Archivo por meses: abril 2026

Análisis del Blu-ray de ‘El Planeta del Tesoro’

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Divisa Films nos trae otro de los grandes clásicos modernos de Disney

Robert Louis Stevenson, escritor escocés, nos trajo en 1883 una de las mejores  novelas de piratas de todos los tiempos. ‘La isla del tesoro’ es una historia de aventuras, amistad y traición. La factoría Disney se puso manos a la obra y nos dio una de las más estupendas películas de animación de 2002. ‘El planeta del tesoro’ se mete de lleno en la historia de Jim Hawkins un joven desencantado con el mundo que termina de una manera inesperada embarcado en una nave en busca del Planeta del Tesoro.

La opción de llevar la acción al espacio y crear nuevos escenarios me parece una fantasía. Además de introducir personajes ciborg y diferentes también creo que es un gran acierto. John Musker y Ron Clements son los directores de la cinta, dos directores que sin duda nos han dado grandes películas de animación como ‘Basil. El Ratón Superdetective’ (aquí os hablamos de ella), ‘Hércules’ o ‘La Sirenita.

A continuación, os dejamos una pequeña galería de fotos de esta edición y todas las características técnicas de la cinta, por supuesto, también un poquito de lo que podréis ver en los extras, que, en este caso, son cortitos, pero merecen muchísimo la pena.

Imagen: 1080p Alta Definición / 1.66:1 / 16×9

Idiomas: Dolby Digital 5.1: Castellano, Catalán, Holandés, Flamenco / DTS-HD High Resolution 5.1: Francés, Alemán / DTS.HD Master Audio 5.1: Inglés / Dolby Digital 2.0: Inglés Audio Descriptivo.

Subtítulos: Castellano, Francés, Alemán, Holandés, Inglés codificado para sordos.

EXTRAS (20 min aprox)

La magia de la animación (14:18 min)

Nos cuentan un poquito de como hicieron la animación del John Silver, uniendo animación tradicional con animación por ordenador. Nos muestran como echan mano de los archivos antiguos para poder hacer pruebas sin necesidad de perder material o más tiempo del necesario. Entre muchas otras cosas más.

Escenas eliminadas (6:33 min)

En estos seis minutos divididos en cuatro escenas eliminadas, además de ver este material descartado, vemos las escenas sin terminar y gracias a ello, podemos ver un poquito el trabajo que lleva detrás toda la animación de esta película.

  • Introducción de Laurie Metcalf
  • Prólogo original: Jim de mayor.
  • Jom conoce a Ethan
  • Final alternativo: reconstruyendo el Benbow.

I’M Still here (Jim’s theme)” vídeo musical interpretado por John Rzeznik, del grupo Goo Goo Dolls

Crítica: ‘Lucky Luke’

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Un western crepuscular que olvida disparar a la comedia

La nueva adaptación de ‘Lucky Luke’ intenta (voluntariamente o no) distanciarse del imaginario clásico del personaje nacido del cómic franco-belga. Lo hace apostando por un tono más realista, incluso áspero, en el que el polvo, el sudor y la suciedad sustituyen al colorido limpio de las viñetas originales. Sin embargo, en ese giro hay también una casi renuncia arriesgada: la esencia humorística que definía al pistolero más rápido que su sombra.

Históricamente, el personaje ha tenido múltiples encarnaciones en acción real, desde el carisma y vínculo tradicional de Terence Hill con el western hasta la reinterpretación más irónica de Jean Dujardin, pasando por el enfoque más juvenil de Til Schweiger. Incluso existen versiones menos conocidas (y bastante discutibles) en producciones turcas no oficiales. Esta nueva iteración, sin embargo, opta por una aproximación que busca profundidad emocional… pero pierde por el camino la identidad del personaje.

El protagonista, interpretado por Alban Lenoir no termina de encajar en el estilismo y chulería del personajee. Su Lucky Luke es introspectivo, taciturno y, en ocasiones, excesivamente melancólico. Es una elección que podría haber funcionado en otro contexto, pero aquí entra en conflicto con el ADN del personaje. La ausencia de elementos icónicos (como el juego con su sombra, los diálogos hacia su caballo o la presencia de Rantanplan= acentúa esa desconexión. Incluso se ha eliminado el famoso cigarrillo que pende siempre de su boca, pero de ello prescindió incluso Hanna-Barbera en su versión animada.

Un western más cercano a ‘Valor de ley’ que al cómic original

Dirigida por Benjamin Rocher, conocido por su trabajo en thrillers de acción como ‘Escuadrón de élite 2’, la serie apuesta por un tono sorprendentemente sombrío. Resulta paradójico que un director habituado al ritmo y la intensidad firme aquí una obra que, en muchos momentos, carece de dinamismo. Las escenas se dilatan, los silencios pesan más de lo necesario y la narrativa avanza con cierta pesadez.

Hay momentos que rozan lo crepuscular, casi en la línea de ‘Valor de ley’, con muertes tratadas con una solemnidad que desentona con el material de origen. Esta gravedad, sumada a un tono por momentos depresivo, termina generando una sensación de extrañamiento. No estamos ante una reinterpretación adulta al estilo de un western revisionista, sino ante una obra que parece no decidir qué quiere ser.

Aun así, hay destellos de lo que podría haber sido. La subtrama de la amnesia de uno de los Dalton y su delirio de paternidad aporta un humor absurdo que conecta brevemente con el espíritu original. También resulta interesante el coqueteo con figuras históricas como Calamity Jane o Abraham Lincoln, en una tradición heredada de los cómics belgas, similar a lo que hacía Astérix con la historia clásica. Pero estos elementos son anecdóticos, insuficientes para sostener el conjunto.

