Festival de Sitges 17/10/26: nos quedamos con la picaresca y el encanto de ‘Wicker’

La 59ª edición va clausurando anunciando sus ganadores

El Festival de Sitges ha preparado el cierre de su 59ª edición con la proyección de ‘Wicker’, una fábula sobre el sexo, el matrimonio y las convenciones sociales. Uno de los momentos destacados ha sido la entrega del Gran Premio Honorífico a Amy Irving, actriz de películas como ‘Carrie’ y ‘The Fury’. Irving ha agradecido el reconocimiento recordando el trabajo de las actrices en ‘Carrie’ y bromeando con que se sentía como si King Kong le hubiera dado una palmada en el hombro.

Como es tradicional en la penúltima jornada del festival se ha dado a conocer el listado de premios en cada una de las secciones. La película francesa ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, se ha alzado con el premio a Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició del 59.º Festival de Sitges. El palmarés también ha reconocido a Joko Anwar como Mejor Director por ‘Ghost in the Cell’, a Jasmine Trinca como Mejor Actriz por ‘The Spiral’ y a Benoît Magimel como Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’. El Premio Especial del Jurado ha recaído en ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, mientras que ‘Buddy’ ha obtenido el galardón al Mejor Guion.

En el resto de las secciones destacan ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película de Noves Visions, y ‘Gummy’, de Javi Prada, como ganadora de Òrbita. La animación, el cine europeo fantástico y el documental también han tenido su espacio en una edición que ha repartido premios entre numerosas propuestas internacionales. Por su parte, el público ha elegido ‘Wildwood’, de Travis Knight, como su película favorita de la Sección Oficial Fantàstic, mientras que ‘The Fox’, ‘Kung Fu Deadly’, ‘No Salgas’ y ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’ se han impuesto en sus respectivas categorías.

La dirección del festival también ha agradecido la labor de todas las personas que hacen posible el certamen, que ha aumentado su asistencia un 6 %. Además, ha rendido homenaje a Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico y la ilustración de ciencia ficción y espada y brujería, fallecido recientemente. Su figura ya había sido homenajeada en Sitges con el documental ‘San Julián: El poder de la ilustración’.

‘Freaks parte II’

‘Freaks Part II’ recupera el universo de la película de 2018 y refuerza sus semejanzas con ‘X-Men’ (en concreto con ‘Los nuevos mutantes’): personas con poderes que son marginadas, perseguidas y tratadas como amenazas por una sociedad incapaz de aceptar lo diferente centrándose en niños que saben que nunca tendrán una vida normal. Esta vez, el gobierno va mucho más lejos y convierte su exterminio en una política de Estado, con una propaganda de odio que recuerda a las persecuciones fascistas de la historia.

La película apuesta por una acción mucho más directa y una violencia especialmente bestia en su tercer acto. Sin embargo, me sobran algunas partes dramáticas y echo en falta una evolución más clara de Chloe, ahora interpretada por Lorelei Olivia Mote tras el relevo de Lexy Kolker. La incorporación de otra niña con poderes podría haber servido para explorar el aprendizaje y la responsabilidad, pero la historia apenas aprovecha esa posibilidad.

‘Freaks Part II’ amplía el universo de la original y resulta más brutal, aunque no siempre más sólida. Su denuncia de la persecución institucionalizada funciona, pero sus personajes no progresan tanto como deberían.

Comentado por Furanu.

‘Wicker’

Basada en un relato de Úrsula Willis, ‘Wicker’ nos cuenta la historia de una pescadera marginada en un pueblo mediocre que se creen Mejor que ella. Una mujer soltera y totalmente independiente que después de una boda y ser la mofa de todo este pueblucho decide pedirle al cestero que le cree un hombre de mimbre. A partir de ese momento una preciosa historia de amor, celos y envidias se convertirá en un pequeño cuento fantástico.

Una historia muy bonita, con una atmósfera bien creada con mucho color y a la vez gris cuando las cosas no se ponen bien.

Me ha recordado en parte, al episodio de Los Simpsons, cuando Apu tiene que implorar el perdón de Manjula y se convierte en el hombre ideal, cosa que a los ciudadanos de Springfield no les hace mucha gracia.

Esto es igual, pero al final, tenemos a un ser creado a partir de mimbre que solo tiene ojos para esta pescadera que le ha robado el corazón. Un cuento de amor muy bonito y como todo cuento de amor, tiene sus sombras y sus malas víboras en el camino.

Comentado por Vicky Carras.

‘V/H/S Mixtape’

La novena entrega de ‘V/H/S’ convierte la música y el sonido en fuentes de terror, con GWAR como anfitriones de una antología irregular que mezcla found footage, animación y videoclips sangrientos.

En ‘Dance, Dance, Dance, Dance’, Renee Zhan utiliza marionetas de Jim Henson’s Creature Shop y a Barbara Crampton para convertir un programa infantil en una pesadilla grotesca que parece querer profanar nuestros recuerdos de infancia.

‘Another Cabin’, de Flying Lotus, es un cortísimo experimento en stop motion, macabro y grosero, pero bastante pobre en ideas.

‘Heartbeat’, de David Moreau, sigue a unos youtubers que se cuelan en una instalación militar y aprovecha el silencio de las cámaras anecoicas para explorar una vía de terror poco habitual.

‘The Music of Mr. Sze’, de Ernest Dickerson, es una rallada cósmica alrededor de un violinista y un joven que documenta su vida, aunque el uso de las gafas con cámara integrada aporta poco.

‘Premature Burial’, dirigido por Tobias Forge (Ghost), funciona como un videoclip de metal extremo en formato 4:3, muy bestia pero con escaso desarrollo narrativo.

‘Death Tone’, de RZA, es uno de los episodios más originales: una joven obsesionada con honrar a su padre convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal.

Comentado por Furanu.

‘Malnombre’

 Creada por Alfonso Cortés–Cavanillas estamos ante una serie de 6 episodios que nos han presentado en Sitges Festival como una película de 2 horas. El montaje no estaba nada mal, se nota algún detalle suelto de la historia, pero en general lo he disfrutado bastante.

Eva regresa a su pueblo natal del que marcho hace años. Allí comienza a trabajar de noche en una gasolinera. La noche es larga y en Malnombre hay muchos misterios. Asesinatos, desapariciones, gente extraña de noche. Nada es lo que parece en Malnombre. Además, que en sí, ya la gente del propio pueblo es bastante hostil.

Uno de los detalles a resaltar, son los efectos especiales, los cuales, para ser una producción española, en formato serie, están muy logrados. Además del trabajazo de vestuario y localizaciones. Me he quedado con ganas de ver el formato serie la verdad que por lo que nos han mandado en la respectiva nota de prensa, llegará a nuestras casas el próximo 2027.

Comentado por Vicky Carras.

‘Furia desatada (Ikatan darah)’

‘Furia desatada’, título español de ‘Ikatan Darah’, es una película de acción indonesia dirigida por Sidharta Tata y producida por Iko Uwais. La historia sigue a Mega, una antigua practicante de pencak silat que debe volver a luchar para salvar a su hermano de una banda criminal y de sus deudas.

La primera mitad tarda en desplegar todo su potencial, pero la acción acaba convirtiéndose en su principal atractivo. La barriada superpoblada en la que transcurre buena parte del relato, con sus callejones y viviendas amontonadas, ofrece un escenario perfecto para las escaramuzas.

Hay muebles que se rompen con cada golpe, machetazos, patadas acrobáticas y enfrentamientos que aprovechan cada rincón. Livi Ciananta e Ismi Melinda destacan en unas coreografías físicas que mantienen vivo el espectáculo. El humor también está presente, aunque algunos momentos provocan más sonrisas involuntarias que carcajadas.

‘Furia desatada’ no reinventa el cine de artes marciales, pero sabe qué ofrece: criminales, personajes acorralados y peleas contundentes. Cuando la acción arranca, los muebles tienen pocas posibilidades de sobrevivir.

Comentado por Furanu.

‘Crawlers’

Pero que película tan divertida, como ha dicho el propio director, tan palomitera y lo bien hechas que están las malditas arañas. ‘Crawlers’ es un film que si se hubiese estrenado en los 80 estaríamos aplaudiendo con las orejas. Aunque yo viéndola en la actualidad, admito que me lo he pasado pipa. Un edificio se queda en cuarentena por una plaga de arañas, pero no arañas cualquiera, si no unas que atacan a humanos y que tienen sed de sangre.

Me encanta como utilizan los planos para ver como acechan las arañas a sus víctimas. Vemos a través de estos seres y me ha parecido divertidísimo. Además, como se preparan para pillar desprevenidos a cualquiera que pase cerca. Y es que como bien dice la película, hay arañas por todos lados y más cerca de lo que creemos. Aunque es cierto que los personajes tienen decisiones absurdas y que alguno que otro merece la muerte, no me importa, porque realmente es lo gracioso de la película, que no se toma en serio y al a vez si, ya que como digo, las arañas me parecen super bien hechas. Un divertimento que sinceramente volvería a repetir en una sala de cine con amigos.

Comentado por Vicky Carras.

‘Fantasy art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

Luis Royo y Rómulo Royo llevan décadas demostrando que la fantasía puede ser mucho más que un género destinado a las estanterías de coleccionistas. El documental de Mirella R. Abrisqueta entra en su estudio, muestra su proceso creativo, sus influencias y la relación artística entre padre e hijo mientras siguen las huellas de Francisco de Goya. Pero lo más importante, deja ver que su arte y el de muchos ilustradores de hoy en día comienza a verse como debería, como arte digno de un museo.

La película está vertebrada por el proyecto que establece un diálogo entre los dos artistas y el Goya más fantástico, oscuro y grotesco. Una conexión estimulante que permite reivindicar una disciplina que ha influido a generaciones de ilustradores, lectores y creadores visuales. Habría sido interesante contar con más expertos y profundizar mucho más en ese Goya fantástico, pero es una reivindicación necesaria para un arte que lleva mucho tiempo demostrando que la imaginación moderna también merece estar en los museos, porque su calidad pictórica está a la altura de los grandes maestros.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Furia desatada (Ikatan darah)’

Un filme en el que tanto personas como muebles son víctimas de las artes marciales

A veces basta con que los protagonistas de una película sepan repartir golpes, que los enemigos estén dispuestos a recibirlos y que el mobiliario del escenario no sobreviva a la pelea. ‘Furia desatada’, título con el que llegará a España ‘Ikatan Darah’ de la mano de A Contracorriente Films, reúne todos esos ingredientes. Producida por Iko Uwais, es una historia de criminales, personajes humildes acorralados por las circunstancias y artes marciales capaces de convertir cualquier espacio en un campo de batalla.

La injusticia como combustible

La película de Sidharta Tata nos presenta a Mega, una antigua practicante de pencak silat que dejó atrás su carrera deportiva debido a una lesión. Su hermano se mete en un problema con una banda criminal y queda atrapado en una espiral de deudas y violencia. Mega tendrá que volver a poner a prueba sus habilidades para intentar salvarlo.

No estamos ante una premisa especialmente original, pero sí ante una que encaja perfectamente con la tradición del cine de acción indonesio. Los protagonistas suelen ser personas con pocos recursos, empujadas a situaciones extremas por organizaciones criminales que se aprovechan de su vulnerabilidad. Cuando la injusticia se convierte en el detonante de la historia, la violencia aparece como una respuesta desesperada, aunque eso no significa que sus consecuencias sean pequeñas.

