Crítica: ‘El pasajero nocturno’

En qué plataforma ver El pasajero nocturno

El autosop más auto que he visto

André Øvredal lleva años demostrando que es uno de los cineastas más interesantes del terror contemporáneo. Desde el falso documental folclórico de ‘Trollhunter’ hasta la inquietante ‘La autopsia de Jane Doe’, pasando por su peculiar aproximación a ‘Drácula’ en ‘El último viaje del Demeter’, el director noruego ha sabido moverse entre distintos subgéneros sin perder nunca una identidad reconocible. Ahora, con ‘El pasajero nocturno’, se lanza de lleno a un tipo de terror mucho más inmediato, más físico y deliberadamente diseñado para jugar con los nervios del espectador. Y sí, también más cercano a ese cine que muchos desprecian rápidamente como “películas de sustos para adolescentes” porque parecen que se hacen en piloto automático bajo determinados esquemas. El problema es que Øvredal demuestra aquí que incluso dentro de ese molde todavía se puede hacer cine tremendamente eficaz.

Porque ‘El pasajero nocturno’ tiene una idea fantástica desde su propia premisa: una entidad sobrenatural que se cuela en los vehículos de sus víctimas como si estuviera haciendo autostop sin haber sido invitada jamás a subir. Es por eso el autosop más auto que he visto en mi vida. La película convierte una camper, espacio cotidiano asociado a libertad y movimiento, en una trampa cerrada donde cualquier trayecto puede convertirse en una sentencia. Hay algo profundamente incómodo en la forma en la que el filme transforma algo tan rutinario como conducir de noche en una experiencia paranoica.

André Øvredal abraza el terror de sobresalto sin complejos

Lo interesante es que Øvredal no intenta disfrazar lo que está haciendo. No pretende construir un discurso elevado sobre el trauma ni esconder el terror bajo capas de simbolismo excesivamente solemne. ‘El pasajero nocturno’ quiere tensar al espectador, quiere jugar con él y quiere hacerlo saltar del asiento. De manera sincera y sinceramente y lo consigue.

El director demuestra dominio del tempo. Hay escenas construidas con paciencia, dejando que la tensión crezca lentamente antes de romperla con sobresaltos muy medidos. Y lo hace exprimiendo al máximo el cine tipo stalker o persecución sobrenatural, similar a ‘It follows’, ‘Dead end’ o ‘La monja’ de hecho en este filme también está inmiscuido el productor Gary Dauberman. Incluso quienes están muy curtidos en cine de terror probablemente se llevarán tres o cuatro sacudidas genuinas.

El primer gran susto ya deja claras las intenciones de la película, pero hay otra secuencia que es directamente una pequeña lección de suspense moderno. Øvredal exprime los espacios vacíos, la iluminación artificial y la vulnerabilidad cotidiana con enorme precisión. Hay una sensación constante de que cualquier rincón puede convertirse en una amenaza.

Sin embargo, la gran secuencia del filme es otra. La del proyector. Quien haya visto la película sabrá inmediatamente de cuál hablo. Y quien no la haya visto probablemente descubrirá ahí el verdadero corazón creativo de la propuesta. Tengo la sensación de que ‘El pasajero nocturno’ nace a partir de la necesidad de construir esa escena concreta. Como si alguien hubiese imaginado primero esa idea visual y luego hubiese levantado el resto de la película alrededor de ella. No explica nada de la trama ni resuelve el misterio principal, pero sí resume perfectamente el tipo de terror que busca Øvredal: uno basado en la percepción, en la anticipación y en la ansiedad de mirar donde no quieres mirar.

Un filme de esos que inventa reglas sobre la marcha

Eso sí, la película tiene defectos bastante evidentes. El principal es uno muy habitual dentro del terror sobrenatural moderno: las reglas de su universo parecen ir apareciendo e incluso cambiando según lo necesita el guion. La entidad funciona a veces de una manera y otras de otra completamente distinta, y el filme nunca termina de construir una mitología sólida que sostenga todas sus ideas. Hay elementos relacionados con el componente religioso cristiano que aparecen pero que no terminan de desarrollarse de forma realmente consistente.

Y, aun así, funciona. Funciona porque Øvredal entiende perfectamente que el cine de terror no siempre necesita una explicación perfecta para generar sensaciones potentes. La película sabe mantener el ritmo, sabe administrar la adrenalina y, sobre todo, sabe divertirse. Hay incluso momentos de humor inesperadamente efectivos que alivian la presión antes de volver a comprimir el estómago del espectador. El mejor ejemplo es probablemente esa escena del claxon, es absurda y liberadora al mismo tiempo.

Además, el filme conecta bastante bien con cierto retrato generacional contemporáneo. Sus personajes viven buscando experiencias constantes, emociones inmediatas y libertad absoluta, evitando cualquier tipo de atadura emocional o vital. No hay aquí grandes reflexiones filosóficas sobre ello, pero sí una mirada bastante clara hacia una juventud hiperestimulada que necesita sentir algo continuamente y a la vez buscar su lugar en el mundo. La película utiliza ese contexto simplemente como combustible narrativo, no como tesis moralizante.

Terror comercial hecho con auténtico talento

Quizá algunos espectadores encuentren ‘El pasajero nocturno’ superficial o vacía. Y probablemente tengan razón en parte. Pero también sería injusto exigirle una profundidad que jamás promete. Øvredal no está intentando reinventar el género ni construir una obra trascendental. Lo que quiere es fabricar un chorreo de tensión sobrenatural y demostrar que todavía se pueden hacer películas de sustos realmente eficaces en una época donde el público parece inmunizado.

Además, hay pequeños detalles de producción y puesta en escena que refuerzan esa sensación de autoría. Øvredal siempre se esmera por diseñar los sustos desde el lenguaje visual y sonoro antes incluso que desde el guion. Y se nota. Hay planos pensados para manipular la mirada del espectador y secuencias enteras construidas alrededor de silencios incómodos o sonidos aparentemente cotidianos.

Con ‘El pasajero nocturno’, André Øvredal añade otro título sólido a una filmografía cada vez más interesante. Puede que no sea su obra más redonda ni la más compleja, pero sí confirma algo importante: parece dispuesto a demostrar que puede sobrevivir dentro de cualquier variante del terror. Folklore, vampiros, fantasmas, brujas o sustos de manual. Todo pasa por su filtro con una solvencia envidiable.

Ficha de ‘El pasajero nocturno’

Estreno en España: 22 de mayo de 2026. Título original: Passenger. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Zachary Donohue, T.W. Burgess. Música: Christopher Young. Fotografía: Federico Verardi. Reparto principal: Jacob Scipio, Lou Llobell, Melissa Leo. Producción: 18Hz productions, Coin Operated, Pamount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Las Damas primero’

En qué plataforma ver Las damas primero

Sencilla comedia con Sacha Baron Cohen

En 2018 se estrenó ‘No soy un hombre fácil’ una película francesa rodada por Eleonore Pourriat que también se estrenó en Netflix. Este viernes llega a nuestras casas gracias a Netflix ‘Las damas primero’ el remake estadounidense protagonizado por Rosamund Pike y Sacha Baron Cohen.

Cambio de papeles

Damien, es el prototipo de hombre machista, mujeriego con poder y mucho dinero. Por un terrible accidente, despierta en un mundo completamente distinto, todo él dominado por mujeres. Ahora, tendrá que lidiar con lo complicado de que no le tengan en cuenta. O que le tengan en cuenta para cubrir una cuota.