Rodaje en Almería: la gran noticia

Si hay algo que realmente destaca en esta producción es su apartado visual y su apuesta por localizaciones españolas. El rodaje en Almería, especialmente en el desierto de Tabernas, devuelve al western europeo a uno de sus escenarios más emblemáticos. A esto se suman localizaciones en Castilla y León y Castilla-La Mancha, configurando un paisaje que, al menos visualmente, sí respira autenticidad.

La implicación de productores españoles como Juan Solá o Mark Albela (vinculados a títulos como ‘La piel fría’, ‘El reino de los cielos’ o ‘Godzilla vs Kong’) refuerza esa sensación de ambición internacional. En términos de producción, la serie cumple con solvencia, pero no logra que su envoltorio eleve un contenido narrativo irregular.

El problema de fondo es claro: ‘Lucky Luke’ no era solo un western, era una comedia disfrazada de western. Aquí, en cambio, el disfraz se ha quedado sin alma. Hay momentos en los que los personajes rozan el tono tontorrón, pero son excepciones en un conjunto que se toma demasiado en serio.

Para quienes crecieron con el personaje, la experiencia puede resultar decepcionante. No hay gags memorables, no hay chispa, no hay esa clase que hacía del personaje algo único. Y aunque es positivo ver el regreso del western europeo a escenarios como Almería, uno no puede evitar pensar que esta adaptación de Disney ha apuntado al corazón equivocado.

Crítica: ‘Embestida’

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Sencilla historia de tiburones acechando la ciudad

Ya tenemos en nuestras casas ‘Embestida’, gracias a Netflix. La nueva película de Tommy Wirkola, director de ‘Dead Snow’, ‘Noche de paz’, ‘Spermageddon‘ o ‘El viaje’. Unas mejores que otras, pero siempre con algo distinto y original.

Cuando los tiburones se adentran en la ciudad

Una ciudad es arrasada por un terrible huracán que hace todo el mundo termine huyendo y los que se quedan tienen que sobrevivir. Pero no solo al desastre que tienen delante, sino que un grupo de escualos llega para sembrar el terror.

Los tiburones todo son de los animales más peligrosos del mundo y en esta película podemos ver como trabajan juntos para alimentarse.

No me ha disgustado, pero creo que tendría que haber tenido algo más de gracia. No quería ver un Sharknado, porque para eso está ya esa franquicia. Pero si que me esperaba una película algo más loca. Pero eso no significaba que no sea buen entretenimiento.

Reparto y equipo técnico

Aunque el reparto no es muy conocido, tenemos caras que pueden sonarnos y que además son jóvenes promesas. Tenemos a Phoebe Dynevor, Djimon Hounsou, Costa D’Angelo, Matt Nable, Whitney Peak, Alyla Browne, Stacy Clausen o Alijah Ungvary, entre otros.

Todos ellos bastante decentes en sus actuaciones, pese lo dicho, que el guion en si, es bastante flojito. El CGI está bien. Sin ninguna maravilla, pero si que se nota el buen trabajo y que al final logra que realmente veamos que los tiburones están ahí realmente.

¿De dónde sale esta idea?

El guion parte de la idea del propio Wirkola. El director le ha dado vueltas durante tiempo al tema del cambio climático. En declaraciones ha comentado que el con el calentamiento global y las inundaciones repentinas, este suceso de que de repente, entre la marea llena de tiburones a una isla costera, sea tan inverosímil. Y además comentó que este thriller de tiburones, también es fruto de su obsesión con estos animales desde que vio ‘Tiburón’.

Adam McKay, productor de la película, comentó que según estudios de biólogos marinos, los tiburones están alterando las rutas por culpa del cambio climático. Pese a esto, ‘Embestida’ es una cinta de puro entretenimiento donde el final sin duda es lo mejor. Se pone algo más interesante y divertida. Así que no perdáis la oportunidad de echarle un vistazo, una película para echar una tarde tranquilamente durante el fin de semana.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: Thrash. Duración: 80 min. País: Estados Unidos. Dirección: Tommy Wirkola. Guion: Tommy Wirkola. Música: Daniel Futcher. Fotografía: Matthew Weston. Reparto principal: Phoebe Dynevor, Whitney Peak, Djimon Hounsou, Gemma Dart, Stacy Clausen, Amy Mathews, Conta D’Angelo, Elijah Ungvary, Alyla Browne, Akosia Sabet. Producción: Hyperobject Industries, Sony Pictures Releasig, Soundfirm. Distribución: Netflix. Género: Acción. Web oficial.

Los Premios Fugaz 2026 revelan su shortlist con 60 cortometrajes finalistas

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La 10ª edición del certamen perfila el pulso del cine corto español con una selección diversa y marcada por el compromiso social

La 10ª edición de los Premios Fugaz ha dado a conocer su esperada shortlist, compuesta por 60 cortometrajes que optan a convertirse en los nominados oficiales. Hemos asistido a la lectura pública celebrada en el Auditorio de la Casa del Reloj de Arganzuela, en Madrid, donde se ha reunido una nutrida representación de profesionales del sector audiovisual.

El acto contó con la participación de figuras como Adán Pichardo, Beatriz Ramos o Luis Cámara, entre otros miembros del comité seleccionador. Como cierre del evento, se proyectó el cortometraje ganador de la pasada edición, reforzando el carácter de celebración del formato corto.

60 obras que definen el panorama actual

La selección incluye 40 cortometrajes de ficción, 10 documentales y 10 de animación, elegidos entre más de 600 trabajos presentados. Este primer corte supone un filtro clave antes de las nominaciones finales, que serán decididas por la Comisión de CortoEspaña, integrada por más de 1.800 profesionales del sector.

Según destacó Samuel Rodríguez, la shortlist no solo funciona como antesala de los premios, sino como una herramienta para identificar tendencias y dar visibilidad a obras relevantes dentro del circuito.

