea uno mismo o se heredan de los padres.

El sentido de la violencia y el espectáculo es auténtico. Cuando hay peleas, y sobre todo en la parte final, hay intensidad, edición certera, sonido que golpea. Miike demuestra que sigue sabiendo componer escenas de combate visual y callejero. Junto a eso están los temas de culpa y redención, presentes con cierta honestidad y se logra en puntuales momentos intensidad moral y drama real, no solo efectismo. Se supone que ese drama se ve cimentado con historias paralelas o ampliadas. Sin embargo, hay demasiadas digresiones, personajes secundarios que se olvidan largos tramos, momentos de ritmo lento, pausa que no conduce al conflicto evidente.

Se supone que estamos rodeados constantemente de tipos malos: el convencional, la banda callejera, los moteros que rozan la Yakuza… Pero los actores protagonistas, a priori parte de ese ambiente, no dan siempre la talla como calaña de la sociedadd. Eso sí, se esfuerzan durante las peleas, pero muchas veces sus conflictos internos o sus expresiones dramáticas no convencen del todo. Parecen estrellas de marketing, figuras atractivas más que personajes con peso. Esto se ve agravado por escenas que parecen hechas para público geográficamente joven, para culturizar idols.

A pesar de los recursos visuales y la violencia, ‘Blazing Fists’ tiene una identidad de género algo difusa: ¿es un drama, es un filme de deporte, es un coming-of-age, es un espectáculo de acción? A veces la mezcla funciona, otras veces confunde, y el clímax parece prometer algo más potente de lo que finalmente da. Hay tramos en los que uno desea que se decante por algo similar a ‘The Warriors’ y en otras ya prefieres que se incline por el drama carcelario tipo ‘En el nombre del padre’. Pero ni lo uno ni lo otro.

‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, hecha sobre todo para quienes disfrutan del Miike más emocional y volcado con los nuevos talentos. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Blazing Fists. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Yuya Aoki. Reparto principal: Gackt, Wataru Ichinose, Kaname Yoshizawa, Nobuaki Kaneko, Karuma, Konatsu Kato, Danhi Kinoshita, Mariko Shinoda, Katsunori Takahashi. Producción: Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://bluefight.jp/

Crítica: ‘Rabbit trap’

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En qué plataforma ver Rabbit trap

Sinopsis

El matrimonio de músicos compuesto por Daphne y Darcy Davenport se muda de Londres al campo galés para grabar un nuevo álbum. Accidentalmente graban un sonido místico, desconectándose lentamente de la realidad.

Crítica

El salto extraño de Dev Patel hacia el folk horror experimental

Muchos son los que se quieren sumar a la pequeña moda que existe dentro del terror que consiste en revivir o re-imaginar el folk horror. Pero algunos se pasan de rosca retorciendo el género o buscando darle otros significados. Ese es el caso de ‘Rabbit Trap’ la película dirigida por Bryn Chainey.

‘Rabbit Trap’ es una película que se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, el actor británico que parece atravesar una etapa singular en su carrera, el filme nos aleja de la épica de acción de ‘Monkey Man’ (su debut como director) y del estilo meticuloso que conoció en su colaboración con Wes Anderson, para adentrarnos en un terreno mucho más incómodo: el folk horror con tintes psicológicos y ritualistas.

Patel interpreta a un obsesivo del sonido, un hombre que junto a su compañera de experimentos (encarnada por Rosy McEwen) intenta ir más allá de la simple experiencia auditiva para la grabación de su próximo álbum. No se conforman con grabaciones propias de las modas del ASMR, sino que llevan sus obsesiones sin querer hasta un nivel que conecta con lo ancestral. McEwen, cuya expresividad y gestualidad recuerdan a Nicole Kidman en su juventud y en sus años de exploración dramática, aporta a la historia un equilibrio inquietante: es cómplice, musa y espejo distorsionado del protagonista. Su trabajo no se limita a ser una sombra secundaria, sino que brinda densidad emocional a los dilemas de la trama.

Uno de los aspectos más llamativos de la película son sus experimentos formales. Bryn Chainey convierte la experiencia sonora en un espectáculo visual: las ondas captadas en un osciloscopio se funden con la coreografía de bandadas de pájaros en el cielo. Es una apuesta arriesgada, casi hipnótica, que conecta con la idea de que los sonidos son también formas, vibraciones que hablan un lenguaje oculto. El campo, como escenario de grabaciones y rituales, se convierte en un territorio liminal donde lo cotidiano se pliega hacia lo espectral. Todo esto suena a excesivamente intrincado y el resultado es una especie de propuesta a medio camino entre el folk horror y el terror elevado.

‘Rabbit Trap’ se adentra en los territorios de la parálisis del sueño, las psicofonías y los traumas psicológicos. El filme bebe de tradiciones ritualistas y de saberes ancestrales para articular su metáfora central: la trampa de conejo. En esencia, ofrecer a la presa lo que más desea para capturarla, una imagen poderosa que sirve como brújula de los conflictos personales y colectivos que atraviesan a los protagonistas. Pero tanto el desarrollo como la conclusión dejan excesivos detalles a la interpretación y se ofrecen muy pocas respuestas que sean claras o explícitas. Para más inri el montaje resulta confuso en varios tramos, con transiciones abruptas que dejan la sensación de que solo el guionista podría desentrañar ciertos símbolos. La fuerza visual está ahí, cautivadora y ambiciosa, pero a menudo se topa con un hermetismo que frustra al espectador.

‘Rabbit Trap’ es un experimento cinematográfico que no teme perderse en sus propios laberintos. Para Dev Patel supone un giro extraño pero interesante, mientras que Rosy McEwen se confirma como una presencia magnética que equilibra lo caótico. Por otro lado, la tercera y única compañera de reparto, Jade Croot, consigue la mejor interpretación con un personaje que llega a cabrear hasta a los espectadores, siendo ese su cometido. Bryn Chainey entrega una obra imperfecta, a veces excesivamente críptica, pero con un pulso poético y perturbador que la hace tan difícil de ignorar como de aprobar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Rabbit trap. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Bryn Chainey. Guion: Bryn Chainey. Música: Lucrecia Dalt. Fotografía: Andreas Johannessen. Reparto principal: Dev Patel, Rosy McEwen, Jade Croot. Producción: SpectreVision, Align, Bankside Films, Carte Blanche, Mad As Birds, Wiser Films. Distribución: por determinar. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.spectrevision.com/films/rabbit-trap