La película tarda un poco en desplegar todo su arsenal. Su primera mitad no está tan cargada de acción como otras producciones asociadas a Iko Uwais ni alcanza desde el principio la intensidad de títulos recientes como ‘The Furious’, aunque no su calidad y constancia. Cuando llegan los enfrentamientos, queda claro dónde están sus prioridades. El argumento funciona como una excusa para llevar a los personajes de una situación límite a otra, mientras la protagonista se abre paso entre quienes pretenden impedirle que proteja a su familia.

Una barriada convertida en ring

Uno de los grandes aciertos está en el escenario. Buena parte de la acción transcurre en una barriada pobre, superpoblada y construida sin demasiado orden, con callejones estrechos, viviendas amontonadas y espacios en los que apenas parece haber sitio para moverse. La imagen recuerda a las favelas de Río de Janeiro, aunque aquí el entorno tiene una identidad propia. No es simplemente un decorado: sus pasajes, habitaciones y rincones ofrecen obstáculos y oportunidades para que cada pelea encuentre una nueva forma de complicarse.

Y vaya si se complican. Hay muebles que se hacen añicos con cualquier golpe, machetazos en la cabeza y patadas de todo tipo. Los cuerpos salen despedidos, los objetos cotidianos se convierten en armas improvisadas y los enfrentamientos se desarrollan con una contundencia física que hace que cada choque parezca capaz de dejar el escenario irreconocible. Es ese tipo de acción oriental que entiende que una buena pelea no consiste únicamente en lanzar golpes, sino en aprovechar el espacio y encadenar movimientos que mantengan al espectador pendiente de lo que ocurrirá a continuación.

Además, buena parte del atractivo recae en sus dos protagonistas femeninas. Livi Ciananta e Ismi Melinda aportan energía a una película que encuentra en sus enfrentamientos uno de sus mayores reclamos. Cuando las coreografías se ponen en marcha, la historia deja de necesitar demasiadas explicaciones: lo importante es seguir el movimiento, anticipar el siguiente golpe y comprobar cuánto más puede aguantar cada adversario.

La acción por encima de todo

‘Furia desatada’ también intenta introducir humor entre tanta violencia. Algunas situaciones funcionan como alivio cómico, aunque otras provocan más una sonrisa involuntaria que una carcajada buscada. No diría que la comedia sea su principal virtud, ni tampoco que necesite serlo. La película encuentra su identidad cuando se concentra en la acción y deja que los personajes se expresen mediante patadas, puñetazos y destrozos.

La producción de Iko Uwais se nota en esa prioridad excesiva por el combate físico y en la importancia de las coreografías. Si buscas una historia compleja, no será la opción más adecuada. Si lo que quieres es ver cómo una barriada entera se convierte en un ring y cómo los muebles pagan las consecuencias de cada combate, aquí tienes material de sobra.

Ficha de ‘Furia desatada’

Estreno en España: por determinar. Título original: Ikatan Darah. Duración: 119 min. País: Indonesia. Dirección: Tata Sidharta. Guion: Rifki Ardisha, Tata Sidharta. Música: Fajar Ahadi. Fotografía: Ferry Rusli. Reparto principal: Livi Ciananta, Derby Romero, Ismi Melinda, Teuku Rifnu, Lydia Kandou, Abdurrahman, Rama Ramdhan, Agra Piliang, Dimas Anggara. Producción: Uwais Pictures, Legacy Pictures, KG Pictures, Kebon Studio. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción, suspense. Web oficial.

Crítica: ‘V/H/S/Mixtape’

Cuando el sonido se convierte en una pesadilla

La saga ‘V/H/S’ llega a su novena entrega con una propuesta que convierte la música y el sonido en el hilo conductor de sus pesadillas. Por supuesto, seguimos ante una antología de found footage, aunque esta vez la conexión entre los segmentos no depende únicamente de unas cintas encontradas: todo queda envuelto por las apariciones de GWAR, la banda de shock metal que ejerce de anfitriona de este particular espectáculo. El problema es que, como suele ocurrir en estas recopilaciones, hay ideas mucho más interesantes que otras y no todas consiguen convertir sus experimentos sonoros en auténtico terror.

‘Dance, Dance, Dance, Dance’: la infancia ha dejado de ser inocente

Renee Zhan abre la antología con una historia protagonizada por marionetas creadas por Jim Henson’s Creature Shop y una ejecutiva interpretada por la mítica Barbara Crampton. La intención de recuperar un antiguo programa infantil acaba convirtiéndose en una pesadilla de canciones retorcidas, muñecos asesinos y violencia desatada. Lo que empieza con una apariencia casi entrañable termina convirtiéndose en una de esas historias que parecen querer profanar nuestros recuerdos de infancia. La canción se te queda en la cabeza, pero todavía más las cosas que suceden mientras suena. Es una propuesta grotesca que juega a convertir lo infantil en algo repulsivo, hasta alcanzar un nivel de humor que recuerda a esos personajes de canadienses ‘South Park’. No es precisamente sutil, pero sabe dónde quiere golpear.

‘Another Cabin’: una pesadilla demasiado pequeña

Flying Lotus firma este brevísimo segmento en stop motion, una especie de pesadilla macabra y grosera que rompe con la estética del resto de la película. Su apariencia artesanal tiene cierto encanto, pero el resultado me parece bastante pobre en ideas.

‘Heartbeat’: el terror de escuchar demasiado

David Moreau, director de ‘MadS’, propone una de las ideas más interesantes de la película. Dos youtubers se cuelan en una instalación militar rusa abandonada, relacionada con experimentos acústicos, y terminan atrapados en un lugar donde el sonido se convierte en una amenaza. Lo más llamativo es que el episodio no necesita apoyarse en la música: trabaja con el sonido y, sobre todo, con su ausencia. Las cámaras anecoicas, diseñadas para absorber los ecos y reducir las reflexiones acústicas, ofrecen una vía de terror que el cine ha explorado mucho menos de lo que cabría esperar. Cuando desaparece el ruido exterior, el propio cuerpo puede convertirse en una fuente de sonidos inquietantes. El concepto me parece muy potente y demuestra que no hace falta recurrir a una melodía maldita para jugar con nuestros oidos. Es una de las aportaciones más interesantes de esta entrega, aunque su premisa podría haberse desarrollado todavía más.

‘The Music of Mr. Sze’: una rallada cósmica

Ernest Dickerson nos introduce en la vida de un violinista peculiar a través de un joven que documenta lo que sucede a su alrededor. La música abre la puerta a una experiencia cada vez más extraña, con imágenes y situaciones que terminan derivando hacia lo cósmico. Es una auténtica rallada. La película también juega aquí con la tecnología de las gafas que incorporan cámaras, un dispositivo cada vez más reconocible en nuestra vida cotidiana. Sin embargo, ese elemento no me parece especialmente aprovechado, porque buena parte de lo que vemos podría haberse grabado igualmente con una GoPro o una cámara similar.

‘Premature Burial’: un videoclip sangriento

El segmento dirigido por Tobias Forge, líder de Ghost, es prácticamente un videoclip de metal extremo presentado en formato 4:3. Quiere recuperar la suciedad visual de ciertos vídeos musicales de otras décadas. Tiene su gracia como interludio musical y cuenta con la curiosidad de estar ligado a Forge, una figura muy reconocida dentro del metal contemporáneo. Pero, como episodio de terror, me ofrece poco más.

‘Death Tone’: la música necesita sangre

RZA cierra la tanda con uno de los episodios que más me interesan. Una joven quiere honrar el legado de su difunto padre, un productor musical, creando una pista que esté a la altura de su trabajo. Para lograrlo, acaba recurriendo a métodos cada vez más extremos y convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal. La idea tiene mucho gancho porque transforma el proceso creativo en una obsesión que va borrando cualquier límite moral. La violencia no aparece como un simple adorno, sino como parte del material que la protagonista pretende utilizar para componer. Puede que el desarrollo sea algo reiterativo, pero la premisa tiene personalidad y lleva hasta sus últimas consecuencias la relación entre sonido, creación y horror. Para mí, es uno de los segmentos más originales de esta entrega.

Ficha de ‘V/H/S/Mixtape’

Estreno en España: por determinar. Título original: V/H/S/Mixtape. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Ernest R. Dickerson, Flying Lotus, Tobias Forge, David Moreau, RZA, Renee Zhan. Guion: Zoe Cooper, Ernest R. Dickerson, Matt Landsman, David Moreau, RZA. Música: GWAR, Flying Lotus, Tobias Forge (Ghost), RZA, Renee Zhan, md3beats. Reparto principal: Producción: Be Afraid Media, Bloody Disgusting, Cinepocalypse Productions, Image Nation Films, Shudder, Speed Demon, Spooky Pictures. Distribución: por determinar. Género: terror, antología. Web oficial.

Crítica: ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

Reivindicación justa y necesaria para que el arte fantástico y actual tenga su lugar en los museos

La obra de los Royo lleva décadas hablando por sí misma demostrando una grandiosidad que en otras épocas habría sido tratada con mucha más importancia a nivel popular. Luis Royo y Rómulo Royo pertenecen a esa categoría a la que pertenecieron muchos maestros pictóricos, aunque ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ de Mirella R. Abrisqueta parte precisamente de una reivindicación que todavía parece necesaria: ¿por qué una ilustración fantástica debería conformarse con ocupar una estantería de coleccionista cuando podría estar colgada en una galería o un museo?

El documental se acerca a dos creadores cuya influencia ha traspasado ampliamente las fronteras españolas y que han marcado a generaciones de ilustradores, lectores, publicistas y aficionados a la cultura visual. Y lo hace desde un lugar especialmente cercano: entrando en su estudio, observando cómo trabajan, descubriendo sus referencias y siguiendo el proceso mediante el que una idea termina convirtiéndose en una imagen. No se limita, por tanto, a enseñar el resultado final, sino que permite comprender el modus operandi de quienes llevan décadas haciendo de la fantasía una forma de expresión artística.

Goya como espejo

Todo el documental está vertebrado por un proyecto común: Luis Royo y Rómulo Royo viajan hasta Italia mientras desarrollan una aproximación propia al universo de Francisco de Goya. No se trata de copiar a su paisano aragonés, sino de jugar con sus obsesiones, sus monstruos, sus pesadillas y esa capacidad para encontrar lo grotesco y lo fantástico dentro de la realidad.

Ahí aparece una relación especialmente estimulante entre padre e hijo. Dos generaciones, dos sensibilidades y dos maneras de entender la creación que dialogan entre sí mientras buscan un punto de encuentro con un artista separado de ellos por más de dos siglos. El proyecto permite además comprender hasta qué punto las influencias artísticas no funcionan como compartimentos estancos: el cine, el cómic, la pintura, la literatura y la ilustración terminan alimentándose mutuamente.

Y es precisamente aquí donde el documental podría haber ido todavía más lejos. La conexión entre los Royo y Goya resulta fascinante, pero el llamado Goya fantástico merecía una investigación más profunda. Los Caprichos, Los Disparates o las Pinturas Negras ofrecen material suficiente para construir una auténtica genealogía que conecta con el fantástico español de entonces y de ahora. La película deja la sensación de que apenas estamos entrando en una habitación que podría ser muchísimo más grande, en ese sentido. Recordamos que ese proyecto es solo usado como una excusa para plasmar una vez más, y de ese modo rompiendo el desconocimiento de el público general, que estamos entre dos artistas de talla mayúscula.