Diversidad temática y mirada social

Uno de los aspectos más destacados de esta edición es su fuerte carga temática. Una parte significativa de los trabajos aborda cuestiones como la enfermedad, la vejez o la fragilidad humana, reflejando preocupaciones contemporáneas desde distintas perspectivas narrativas.

Al mismo tiempo, se detecta una clara presencia de relatos centrados en lo social y lo político: migraciones, memoria histórica o conflictos bélicos aparecen como ejes narrativos recurrentes. Este enfoque convive con una notable diversidad de géneros, desde el drama —predominante— hasta la comedia, el thriller o la ciencia ficción.

Presencia femenina y pluralidad lingüística

La shortlist también deja datos relevantes en términos de representación. Cerca del 42% de los cortometrajes seleccionados cuentan con mujeres en la dirección, una cifra especialmente significativa en animación, donde la mayoría de títulos están dirigidos por creadoras.

En cuanto a los idiomas, la selección refleja una realidad más plural de lo habitual, con presencia de lenguas cooficiales como el catalán o el gallego, además de propuestas multilingües y piezas sin diálogo, especialmente en animación.

Gala final y consolidación del certamen

La gala de entrega de premios se celebrará el próximo 22 de junio en Kinépolis Ciudad de la Imagen, en Madrid, consolidando este espacio como sede habitual del evento. En esta edición, se repartirán galardones en un total de 21 categorías, coincidiendo con el décimo aniversario del certamen.

Desde su creación en 2017, los Premios Fugaz se han convertido en un referente dentro del cortometraje español, con más de 150 premios entregados y una creciente red de festivales colaboradores que refuerzan su impacto en el sector.

Con esta shortlist, el certamen vuelve a demostrar su capacidad para capturar el estado actual del cine corto en España, combinando diversidad formal, compromiso temático y una mirada cada vez más inclusiva..

Shortlist Premios Fugaz 2026

FICCIÓN

“21 de octubre”, de Joel Cánovas
“¡Por las tetas de Lucía!”, de Paloma Mozo y Anna Carbonell
“¿Tienes un minuto?”, de Yago Casariego
“Abril”, de Alexandra Iglesias
“Afasia”, de Álex Marín
“Aigua salina”, de Ivet Moreno y Abraham Delgado
“Amarraditos”, de Arturo Mombiedro Lozano
“Antón”, de Mikel González Beorlegui
“Buitres”, de Santi Alvarado
“Cara de cona”, de Guillermo de Oliveira
“Chicken Jazz”, de Imanol Ruiz De Lara
“Discordia”, de Álvaro Amate
“El color gris”, de Marina Velázquez Benítez
“El Revisor”, de Jandro
“Epifanía”, de Chiqui Carabante
“Faustino”, de German Mairen
“Ginoide”, de Celia Galán
“Homing”, de Hansel Rodrigues y Elizabeth Atherton
“I walked through the wall”, de Pablo Larcuen
“In Memoriam”, de Teresa Bellón y César F. Calvillo
“Insondable”, de Pablo Guirado
“La Línea Roja”, de LSDavid (David Labajos Sáez)
“La última canción”, de María Lorente-Becerra
“Lo que no se ve”, de María Algora y Mikel Bustamante
“M.A.T. (Molt alta tensió)”, de Joan Alamar
“Macarena, una comedia espiritual”, de Nazaret Beca y Rodrigo Sancho
“Montecarlo 67”, de Rubén Guindo Nova
“Pordentro”, de Álvaro G. Company y Mario Hernández
“Señuelo”, de Martha G. Ayerbe
“Ser un hombre”, de Lucas Parra
“Sí se enteran”, de Beltrán Peralba
“Te dejo el mar”, de Alfredo Andreu Ríos
“Tenéis que verlo”, de Nacho Solana
“The one minute problem”, de Nicolás Delgado de la Cámara
“Tiempo y Perdón”, de Teresa Trasancos
“Tú no”, de Marta Albert González
“Último superviviente a bordo”, de Jorge Blas Borroy
“Un buen Salvaje”, de Joan Vives
“Una vocal”, de Polo Menarguez
“Videoclub 2021”, de Guillermo Polo

ANIMACIÓN

“Baile con la Muerte”, de Carlota Massó
“Con café (Cuentos con la C)”, de María Manero Muro
“El aspirante”, de Sam Orti
“El Cuerpo de Cristo”, de Bea Lema
“El Fantasma de la Quinta”, de James A. Castillo
“El mismo”, de Virginia Curia
“Ma-ma”, de Isabel María Monge Guerrero
“One-Way Cycle”, de Alicia Núñez Puerto
“Pinchu es así”, de Carmen Córdoba
“Pobre Marciano”, de Álex Rey

DOCUMENTAL

“Abril, hoy no es invierno”, de Mabel Lozano
“El ressò de la mirada”, de Carles Bover
“Estigma”, de Pilar García Elegido
“La fuerza del silencio”, de Samuel Vela
“Luz”, de Aner Etxebarria
“Memento fabulam”, de Candela Núñez Gutiérrez
“Mortal y Rosa El Cortometraje”, de Sonia Tercero Ramiro
“No Oblidem”, de Carlos López Rey
“Sin miedo ni culpa”, de Rocío Sánchez
“Vencejos”, de Manu Arzá y Álvar Alonso

Crítica: ‘Errores épicos’

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En qué plataforma ver Errores épicos

Comedia neurótica, caos moral y decisiones al límite

Dan Levy junto y Taylor Ortega traen a través de Netflix la serie ‘Errores épicos’, una serie que se construye desde una premisa aparentemente sencilla: dos personajes profundamente desubicados en sus propias vidas se ven arrastrados a una espiral de decisiones absurdas con consecuencias cada vez más graves y criminales. Él, un pastor ejemplar incapaz de confesar su homosexualidad a su comunidad y ella, una actriz fracasada que regresa de Nueva York cargada de frustración y cinismo, forman un dúo tan improbable como explosivo.