‘Las damas primero’ es divertida y sin duda sencilla. Con la pretensión de mostrar lo que sería un mundo en el que se tornaran los roles, por supuesto de manera exagerada y mostrando los tópicos más rancios que tenemos de los hombres. Mujeres tiradas en el sofá esperando a que les preparen la cena. Mujeres acosando a hombres. Hombres comprando lencería fina en Victor’s Secret para poder contentar a sus parejas. O como las empresas son lideradas por mujeres, mientras que los hombres están en un segundo plano.

La película exagera un poco todo para que nos demos cuenta de cómo es la sociedad y por supuesto también para dar una lección a este hombre que solo mira a las mujeres como simples objetos y que no quiere nada más que acabar en la cama con ellas.

Directora y reparto

Thea Sharrock (‘Antes de ti’), es la encargada de la dirección de este remake. Una comedia que nos trae situaciones actuales que vemos desde otro punto de vista. Como digo, exagerado y a modo crítica.

Sacha Baron Cohen logra crear un personaje pedante y bastante desagradable. Rosamund Pike logra un cambio muy bueno, y es que en la versión en la que las mujeres dominan el mundo consigue sacar su lado “masculino”. Sus movimientos, mirada y posturas hacen que veamos que le da igual todo y no tiene que moverse como alguien delicado.

También vemos a Charles Dance, Emily Mortimer, Richard E. Grant, Fiona Shaw, Kathyn Hunter, Weruche Opia y Tom Davis entre otros. Si queréis ver una película entretenida, sin necesidad de darle al coco y simplemente pasar una buena tarde, ‘Las damas primero’ es vuestra película.

Ficha de Las damas primero

Estreno en España: 22 de mayo de 2026. Título original: Ladies First. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Thea Sharrock. Guion: Katie Silberman, Natalie Krinsky, Cinco Paul. Música: Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Sacha Baron Cohen, Rosamund Pike, Charles Dance, Emily Mortimer, Richard E. Grant, Fiona Shaw, Tom Davis, Kathryn Hunter. Producción: 3dot productions, Four by Two Films. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial.

Masters del Universo desató la nostalgia ochentera en Madrid

Acudimos invitados a un evento de Mattel donde los fans vivimos una experiencia inmersiva

Con motivo del regreso de ‘Masters del Universo’ a la gran pantalla, Mattel celebró un evento especial en la sala de ocio y cultura de El Corte Inglés Callao que reunió a aficionados de varias generaciones alrededor de una de las franquicias más icónicas de los años 80.

La jornada, celebrada este 21 de mayo en Madrid, estuvo centrada en la nostalgia, el coleccionismo y la importancia cultural que sigue teniendo la saga décadas después de su nacimiento. Desde primera hora de la mañana, el espacio estuvo ambientado con una estética retro inspirada en el universo de Eternia, convirtiendo el recinto en un auténtico homenaje a la época dorada de la animación y los juguetes clásicos.

Ambientación retro, arcade vintage y piezas de coleccionismo

Uno de los aspectos más llamativos del evento fue su cuidada ambientación temática. Los asistentes pudieron recorrer distintas zonas inspiradas en Masters del Universo, incluyendo espacios fotográficos, decoración ochentera y una pequeña zona arcade vintage que ayudaba a reforzar la sensación de viaje en el tiempo.

Pero lo más importante fue la presencia del material original. Hubo una exhibición de figuras y piezas de coleccionismo relacionadas con la franquicia, despertando el interés tanto de los seguidores veteranos como de quienes han descubierto recientemente el universo de He-Man gracias a las nuevas producciones y reediciones.Un lujo de colección con un estupendo repaso a todas las etapas que han vido estos míticos personajes.

La experiencia estuvo claramente enfocada en celebrar el legado de la marca y preparar el terreno para la nueva etapa cinematográfica que llegará el 5 de junio a los cines de la mano de Sony Pictures.

La nostalgia como fenómeno cultural

Uno de los momentos centrales de la jornada fue la mesa redonda titulada “La nostalgia como fenómeno cultural: el regreso de Masters del Universo”. Durante la charla, distintos participantes especializados en coleccionismo, cultura pop y creación de contenido geek analizaron el impacto que ha tenido la franquicia a lo largo de varias generaciones.

También se debatió sobre cómo las propiedades intelectuales clásicas están viviendo una nueva edad de oro gracias al auge de la nostalgia en el entretenimiento actual, especialmente entre el público que creció en los años 80 y 90.

Y pudimos escuchar en vivo y en directo a quien pone voz a He-Man en la versión doblada al castellano. Estuvo presente Masumi Mutsuda que es doblador de Nicholas Galitzine en esta y en otras producciones.

El futuro de He-Man y la nueva película

El evento evidentemente sirvió para generar expectación de cara al estreno de la nueva película de Masters del Universo, prevista para el próximo mes de junio y protagonizada por Nicholas Galitzine en el papel de He-Man. En los distintos avances que hemos podido ver se aboga por incluir muchos más personajes que nunca y volver a los años en los que nacieron las figuras, de ahí que tanto el protagonista, como los invitados al evento vuelvan a conectar con elementos como las máquinas arcade.

Asimismo, en el acto orquestado por la marca juguetera, estuvo presente Eleonora Schiavoni, Head Consumer Products España e Italia de Mattel, quien compartió impresiones entre los asistentes sobre el futuro de la marca y atendió a distintos medios durante el encuentro.

Mattel consiguió así convertir esta cita en una celebración del legado de Masters del Universo, demostrando que el poder de la nostalgia sigue más vivo que nunca.

Crítica: ‘Rick y Morty’ temporada 9

En qué plataforma ver Rick y Morty

El caos sigue teniendo alma

Hay series que sobreviven gracias a la nostalgia y otras que siguen adelante porque todavía conservan la capacidad de sorprender. ‘Rick y Morty’ pertenece claramente al segundo grupo. A punto de estrenar su novena temporada (el 25 de mayo), la serie animada de Dan Harmon y Scott Marder continúa demostrando que su mezcla de ciencia ficción salvaje, sátira nihilista y comedia absurda sigue funcionando incluso después de casi una década de emisión y sin contar con Justin Roiland. Y eso no era sencillo. Muy pocas series logran mantenerse frescas cuando su propia fórmula ya ha sido imitada hasta el agotamiento por decenas de producciones posteriores.

Hemos podido ver anticipadamente los episodios 2, 3 y 4 de esta nueva tanda y podemos decir que dejan claro que la serie todavía sabe jugar con el espectador. Más importante aún: sabe cuándo acelerar y cuándo detenerse. La temporada 9 no parece interesada en reinventar completamente el universo de los Smith, pero sí en recordar por qué ‘Rick y Morty’ llegó a convertirse en una de las ficciones animadas más influyentes de la televisión moderna.

Lo más interesante es comprobar cómo la serie sigue manteniendo ese equilibrio casi imposible entre el disparate absoluto y la reflexión existencial. Incluso cuando se entrega a sus conceptos más ridículos, hay una conciencia narrativa muy precisa detrás del caos. Y eso vuelve a sentirse aquí. Los tres episodios proyectados funcionan además como una pequeña muestra de la variedad tonal que tendrá la temporada: ciencia ficción emocional, homenaje al cine de artes marciales y paranoia tecnológica pasada por el filtro del humor más incómodo.