Del coleccionismo al museo

Porque la verdadera reivindicación de ‘Fantasy Art’ está en otro lugar: en cuestionar la frontera entre arte considerado culto y arte considerado popular. Durante demasiado tiempo, la ilustración fantástica ha sido contemplada como un producto ligado al cómic, las portadas, los libros roleros o el heavy metal. Sin embargo, basta mirar algunas de las obras que han surgido de este ámbito para comprobar que existen imágenes con una potencia visual y técnica que no desmerecerían en una institución dedicada a las bellas artes. Hay ilustraciones que uno podría imaginar perfectamente colgadas en el Prado.

Y el reconocimiento internacional demuestra que esa frontera empieza a quedarse antigua. El universo de los Royo ha circulado mucho más allá de España y el documental recuerda también la presencia de este tipo de creación en instituciones y espacios vinculados al arte narrativo contemporáneo. La reciente apertura del Lucas Museum of Narrative Art en Los Ángeles, por ejemplo, representa precisamente esa ampliación del concepto de qué puede formar parte de un museo. Obras de artistas españoles vinculados a este ámbito han llegado ya a su colección.

También resulta interesante observar cómo ha cambiado la percepción de estos artistas en España. Lo que durante determinadas épocas podía contemplarse como una manifestación menor o estrictamente vinculada a un entretenimiento casi marginal ha ido adquiriendo otra consideración. Y si algo consigue ‘Fantasy Art’ es dejar claro que detrás de una ilustración aparentemente destinada a satisfacer la imaginación de un lector existe composición, técnica, referencias, narrativa, estudio de la anatomía, tratamiento de la luz y, sobre todo, una concepción artística.

La antípoda a vanalizar el arte moderno

La película de Abrisqueta, rodada durante dos años siguiendo este proyecto, funciona así como un puente entre generaciones y disciplinas. Pero también como una reivindicación que trasciende a sus protagonistas: la ilustración o el cómic no necesita pedir permiso para ser arte, es ARTE con mayúsculas.

Su principal limitación es precisamente la amplitud de todo aquello que plantea. Habrían sido necesarias más voces de expertos, historiadores del arte o especialistas capaces de contextualizar con mayor profundidad esa relación con Goya y explicar por qué el fantasy art ha ocupado durante tanto tiempo una posición periférica dentro de determinados circuitos artísticos. El documental aporta algunas voces externas, pero uno termina deseando más.

Aun así, ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ cumple una función importante: conseguir que miremos de otra manera imágenes que quizá llevamos décadas mirando en librerías y convenciones. Y recordar que la fantasía ha formado siempre parte de nuestro arte. Si me permitís, como fan de la fantasía y de la obra de Royo, me siento congratulado de saber de este documental y de intentar contribuir a que en España se ubique su obra en los museos y libros de historia, como ya se hace en el extranjero donde, por ejemplo, se le ha dado un lugar en la galería de los Uffizi.

Ficha de ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

Estreno en España: por determinar. Título original: Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya. Duración: 71 min. País: España. Dirección: Mirella R. Abrisqueta. Guion: Mirella R. Abrisqueta. Música: Pablo Urcola. Fotografía: Javier Gracia. Reparto principal: Luis Royo, Rómulo Royo, Sara Frazetta, Ciruelo Cabral, Juan Royo. Producción: Sintregua Comunicación, Cosmos Fan, Aragón TV, Laberinto Gris, Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza. Distribución: por determinar. Género: documental, fantástico. Web oficial.

Palmarés de Sitges 2026: todos los ganadores

‘Sanguine’ gran triunfadora

El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña ha anunciado el palmarés completo de su 59ª edición, con ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, como Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició. El certamen vuelve a reconocer así algunas de las propuestas más destacadas del cine fantástico internacional, junto a trabajos de otras secciones dedicadas al terror, la animación, el cine de autor y el documental.

El premio a la Mejor Dirección ha recaído en Joko Anwar por ‘Ghost in the Cell’, película que también ha obtenido el Premio del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial. Por su parte, Jasmine Trinca ha sido reconocida como Mejor Actriz por ‘The Spiral’, mientras que Benoît Magimel ha recibido el premio a Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’.

El Premio Especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic ha sido para ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman. En las categorías técnicas, ‘Buddy’, de Casper Kelly y Jamie King, ha ganado el premio al Mejor Guion; ‘Océano Titánico’, de Raphaël Vandenbussche, el de Mejor Fotografía; ‘River’, de Mondo Boys, el de Mejor Música; y ‘Colony’, de Hong Jeong-ho, el de Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje. El Premio Citizen Kane al Director Revelación ha recaído en ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella.

‘Hen’ gana en Noves Visions y ‘Gummy’ en Òrbita

La sección Noves Visions ha premiado a ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película. El reconocimiento a la Mejor Dirección se ha concedido ex aequo a ‘La muerte de Drácula’, de Fernando Martínez y Juan González, conocidos como Burnin’ Percebes, y ‘Familia teme enfrentar una nueva noche de terror’, de Cristian Ponce.

En la categoría de cortometrajes Noves Visions Petit Format, el premio también se ha compartido entre dos obras: ‘Snakes in Lace’, de Martina Pavlíková, y ‘NOIZE’, de Javier Rodríguez Pino.

Por su parte, ‘Gummy’, de Javi Prada, ha obtenido el premio a Mejor Película de la sección Òrbita, dedicada a propuestas de género con especial atención al thriller y la acción.

La animación también tiene sus ganadores

La sección Anima’t ha reconocido dos trabajos. ‘We Are Aliens’, de Kohei Kadowaki, ha ganado el premio al Mejor Largometraje de Animación, mientras que ‘The Flesh Dress’, de Joachim Hérissé, ha sido distinguido como Mejor Cortometraje de Animación.

Los premios Méliès reconocen al fantástico europeo

Los galardones Méliès también han distinguido varias producciones destacadas del género. ‘Feels Like Home’, de Gábor Holtai, ha ganado el Méliès de Oro a la Mejor Película de Género Fantástico, mientras que el premio al Mejor Cortometraje ha sido para ‘The Old Lady and the Eternity’, de Marc Martínez Jordán.

En los premios Méliès de Plata, ‘The Spiral’, de Paolo Strippoli, ha sido reconocida como Mejor Película de Género Fantástico. El galardón al Mejor Cortometraje Europeo ha recaído en ‘El moribundo’, de Laura Guerricaechevarría.

La sección Brigadoon, dedicada al cine fantástico y de terror, ha concedido el Premio Paul Naschy al Mejor Cortometraje a ‘The Last Snow’, de Rodolphe Bouquet-Populus.

‘Dernsie’, ‘The Incomer’ y los premios de la crítica

En el apartado documental, ‘»Dernsie» La vida increíble de Bruce Dern’, de Mike Mendez, ha sido elegida Mejor Película de Sitges Documenta.

El jurado de la crítica FIPRESCI ha otorgado el Premio José Luis Guarner a ‘The Incomer’, de Louis Paxton.

Los premios SGAE Nueva Autoría distinguen a nuevos talentos

El palmarés incluye también los Premios SGAE Nueva Autoría, destinados a reconocer el trabajo de estudiantes y nuevos creadores audiovisuales. Los tres galardones han recaído en:

Mejor Dirección-Realización: ‘Dissecció d’una incoherència en crisi’, de Nausica Serra.

Mejor Guion: ‘Amor comestible’, de Diana Magallón.

Mejor Música Original: ‘Amber Lights’, de Pablo Garayoa y Lídia Grau.

El público elige ‘Wildwood’ como su favorita

Los espectadores también han tenido un papel protagonista en el palmarés de Sitges 2026. ‘Wildwood’, de Travis Knight, ha ganado el Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic, patrocinado por La Vanguardia.

El resto de los premios del público han reconocido a las siguientes películas:

Panorama: ‘The Fox’, de Dario Russo.

Midnight X-Treme: ‘Kung Fu Deadly’, de Fergal Costello.

Blood Window: ‘No Salgas’, de Victoria Linares.

Focus Asia: ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’, de Yuen Woo-ping.

Con este palmarés, el Festival de Sitges pone el broche a su 59ª edición, una cita que vuelve a reunir cine fantástico, terror, animación y propuestas de género de diferentes países, junto a reconocimientos a nuevos talentos y premios elegidos directamente por el público.

Palmarés completo de Sitges 2026

Sección Oficial Fantàstic a Competició

Mejor Película: ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller.

Premio Especial del Jurado: ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman.

Mejor Dirección: Joko Anwar por ‘Ghost in the Cell’.

Mejor Interpretación Femenina: Jasmine Trinca por ‘The Spiral’.

Mejor Interpretación Masculina: Benoît Magimel por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’.

Mejor Guion: ‘Buddy’, de Casper Kelly y Jamie King.

Mejor Fotografía: ‘Océano Titánico’, de Raphaël Vandenbussche.

Mejor Música: ‘River’, de Mondo Boys.

Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje: ‘Colony’, de Hong Jeong-ho.

Premio Citizen Kane al Director Revelación: ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella.

Noves Visions

Mejor Película: ‘Hen’, de Nico Scheepers.

Mejor Dirección (ex aequo): ‘La muerte de Drácula’, de Fernando Martínez y Juan González (Burnin’ Percebes), y ‘Familia teme enfrentar una nueva noche de terror’, de Cristian Ponce.

Mejor Cortometraje Noves Visions Petit Format (ex aequo): ‘Snakes in Lace’, de Martina Pavlíková, y ‘NOIZE’, de Javier Rodríguez Pino.

Otras secciones y premios

Òrbita, Mejor Película: ‘Gummy’, de Javi Prada.

Anima’t, Mejor Largometraje de Animación: ‘We Are Aliens’, de Kohei Kadowaki.

Anima’t, Mejor Cortometraje de Animación: ‘The Flesh Dress’, de Joachim Hérissé.

Méliès de Oro, Mejor Película: ‘Feels Like Home’, de Gábor Holtai.

Méliès de Oro, Mejor Cortometraje: ‘The Old Lady and the Eternity’, de Marc Martínez Jordán.

Méliès de Plata, Mejor Película: ‘The Spiral’, de Paolo Strippoli.

Méliès de Plata, Mejor Cortometraje Europeo: ‘El moribundo’, de Laura Guerricaechevarría.

Brigadoon Paul Naschy, Mejor Cortometraje: ‘The Last Snow’, de Rodolphe Bouquet-Populus.

Sitges Documenta, Mejor Película: ‘»Dernsie» La vida increíble de Bruce Dern’, de Mike Mendez.

Premio FIPRESCI José Luis Guarner: ‘The Incomer’, de Louis Paxton.

Premio del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial: ‘Ghost in the Cell’, de Joko Anwar.

Premios del público

Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic: ‘Wildwood’, de Travis Knight.

Mejor Película de Panorama: ‘The Fox’, de Dario Russo.

Mejor Película de Midnight X-Treme: ‘Kung Fu Deadly’, de Fergal Costello.

Mejor Película de Blood Window: ‘No Salgas’, de Victoria Linares.

Mejor Película de Focus Asia: ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’, de Yuen Woo-ping.