Ambos son hermanos pero no biológicos, lo cual forma entre ellos una conexión tan frágil y volátil como obligatoria. Levy encarna a un protagonista que recuerda poderosamente al Leonard interpretado por Johnny Galecki en ‘The Big Bang Theory’: nervioso, dubitativo, atrapado en su propia inseguridad. Sin embargo, aquí ese arquetipo se desplaza hacia terrenos más incómodos, donde la represión personal no es solo un rasgo cómico, sino el motor de decisiones erráticas. Ortega, por su parte, construye un personaje abrasivo, casi hostil, un auténtico vórtice emocional que sorprende tanto por su agresividad como por el dato de haber mantenido una relación de 17 años con su pareja, lo que añade una capa de absurdo existencial a su carácter.

La química entre ambos no es la clásica de comedia ligera, es más bien un constante forcejeo. Se necesitan, pero también se empujan mutuamente hacia el desastre. En ese sentido, ‘Errores épicos’ encuentra su voz en el conflicto permanente, en la incomodidad sostenida, en el espectador que ríe pero también sufre con cada decisión equivocada.

Tradición de enredos criminales con sello propio

Narrativamente, la serie (que se estrena este 9 de abril en Netflix) se inscribe en una tradición bien conocida: la de individuos corrientes atrapados en tramas criminales que les superan. Transita un viaje similar al de ‘Una terapia peligrosa’ o ‘Falsas apariencias’, donde el humor surge del contraste entre la banalidad de los protagonistas y la gravedad de las situaciones en las que se ven envueltos. Incluso podría rastrearse una conexión conceptual con relatos como ‘La empresa de sillas’ o ‘Bronca’, donde lo cotidiano se descompone en una cadena de decisiones desafortunadas y momentos de locura y desconcierto.

Aquí, el detonante no es tanto el crimen en sí como la incapacidad de los personajes para gestionar el estrés. Cada error genera otro mayor, en una progresión casi matemática del desastre. La escritura destaca precisamente por eso: por su precisión en el caos. Los diálogos están cargados de timing cómico, pero también de una tensión creciente que convierte cada escena en una bomba a punto de estallar.

Esta podría ser una serie improvisada por cómo se va de madre y por cómo los personajes elevan aún más las réplicas de sus compañeros. Esto se traduce en momentos que se sienten naturales, casi incómodamente reales, como si el guion se estuviera desmoronando ante nuestros ojos… cuando en realidad parece calculado hacia el surrealismo.

Una comedia no apta para nervios sensibles

De algo que conviene mucho avisar con ‘Errores épicos’ es de su capacidad para generar ansiedad en el espectador. No es una serie relajante, de hecho, podría decirse que es abiertamente hostil para quienes sufren de “empatía hiperactiva”: ver a los personajes tomar decisiones claramente equivocadas, una tras otra, puede resultar estresante.

En este sentido, la figura materna interpretada por Laurie Metcalf actúa como catalizador del caos. Su personaje, histérico y controlador, evoca inevitablemente a la Madre Amantísima de ‘Futurama’, tanto por su ambición desmedida como por su capacidad para manipular emocionalmente a sus propios hijos. No es el problema central, pero sí el combustible que mantiene la maquinaria del desastre en funcionamiento.

La temporada ofrece una resolución satisfactoria sin renunciar a dejar cabos sueltos que apuntan claramente a una continuación. Así es que tampoco es apta para aquellos incapaces de convivir con finales abiertos y con cancelaciones de Netflix. Los hilos argumentales que se insinúan en los últimos episodios sugieren una segunda temporada aún más desbordada, donde las consecuencias de los errores acumulados podrían alcanzar dimensiones mayores.

Se presenta en Madrid el rodaje del corto ‘El sueño fantástico de Batillo’

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Un proyecto cultural que conecta dos mundos

La sede de DAMA en Madrid ha acogido la presentación oficial de ‘El sueño fantástico de Batillo’, un cortometraje que apuesta por fusionar el lenguaje cinematográfico con una de las tradiciones teatrales más antiguas de Europa. Se ha celebrado una rueda de prensa donde se ha puesto en valor no solo el proyecto audiovisual, sino también su dimensión cultural y patrimonial.

Dirigido por José Manuel Serrano Cueto, el corto contará con los emblemáticos títeres de La Tía Norica, una compañía bicentenaria profundamente ligada a la identidad cultural de Cádiz. El rodaje está previsto para principios de junio, en un proyecto que, tal y como destacó su productor Jorge Rivera, se desarrollará entre Madrid y Andalucía.

Un reparto y equipo comprometidos con la tradición

Durante la presentación participaron figuras clave del proyecto, entre ellas Maite González García-Negrotto, teniente de alcalde de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, y Pepe Bablé, director de la compañía. También estuvieron presentes miembros del reparto como Manuel Morón, Lupe Mateo Barredo y Charo Reina, quien expresó su entusiasmo por volver a trabajar poniendo voz a un personaje.

El proyecto cuenta además con el respaldo institucional del Ayuntamiento de Cádiz y de la Junta de Andalucía, reforzando su carácter como iniciativa cultural de relevancia.

Batillo, símbolo de una identidad cultural

Uno de los ejes centrales del cortometraje será el personaje de Batillo, figura icónica dentro del universo de La Tía Norica. Según explicó Pepe Bablé, este personaje encarna el espíritu gaditano: cercano, irónico y festivo. Su recuperación en formato cinematográfico supone no solo un ejercicio creativo, sino también un acto de preservación cultural.

En la rueda de prensa se insistió en que este proyecto va más allá del cine. Tal y como señaló García-Negrotto, se trata de “un encuentro entre dos mundos”, en referencia al diálogo entre tradición escénica y narrativa audiovisual.