También se percibe una mayor confianza en el ritmo. Las temporadas recientes parecían a veces demasiado preocupadas por la metarreferencia constante o por superar su propia locura conceptual. Aquí, en cambio, los capítulos respiran mejor. Las ideas siguen acumulándose a velocidad demencial, pero los guionistas permiten que algunas escenas tengan peso emocional o incluso tensión real antes de volver a dinamitarlo todo con un chiste absurdo.

9×002: ‘Rick Days, Seven Nights’ confirma que la serie aún sabe emocionar

El episodio 2 de la temporada (estreno el 1 de junio) parte de una premisa aparentemente sencilla: Rick decide tomarse unas vacaciones. Por supuesto, tratándose de ‘Rick y Morty’, eso significa entrar en un escenario de ciencia ficción completamente impredecible donde las reglas físicas y emocionales empiezan a descomponerse casi desde el primer minuto.

Lo más llamativo del capítulo es su capacidad para combinar aventura interdimensional con una sensibilidad inesperada. Probablemente estemos ante uno de los episodios más emotivos de la temporada. No porque abandone el humor salvaje característico de la serie (ni mucho menos), sino porque encuentra una forma bastante elegante de hablar sobre agotamiento, egoísmo y la incapacidad de desconectar del propio caos interior. Además, el episodio mantiene esa tradición de referencias culturales escondidas que los seguidores llevan años rastreando.

9×03: ‘Rick Fu Hustle’ convierte las artes marciales en puro delirio animado

El tercer episodio de la temporada (8 de junio) abraza directamente el cine de artes marciales y lo hace sin ningún tipo de sutileza. El guiño a ‘Kill Bill’ está presente desde el propio giro principal del capítulo, aunque el episodio realmente funciona como una carta de amor caótica a décadas de filmes kung-fu, exploitation oriental y fantasías de venganza hiperviolenta.

Lo mejor es que los guionistas entienden perfectamente el lenguaje del género. No se limitan a copiar referencias superficiales: reproducen ritmos, encuadres y hasta ciertas lógicas narrativas absurdas propias del cine marcial clásico. Incluso hay momentos que recuerdan deliberadamente a la exageración física del wuxia contemporáneo.

La gran idea del episodio gira alrededor de una variación delirante del famoso “golpe de los cinco puntos” popularizado precisamente por ‘Kill Bill’. La pregunta que plantea el capítulo es maravillosa dentro de su absurdo: ¿qué haría Rick si existiera un ataque que provocase tu muerte tras caminar cinco pasos? La respuesta, naturalmente, deriva en una cadena de soluciones científicas grotescas cada vez más ridículas.

También resulta evidente que el equipo creativo se ha divertido muchísimo escribiéndolo. El capítulo transmite esa sensación contagiosa de estar viendo a unos guionistas jugando libremente con todos sus referentes cinematográficos favoritos.

9×03 ‘A Ricker Runs Through It’ mezcla pesca, paranoia y soporte técnico existencial

El episodio 4 (15 de junio) toma prestado su título del clásico ‘El río de la vida’, dirigido por Robert Redford, y utiliza la pesca como punto de partida para una de las historias más paranoicas y extrañamente divertidas de esta nueva temporada.

Lo fascinante aquí es cómo el episodio transforma una actividad aparentemente tranquila en una espiral de conspiraciones tecnológicas, ansiedad digital y soluciones imposibles. Hay un gag relacionado con soporte técnico que probablemente termine convirtiéndose en uno de los momentos más comentados de la temporada entre los fans.

La referencia al filme de Redford no es únicamente un juego de palabras en el título. También existe cierta melancolía escondida bajo el caos narrativo. Igual que aquella película utilizaba el río como metáfora emocional, aquí la pesca funciona casi como una excusa para hablar sobre aislamiento, obsesión y control. De los tres episodios vistos, quizá sea el más extraño tonalmente. Y precisamente por eso también puede terminar siendo el más recordado.

Crítica: ‘The Boys’ temporada 5

En qué plataforma ver The Boys

Powered by JustWatch

El superhéroe como dictador pop: Patriota ya no es una sátira, es una advertencia

Hay algo profundamente incómodo en esta quinta temporada de ‘The Boys’. No tanto por sus mutilaciones imposibles, sus estallidos de vísceras o sus muertes grotescas (que las hay, y en abundancia), sino porque el universo creado por Eric Kripke ha dejado de parecer una caricatura exagerada para convertirse en una réplica deformada (pero reconocible) de la realidad política y mediática estadounidense actual. Y ahí reside el auténtico horror.

Resulta inquietante comprobar cómo una temporada rodada hace tiempo parece sincronizada con la deriva política de la Norteamérica contemporánea. El paralelismo entre Patriota y Donald Trump ya no se limita a la obviedad del líder populista amado por las masas. Esta vez la serie entra de lleno en el delirio mesiánico, en la construcción de una figura pseudo-divina alimentada por propaganda, manipulación mediática y una masa social intoxicada por la posverdad. Las referencias al MAGA, la demonización de inmigrantes, los ecos del ICE y la intoxicación informativa son tan explícitos que provocan escalofríos. Incluso el propio Kripke terminó reaccionando en redes sociales con un resignado “WTF”, como si él mismo se hubiese sorprendido de hasta qué punto la realidad decidió copiar a su ficción.

Patriota se convierte aquí en el auténtico centro gravitacional de la temporada. Antony Starr ofrece probablemente la interpretación más enfermiza y aterradora del personaje desde el inicio de la serie. Ya no necesita explotar cabezas cada cinco minutos para generar miedo. Le basta con sonreír. Su ego mesiánico recuerda inevitablemente a ciertos montajes creados con IA que han circulado por internet representando a Trump como una especie de Jesucristo moderno. Y lo perturbador es que ‘The Boys’ parece haberlo anticipado antes de que esas imágenes se popularizasen.

La serie lleva años ridiculizando el concepto del superhéroe corporativo, pero en esta última etapa el discurso se vuelve mucho más agresivo. Ya no se trata únicamente de reírse de Justice League o de las poses grandilocuentes del cine superheroico contemporáneo. Aquí directamente se destripa la idea de que una sociedad necesite ídolos salvadores. Y lo hace con una mala leche admirable.

Violencia grotesca, sátira salvaje y un arranque absolutamente demencial

Si alguien pensaba que la televisión moderna ya había alcanzado su techo en materia de violencia absurda, esta quinta temporada llega para demostrar lo contrario. El primer episodio empieza de forma tan salvaje que parece diseñado específicamente para poner a prueba el estómago del espectador. Y sí, si durante años la muerte de David Carradine fue utilizada como referencia morbosa dentro de la cultura popular, ‘The Boys’ consigue aquí superarla con algunas de las muertes más soeces, desagradables y directamente enfermizas vistas en televisión reciente.

Pero lo fascinante es que la serie continúa encontrando formas nuevas de burlarse del cine de superhéroes. Hay una secuencia concreta a cámara lenta que funciona como una sátira descarada de los momentos “cool” asociados a personajes velocistas como Flash o Quicksilver. La escena juega precisamente con esa estética de videoclip heroico que tantas veces hemos visto en filmes de Marvel Studios o DC Studios, solo que aquí el resultado termina siendo grotesco, incómodo y ridículamente divertido.