Festival de Sitges 16/10/26: Duncan Jones anima literalmente el cotarro

Preciosos encuentros nostálgicos y divertidos con DeVito y Shimizu

Duncan Jones ha visitado el Festival de Sitges para presentar ‘Rogue Trooper’, acompañado por los productores Stuart Fenegan y Ben Smith. El director británico, que llevaba años queriendo llevar a la pantalla esta historia de ciencia ficción basada en el cómic de Gerry Finley-Day y Dave Gibbons, ha explicado que «queríamos adaptar los cómics más cercanos a nuestros días». Jones, que ya exploró la clonación en Moon, ha reconocido que «soy un gran fan de ‘Rogue Trooper’ y llevaba muchos años queriendo adaptar esta historia». Sobre la decisión de apostar por la animación, ha destacado sus ventajas a la hora de trabajar con el reparto: «Lo bonito de hacerla animada es que solo necesitamos a los actores un corto espacio de tiempo», lo que permite ahorrar «que luchen por ver quién es más gracioso y la lucha de egos», bromeó. El cineasta ha subrayado también la independencia del proyecto y sus expectativas comerciales: «Este es un filme independiente, esperamos buena acogida por parte del público, ojalá la veamos pronto en cines».

Takashi Shimizu ha pasado por el Festival de Sitges para recoger el Premio Màquina del Temps, un reconocimiento a su trayectoria y a su contribución al cine fantástico y de terror, marcada especialmente por la saga ‘Ju-on (La maldición)’. Durante nuestro encuentro, el cineasta japonés ha hablado de la evolución del género en su país y ha celebrado que el terror haya conseguido ir más allá del J-horror, algo que le permite explorar nuevas formas y caminos creativos, algo que hace con su nuevo filme ‘The Mouths’. Sin embargo, hay terrenos que prefiere no pisar: ha confesado que nunca haría un slasher porque le da miedo la sangre y no soporta ni siquiera cortarse un dedo. También nos ha desvelado que fue él mismo quien creó el icónico sonido gutural de Kayako, una de las señas de identidad de La maldición. Shimizu ha recordado con simpatía la parodia de ‘Scary Movie 4’, en la que participó de buen grado e incluso se ofreció a colaborar con sus responsables. Sobre ‘Sadako vs. Kayako’, ha explicado que la productora no le pidió permiso para realizar el enfrentamiento entre ambas figuras del terror japonés, aunque mantiene una buena relación con el productor. Y, puestos a imaginar nuevos cruces, el director tiene clara una de sus preferencias: le gustaría ver a Kayako enfrentándose a Chucky.

Hemos tenido una interesante charla con Guillem Ignasi Bauzà Cabot, animador español especializado en stop motion que ha trabajado en Laika, en la producción de ‘Wildwood’ y en Aardman, con ‘La oveja Shaun’. Durante nuestro encuentro, nos ha explicado el enorme crecimiento que experimentó Laika durante la producción de Wildwood: cuando comenzó a trabajar allí, la compañía contaba con dos edificios, mientras que al finalizar el proyecto ya disponía de ocho. Una expansión que refleja la complejidad de una película que, según nos ha contado, requiere muchos más recursos que Coraline, una producción que podría realizarse en un solo edificio. Bauzà también ha destacado la minuciosidad del trabajo artesanal, con especial atención a detalles tan concretos como reproducir el movimiento de un bíceps o disponer de numerosas cabezas intercambiables para representar un llanto. Además, ha explicado cómo algunas escenas combinan marionetas físicas con personajes duplicados digitalmente: las imágenes proyectadas sobre el croma se animan previamente con las propias marionetas o sirven de referencia para los animadores digitales. Todo ello manteniendo la esencia del stop motion: un trabajo realizado físicamente, con una elaboración artesanal que, según ha subrayado, prescinde por completo de la inteligencia artificial.

Después de recibir su premio a toda una carrera, hemos tenido la ocasión de estar junto a Danny DeVito de nuevo en un encuentro con el público. Como ocurrió ayer, se ha sentido muy agradecido por todo el cariño que ha recibido y también por lo bien que ha sido recibida la película de ‘Drag’. Pero el actor, director y productor a venido ha hablar de su carrera y nos ha contado un montón de anécdotas e historias que han hecho la locura en la sala. Nos ha hablado de como fue el rodaje de ‘La guerra de los Rose’, de la serie en la que aparece en la actualidad ‘It’s Always Sunny in Philadelphia’ y de lo bien que se lo pasa en el rodaje. Pero por supuesto nos ha hablado de la estupenda ‘Matilda que mañana se podrá ver en el Festival con un coloquio junto al él y de su trabajo con Tim Burton o Milos Forman.

Se ha anunciado que la sesión sorpresa de la 59ª edición del Festival de Sitges estará protagonizada por ‘Freaks Part II’, secuela de la película que Adam Stein y Zach Lipovsky presentaron en el certamen en 2018. La cinta, que se proyectará el sábado 17 de octubre a las 22:45 h en el auditorio del Hotel Meliá, sigue a una mujer y su hija, interpretadas por Amanda Crew y Lorelei Olivia Mote, que deben ocultar su identidad en un mundo que quiere destruirlas. El domingo llegará el turno de las maratones sorpresa y de clausura, con títulos como ‘One Spoon of Chocolate’, de RZA, ‘Penny Lane Is Dead’, de Mia Kate Russell, ‘Company’, de Casey Affleck, ‘Drag’, ‘Half’, ‘The Spiral’ y ‘Buddy’, poniendo así el broche final a una edición que promete despedirse por todo lo alto.

‘Rogue Trooper’ (crítica extendida)

Duncan Jones adapta el cómic de culto ‘Rogue Trooper’, publicado en 1981 por la revista británica 2000 AD, en una aventura de ciencia ficción bélica que combina acción, comedia y sátira. Su protagonista es un soldado genéticamente modificado que sobrevive en un planeta devastado por la guerra, acompañado por las conciencias de tres compañeros fallecidos, almacenadas en chips que lleva en su rifle, casco y mochila.

La premisa recuerda a ‘Altered Carbon’ por esa persistencia de la identidad más allá del cuerpo, mientras que su humor y su crítica del absurdo militar pueden evocar a ‘Starship Troopers’ o ‘Borderlands’. La película no conserva de forma especialmente marcada las referencias políticas del cómic original, pero sí sabe reírse de una maquinaria bélica que convierte a los soldados en piezas reemplazables.

Visualmente es una pasada: colores radiactivos, paisajes apocalípticos y una estética digital que recuerda a las cinemáticas de videojuegos o a un episodio de ‘Love, Death & Robots’. Tras el tropiezo de ‘Warcraft’, Jones demuestra que todavía sabe construir mundos de ciencia ficción con personalidad.

Comentado por Furanu.

‘Victorian Psycho’

Dividida en una serie de episodios, vamos conociendo a Winifred Notty, una institutriz deseando encajar en su nueva familia. Allí tendrá que hacerse cargo de dos jóvenes y de que su educación sea exquisita. Ella sabemos que guarda un misterio que poco a poco iremos descubriendo.

Creo que le falta un poquito de fuerza a esta cinta que me pensaba más loca. Si que es cierto que esto es lo malo de las expectativas. ‘Victorias Psycho’ no es una mala película, todo lo contrario. Maika Monroe está increíble, no la había visto en ningún papel parecido y la verdad que lo borda. En el fondo la llegas a coger cariño.

En noviembre llega a nuestras salas de cine, yo le daré otra oportunidad porque pienso que se la merece. Visualmente, actoralmente y en la dirección creo que es fabulosa. Quizás pensaba que iba a tener un poco más de mala uva. Pero eso ya no es culpa de la película, sino mía por haber esperado algo que no es.

Comentado por Vicky Carras.

‘Bad lieutenant: Tokyo’

Uno de los obligatorios del Festival de Sitges, es sin duda Takashi Miike, pero, para mí hoy ha sido una equivocación. Madre mía, es cierto que no todas sus películas son perfectas, por supuesto, de las 129 que tiene alguna mala tiene que salir y justo ha sido esta, ‘Bad Lieutenant: Tokio’.

Un policía de Tokio adicto al juego tendrá que investigar junto a una agente del FBI la desaparición de la hija de un político. Mientras tanto hay una serie de asesinatos en la ciudad que tienen que ver con la Yakuza.

Las actuaciones son terribles y eso que tenemos a Lily James en el reparto. El guion flojea por todos lados y es que no tiene demasiado sentido. Supongo que para Mikke si. Lo único que me ha gustado es el toque del director, su violencia y exceso. Las escenas de las muertes si que me han parecido bastante locas, pero sin más. Esta película está basada en película ‘Teniente corrupto’ de Abel Ferrara.

Comentado por Vicky Carras.

‘Los vampires’

‘Los Vampires’, de Craig Mitchell, nos lleva al Hollywood de 1930, donde un actor español rueda de noche la versión hispana de una película de vampiros mientras otro intérprete encarna el mismo papel durante el día en inglés. La rivalidad entre ambos crece a la vez que una serie de asesinatos sacude el plató.

La película tiene una interesante vertiente metacinematográfica y aprovecha una práctica real de los primeros años del cine sonoro: rodar versiones en otros idiomas para llegar a distintos públicos. El caso de ‘Drácula’ (1931), cuya versión española se filmó en los mismos decorados que la de Tod Browning, pero durante la noche, da sentido a su metáfora. Los trabajadores hispanohablantes eran, en cierto modo, vampiros condenados a habitar la oscuridad de Hollywood mientras otros ocupaban el centro de atención.

La reflexión sobre la interpretación, la identidad y la desigualdad dentro de la industria me parece lo más interesante. En cambio, la trama criminal me resulta menos convincente y la concibo sobre todo como un intento de potenciar el romanticismo del relato. Una película con una premisa histórica atractiva, más sugerente cuando habla de cine que cuando busca el misterio.

Comentado por Furanu.

‘Sacrifice’

Qué película más loca es ‘Sacrifice’ que bien me lo he pasado y que repartazo. La película nos lleva a una fiesta benéfica repleta de estrellas con la cartera bien llena de dinero. Pero esta noche no va a terminar como ellos esperan, y es que un grupo antisistema irrumpe en la sala. Con ideas místicas y secuestrando a tres personas para poder sacrificarlas para salvar el mundo.

Como digo, la película es muy loca, está muy bien dirigida y todos los actores están geniales. Mención especial para Chris Evans, que hace un papel super chulo. Ana Taylor-Joy también me ha encantado, pero estamos bastante acostumbrados a que es capaz de hacer cualquier tipo de papel y se arriesga bastante.

La película tiene mucha acción, comedia, sí que pienso, que aunque me ha gustado bastante, llegando al desenlace quizás se desinfla un poco. Pero en general ‘Sacrifice’ es una película bastante extravagante, e hipnótica.

La cinta está dirigida por Romain Gavras y está protagonizada por Chris Evans, Anya Taylor-Joy, Vincent Cassel, Salma Hayek, John Malkovich, Charli XCX, Sam Richardson, Ambika Mod y Jade Croot, entre muchos otros. Pronto llegará a Movistar+ así que ya tenéis una recomendación más para poder ver en vuestras casas.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Rogue Trooper’

La acidez distópica y bélica de 2000 AD recibe un justo tributo de manos de Duncan Jones

Duncan Jones me ganó en su día con ‘Moon’ al igual que conquistó al público del Festival de Sitges. Siempre le he tenido como un cineasta bastante inteligente a pesar incluso del batacazo de ‘Warcraft’. Ahora se atreve con otra adaptación de un universo de nicho, aunque esta vez no se trata de trasladar un videojuego, se adentra en un clásico de la revista británica 2000 AD, la misma publicación que dio origen a ‘Juez Dredd’. El resultado es una aventura de ciencia ficción bélica visualmente espectacular, bastante gamberra y con una sátira de la guerra que funciona mejor de lo que muchos de sus de tractores estarán reacios a reconocer.