Cultura, territorio e impacto local

Otro de los aspectos destacados es la importancia de Cádiz como escenario de rodaje. El equipo subrayó el impacto positivo que este tipo de iniciativas puede tener en el tejido económico local, desde el comercio hasta el turismo cultural.

La colaboración de asociaciones como Cádiz Centro Comercial Abierto y el apoyo de iniciativas culturales como el pódcast El Centinela del Misterio reflejan el carácter colectivo del proyecto. Además, tanto el director como el productor insistieron en la necesidad de apostar por propuestas culturales que prioricen el valor artístico frente al puramente comercial.

Un cortometraje con vocación universal

‘El sueño fantástico de Batillo’ se presenta como una obra que, partiendo de lo local, aspira a conectar con públicos de distintos contextos. Como afirmó Serrano Cueto, La Tía Norica no es solo patrimonio andaluz, sino una expresión cultural con potencial universal.

Con un enfoque que mezcla tradición, identidad y cine contemporáneo, este cortometraje se perfila como una propuesta singular dentro del panorama audiovisual español, reivindicando el valor de las raíces culturales en la creación artística actual.

Crítica: ‘Atrapando a un Monstruo’

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Bonito cuento lleno de acción y estéticamente precioso

Hay películas que no te esperas y sin duda, ‘Atrapando a un monstruo’ es una de ellas. Un cuento muy tierno y lleno de tiroteos. Con la estética mágica de ‘Amelie’ y su rareza tanto en el ambiente como en sus pintorescos protagonistas y con la tierna y extraña amistad de ‘León. El profesional’. No puedo describirla mejor y es que es como una simbiosis rara que sin duda te atrapa desde el minuto uno.

Que nos cuenta este cuento

Conocemos a Aurora, cansada de que el monstruo de debajo de su cama haga que se quede sin familia decide contratar a su vecino, un asesino a sueldo, para que cace a la criatura. Aurora descubrirá que hay varios tipos de monstruos en la vida.

Pero sin duda hay mucho más aquí y es que todo esconde un poquito de reflexión y es que muchas veces los pensamientos que tenemos se pueden hacer realidad. Además, que deberíamos escuchar y creer más a los niños. En el momento en el que Aurora se siente escuchada, se comienza a comprender todo un poco mejor.

Ambos personajes, el de Aurora y el del vecino están solos y necesitaban encontrarse. Es super tierno la manera en la que se necesitan, sin saberlo ellos mismos.

Reparto y dirección

Estamos ante la ópera prima de Bryan Fuller, creador de la estupenda serie ‘Hannibal’ en la que ya trabajó con Mads Mikkelsen. Y como os comento, no ha podido hacer mejor trabajo. Se ha reunido con un reparto estelar y sobre todo con un equipo técnico increíble.

En el reparto tenemos a Sophie Sloan, también novata en esto de la actuación, pero que está fabulosa. Tiene un papel tan tierno, tan fuerte y tan valiente. Una niña aterrada por un terrible monstruo con el que comparte habitación, pero decidida a terminar esta pesadilla, pone soluciones, pese al terror que tiene. La escena de la Iglesia me parece una maravilla.

Mads Mikkelsen, en un papel sencillo, pero tan bonito. Si, es un asesino a sueldo, pero tiene un corazoncito bastante grande. Con gran curiosidad decide seguir el royo a la niña y ayudarla.

Sigourney Weaver, tiene un papel pequeño pero muy importante, está fabulosa. Se nota que disfruta del personaje, que la verdad es bastante peculiar. Las conversaciones que tiene con El vecino (el personaje de Mikkelsen) me parecen de lo mejor de la película.

Los acompañan David Dastmalchian, Sheila Atim, Rebecca Henderson, Armond Willis, Rea Milla, Tibor Szauervein, Sute Zhao, Tao Jia y Hisham Omer entre muchos otros.

El arte en la película

Y es que ‘Atrapando a un monstruo’ es, ante todo, una maravilla visual. Tenemos una atmósfera de cuento gracias a los colores. Tenemos un eterno filtro verde, que contrasta con colores vivos como el amarillo o el rojo.

La fotografía realizada por Nicole Whitaker es preciosa, muy cuidada y sobre todo da la importancia a los dos protagonistas. Dando un brillo especial tanto a Aurora como a El vecino. De echo Mikkelsen suele tener como una luz siempre que viene desde su espalda, dando así una sensación de salvador.

Y bueno, qué decir del vestuario, me parece increíble. Esto es gracias a Catherine Leterrier (‘Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’) y Olivier Bériot (‘Valerian y la ciudad de los mil planetas’). El trabajo que realizan es maravilloso y es que el vestuario de Sophie Sloan, casi siempre rojo, con unos diseños que la hacen ver como la niña decidida y valiente que es. O los diseños homenajeando a las películas de kung fu que lleva Mikkelsen. Y ya, los vestidos de alta costura que le vemos puestos a Sigourney Weaver, son espectaculares.

Un cuento divertido y tierno

Dos personas que se necesitan y no lo saben terminan unidos por un monstruo. Una película como he comentado al principio, bastante rara, bonita y divertida. Además, con mucha acción, una mezcla de géneros curiosa y que funciona. No dejéis de verla porque realmente me ha parecido una chulada. 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: Dust Bunny. Duración: 106 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bryan Fuller. Guion: Bryan Fuller. Música: Isabella Summers. Fotografía: Nicole Hirsch Whitaker. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Sophie Sloan, Sigourney Weaver, David Dastmalchian, Rebeca Henderson, Sheila Atim, Wael Alroyly, Sute Zhao, Line Kruse, Caspar Phillipson, Armond Willis, Rea Milla, Tibor Szauervein. Producción: Entertainment One, Thunder Road Pictures, Hero Squared, Dust Bunny Productions, Living Dead Guy Productions. Distribución: Diamond Films. Género: Terror, drama. Web oficial.