Ese equilibrio entre humor negro, crítica política y violencia enfermiza sigue siendo la gran virtud de la serie. Lo que en otras manos sería puro nihilismo adolescente, en ‘The Boys’ encuentra una extraña coherencia interna. La sensación constante es que todo puede empeorar todavía más. Y normalmente empeora.

Un final precipitado, personajes desaprovechados y un universo que quizá ya ha dicho demasiado

Eso sí, esta última etapa no sale completamente indemne. El principal problema aparece en su tramo final. Da la impresión de que la serie tenía demasiadas piezas sobre el tablero y necesitaba moverlas a toda velocidad para alcanzar la conclusión definitiva. Hay decisiones importantes que suceden demasiado deprisa, personajes que aparecen y desaparecen casi teletransportándose y conflictos que pedían más respiración dramática.

El desenlace, aun siendo coherente con la deriva nihilista de la serie, transmite cierta sensación de precipitación. Pero también era inevitable. Algunos personajes llevaban tanto tiempo cruzando líneas morales irreversibles que cualquier final relativamente contenido habría resultado falso. ‘The Boys’ jamás pudo terminar de forma realista porque nunca fue una serie realista. Era una pesadilla hiperbólica construida sobre los excesos del capitalismo mediático y del culto al poder.

Quizá el mayor problema sea la gestión de ciertas subtramas. La de Soldier Boy queda extrañamente colgada pese a que su presencia se siente constantemente sobrevolando la historia. Peor aún resulta el tratamiento de los personajes de Gen V. Llegan tarde, aparecen poco y apenas tienen impacto real. Se percibe claramente la intención de seguir alimentando el universo expandido de la franquicia, pero el problema es que ‘Gen V’ terminó cancelándose, dejando esas conexiones narrativas en una especie de limbo frustrante.

Ahora solo queda esperar a la futura precuela centrada en Soldier Boy y sus antiguos compañeros, porque este universo todavía parece resistirse a morir. Aunque quizá la gran pregunta sea otra: después de haber reflejado de forma tan inquietante el deterioro político y social contemporáneo, ¿qué puede hacer ahora ‘The Boys’ para sorprendernos más que la propia realidad?

Crítica de ‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’

En qué plataforma ver The Boroughs: Jubilación rebelde

Poca novedad en esta serie de ciencia ficción 

De los creadores de ‘El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim‘ o la maravillosa ‘El Cristal Oscuro: La era de la resistencia’, llega a Netflix ‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’. Jeffrey Addiss y Will Matthews nos traen una historia de ciencia ficción en pleno desierto en una comunidad de jubilados. Todo ello respaldado por Los Hermanos Duffer, creadores de la famosa ‘Stranger Things’.

Unos ancianos rebeldes

Acompañamos a Sam, un hombre que acaba de perder a su mujer y es llevado a una residencia exclusiva, The Boroughs, una gran comunidad de jubilados en la que poder vivir la vida al máximo. Pero no todo parece bonito, pues para el parece todo una cárcel.

Una de sus primeras noches tiene un encuentro terrible que le hace quedarse e intentar desentrañar el secreto que hay en The Boroughs.

La serie es entretenida, pero admito que no me ha terminado de encandilar en exceso. Con ocho episodios de unos 40 min cada uno, vamos poco a poco conociendo a todos los personajes de esta curiosa comunidad. La serie me ha recordado a tantas cosas, no es que esté mal realizada, pero si que quizás si hubiese tenido algún que otro episodio menos, creo que sería suficiente. No me cuenta nada nuevo. De echo este año en el Festival De Sitges tuve la ocasión de ver ‘The Home’ y la sinopsis se parece un poco, si que es verdad que da un giro más fantástico que me ha gustado, pero mas o menos ha sido muy parecido.

Reparto y equipo

Pero no todo ha sido malo, la verdad que los actores han logrado mantener la serie al completo. Y es que estamos hablando de un repartazo. Alfred Molina encabeza esta historia de género fantástico, junto a Bill Pullman, Geena Davis, Clarke Peters, Denis O’Hare, Jena Malone, o Alfre Woodard entre otros.

Se nota mucho el cariño puesto en cada uno de los personajes. Me gusta mucho la química que hay entre todos y la camaradería. Y otro punto a su favor sin duda la producción de la serie. Está super bien cuidada, los efectos digitales me han parecido super buenos para una serie, que al final no suelen tener tanto presupuesto como las películas. Y el diseño de la criatura (si, hay bicho) me ha gustado mucho.

Conclusiones

‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’ no es perfecta, pero es una serie que puede ser interesante para la gente que no ha visto demasiado cine fantástico. Al final es una historia curiosa y bien llevada. En mi caso, no me ha contado nada nuevo y quizás mis expectativas eran demasiado altas. Recordad, nunca hay que ir con grandes expectativas, porque no significa que un producto sea malo, si no que quizás nos habíamos hecho otra película en la cabeza y tampoco es justo. Como siempre digo, vedla, disfrutadla y comentadme que os a parecido a vosotros.

Documenta Madrid 2026 presenta su 23º edición

Arranca Documenta Madrid 2026

Se ha presentado en Madrid, la 23º edición de Documenta Madrid. Festival Internacional de Cine organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte. Luis E. Parés, es el director artístico del festival, que este año articula su programación en torno al concepto ‘Tomar el pulso’.

Desde la Cineteca Madrid, nos ha contado que del 26 al 31 de mayo será cuando se celebre Documenta Madrid. Con seis sedes dentro de la ciudad, Cineteca Madrid, Filmoteca Española, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, La Casa Encendida, ECAM y Goethe-Institut.

Un documental de Pasolini inédito

‘Revisitazione dello sciopero, será la sesión inaugural. Una experiencia audiovisual basada en el documental inacabado que Pier Paolo Pasolini dedicó a la primera huelga de barrenderos en Italia de 1970. En 2005 fueron recuperados materiales originales del proyecto, que se pensaban ya desaparecidos. Si que el registro sonoro se perdió definitivamente.

Secciones competitivas

El Festival tiene tres categorías: Competición Internacional, Competición Nacional y corte Final, dedicada a proyectos españoles en fase avanzada de montaje. Tanto la competición Nacional como la Internacional conceden premios del jurado y del público, e incorporan además el galardón Fugas, repartiendo en total 36000 euros en galardones. Por su parte, Corte Final cuenta con un premio de distribución, otorgado por Agencia Freak y valorado en 6000 euros.

Programación en las distintas sedes

En Filmoteca Española, gracias a Documenta Madrid se podrá ver una retrospectiva dedicada al colectivo Third World Newsreel.

En La Casa Encendida acoge la primera retrospectiva en España del cineasta británico Charlie Shackleton, cuya obra se sitúa en un territorio híbrido entre el documental, el ensayo y la experimentación formal. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, muestra una retrospectiva dedicada a la cineasta chilena Marilú Mallet, figura clave de la primera generación de directoras del cine chileno.

El Encuentro ECAM, desarrollado entre Cineteca Madrid, Goethe-Institut y la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), estará dedicado al cineasta alemán Jan Soldat, cuya obra se caracteriza por una exploración directa de la intimidad, los cuerpos y las dinámicas de poder.

La programación paralela se completa con el ciclo Una vanguardia recóndita. Cine experimental esloveno (29 y 31 de mayo), comisariado en colaboración con la Cinemateca de Eslovenia.