Un cómic de 1981 con conciencia propia

‘Rogue Trooper’ adapta el cómic creado por Gerry Finley-Day y Dave Gibbons en 1981. Su protagonista es un soldado genéticamente modificado que sobrevive en un planeta devastado por una guerra interminable. Tras una emboscada que acaba con su unidad, debe cumplir una misión acompañado por las conciencias de tres compañeros fallecidos, conservadas en chips que lleva consigo e instaladas en su rifle, su casco y su mochila.

La idea de poder usar recipientes como cuerpos u objetos para depósito de una conciencia recuerda a ‘Altered Carbon’. Gunnar, Bagman y Helm siguen teniendo personalidad, opiniones y capacidad para discutir con Rogue, de modo que el equipo nunca está realmente solo. La muerte se convierte así en una presencia constante, pero también en una fuente de humor y camaradería.

Adelantándome a los espectadores actuales que buscarán el chiste rápido y fácil merece la pena recordar: el cómic original ya jugaba con la idea de cuerpos azules creados para combatir en condiciones extremas mucho antes de que ‘Avatar’ popularizara sus propios habitantes azules. Y si hablamos de Dave Gibbons, resulta inevitable pensar en el Doctor Manhattan de ‘Watchmen’, otra figura de apariencia azul asociada a una transformación radical de la condición humana. Consciente o no de ello, cuando el protagonista de esta película torna blancos sus ojos es clavadito al personaje que hemos visto en los cómics y en la adaptación de Zack Snyder..

La guerra como espectáculo excesivo y absurdo

Uno de los mayores aciertos de la película es su combinación de acción militar, comedia y crítica bélica. Los soldados obedecen órdenes, sobreviven como pueden y se ven atrapados en un conflicto cuya lógica parece haberse perdido hace mucho tiempo. La guerra funciona como una maquinaria que consume vidas mientras alguien sigue encontrando motivos para mantenerla en marcha.

En ese sentido, ‘Rogue Trooper’ puede recordar a ‘Starship Troopers’, por su capacidad para convertir el espectáculo bélico en una sátira, o a ‘Borderlands’, por el tono gamberro, los personajes estrafalarios y la violencia desatada. No diría que la película tenga la misma carga política que se puede encontrar en otras obras de ciencia ficción militar. El cómic original tenía referencias a conflictos históricos, incluida la Guerra de Secesión estadounidense, pero aquí el discurso se concentra más en el absurdo de la guerra y en el coste humano de un enfrentamiento interminable que en establecer paralelismos políticos concretos.

Y eso no significa que la crítica desaparezca. La película sabe reírse de la lógica militar, de la mercantilización del conflicto y de una sociedad que convierte a sus soldados en recursos reemplazables. Lo hace sin renunciar a la diversión ni convertir cada escena en un sermón. La sátira y la comedia funcionan como parte del espectáculo, no como un añadido que interrumpe la aventura.

Una inevitable sensación de videojuego

Visualmente, ‘Rogue Trooper’ es una pasada. Los colores radiactivos, los paisajes apocalípticos y las atmósferas contaminadas construyen un mundo que parece sacado de una partida de videojuego. La animación tiene una estética digital muy marcada, con personajes y escenarios que por momentos recuerdan a una cinemática de gran presupuesto. Para las nuevas generaciones, la película puede funcionar como un episodio largo de ‘Love, Death & Robots’ o de ‘Secret level’ con su mezcla de ciencia ficción adulta, violencia y experimentación visual.

El proyecto se apoyó inicialmente en Unreal Engine 5, aunque durante la producción Jones y su equipo tuvieron que recurrir también a otras herramientas para conseguir el resultado que buscaban. Es un detalle relevante: más que una película hecha exclusivamente con un motor de videojuegos, estamos ante una producción que explora las posibilidades de esa tecnología dentro de una animación cinematográfica híbrida.

También resulta interesante el reparto. Los protagonistas no son necesariamente nombres conocidos para el gran público, pero entre las voces secundarias aparecen intérpretes tan reconocibles como Sean Bean, Hayley Atwell, Matt Berry y Diane Morgan. Sus interpretaciones ayudan a dar personalidad a un universo en el que incluso una mochila o un casco pueden convertirse en compañeros de aventuras.

‘Rogue Trooper’ no necesita ser una revolución narrativa para funcionar: tiene acción, humor, una crítica bélica efectiva y una identidad visual arrolladora. Lo mejor es que todo ese despliegue parte de un cómic de 1981 que todavía tiene ideas capaces de sorprender con potencial además de crossovers. Ojalá que como mínimo se convierta en saga.

Ficha de ‘Rogue Trooper’

Estreno en España: por determinar. Título original: Rogue Trooper. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Duncan Jones. Guion: Duncan Jones. Música: Bear McCreary. Fotografía: Daniel Atherton. Reparto principal (doblaje original): Aneurin Barnard, Alice Lowe, Jack Lowden, Hayley Atwell, Sean Bean,  Peter Serafinowicz, Matt Berry, Asa Butterfield, Jemaine Clement, Diane Morganv, Daryl McCormack, Reece Shearsmith, Tanya Moodie, Adrian Edmondson. Producción: Liberty Films Entertainment, Rebellion Developments Ltd., Treehouse Digital. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘The Spiral’

Muy bien armada, te gustará si eres fan de giros a lo Shyamalan u Oriol Paulo

En ‘The Spiral’, Paolo Strippoli construye una fábula oscura en la que los secretos, los pactos y las trampas al destino terminan convirtiendo la aparente perfección familiar en una pesadilla. Una historia con ecos bíblicos y de cuento maldito que juega con una idea tan antigua como efectiva: nada sale gratis cuando jugamos con lo sobrenatural al intentar cambiar lo que nos ha tocado vivir.

Una familia perfecta y demasiados secretos

La película consiste en la confesión de una madre a una hija ya adulta. Años atrás, tras un accidente que puso en peligro la pierna de la niña, selló un pacto con una misteriosa desconocida. Lo que parecía una solución milagrosa acabará pasando factura a toda la familia. Ya simplemente con la sinopsis tenemos un sabor a cuento. Por otro lado, aunque se sugiere constantemente el componente sobrenatural no dejo de resistirme a mantener abierta la posibilidad de que todo sea una locura de la madre para conseguir explicar todo lo que le ha sucedido a lo largo de su vida.

Teorías mías aparte. Strippoli divide el relato en cuatro capítulos que van reconstruyendo los acontecimientos desde diferentes momentos y perspectivas. La estructura retrospectiva permite que cada nueva pieza de información modifique lo que creíamos saber, mientras la imagen de esa familia aparentemente perfecta se va desmoronando, cayendo en espiral, ahí está una de las explicaciones al cambio del título original (‘L’estranea’).

El planteamiento tiene algo de fábula bíblica, con su combinación de culpa, tentación y castigo, pero también remite a una tradición muy reconocible del terror. El mecanismo recuerda a ‘La pata de mono’, ‘Cementerio de animales’ o ‘Wishmaster’: alguien intenta esquivar una desgracia, obtener algo que parece imposible o corregir un error, pero las condiciones del trato terminan revelándose mucho más perversas de lo esperado.

El misterio no siempre basta

La estructura en capítulos es uno de los elementos más interesantes de ‘The Spiral’, porque dosifica la información y convierte la historia familiar en un puzle. Sin embargo, ese mismo recurso también puede dar la sensación de que la película depende demasiado de sus revelaciones hasta hacerse limítrofe con el cine de Shyamalan o de Oriol Paulo, dos yonkis de los plot tuist en la prórroga.

Uno de los puntos que más me alejan de la película por mucho que el armazón sea bueno es el personaje interpretado por Valeria Bruni Tedeschi. Se supone que debe conservar un halo de misterio, y revelar demasiado pronto su naturaleza sería perjudicar el desarrollo de la historia. El problema es que, en mi caso, esa indefinición no termina de traducirse en una presencia verdaderamente inquietante. Me cuesta creerme al personaje y echo en falta una fuerza, una extrañeza o una amenaza que justifique mejor el peso que tiene dentro del relato. Quizá influya que hablamos de una actriz reconocida, de la que esperaba una interpretación mayor. Por el contrario, Jasmine Trinca, me parece soberbia asimilando todo el protagonismo que le da el libreto.

Una espiral que no termina de atraparme

Cada intento de corregir lo sucedido abre nuevas grietas y empuja a los personajes hacia consecuencias cada vez más difíciles de controlar. La película tiene ingredientes para construir un relato de terror adulto, con resonancias de las viejas fábulas morales y una historia que utiliza el misterio para hablar de la culpa, las decisiones y el precio de intentar controlar el destino. Pero una buena premisa no garantiza una experiencia redonda. Incluso su gancho nostálgico con la historia reciente se me queda corto, excesivamente local.

Que Italia haya escogido ‘The Spiral’ para representarla en los Oscar es un dato llamativo, pero no hace que la película me convenza más. Personalmente, no la veo a la altura de otras candidatas como ‘La bola negra’. Strippoli propone un juego de pactos y consecuencias con posibilidades, pero la espiral en la que nos introduce no termina de atraparme.

Ficha de ‘The Spiral’

Estreno en España: por determinar. Título original: L’estranea. Duración: 115 min. País: Italia. Dirección: . Guion: Paolo Strippoli, Salvatore de Chirico. Música: Robin Coudert. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Reparto principal: Jasmine Trinca, Romana Maggiora Vergano, Adriano Giannini, Valeria Bruni Tedeschi. Producción: Propaganda Italia, Dinamo Film, Rai Cinema, Kazak Productions, Tarantula, Shelter Prod, BeTV, Orange, Proximus, MiC, Natixis Coficiné. Distribución: La Aventura. Género: drama, suspense. Web oficial.

Festival de Sitges 15/10/26: Sitges a los pies de los DeVito

Terminamos el día con la candidata italiana al Oscar

Hoy ha sido un día muy especial en el que hemos tenido la ocasión de poder ver al grandísimo Danny DeVito, presentando ‘Drag’ junto a sus hijos, película protagonizada por Lucy Devito y producida por el actor y por Jake DeVito, otro de sus hijos. Los tres han estado presentes en el día de hoy. Además, también ha sido el día en el que le han dado el Premio Honorífico por toda su carrera, a continuación, os dejamos el vídeo enlazado de su discurso.

También estuvimos en el coloquio con Judith Light que protagoniza la nueva temporada de ‘The Terror. Devil in Silver’, en el que nos ha contado muchas cosas sobre los diferentes personajes de la cinta, también ha soltado alabanzas hacia Karyn Kusama, que ha dirigido 2 episodios de esta nueva temporada. Aquí os dejamos un fragmento del coloquio.

Durante el día de hoy, en el festival han pasado también los equipos de ‘Victorian Psycho’, el equipo de ‘Drag’, ‘Corpus’, ‘The Spiral’, ‘Wash Away’, entre otros, incluidos a Meiko Kaji, Takashi Shimizu, Meiko Kaji o Judith Light.