Crítica: ‘La buena hija’

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Su capacidad de incomodar sin efectismos ni drama fácil la convierte en pedagogía

En su traslación del cortometraje al largo, la directora Júlia de Paz Solvas construye con ‘La buena hija’ una obra de vocación pedagógica que no busca el golpe de efecto inmediato, sino la sedimentación emocional. Lejos del impacto visceral de títulos como ‘Custodia compartida’, aquí el dolor se filtra de forma más sutil, más progresiva, pero igualmente persistente.

La película, que llega precedida por el reconocimiento a su corto previo y su paso por el Festival de Málaga, se adentra en un terreno complejo: la convivencia con un padre maltratador desde la perspectiva de una hija adolescente. No se trata únicamente de denunciar, sino de comprender (sin justificar) los mecanismos emocionales que atan a la víctima con su agresor.

Uno de los mayores aciertos de la cinta reside en cómo aborda la ambigüedad afectiva. La protagonista no parte de un rechazo frontal hacia su padre, al contrario, lo percibe inicialmente como una figura cercana, cómplice, alguien que la trata “como a un colega más”. Este matiz, incómodo pero profundamente realista, sitúa al espectador en un terreno ético complejo: el tránsito desde la identificación hasta el miedo no es abrupto, sino progresivo, lleno de contradicciones, negaciones y silencios.

En este sentido, ‘La buena hija’ se alinea con una corriente de cine social que apuesta por la observación minuciosa antes que por el subrayado dramático. La violencia no estalla constantemente en pantalla, sino que se intuye, se respira, se infiltra en los gestos cotidianos.

Adolescencia, rebeldía y psicología en construcción

La película acierta al situar su relato en una etapa vital particularmente vulnerable: la adolescencia tardía, ese momento liminal entre el instituto y la vida adulta. Es un periodo donde la identidad está en construcción, donde la rebeldía emerge como lenguaje propio y donde los límites familiares, sociales, emocionales se ponen constantemente a prueba.

Aquí, ‘La buena hija’ despliega una mirada especialmente lúcida sobre la psicología infantil y juvenil. Los pequeños actos de desafío, las mentiras aparentemente triviales o los cambios de actitud no se presentan como simples “problemas de conducta”, sino como síntomas de un conflicto más profundo. La directora evita el juicio fácil centrándose en la observación de estos comportamientos.

El trabajo actoral resulta fundamental para sostener esta propuesta. La protagonista encarna ese vaivén emocional con una naturalidad desarmante. A su lado, Janet Novas y Julián Villagrán aportan una densidad interpretativa que eleva el conjunto. Villagrán, en particular, construye un personaje inquietante precisamente por su aparente normalidad: no es un monstruo evidente, sino alguien capaz de alternar cercanía y amenaza en cuestión de segundos.

Un cine que educa sin imponer respuestas

‘La buena hija’ no es una película cómoda, pero tampoco pretende serlo. Su carácter pedagógico no radica en ofrecer soluciones, sino en plantear preguntas. ¿Cómo se rompe el vínculo con un agresor cuando ese agresor también ha sido una figura de afecto? ¿Cómo se reconoce la violencia cuando esta se disfraza de normalidad cotidiana?

La película evita caer en el didactismo explícito, apostando por una narrativa que confía en la inteligencia emocional del espectador. Este enfoque puede restarle inmediatez frente a propuestas más contundentes, pero le otorga una capacidad de permanencia mucho mayor. Es un cine que no se agota en el visionado, sino que continúa resonando tiempo después.

Esta película podría consolidarse como una obra relevante dentro del panorama del cine español contemporáneo. ‘La buena hija’ no revoluciona el género, pero sí aporta una mirada honesta y matizada sobre una realidad compleja. Su mayor virtud es, precisamente, esa capacidad para incomodar desde la empatía, para mostrar sin subrayar y para invitar a la reflexión sin dictar conclusiones.

Ficha de ‘La buena hija’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: La buena hija. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Júlia de Paz Solvas. Guion: Júlia de Paz Solvas, Nuria Dunjó. Música: Natasha Pirard. Fotografía: Sandra Roca. Reparto principal: Kiara Arancibia, Julián Villagrán, Janet Novas, Petra Martínez. Producción: 3Cat, Astra Motion Pictures, Avalon, ICEC, ICAA, Krater Films, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Buena suerte, pásalo bien, no mueras’

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En qué plataforma ver Buena suerte, pásalo bien, no mueras

Un bucle narrativo que nos pasa examen y plantea dónde va nuestra humanidad

Cada vez son más voces que se suman a ideas como la que planteaba el cómic original de Valerian, que luego fue película con Valerian y la ciudad de los mil planetas dirigida por Luc Besson, el cual arrancaba con una propuesta bastante desalentadora en la cual la humanidad convive con sus máquinas y vive anclada a sus sillones o camas viendo constantemente entretenimiento. Esto es algo que años después, películas como Matrix o Wally también plantearon. Estamos abocados a vivir entretenidos y mantenidos por nuestras máquinas. Esta es quizás una de las muchas lecturas que plantea ‘Buena suerte, pásalo bien, no mueras’, pero hay más.

La nueva propuesta de Gore Verbinski se adentra en uno de los territorios más transitados (y, aun así, inagotables) del cine fantástico: los bucles temporales. Pero aquí no se trata únicamente de repetir eventos con ligeras variaciones, sino de utilizar esa repetición como reflejo de una sociedad atrapada en sus propios hábitos digitales. Verbinski, conocido por su capacidad para alternar entre lo comercial y lo inquietante, construye una obra que oscila entre la brillantez conceptual y el agotamiento estructural.