Cierre del Festival gracias a Juan Cavestany

El 31 de mayo se estrenará ‘Vial Matadero’, película inédita del cineasta Juan Cavestany realizada específicamente para esta edición y producida por Matadero Madrid y cineteca Madrid. El filme propone una mirada sobre Matadero como espacio simbólico de transformación urbana y social.

Novedades de Arvi Licensing junio 2026

Spielberg y muchos otros llegan a casa gracias a Arvi Licensing

Este verano se plantea muy bueno para el formato doméstico, y es que Arvi Licensing nos trae muy buen cine. Y es que el 24 de junio vienen un montón de novedades. Series, clásicos y novedades, para todos los gustos.

La fantástica ‘El caballero de los siete reinos’ llega a nuestras casas en varios formatos, DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y un Steelbook limitado en 4K Ultra HD.

La galardonada al Oscar a Mejor Película, ‘Una batalla tras otra’, llega en una edición metálica limitada 4K Ultra HD + Blu-ray, que además incluye un exclusivo disco Blu-ray de contenido adicional.

‘Eraser (Eliminador’) llega por primera vez en 4K Ultra HD en edición especial coleccionista, además con reediciones en DVD y Blu-ray. Un clásico del cine de acción de los noventa, cargado de conspiraciones, persecuciones y tensión.

También llega ‘El Patriota’, con una preciosa edición steelbook 4K Ultra HD de dos discos, que cuenta con el montaje cinematográfico y extendido. También ‘Notting Hill’ y ‘Dulce hogar… solo a veces’ se estrenan en 4K Ultra HD para que las disfrutemos de la mejor calidad posible.

Y qué decir de las 4 ediciones en steelbooks de las grandes películas de Spielberg. ‘E.T. El Extraterrestre’, ‘Tiburón’, ‘La lista de Schindler’ y ‘Parque Jurásico (Jurassic Park), regresan para hacer que no salgamos de nuestras casas.

Y también se celebra el 10º aniversario de ‘Warcraft’, con una edición limitada steelbook en 4K Ultra HD + Blu-ray, dedicada al universo fantástico que conquistó a millones de espectadores, así como una reedición de Blu-ray.

Os dejamos todas las novedades que llegan a continuación con una galería de imágenes, en las que veréis todos los estrenos que llegan este junio.

Nuevo adelanto de ‘Linternas’

La nueva serie de DC Studios llegará el 17 de agosto

HBO Max ha lanzado un nuevo teaser de ‘Linternas’, una de las series más esperadas del renovado universo televisivo de DC Studios. El avance no solo ofrece nuevas imágenes de los protagonistas, sino que también muestra por primera vez a Laura Linney dentro de la producción y una pista más amplia de cual será el tono de la serie.

La serie se estrenará el próximo 17 de agosto y plantea una aproximación distinta al universo de los Green Lanterns, alejándose parcialmente del espectáculo espacial tradicional para abrazar un tono más cercano al thriller criminal y al misterio noir, como sucedía en los cómics ‘Geen Lantern / Green Arroe’ de Dennis O’Neil y Neal Adams.

En esta nueva adaptación, Aaron Pierre interpreta a John Stewart, un nuevo recluta de los Lantern Corps que termina asociado con el veterano Hal Jordan, encarnado por Kyle Chandler. Ambos deberán investigar un asesinato ocurrido en el corazón de Estados Unidos mientras descubren una conspiración de mayores dimensiones.

Laura Linney se suma a un reparto repleto de nombres conocidos

Uno de los aspectos más comentados del nuevo teaser ha sido la presencia de Laura Linney, actriz ganadora de varios premios Emmy y nominada al Oscar, cuya incorporación aporta todavía más prestigio a una producción que busca posicionarse como uno de los proyectos más ambiciosos de DC en televisión.

El reparto también incluye a Kelly Macdonald, Nathan Fillion, Jason Ritter, Garret Dillahunt y Ulrich Thomsen, entre otros.

El teaser mantiene buena parte de la atmósfera ya intuida en los primeros materiales promocionales: paisajes rurales, carreteras secundarias y una estética sombría que recuerda más a series policiacas contemporáneas que a las habituales aventuras superheroicas de gran escala.

Damon Lindelof y Tom King refuerzan el componente autoral

‘Linternas’ cuenta además con varios nombres importantes detrás de las cámaras. El episodio piloto ha sido coescrito por Damon Lindelof, creador de series como ‘Watchmen’ o ‘The Leftovers’, junto al escritor de cómics Tom King y Chris Mundy, que además ejerce como showrunner.

La dirección de los dos primeros episodios corre a cargo de James Hawes, mientras que James Gunn y Peter Safran participan como productores ejecutivos dentro de la nueva estrategia creativa de DC Studios.

Todo apunta a que ‘Linternas’ será una pieza importante dentro del nuevo universo compartido de DC, apostando por una narrativa más adulta, contenida y centrada en los personajes.

Crítica: ‘Se tiene que morir mucha gente’

En qué plataforma ver Se tiene que morir mucha gente

Divertida, tierna y llena de realidad

El 21 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Se tiene que morir mucha gente’, una serie de 6 episodios de unos 30 minutos cada uno, que ya hemos podido ver y que nos ha gustado mucho. Bajo la dirección de Victoria Martín, Movistar Plus+ nos trae esta serie protagonizada por Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr.

Las buenas amistades están en las malas y en las malas

Tres amigas se reencuentran en la Fiesta de Revelación de Género de una de ellas. Bárbara y Elena han seguido en contacto, Elena es la que ha tardado en volver a verlas y está a punto de estallar. Literalmente, pues está casi de 9 meses de embarazo y también porqué le ha entrado pánico a esa vida de casada con un hombre de 60 años millonario y un bebé en camino. Bárbara es otra bomba de relojería que vive a base de benzodiacepinas y se ve a si misma de niña y lo lleva con demasiada normalidad. Mientras que Maca es una enamorada de la vida y a la que le cuesta estar sola.

Todas ellas tienen que lidiar con la vida, con las decisiones tomadas, con sus sentimientos y sus pensamientos pesimistas. La serie tiene un humor bastante crítico y me encanta que realmente parecen amigas. La química que tienen todas ellas, la manera de echarse pullas, de quererse y de odiarse a la vez es fantástica y me parece un acierto y un gran trabajo por parte de todas.

De la novela a la televisión

Todos tenemos la típica lista de libros pendientes y ‘Se tiene que morir mucha gente’ es uno de los míos. Me encantó la portada y no dude en acercarme a él. Después de ver la serie, tengo unas ganas de cogerlo y disfrutarlo como he disfrutado con esta historia.

Victoria Martín es la encargada de escribir la novela y de dirigir ‘Se tiene que morir mucha gente’, esto se nota ya que ha tratado a la historia con un gran amor y con un gran detalle en todo lo que vemos. Junto a ella dirige Sandra Romero y Nacho Pardo y por supuesto la adaptación del guion es de ella también.

Como he comentado, ha reunido un reparto muy natural, Anna Castillo y Macarena García, además de ser amigas, en pantalla logran una química increíble. Pero también ha sido un gran acierto contar con Laura Weissmahr. Actriz que tiene un papel muy dulce frente a los dos terremotos que tiene al lado.

Pero sin duda, aunque ellas están perfectas, tengo que hablar de Sofía Otero. Actriz en 2023 ganó el Oso de Plata a la Mejor Interpretación Protagónica por ‘20000 especies de abejas’. Convirtiéndose en la actriz más joven en conseguir este galardón y que aquí me ha parecido tremenda. Tiene un papel muy visceral, es el personaje de Bárbara en su niñez, pero realmente es la mala conciencia que la está incitando una y otra vez a seguir medicándose y a odiar a todo el mundo. Me ha encantado, me he reído muchísimo con ella y la verdad que está fabulosa.