 

‘Wildwood’ (crítica extendida)

La nueva película de Laika dirigida por Travis Knight, es una auténtica maravilla del stop-motion. La fluidez de los movimientos, los cambios de escenario y la integración de elementos meteorológicos son tan impresionantes que por momentos parece animación 3D por ordenador. Solo al detenerse en los detalles y en la cantidad de elementos animados en cada plano se aprecia la complejidad de esta obra artesanal, que ha requerido siete años de producción.

La historia lleva a Prue y su amigo Curtis a un bosque mágico de Portland para rescatar al hermano pequeño de ella, secuestrado por unos cuervos. Animales parlantes, criaturas misteriosas y una estética de cuento europeo componen un universo que evoca las leyendas de Baba Yaga.

En el guion no resulta tan revolucionaria, con ecos de ‘Dentro del laberinto’, ‘Las crónicas de Narnia’ y ‘Willow’. Pero la música de Dario Marianelli y las canciones de The Decemberists acompañan una experiencia visual extraordinaria. ‘Wildwood’ demuestra que la artesanía puede alcanzar una magia que parece imposible.

Comentado por Furanu.

‘Corpus’

He de decir que ‘Corpus’ ha hecho desde hace mucho tiempo, que viendo una película haya mirado el reloj mas de 6 veces. Y es que es una película en la que no ocurre realmente nada hasta que está a punto de terminar.

La película nos pone en el camino de tres amigos distanciados por varios motivos que acuden a una fiesta en un lugar apartado por la noche de San Juan con tres mujeres a las que solo uno de estos chicos conocen.

Realmente la película trata sobre la relación de un quiero y no puedo de dos de estos dos amigos. Con demasiada tensión sexual no resuelta y un tira y afloja que llega aburrir. No emociona y la verdad que cansa ese royito que se traen entre los dos. No hay un ambiente de gran tensión en tema fantástico, sabes que terminará ocurriendo algo durante esa noche de San Juan, pero lo dicho, creo que a partir de la última media hora de repente ves de porque están allí. Pero da igual, porque para el desenlace, todo lo que ocurre en este tiempo, no sirve para nada.

Eso sí, punto a su favor, al equipo que ha realizado los prostéticos de esta película, son tres en total, pero los tres están super bien realizados.

Comentado por Vicky Carras.

‘Future tense’ (crítica extendida)

Ha llegado la nostalgia climática. En ‘Future Tense’, Jenna Cato Bass imagina un futuro cercano en el que los más privilegiados pueden viajar en el tiempo para escapar de un planeta al borde del colapso. Lwando y Tara, una pareja interracial, visitan la Sudáfrica de 1647, antes de la colonización europea. Elementos deterministas, apartheid, dilemas morales y sentimentales son los ingredientes de este filme.

La película utiliza la ciencia ficción para relacionar la crisis medioambiental con el colonialismo y el expolio de recursos naturales. Mientras los ricos pueden comprar una escapatoria, el resto de la humanidad permanece atrapado en un mundo cada vez más inhabitable.

Sin olvidar esa dimensión política, Bass construye un relato íntimo sobre una pareja que no comparte la misma idea de futuro. ‘Future Tense’ no necesita grandes espectáculos tecnológicos: su fuerza está en las preguntas que plantea sobre la culpa, la identidad y la posibilidad de cambiar el pasado. Una distopía ecologista que recuerda que el paraíso que añoramos quizá sea el mundo que no supimos conservar.

Comentado por Furanu.

‘The Terror: devil in silver’ (crítica extendida)

Devuelve la antología de terror producida por Ridley Scott con una historia ambientada, por primera vez, en la actualidad. Dan Stevens interpreta a Pepper, un trabajador que acaba ingresado contra su voluntad en un hospital psiquiátrico tras un incidente relacionado con su mal carácter. Allí descubrirá que el centro esconde secretos y que quizá una entidad demoníaca se alimenta del sufrimiento de sus pacientes.

Chris Cantwell y Victor LaValle, autor de la novela original, ejercen como showrunners y guionistas. Karyn Kusama, directora de ‘La invitación’ y vinculada a ‘Yellowjackets’, se encarga de los dos primeros episodios.

La serie mezcla terror sobrenatural y crítica social para cuestionar una institución que parece más preocupada por aislar a quienes considera incómodos que por ayudarlos. Después de explorar una expedición polar y los campos de internamiento durante la Segunda Guerra Mundial, ‘The Terror’ encuentra un nuevo escenario aterrador en el presente. La temporada consta de seis episodios, se estrena en España el 19 de octubre en AMC+ y alunar que mantendrá el nivel de sus predecesoras

Comentado por Vicky Carras.

‘Bloody smart’ (crítica extendida)

Pero menuda sorpresa. ‘Bloody smart’ traslada unos cuantos relatos de Junji Ito a serie televisiva. Y después de ver el primer episodio, solo puedo decir que merece bastante la pena. La serie taiwanesa nos va mostrando pequeños detalles de este mundo tan oscuro. En un pueblo remoto con un colegio dedicado exclusivamente al estudio para poder aprobar y llegar a la universidad, comienzan a ocurrir extraños y terribles sucesos. Desapariciones de alumnos, apariciones fantasmagóricas, cambios de humor entre la gente que vive en la zona. Una espesa niebla que aparece de vez en cuando. Todo ello rodeado de esa atmósfera oscura que tanto nos gusta de Junji Ito.

De momento pinta muy bien y he de decir que me he visto muchas adaptaciones de este autor, ya que me gusta mucho y es de las mejores. Pero estas cosas siempre hay que hablarlas con cautela, porque los primeros episodios siempre suelen ser muy buenos y luego flojean.

Comentado por Vicky Carras.

‘El samurai y el prisionero’

Kiyoshi Kurosawa nos trae la adaptación de la novela ‘El samurái y el prisionero’, escrita por Honobu Yonezawa. En el Japón del siglo XVI, durante el periodo Sengoku, nos encontramos ante el asedio de un castillo. Allí en medio de toda la tensión militar, comienzan a ocurrir una serie de asesinatos dentro de esta fortaleza. El señor del castillo Murashige Araki, debe entablar una alianza con un prisionero brillante Kanbei Kuroda, para que le ayude a encontrar al posible traidor y asesino.

La película va poco a poco, mostrándonos un poquito de la historia de este conflicto y presentándonos a cada uno de los protagonistas. Un thriller con unas imágenes increíbles, aunque austeras y eso lo logra con unos encuadres perfectos y por supuesto con un equipo de producción increíble. La ambientación de toda la película está de 10.

Dadle una oportunidad a esta cinta que nos trae Adso films el próximo 23 de octubre porque realmente merece la pena.

Comentado por Vicky Carras.

‘Salmokji Whispering Water’ (crítica extendida)

Debut en el largometraje de Lee Sang-min, quien recupera buena parte de los códigos del terror oriental de principios de siglo: fantasmas de pelo largo y piel blanca, lugares encantados, metraje encontrado, doppelgängers y una fotografía dominada por la oscuridad. El título hace referencia al nombre real de un embalse de Yesan, en Corea del Sur, conocido además por historias paranormales y supuestos avistamientos de fantasmas.

El problema es que la película parece más interesada en recuperar esos recursos que en reinventarlos. Aunque incorpora cámaras 360, GoPros y otras técnicas actuales, los efectos no siempre están a la altura. La escena subacuática cercana al final es probablemente lo más destacable de una propuesta que encuentra en el agua su mayor fuente de inquietud.

Busca el manido choque entre lo rural y lo urbano, entre el escepticismo y las creencias tradicionales y entre la tecnología moderna y lo arcaico pero no innova. Dudo que consiga un fenómeno como el de Aokigahara y haya peregrinaciones al lugar.

Comentado por Furanu.

‘Drag’ (crítica extendida)

Pero que bien me lo he pasado con esta película. Un dolor de espalda destroza la noche dedos hermanas que no planeaban nada bueno. Realmente una de ellas iba a robar en una casa de un hombre que la debía dinero mientras la otra esperaba. Todo el plan era perfecto hasta que la que entro en la casa tiene un fuerte tirón en la espalda y la noche se complica de manera espectacular.

Me lo he pasado muy bien, la química entre las actrices es brutal, además de que el casting me parece muy bueno, ya que se parecen bastante. Y las peleas entre ambas, el guion tan fluido y las conversaciones banales que tienen, es parte de esa realidad que se le puede dar a la historia.

La verdad que sufres por ellas dos y te ríes bastante. ‘Drag’ tiene un giro macabro que sin duda os hará ver los cuadros de Picasso de otra manera diferente, no se cuando llegará a nuestras pantallas pero es una pequeña sorpresa.

Comentado por Vicky Carras.

‘The spiral’ (crítica extendida)

Paolo Strippoli convierte los secretos familiares en una fábula oscura sobre los pactos y el precio de intentar engañar al destino. La historia arranca cuando Anna confiesa a su hija Alice que, años atrás, selló un trato con una misteriosa desconocida para salvarle la pierna tras un accidente. Una decisión que terminará condicionando a toda la familia.

Dividida en cuatro capítulos, la película reconstruye los hechos desde distintos momentos para desmontar poco a poco la imagen de una familia perfecta. Su premisa recuerda a ‘La pata de mono’, ‘Cementerio de animales’ o ‘Wishmaster’. La trama está muy bien armada aunque podemos prever alguno de los giros. Sin embargo el personaje de Valeria Bruni Tedeschi, demasiado dependiente de su misterio, no acaba de resultar tan inquietante como debería.

Italia la ha elegido para los Oscar, pero personalmente no la veo a la altura de otras candidatas como ‘La bola negra’. Una fábula con buenas ideas que no termina de atraparme.

Comentado por Furanu. 

 

Crítica: ‘Bloody Smart’ 1×01

En qué plataforma ver Bloody Smart

Junji Ito vuelve a nuestras pantallas

Menuda sorpresita me he llevado al conocer el aterrizaje de la serie de Taiwán ‘Bloody Smart’. Y es que cuando voy al Festival de Sitges, que es donde la he podido ver, me gusta ir un poco a ciegas de lo que voy a ver. ¿Y que ha pasado? Pues me he encontrado que ‘Bloody Smart’ es una adaptación de las historias de Junji Ito. Y es que este mangaka es sin duda uno de mis escritores y dibujantes favoritos. Sus historias oscuras, raras y tan originales logran que pases miedo e incluso a veces hasta logre hacerte reir.

Que nos vamos a encontrar en Bloody Smart

Comenzamos en una comunidad escolar obsesionada con obtener la excelencia académica. Un pueblo dedicado a que estos estudiantes estudien desesperadamente todo el día, con unas estrictas normas para preservar el orden y la perfección. Todo esto va cambiando por los diferentes sucesos que van ocurriendo y es que comienzan a desaparecer personas, también tenemos apariciones fantasmagóricas. Unos extraños frutos rojos van rodando de un lado a otro.

Si habéis leído a Junji Ito sabéis que parte de su mundo macabro cuenta mucho con el tema de la juventud. Esos adolescentes ojerosos siniestros con tristes historias que contar. De momento todo lo que he visto me ha gustado. Si que es cierto que ha sido un episodio de 10 que va a tener la serie, pero tiene la atmósfera y tiene los personajes bastante bien retratados.

Guionistas, dirección y fecha de estreno

De momento la dirección de Chun-Yi Hsieh me ha gustado mucho, la oscuridad que crea, ese mal royo entre muchos de los peronajes. Las malas miradas de envidia. Personajes que parecen felices pero que realmente están tramando algo malo. Y luego están esos estudiantes a los que no les dejan ni respirar. Logra sacar todo el potencial a sus actores y eso dice mucho de él.