La película está fragmentada en episodios o flashbacks que, en más de una ocasión, parecen variaciones directas (casi calcos) de capítulos de ‘Black Mirror’. Y no es por usar una expresión fácil o muletilla recurrente, es que algunos argumentos los hemos visto tal cual en la serie de Charlie Brooker. Esta decisión narrativa tiene una doble lectura: por un lado, refuerza el carácter episódico de nuestra relación con la tecnología (consumo rápido, estímulo constante, poco tiempo para pensar), por otro, genera una sensación de déjà vu que puede resultar tan deliberada como cargante. Es una película que, como los propios algoritmos que critica, parece diseñada para retenerte incluso cuando ya estás saturado. Es evidente que en montaje las secuencias están planteadas para dar la sensación de scroll de red social y así potenciar esa sensación de repetición obsesiva. Desde luego tiene un ritmo deliberadamente imparable y frenético.

Humor negro y apocalipsis digital: cuando reír es incómodo y retratista

Donde la película encuentra su mayor acierto es en el uso del humor negro como herramienta de disección social. ‘Buena suerte, pásalo bien, no mueras’ no pretende sermonear, prefiere incomodar. El título funciona así como advertencia y sarcasmo: una frase que podría leerse en cualquier red social antes de un reto absurdo, pero que aquí adquiere tintes casi proféticos. Verbinski podría haber optado por mostrar personajes de esos que llevan al extremo su necesidad de validación digital, pero en lugar de ello prefiere tejer una serie de situaciones que nos muestra cuan idiotizados estamos.

La sombra de ‘Terminator’ planea sobre toda la obra, especialmente en su tratamiento de la inteligencia artificial como amenaza latente. No es una rebelión de máquinas inmediata ni espectacular, sino progresiva, silenciosa, integrada en nuestras rutinas. La película establece paralelismos emocionales con la relación entre Sarah y John Connor, trasladándolos a un contexto donde la “protección” ya no es física, sino digital: proteger la identidad, la autonomía y, en última instancia, la capacidad de decisión humana.

Aquí es donde Verbinski introduce una de sus ideas más inquietantes: la IA no necesita destruirnos, basta con sustituirnos. En un mundo saturado de contenido, donde los memes generados automáticamente inundan cada espacio de atención, el ser humano queda relegado a un papel secundario. La película sugiere que ya estamos viviendo ese proceso, y que lo que hoy parece entretenimiento trivial es, en realidad, el preludio de una obsolescencia colectiva.

Sam Rockwell y el arte de sostener el caos

En medio de este entramado conceptual se encuentra Sam Rockwell, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los intérpretes más versátiles de su generación. Su actuación es un equilibrio constante entre la extravagancia y la humanidad, entre el absurdo y la lucidez. Aunque el filme se compone de muchos secundarios y sus propias historias, Rockwell mantiene la obra viva.

Su personaje funciona como catalizador emocional dentro del caos estructural. Es consciente, en mayor o menor medida, del bucle en el que se encuentra, lo que le permite ofrecer momentos de ironía y desesperación a partes iguales. En ciertos pasajes, su interpretación recuerda a sus trabajos más excéntricos, pero aquí hay una capa adicional de desgaste psicológico que aporta profundidad al conjunto.

Estamos ante una película contradictoria: tan estimulante como exasperante, tan lúcida como alborotada. Verbinski plantea preguntas incómodas sobre nuestra dependencia tecnológica y con ello plantea un espejo en cuyo reflejo nos vemos todos y lo que vemos no siempre es agradable. Por ese planteamiento y por su calidad técnica, ‘Buena suerte, pásalo bien, no mueras’ es, sin duda, el mejor filme de Gore Verbinski en mucho tiempo.

Ficha de ‘Buena suerte, pásalo bien, no mueras’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: Good Luck, Have Fun, Don’t Die. Duración: 134 min. País: Estados Unidos. Dirección: Gore Verbinski. Guion: Matthew Robinson. Música: Geoff Zanelli. Fotografía: Jim Whitaker. Reparto principal: Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chandhry, Tom Taylor, Juno Temple Producción: 3 Arts Entertainment, Blind Wink Productions, Constantin Film, Robert Kulzer Productions, WAM Films. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘Incontrolable’

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En qué plataforma ver Incontrolable

Una lección feel good que acaba con el estigma cómico del síndrome Tourette

Durante décadas, el cine ha tratado el síndrome de Tourette casi exclusivamente como un artefacto cómico, una suerte de recurso narrativo para generar risas incómodas. Lo hemos visto en personajes puramente caricaturescos como los de ‘Gigoló’, en la versión más cómica de ‘The predator’ e incluso en títulos españoles como ‘Toc toc’. Por fin, con el estreno de ‘Incontrolable’, la gran pantalla abandona la mofa para abrazar la complejidad del individuo. Kirk Jones nos entrega un relato en clave dramática que, lejos de buscar la carcajada ante el exabrupto, se sumerge en la psique del protagonista para ofrecernos una visión mucho más humana, digna y, sobre todo, necesaria.

‘Incontrolable’ asume el reto de desarrollar un drama donde, si bien existen situaciones irremediablemente graciosas por la naturaleza del trastorno, estas no restan potencia al relato. Jones consigue que la película no caiga en la caricatura, logrando un equilibrio muy elegante y, sobre todo, profundamente humano.

La humanidad de Robert Aramayo y el reencuentro con Peter Mullan

No es de extrañar los premios que ha recibido Robert Aramayo por este papel. Su interpretación es un ejercicio de contención y verdad; no cae en la parodia y expone con una crudeza necesaria la incomprensión social y familiar que sufre su personaje. Es especialmente notable la química en pantalla al ver que Aramayo repite con Peter Mullan, con quien trabajó en ‘Los Anillos de Poder’. Pero es aún mejor la fórmula que se desarrolla con Maxine Peake. Esta dupla actoral protagoniza lo que quizás sea la faceta más ejemplar del filme. En sus escenas compartidas se desarrolla la intención principal de la obra: alcanzar la verdadera comprensión de un síndrome que aísla a quien lo padece.