Lo difícil que nos ponemos muchas veces la vida

Y es que al final, ‘Se tiene que morir mucha gente’ es no procesar lo que se nos viene encima. No lograr digerir que la vida no es lo que uno quiere, si no que tiene baches y que esos baches te ayudan a crecer y convertirte en la persona que eres. Una serie que sin duda recomiendo, he disfrutado, me he reído y sufrido con estas tres amigas a las que les da un vuelco loco la vida y tienen que soportarse de golpe y porrazo.

Análisis del Steelbook de ‘Predator Badlands’

‘Predator Badlands’ llega a nuestras casas 

Tenemos con nosotros uno de los steelbook más chulos que Divisa Films nos ha traído. ‘Predator Badlands’, la última película acerca de estos alienígenas que tanto les gusta cazar.

En un futuro bastante lejano, en un planeta remoto, conocemos a Dek, un joven Predator. El es expulsado de su clan y junto a Thia, se embarca en un viaje en busca de su adversario definitivo.

Con una hora aproximada de extras, vemos el montaje de la película, la creación de los Predator, los efectos visuales y digitales, que en esta cinta son mucho más. Y la verdad que se disfrutan mucho.

A continuación os dejamos con la ficha técnica y con las fotografías de esta edición tan bonita. Ademas de un vídeo al final del artículo donde la podéis ver.

Película 4K ULTRA HD

Imagen: 2160p Alta Definición / 2.39:1 / 16×9

Idiomas: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Castellano / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en Inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Película Blu-ray

1080p Alta Definición / 2.39:1 / 16×9

Idiomas: DTS Digital Surround 5.1: Castellano / DTS-HD Ma 7.1: Inglés / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano

EXTRAS (1 hora aprox.)

En la piel del Predator (05:43 min)

Vemos al actor debajo del traje, estamos en territorio de estos aliénigenas y también diferentes tipos de monstruos.

Autenticidad sintética (06:41 min)

La creación de las sintéticas, es divertido ver a la actriz, Elle Fanning moviéndose y luchando contra su propio cuerpo, pues tiene que fingir que no tiene piernas.

El diseño de las Badlands (6:53 min)

Dek de los Yautja (06:11 min)

Escenas eliminadas (27:37 min)

Me gusta mucho ver todo este extra, ya que podemos ver las escenas sin CGI, y como son antes de ser montadas. Además, por supuesto, de las escenas que no hemos visto en la película.

  • Trampa de arena
  • El cañón fluvial
  • Tessa contra Abe
  • Hierba cortante
  • El puesto avanzado
  • Superexoesqueleto montacargas

Crítica: ‘Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta’

En qué plataforma ver Jack Ryan, de Tom Clancy Guerra: encubierta

Cuanto más se acerca Jack Ryan a los despachos, más se sumerge en la acción

Hay algo curioso en la evolución audiovisual de Jack Ryan. El personaje creado por Tom Clancy nació como un analista, un hombre más cercano al despacho y al cálculo geopolítico que al gatillo fácil. Sin embargo, con el paso de las décadas y de las adaptaciones, Hollywood ha ido empujándolo hacia territorios cada vez más cercanos a la espectacularidad del blockbuster de espionaje. ‘Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta’, dirigida por Andrew Bernstein, termina de abrazar esa transformación y convierte a John Krasinski en una suerte de cruce entre Ethan Hunt y James Bond, aunque mucho más terrenal, más vulnerable y menos estilizado. Es curioso, pues su propia evolución a lo largo de las temporadas de las series le han ido acercando más a los despachos pero convirtiéndole a la vez en un héroe diestro en las armas y las persecuciones.

La película (que llega a Prime Video el 20 de mayo) funciona como continuación y cierre de la serie iniciada en 2018. De hecho, buena parte de la conversación alrededor del proyecto gira precisamente en torno a eso: el aparente adiós definitivo de Krasinski al personaje. Diversos medios estadounidenses han señalado que esta producción fue concebida como una despedida cinematográfica tras el final de la cuarta temporada, en lugar de desarrollar una quinta tanda de episodios. Y se nota. ‘Guerra encubierta’ tiene constantemente aroma de epílogo, de última misión para un héroe que ha terminado devorado por el propio engranaje industrial del streaming. Y se supone que puede suponer el inicio de spin-offs, pero no da ninguna pista.

Entre ‘Juego de patriotas’ y ‘Misión: imposible’

Conviene recordar que Jack Ryan ya había pasado antes por el cine mucho antes de la serie de Prime Video. Alec Baldwin protagonizó ‘La caza del Octubre Rojo’, quizá la adaptación más elegante del universo Clancy. Después llegaría Harrison Ford con ‘Juego de patriotas’ y ‘Peligro inminente’, probablemente las películas que mejor entendieron el equilibrio entre intriga política y thriller de acción. Más tarde aparecería Ben Affleck en ‘Pánico nuclear’ y finalmente Chris Pine en ‘Jack Ryan: Operación sombra’, una cinta producida por Paramount Pictures que intentó relanzar la franquicia sin demasiado éxito.

‘Guerra encubierta’ no está entre las mejores adaptaciones del imaginario de Clancy. Le falta la densidad paranoica de ‘La caza del Octubre Rojo’ y la contundencia política de las aventuras noventeras de Harrison Ford. A cambio, ofrece una versión más ligera y contemporánea del personaje, mucho más enfocada en la adrenalina inmediata y en la sensación de espectáculo global.

Y ahí es donde aparece la comparación inevitable con ‘Misión: imposible’. Igual que sucedía al comienzo de la última entrega protagonizada por Tom Cruise, esta película parece empeñada en arrojar sobre el espectador una avalancha de nombres, organismos gubernamentales, operaciones secretas y conspiraciones cruzadas. El problema no es tanto la complejidad como la velocidad con la que se presenta todo. Durante buena parte del primer acto uno tiene la sensación de estar intentando recordar quién trabaja para quién mientras la narración sigue avanzando sin esperar a nadie.

Lo curioso es que, pese a ello, no resulta imprescindible haber visto la serie. Bernstein y los guionistas consiguen que el espectador pueda entrar relativamente rápido en el juego gracias a una estructura muy clásica de thriller internacional. Hay relaciones previas y referencias constantes al pasado reciente del personaje, sí, pero el filme entiende que también necesita captar a quienes simplemente buscan una película de espionaje de gran presupuesto para una noche de streaming.

Andrew Bernstein y la televisión de prestigio como escuela de acción

La elección de Andrew Bernstein como director resulta bastante lógica. Además de haber dirigido varios episodios de ‘Jack Ryan’, Bernstein lleva décadas moviéndose dentro de la televisión estadounidense de prestigio. Ha pasado por series como ‘Ozark’, ‘Fear the Walking Dead’ o ‘El visitante’, pero resulta especialmente simpático recordar que inició su carrera en un tipo de ficción política completamente distinto: ‘El ala oeste de la Casa Blanca’, aquella maravillosa serie creada por Aaron Sorkin que convirtió los pasillos presidenciales en un espacio de idealismo, diálogo brillante y tensión institucional.