El guion lo hacen entre tres personas, Ya-Lan Cheng, Chun-Yi Hsieh y Sakana. Me parece de momento una buena adaptación, en este primer episodio se atisba ya varios de los personajes de Junji Ito, entre ellos Tomie o Soichii Tsujii. Al finalizar el episodio vemos todos los dibujos del mangaka y podemos ver que tendremos apariciones de sus relatos como La chica babosa o Globos Colgantes entre otros.

Así que ya sabéis, el próximo 23 de octubre de 2026 ‘Bloody Smart’ llega a nuestras casas gracias a AMC+ y Planet Horror. La esperamos con muchas ganas. Al finalizar la serie os haré una reseña completa habiendo visto los 10 episodios completos.

Crítica: ‘Salmokji Whispering Water’

Otro fantasma más bajo el agua

El terror asiático lleva décadas demostrando que un fantasma de pelo largo, una cara blanca emergiendo de la oscuridad y una cámara que registra aquello que el ojo humano no percibe pueden seguir funcionando. El problema es que también llevamos décadas viendo exactamente lo mismo. ‘Salmokji: Whispering Water’, de Lee Sang-min, parece llegar al cine desde una máquina del tiempo que se hubiese quedado detenida a principios de los años 2000. Metraje encontrado, apariciones espectrales, doppelgängers, lugares encantados y una fotografía tan oscura que en ocasiones cuesta distinguir qué está ocurriendo. Todo ello con la peculiaridad de incorporar cámaras 360, GoPros y otras herramientas contemporáneas que no consiguen evitar la sensación de estar ante una producción bastante low cost.

El título hace referencia al embalse real de Salmokji, situado en el condado de Yesan, en la provincia de Chungcheong del Sur, Corea del Sur. Un escenario que podría haber servido para construir una atmósfera verdaderamente inquietante, pero que termina siendo prácticamente otro decorado para una colección de recursos que el cine de terror oriental lleva explotando durante demasiado tiempo. Dado el resultado dudo que haya una peregrinación como la que hubo en su día a Aokigahara.

Tecnología moderna para un terror de segunda mano

La película intenta enfrentar lo rural con lo urbano, el escepticismo con la superstición y la tecnología moderna con las creencias ancestrales, pero ninguna de estas ideas alcanza suficiente profundidad como para sacar a ‘Salmokji: Whispering Water’ de la mediocridad.

Resulta curioso que una película que pretende servirse de tecnología actual tenga una factura tan modesta. Las cámaras 360 y las GoPros ofrecen posibilidades interesantes para introducir al espectador dentro del espacio y convertirlo en testigo directo de los acontecimientos, pero el recurso termina siendo más llamativo por su presencia que por el uso intermitente que se hace de él.

‘Salmokji: Whispering Water’ recurre a prácticamente todo el catálogo del terror asiático contemporáneo: oscuridad, silencios, apariciones repentinas, grabaciones inquietantes, cuerpos que aparecen donde no deberían y, cómo no, fantasmas con el cabello cubriendo parcialmente el rostro. El problema no es utilizar estos recursos, sino que apenas existe una personalidad detrás de ellos. Son herramientas que hemos visto tantas veces que necesitan una puesta en escena especialmente inspirada para volver a provocar miedo.

La excepción se encuentra prácticamente al final, con una secuencia subacuática que consigue elevar momentáneamente el nivel de la propuesta. El agua proporciona una sensación de amenaza mucho más efectiva y permite que el espacio se convierta realmente en algo opresivo. Es probablemente el momento en el que ‘Salmokji: Whispering Water’ demuestra lo que podría haber hecho con mayor imaginación durante el resto del metraje.

Entre la superstición y el escepticismo

Uno de los elementos que más posibilidades ofrecía era el enfrentamiento entre dos mundos. Por un lado, tenemos a personajes procedentes de un entorno urbano y acostumbrados a confiar en cámaras, dispositivos y explicaciones racionales. Por otro, el embalse pertenece a un espacio rural en el que las leyendas y las creencias ancestrales tienen todavía un peso considerable.

La película juega también con el contraste entre lo actual y lo arcaico. La tecnología sirve para registrar aquello que sucede, pero no necesariamente para comprenderlo. Es una idea apropiada para una historia de metraje encontrado: podemos grabar un fantasma, pero eso no significa que sepamos qué es ni por qué está allí.

Pero tampoco esta dimensión termina de salvar la película. La oposición entre lo rural y lo urbano, entre creyentes y escépticos, podría haber servido para construir una reflexión más interesante sobre la desaparición de las tradiciones o sobre nuestra obsesión contemporánea por registrar absolutamente todo. En cambio, queda principalmente como un recurso argumental más.

Ficha de ‘Salmokji Whispering Water’

Estreno en España: por determinar. Título original: Salmokji. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Sang-min. Guion: Lee Sang-min. Reparto principal: Kim Hye Yoon, Lee Jong Won, Kim Joon Han, Kim Young Sung, Oh Dong Min, Yoon Jae Chan, Jang Da Ah. Producción: The Lamp. Distribución: por determinar. Género: terror.

Crítica de ‘The Terror: Devil in Silver’

Huele a papelón de Dan Stevens en un regreso que promete mantener el nivel

Después de varios años de ausencia, ‘The Terror’ regresa con una nueva historia y un cambio de escenario que acerca su horror más que nunca a nuestra realidad. El Festival de Sitges nos ha permitido ver el primer episodio de la tercera temporada de la antología producida por Ridley Scott, la cual, abandona las expediciones históricas y los episodios traumáticos del pasado para internarse en un hospital psiquiátrico contemporáneo, un lugar donde la sociedad aparta a quienes no encajan en sus normas y donde la frontera entre la enfermedad, el miedo y lo sobrenatural puede volverse peligrosamente difusa.

‘The Terror: Devil in Silver’ se estrena en España el 19 de octubre en AMC+ y consta de seis episodios. Chris Cantwell y Victor LaValle ejercen como guionistas y showrunners, con LaValle adaptando además su propia novela. El primer episodio está dirigido por Karyn Kusama, una cineasta que ya ha demostrado su habilidad para crear atmósferas incómodas en ‘La invitación’ y que también ha trabajado en ‘Yellowjackets’. Quizás su mano autoral no se percibe pero el arranque está a su altura..

Encerrado por sus propios demonios

El protagonista es Pepper, interpretado por Dan Stevens, un trabajador de clase obrera que se gana la vida haciendo mudanzas y que termina ingresado contra su voluntad en el hospital psiquiátrico New Hyde. Una combinación de mala suerte y mal carácter lo lleva a una situación que parece desproporcionada, y de repente se encuentra encerrado en una institución donde tendrá que convivir con otros pacientes, médicos que esconden secretos y unas reglas que no siempre parecen tener sentido.

Pepper no se presenta como el típico protagonista que llega a un lugar siniestro porque busca respuestas o porque ha cometido un crimen que debe pagar. Su encierro es precisamente el punto de partida del conflicto: ¿hasta qué punto alguien puede perder su libertad por un arrebato, por resultar incómodo o por no saber comportarse como los demás esperan? La serie juega con la vulnerabilidad de un hombre que no parece pertenecer a ese lugar, aunque sus impulsos y su temperamento tampoco lo conviertan en un personaje intachable.

Dan Stevens asume el peso de la historia y se enfrenta a un papel que exige moverse entre la rabia, la desconfianza y el desconcierto. El actor, conocido por trabajos tan diferentes como ‘Downton Abbey’ o ‘La bella y la bestia’, vuelve a demostrar su afinidad con el género fantástico y de terror. Aquí su personaje debe aprender a sobrevivir en un entorno en el que la amenaza no procede únicamente de lo que pueda esconderse en los pasillos.

Una institución que también da miedo

El hospital New Hyde es mucho más que un escenario lúgubre. Es una institución deteriorada que parece haber dejado de cumplir su función de cuidar a los pacientes. Entre sus paredes hay personas con historias dolorosas, trabajadores que no ofrecen todas las respuestas y una estructura que convierte el aislamiento en una forma de control. La serie utiliza ese espacio para cuestionar cómo tratamos a quienes se encuentran fuera de los márgenes de la normalidad y qué sucede cuando la atención sanitaria se transforma en una forma de castigo pero también una manera de lavarse las manos.

Sobre esa base se construye la dimensión sobrenatural. En el hospital podría habitar una entidad demoníaca, una presencia que se alimenta del sufrimiento de quienes están encerrados. Pero la amenaza funciona precisamente porque no desplaza la crítica social: el posible diablo no llega a un lugar inocente, sino a uno en el que la crueldad, el abandono y la deshumanización ya han preparado el terreno.

La propuesta conecta así con una tradición del terror que encuentra sus monstruos en las instituciones humanas. El encierro, la pérdida de autonomía y la imposibilidad de que alguien crea tu versión de los hechos pueden resultar tan aterradores como cualquier aparición.

El regreso de una antología inquietante

Las dos primeras temporadas de ‘The Terror’ exploraron escenarios históricos muy distintos: una expedición británica atrapada en el hielo mientras buscaba el paso del Noroeste y el sufrimiento vivido en los campos de internamiento de japoneses estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Esta tercera entrega traslada el horror al presente, pero mantiene el interés de la antología por las situaciones en las que las personas quedan atrapadas en sistemas que las superan.

‘The Terror: Devil in Silver’ promete, por tanto, una mezcla de terror psicológico, crítica institucional y presencia sobrenatural. Su arranque promete estar a la altura y así será si el hospital en que transcurre se sale de los tópicos. Aún así la pregunta importante no es si hay una criatura escondida entre sus paredes, sino por qué una sociedad que presume de cuidar a los más vulnerables permite que algunos de sus espacios de atención se conviertan en lugares de los que nadie parece estar correctamente atendido.

Crítica: ‘Future tense’

Plantea con acierto como la nostalgia climática está cada vez más cerca

Ha llegado la nostalgia climática. En un futuro cercano en el que el planeta se encuentra al borde del colapso medioambiental, los más privilegiados pueden permitirse viajar en el tiempo para escapar de un mundo que se desmorona. Ya no basta con añorar la infancia, idealizar otras épocas o fantasear con una vida más sencilla: ahora el pasado se convierte en un destino turístico y la naturaleza intacta, en un lujo reservado para quienes pueden pagarlo. ‘Future Tense’, de Jenna Cato Bass, parte de esta idea de ciencia ficción para construir una reflexión ecologista que señala directamente a las raíces coloniales de nuestra sociedad.

Un viaje al pasado para escapar del futuro

Lwando y Tara son una pareja interracial que vive en una Sudáfrica amenazada por la catástrofe climática. Ambos consiguen una estancia temporal en 1647, cuando el territorio todavía no ha sufrido la colonización europea que marcaría su historia. Lo que parece una escapada romántica a un mundo natural sin contaminar esconde, sin embargo, intenciones muy diferentes.

La premisa resulta especialmente sugerente porque convierte el viaje temporal en una especie de turismo de lujo. Quienes pueden permitírselo escapan de las consecuencias de un modelo de vida insostenible, mientras el resto permanece atrapado en un presente cada vez más inhabitable. La desigualdad no desaparece con la tecnología, sino que encuentra nuevas formas de manifestarse. Incluso la posibilidad de visitar un pasado sin devastación ambiental se transforma en otro privilegio económico.

Bass no necesita grandes exhibiciones de tecnología futurista para desarrollar esta idea. La ciencia ficción funciona como marco para una historia mucho más íntima, en la que las diferencias entre los protagonistas terminan siendo tan importantes como el conflicto histórico que los rodea. ¿Es posible salvar el mundo sin destruir aquello que uno tiene más cerca? ¿Hasta qué punto podemos imponer nuestra visión del futuro a los demás?

El colonialismo también tiene consecuencias climáticas

El corazón político de ‘Future Tense’ está en su revisión del colonialismo europeo y de sus consecuencias, es decir, esta película es de corte determinista. La película relaciona la devastación medioambiental con un proceso histórico en el que territorios, personas y recursos naturales fueron sometidos a los intereses de quienes llegaban con la intención de apropiárselos.

No se trata únicamente de lamentar lo que sucedió siglos atrás. La película plantea que el presente no puede entenderse sin mirar esas estructuras de poder y que la crisis ecológica tampoco es un accidente aislado de la historia. La explotación de la naturaleza y la de las poblaciones colonizadas forman parte de una misma lógica: extraer todo lo posible sin asumir las consecuencias para quienes vienen después.

En ese sentido, el viaje al pasado es una fantasía cargada de contradicciones. Los turistas quieren disfrutar de paisajes vírgenes, pero esa posibilidad existe precisamente porque el pasado se ha convertido en un producto comercial. La película también introduce de soslayo la brecha entre ricos y pobres: unos tienen recursos para huir de la catástrofe, mientras otros ni siquiera pueden elegir dónde vivir.

La historia de la humanidad dentro de una pareja

Pese a sus ambiciones políticas, ‘Future Tense’ no pierde de vista a sus dos protagonistas. La relación entre la pareja sirve como reflejo emocional de los conflictos que plantea el relato. Ambos viajan juntos, pero no persiguen necesariamente el mismo destino. Sus diferencias van más allá de sus expectativas para las vacaciones y ponen en cuestión qué significa compartir un futuro con otra persona cuando ni siquiera se está de acuerdo sobre cómo debería ser ese futuro.

Jenna Cato Bass, que ya exploró las huellas del pasado sudafricano en ‘Good Madam’, vuelve a combinar elementos de género con cuestiones históricas y sociales. Aquí la ciencia ficción no se utiliza para construir un espectáculo de paradojas temporales, sino para acercarse a la culpa, la identidad y la posibilidad de reparar el daño heredado. El componente emocional es fundamental: las grandes ideas adquieren sentido cuando repercuten en las decisiones y los vínculos de personas concretas.

Ficha de ‘Future tense’

Estreno en España: por determinar. Título original: Future tense. Duración: 95 min. País: Sudáfrica. Dirección: Jenna Cato Bass. Guion: Jenna Cato Bass. Fotografía: Jared Paisley. Reparto principal: Lawrence Maleka, Kristen Raath, Qondiswa James. Producción: AmorFortuna, Causeway Films, Dancing Fox, Fox-Fire Films, The National Films and Video Foundation of SA. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘Wildwood’

En qué plataforma ver Wildwood

Una maravilla artesanal que parece imposible

La nueva aventura de Laika dirigida por supuesto por Travis Knight, pertenece a esas obras que asombran por su potencial técnico, a niveles de maestría artesanal. El stop-motion alcanza aquí una fluidez asombrosa: los movimientos resultan tan naturales, los cambios de escenario están tan integrados y los elementos meteorológicos se comportan con tanta precisión que, por momentos, cuesta creer que estemos viendo marionetas y decorados físicos en lugar de animación generada por ordenador.

Para apreciar la verdadera dimensión del trabajo hay que fijarse en los detalles, en la cantidad de elementos que se mueven simultáneamente y en cómo cada plano parece tener vida propia. No es solo una cuestión de perfección técnica, sino de una artesanía que convierte cada escena en un pequeño milagro. La producción ha requerido años de trabajo y una complejidad extraordinaria, mientras Knight compaginaba el proyecto con ‘Masters del Universo’. El resultado es una demostración de hasta dónde puede llegar una técnica que, lejos de quedarse anticuada, sigue encontrando nuevas formas de asombrarnos.

Un bosque mágico en el corazón de Portland

A diferencia de ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’, que construía una aventura de inspiración mitológica en un mundo fantástico, ‘Wildwood’ parte de un lugar reconocible. La historia transcurre en Portland, Oregón, ciudad vinculada a la identidad del estudio Laika, y se adentra en los bosques que esconden una civilización secreta. Cuando una bandada de cuervos secuestra al hermano pequeño de Prue, la protagonista se interna en ese territorio desconocido para intentar rescatarlo, acompañada por su amigo Curtis.

El bosque no es simplemente un escenario bonito por el que avanzar de una peripecia a otra. Es un mundo con sus propias reglas, poblado por animales parlantes, criaturas peculiares y comunidades que han desarrollado una vida al margen de la sociedad moderna. Se recupera así ese concepto de bosque repleto de secretos que hemos visto en tantas y tantas historias.

La elección de Portland como punto de partida refuerza la sensación de que la magia puede encontrarse al otro lado de una frontera cotidiana. La ciudad y su entorno verde no son una postal intercambiable, sino el origen de una fantasía que parece crecer desde el propio paisaje. En ese sentido, resulta curioso que el título remita a un bosque salvaje cuando ese mismo bosque alberga una civilización organizada, con jerarquías, conflictos y tradiciones propias.

Ecos de los cuentos clásicos

El imaginario de ‘Wildwood’ mezcla animales antropomórficos y bosques de cuento con una estética que evoca la Europa de los siglos XVIII y XIX, entre vestimentas de aire antiguo, nombres, personajes excéntricos y una fantasía que parece beber de leyendas populares. Hay algo de los relatos asociados a Baba Yaga y a otras figuras del folclore eslavo, con ese equilibrio entre fascinación y amenaza que convierte el bosque en un lugar donde cualquier cosa puede suceder.

En cuanto al guion, sin embargo, la película no resulta tan revolucionaria como su despliegue visual. Su viaje iniciático, sus alianzas inesperadas y la lucha por rescatar a un ser querido recuerdan a clásicos de la aventura fantástica como ‘Dentro del laberinto’, ‘Las crónicas de Narnia’ o ‘Willow’. Laika demuestra una vez más su capacidad para construir universos envolventes, pero la estructura narrativa se apoya en caminos bastante familiares. La originalidad reside menos en el recorrido que en la forma de hacerlo tangible.

La música de Dario Marianelli contribuye a dar personalidad a este universo, mientras que The Decemberists, la banda liderada por Colin Meloy, autor de la novela original junto a la ilustradora Carson Ellis, aporta canciones que conectan la película con sus raíces literarias y musicales. Esa combinación ayuda a que el bosque tenga una identidad propia, entre la fantasía clásica y una sensibilidad contemporánea.

‘Wildwood’ puede no reinventar el cuento de aventuras, pero convierte sus referencias en una experiencia visual extraordinaria. Cada criatura, cada textura y cada cambio de luz parecen reclamar que nos detengamos a observarlos. Es una obra de arte artesanal que recuerda que la animación no necesita abandonar lo físico para alcanzar lo imposible. Al contrario: aquí son precisamente las huellas del trabajo manual, multiplicadas hasta niveles casi inconcebibles, las que hacen que la magia parezca real.

Ficha de ‘Wildwood’

Estreno en España: 23 de octubre de 2026. Título original: Wildwood. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Travis Knight. Guion: Chris Butler. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal (doblaje original): Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan, Mahershala Ali, Awkwafina, Angela Bassett, Jake Johnson, Charlie Day, Jemaine Clement, Richard E. Grant. Producción: Laika Studios. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: fantástico, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘The Mouths’

En qué plataforma ver The Mouths

Un cuento de terror de los de toda la vida

Es curioso pero fue gracias a Takashi Shimizu que me enamoré del terror japonés gracias a ‘La maldición’, esa película tan extraña con un niño totalmente blanco que emitía un ruido extraño cuando le veías. Digo que es curioso, porque no había vuelto a ver nada de este director y eso que estoy viendo en su página de IMDB que no ha parado de trabajar. Pero bueno, eso se ha acabado con el visionado de ‘The Mouths’, un cuento de terror que me ha gustado bastante.

Un árbol maldito y una encuesta final

‘The mouths’ es un relato que bien se podría contar al lado de una hoguera en una noche de campamento. De estas historias cortas que no necesitan demasiada complicación. Y es que a través del testimonio de varios jóvenes conocemos un reto que es ir hacia un cementerio de noche, donde hay un árbol maldito, allí supuestamente se les aparecerá el fantasma de una chica. Pero no solo no aparece si no que desaparecerá misteriosamente una de las jóvenes que iba en uno de los grupos. Un policía comienza a investigar todo esto.

La película me ha gustado mucho, además de que es cortita, se hace muy amena mientras vas conociendo a todos estos jóvenes con sus diferentes versiones de la historia. Está muy bien dirigida, aunque solo haya visto una cinta suya, se nota mucho que le encanta introducir sonidos estridentes en sus películas dejándonos un poco aturdidos.

Además sus imágenes oscuras, que hay a veces que apenas se ve lo que nos está mostrando, también forma parte de la dirección, ya que en el fondo no quiere que lo veas, si no que te cree cierto malestar.

Una curiosidad que tiene al final, es que, tiene una encuesta, que me ha parecido graciosísimo y me hubiese gustado poder responderla de verdad, interactuar de alguna manera con el. Y es que al final las historias de terror muchas veces no tienen que dar una explicación y eso es lo que aquí pasa, tienes varias opciones y puedes elegir entre muchas, no significa que no hayas entendido la película, si no que el director no ha querido que realmente haya una explicación exacta para lo que ocurre.

Historia y reparto

Takashi Shimizu, como he dicho es el director de la cinta, hadirigido el guion escrito de Masahiro Yamaura, que a su vez es una adaptación de una novela de Sesuji. Sesuji es un escritor japonés que ha logrado resurgir el terror gracias a su formato literario que tira hacia el mockumentary.

En el reparto encontramos caras muy jóvenes, entre ellas a Rihito Itagaki, Keito Tsuna, Ai Yoshikawa, Momona Kasahara y Mori Shoot, entre otros. Todos ellos bastante bien en sus respectivo papeles.

Vuelta al género de terror y que no acabe

Ojalá esta cinta sea un nuevo resurgimiento de este género que tanto nos gusta. Siempre hay pequeñas sorpresas ya sea en formato serie o incluso en manga o anime. Pero es cierto que películas así hacia mucho que no veía y la verdad que me apetecía mucho. Verla en pantalla grande y disfrutar estas locuras ha sido algo maravilloso.

Ficha de The Mouths

Estreno en España: Próximamente. Título original: Kuchi ni Kansuru Ankēto. Duración: 89 min. País: Japón. Dirección Takashi Shimizu. Guion: Masahijo Yamaura.  Música: Takashi Ohmama. Fotografía. Tai Ouchi. Reparto principal Rihito Itagaki, Kito Tsuna, Ai Yoshikawa, Momona Kasahara, Mori Shoot, Tomoki Nishiyama. Producción Ikumi Taguchi, Motoki Ishida. Distribución: Próximamente. Género: Terror. Web oficial.