Ese origen se percibe todavía en algunos momentos de ‘Guerra encubierta’. Bernstein parece más cómodo cuando filma reuniones tensas, conversaciones estratégicas o escenas donde los personajes discuten implicaciones geopolíticas que cuando la película entra en modo persecución global. Aun así, demuestra oficio suficiente para sostener un espectáculo musculoso y bastante eficaz.

Visualmente, además, hay una clara intención de acercar el universo Ryan a la estética contemporánea del “espionaje premium”. La fotografía apuesta por tonos fríos, ciudades impersonales y espacios corporativos que refuerzan la idea de un mundo dominado por agencias, contratistas privados y estructuras invisibles de poder. Por el contrario también nos sumerge en escenarios grotescamente lujosos como las calles de Dubai. Este último detalle no es casual pues desde 2012, Paramount licenció su nombre y su identidad visual para desarrollar hoteles y complejos de lujo inspirados en Hollywood en Dubái. Todo ello muy en la línea de las grandes franquicias actuales.

Y sí, resulta curioso comprobar cómo tanto ‘Misión: imposible’ como el universo Jack Ryan terminan orbitando alrededor de Paramount Pictures y Prime Video, dos gigantes que parecen empeñados en convertir el thriller de espionaje en uno de los pilares del entretenimiento mainstream contemporáneo. Recordemos que Amazon es propietaria actualmente de la franquicia de 007.

Krasinski, por su parte, sale claramente reforzado. Hace años todavía costaba separar su imagen del entrañable Jim de ‘The Office’. Ahora ya no. Aquí aparece completamente consolidado como héroe de acción moderno: cercano, cansado, inteligente y menos invulnerable que los espías clásicos. Su Jack Ryan sigue transmitiendo la sensación de ser un hombre normal atrapado constantemente en situaciones extraordinarias. Y quizá ahí siga residiendo el principal atractivo del personaje. Porque mientras Bond representa fantasía y Ethan Hunt rozaba ya lo superheroico, Jack Ryan continúa siendo el analista que accidentalmente termina salvando el mundo.

Ficha de ‘Jack Ryan, de Tom Clancy Guerra: encubierta

Estreno en España: 20 de mayo de 2026. Título original: Jack Ryan: Ghost War. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Andrew Bernstein. Guion: Aaron Rabin, John Krasinski. Música: Ramin Djawadi, William Marriott. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: John Krasinski, Wendell Pierce, Michael Kell, Max Beesley, JJ Feild, Douglas Hodge, Betty Gabriel, Sienna Miller. Producción: Amazon MGM Studios, Epic Films, Genre Arts, Paramount Pictures, Push, Boot, Skydance Media, Sunday Night. Distribución: Prime Video. Género: suspense, acción. Web oficial.

Presentada la 8ª edición del Fantastic 7 en Cannes

Sitges vuelve a convertir Cannes en escaparate del fantástico mundial

El Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentó en el Marché du Film del Festival de Cannes la octava edición de Fantastic 7, una iniciativa que se ha consolidado como uno de los principales escaparates internacionales para descubrir las nuevas tendencias del cine de género.

El proyecto, impulsado por el certamen catalán junto al Marché du Film y el asesor internacional Bernardo Bergeret, reúne cada año siete películas respaldadas por siete festivales de referencia de todo el mundo. La propuesta funciona como una plataforma de visibilidad para títulos todavía en desarrollo o producción, facilitando conexiones con distribuidoras, agentes de ventas e inversores internacionales.

La edición de 2026 estuvo apadrinada por el cineasta japonés Takashi Miike, una figura fundamental del cine de culto contemporáneo, y volvió a demostrar la enorme diversidad del fantástico actual, con proyectos que van desde el folk horror hasta la dark fantasy o la comedia negra.

Siete películas llamadas a dar que hablar

La selección oficial de Fantastic 7 estuvo formada por siete producciones internacionales que representan distintas sensibilidades dentro del género fantástico.

Entre los proyectos destacados apareció ‘La Zona Sombra’, película española de folk horror escrita y dirigida por Marta Medina del Valle. El filme fue presentado por el Festival de Sitges y contó en Cannes con la presencia de la directora, además de los productores Luis Ferrón y Alejandro Millán.

Desde Corea del Sur llegó ‘Last Mankind’, nuevo trabajo del director Huh Gun, respaldado por el Bucheon International Fantastic Film Festival. El proyecto apuesta por una visión futurista y oscura dentro de la ciencia ficción asiática contemporánea.

Otra de las propuestas más llamativas fue ‘Rock, Paper, Sea’, debut de Randa Ali, definido como un drama familiar fantástico con elementos emocionales y sobrenaturales. La película fue presentada por el Cairo International Film Festival.

Terror, humor negro y fantasía oscura en una edición muy diversa

Fantastic 7 también dejó espacio para propuestas más desenfadadas y experimentales. ‘Metalheads vs The Witnesses’, codirigida por Wicho Rivera y Cabe Tejada, mezcla terror y comedia negra en una producción presentada por el Guadalajara International Film Festival.

El terror brasileño estuvo representado por ‘The Veil’, de Gabriel Motta, mientras que Italia participó con ‘Ting’, una producción de dark fantasy dirigida por Maximilien Dejoie y presentada por el PÖFF – Tallinn Black Nights Film Festival.

La selección la completó ‘The Coward at Kettle Creek’, proyecto estadounidense firmado por Noah Stratton-Twine y Jake Kuhn, jóvenes realizadores independientes que apuntan a convertirse en una de las nuevas voces del fantástico norteamericano.

Networking internacional para impulsar el cine de género

Tras la presentación oficial celebrada en el Palais des Festivals, Fantastic 7 organizó una nueva edición de su encuentro profesional ‘Meet the Fantastic 7’ en el Fantastic Pavilion. La actividad permitió conectar a los responsables de los proyectos con distribuidoras, agentes de ventas y compañías internacionales interesadas en nuevas producciones de género.

Con esta iniciativa, el Festival de Sitges continúa reforzando su papel como uno de los grandes motores del cine fantástico internacional, no solo como escaparate de estrenos, sino también como plataforma activa para el desarrollo y la circulación de nuevos proyectos.

Sitges 2026 presenta su cartel inspirado en ‘Carrie’

Adelanto del documental WomanInFan

El  Sigtes Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha dado el pistoletazo de salida a su 59ª edición durante el Marché du Film del Festival de Cannes. El certamen catalán aprovechó su presencia en el Fantastic Pavilion para presentar el cartel oficial de 2026 y ofrecer un primer adelanto de ‘WomanInFan’, un documental centrado en el papel de las mujeres dentro del cine fantástico que recibe el mismo nombre que una de las secciones del festival.

La presentación estuvo encabezada por Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, quienes desvelaron las principales líneas temáticas de una edición marcada por dos grandes referentes del terror clásico: ‘Carrie’ y ‘¿Quién puede matar a un niño?’.

‘Carrie’ protagoniza la imagen oficial de Sitges 2026

El cartel de esta edición toma como inspiración directa la icónica película Carrie, dirigida por Brian De Palma y basada en la novela de Stephen King. La imagen muestra una figura femenina adolescente cubierta por tiras rojas brillantes que evocan inmediatamente el legendario baño de sangre de la cinta.

Con este homenaje, Sitges celebra el 50 aniversario de una de las películas más influyentes del terror moderno, especialmente dentro del subgénero adolescente. El festival quiere explorar cómo el cine de terror de los años 70 y 80 convirtió institutos, bailes de graduación y conflictos juveniles en escenarios perfectos para lo sobrenatural y la violencia psicológica.

La organización también destacó la enorme influencia que la película tuvo en títulos posteriores como ‘Prom Night’ o ‘Terror Train’, consolidando el imaginario de las “prom nights” dentro del cine de género.

El mal en la infancia, segundo eje temático del festival

La otra gran línea conceptual de Sitges 2026 estará dedicada a ‘¿Quién puede matar a un niño?’, obra fundamental del fantástico español dirigida por Narciso Ibáñez Serrador.

El festival aprovechará el aniversario del clásico para reflexionar sobre la representación de la infancia vinculada al horror y a lo maligno dentro de la historia del cine. Películas como ‘The Exorcist’, ‘Rosemary’s Baby’ o ‘The Shining’ servirán como referencia dentro de esta retrospectiva temática.

La intención del certamen es conectar ambas líneas —la adolescencia marcada por la violencia emocional y la infancia asociada a lo perturbador— como dos caras fundamentales del terror psicológico y sobrenatural.

‘WomanInFan’ reivindicará el papel de las mujeres en el fantástico

Uno de los momentos más destacados de la presentación fue el primer adelanto de ‘WomanInFan’, dirigido por Mònica Garcia i Massagué y producido junto a la compañía Visual Suspects.

El documental reúne testimonios de directoras, actrices, investigadoras y programadoras vinculadas al cine fantástico para abordar las dificultades históricas que han enfrentado las mujeres dentro de la industria. Entre los nombres destacados aparecen Mary Lambert, responsable de Pet Sematary; Heather Langenkamp, protagonista de A Nightmare on Elm Street; y Helga Liné, figura clave del Fantaterror español.

La película tendrá su estreno fuera de competición durante la celebración del festival.

Sitges continúa consolidándose como referente mundial del fantástico

Con esta presentación en Cannes, el SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya reafirma su posición como uno de los grandes escaparates internacionales del cine fantástico y de terror.

La edición de 2026 volverá a reunir estrenos internacionales, retrospectivas, invitados y actividades vinculadas al género, manteniendo una identidad que sigue combinando cine de autor, cultura popular y nuevas tendencias audiovisuales.

Crítica: ‘Las catadoras de Hitler’

En qué plataforma ver Las catadoras de Hitler

Una ruleta rusa del fanatismo que demuestra una vez más que la II Guerra Mundial nunca parará de horrorizarnos

Hay una afirmación recurrente en el discurso cinematográfico contemporáneo: “ya se ha contado todo sobre la Segunda Guerra Mundial”. Uno ya no sabe qué guerra tiene más películas, si la II Guerra Mundial o la Civil Española. Sin embargo, ‘Las catadoras de Hitler’, dirigida por Silvio Soldini, se erige como una refutación precisa de esa idea. La película rescata un episodio tan insólito como verídico: el de las quince mujeres obligadas a probar la comida de Adolf Hitler para evitar posibles envenenamientos. Este hecho, descubierto por una de ellas, Margot Wölk, aporta una perspectiva inédita y profundamente incómoda del régimen nazi, una de las inagotables y detestables fuentes para el cine.

Desde su arranque, la película adopta un punto de vista que podría calificarse de radical: el de mujeres que no necesariamente abrazan el nazismo como ideología, pero sí mantienen una devoción o, al menos, una aceptación inquietante hacia la figura de Hitler. Este matiz es clave, porque desplaza el foco desde el habitual relato de víctimas y verdugos hacia una zona moralmente ambigua, donde el miedo, la supervivencia y el adoctrinamiento se entrelazan.

El espectador se ve así sumergido en una dinámica que recuerda a rituales de poder de otras épocas (como los catadores en la Roma de Claudio o en la corte de Isabel I de Inglaterra), pero trasladados al contexto de un régimen totalitario moderno. La diferencia es que aquí el riesgo no es ceremonial, sino cotidiano, repetitivo, casi banal en su horror.

Entre la tensión psicológica y el drama humano

Uno de los grandes aciertos de ‘Las catadoras de Hitler’ es su capacidad para construir tensión a partir de lo aparentemente rutinario. Cada comida se convierte en una especie de ruleta rusa silenciosa: platos vegetarianos (en línea con las conocidas costumbres alimenticias de Hitler) que esconden la posibilidad constante de la muerte. La amenaza no se materializa necesariamente, pero su presencia es suficiente para erosionar la estabilidad emocional de las protagonistas.

La película transcurre, además, en un contexto donde Hitler ya se encuentra recluido en su búnker, lo que añade una capa adicional de aislamiento y paranoia. Las catadoras viven atrapadas en un microcosmos donde la lealtad al Führer se pone a prueba a diario, no tanto por convicción ideológica, sino por pura inercia vital. Aquí, Soldini plantea un dilema moral persistente: ¿hasta qué punto puede considerarse lealtad lo que en realidad es miedo a la locura de unos pocos?

El guion (firmado por hasta seis escritores, un dato que en sí mismo resulta revelador) se esfuerza por explorar las relaciones entre estas mujeres. Proceden de entornos diversos: algunas de ciudades acomodadas, otras de contextos más humildes castigados por la guerra. Este contraste social introduce un conflicto interesante, aunque no siempre plenamente desarrollado. Lo que sí las une de manera contundente es la ausencia de sus maridos, combatientes en el frente, una herida emocional compartida que actúa como nexo y, al mismo tiempo, como detonante de tensiones internas.

No obstante, aquí es donde la película empieza a mostrar ciertas fisuras. La inclusión de subtramas románticas parece responder más a una necesidad de alargar el metraje que a una exigencia narrativa real. Estas digresiones diluyen en ocasiones la intensidad del núcleo dramático, restando fuerza a una premisa que, por sí sola, ya es suficientemente poderosa.

Un relato necesario, aunque irregular

Desde un punto de vista cinematográfico, ‘Las catadoras de Hitler’ destaca por su sobriedad formal. Soldini opta por una puesta en escena contenida, casi austera, que refuerza la sensación de claustrofobia y vigilancia constante. No hay grandes alardes visuales, pero sí una coherencia estética que acompaña el tono opresivo del relato. Casi todo transcurre en un comedor, en pequeñas o humildes casas. Hasta el patio en el que han de pasar la sobremesa para ver si hace efecto algún veneno es un reducido jardín.

Sería injusto desestimar la película por su duración o por su faceta romántica (que en el fondo responde a asuntos malsanos). ‘Las catadoras de Hitler’ aporta una mirada lateral, íntima y profundamente inquietante. Nos recuerda que el horror de la guerra no solo se manifiesta en el frente, sino también en los espacios cotidianos, en los gestos más simples, como sentarse a la mesa.

Ficha de ‘Las catadoras de Hitler’

Estreno en España: 22 de mayo de 2026. Título original: Le assaggiatrici. Duración: 123 min. País: Suiza, Italia, Bélgica. Dirección: Silvio Soldini. Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Fotografía: Renato Berta. Reparto principal: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun, Emma Falck, Olga Von Luckwald, Berit Vander, Kriemhild Hamann, Thea Rasche. Producción: Lumière & Co., Tarantula, Telefilm, Vision Distribution, Ministero della Cultura (MiC), Regione Lazio, IDM Südtirol – Alto Adige Film Fund. Distribución: Mirror Audiovisual. Género: drama, hechos reales. Web oficial.