De la impotencia adolescente al reconocimiento real

Se nota que el equipo de producción ha estado en estrecho contacto con el personaje real en el que se han inspirado, John Davidson. La narrativa nos guía por un viaje emocional que va desde la burla y la impotencia que vivió en su adolescencia hasta su consolidación como activista en la vida adulta. El guion no edulcora el camino lleno de piedras que Davidson tuvo que transitar antes de alcanzar sus pequeños y grandes éxitos.

El momento cumbre, que en su día llenó portadas, es su condecoración como Miembro de la Orden del Imperio Británico, recibida de manos de la mismísima Reina de Inglaterra. Sin embargo, Kirk Jones decide que este honor no sea el único foco, sino el símbolo de una lucha por la visibilidad. ‘Incontrolable’ termina siendo una pieza fundamental para dar voz a un colectivo que, por lo general, sufre el estigma de ser el centro de las bromas ajenas, transformando el dolor en una lección de resiliencia y lección de vida. La película se alza como una feel good movie genuina que inyecta una dosis de originalidad y frescura muy por encima de lo que veníamos viendo últimamente en el género biográfico. Es ese tipo de cine que te deja con el corazón hinchado y la mente mucho más abierta.

Ficha de ‘Incontrolable’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: I swear. Duración: 120 min. País: Reino Unido. Dirección: Kirk Jones. Guion: Kirk Jones. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: James Blann. Reparto principal: Robert Aramayo, Peter Mullan, Maxine Peake, Shirley Henderson, Scott Ellins Watson, Paul Donnelly, Douglas Rankine. Producción: One Story High, Tempo Productions. Distribución: SelectaVisón. Género: drama, hechos reales. Web oficial.

Análisis del magnífico pack de ‘Gaua’ en Blu-ray

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Un lanzamiento imprescindible para amantes del cine fantástico y las obras tratadas con mimo

Es una suerte compartir generación y momento cinematográfico actual con un cineasta como Paul Urkijo Alijo. Es de esos artistas que dentro de una década a o dos estará solicitado y encumbrado a más no poder y ver como paso a paso materializa su sueño es todo un privilegio para los que somos cinéfilo. Pero es que además se ha convertido en uno de los estandartes de la recuperación del folclore haciéndolo formar parte imprescindible del cine fantástico, el cual, vive un momento especialmente interesante en España

Pocas propuestas lo representan con tanta personalidad como ‘Gaua’, la obra dirigida por Paul Urkijo Alijo. Con una marcada identidad visual y un profundo respeto por la mitología vasca, la película se ha consolidado como una pieza de culto dentro del género. Ahora, de la mano de Divisa Films, llega una edición física que no solo hace justicia a la película, sino que eleva la experiencia a un nivel claramente pensado para coleccionistas.

Una edición física que apuesta por el formato premium

En un contexto dominado por el consumo digital, esta edición de ‘Gaua’ reivindica el valor del formato físico como objeto cultural y medio para expandir el conocimiento cinematográfico. No estamos ante un lanzamiento convencional, sino ante un producto cuidadosamente diseñado para quienes valoran tanto la obra como su presentación.

El conjunto viene presentado en un estuche exterior que protege y realza el contenido, dando paso a una edición interna igualmente elaborada. Este tipo de planteamiento convierte la compra en algo más que adquirir una película: es incorporar una pieza de colección a la estantería.

En el interior encontramos un segundo estuche en formato tríptico, que actúa como núcleo de la edición. Este diseño no solo resulta visualmente atractivo, sino también funcional, organizando de forma clara todos los elementos incluidos. El contenido se distribuye de la siguiente manera: un disco con la película, un disco adicional dedicado exclusivamente a los extras, un libro con abundante información y fotografías del proceso de creación a todo color y una tarjeta que sirve de tarjeta de presentación para la versión en blanco y negro. Por supuesto todo con textos en español y en euskera.

El libro merece una mención especial, ya que aporta contexto, detalles de producción y material gráfico que enriquecen enormemente la experiencia. No es un simple añadido, sino un complemento que amplía el universo de ‘Gaua’ y permite al espectador profundizar en su propuesta artística sin ni siquiera haber pulsado aún el play.

El cuidado de Paul Urkijo Alijo: una garantía de calidad

Uno de los aspectos más destacables de esta edición es el evidente mimo puesto en su desarrollo. Se percibe claramente la implicación de Paul Urkijo Alijo, quien ha demostrado estar muy encima del producto final, asegurando que cada elemento esté a la altura de la obra original.

Este nivel de implicación no es habitual en la industria y se traduce en un resultado que transmite pasión por el cine y respeto por el espectador. El conjunto es, sencillamente, una gozada para cualquier aficionado que valore el formato físico y las ediciones cuidadas.

Aunque recomendamos ver la película en su versión original podéis disponer de los siguientess idiomas: Castellano y Euskera 5.1 DTS-HD MA y 2.0 Estéreo; Audiocomentarios director Castellano y Euskera; Audiodescripción Castellano Discapacidad Visual con mezcla película Castellano y Euskera; Lenguaje Signos Discapacidad Auditiva.

Extras en disco de la película

Edición en blanco y negro de la película

El cuidado estético del director en cada una de sus películas es digno de elogio. En concreto con ‘Gaua’ es la dificultad de rodar tanto de noche lo que ha hecho que este título sea aún más meritorio. A menudo Paul Urkijo recibe el elogio de ser comparado con Robert Eggers en su fotografía. Ahora más que nunca, nos deja pasmados con una versión en blanco y negro que lleva más allá la experiencia de este filme.

Extras en disco de extras

Making of

Clásico reportaje o documental en el que vais a apreciar la pasión con la que el equipo se enfrenta a las dificultades de la noche y podréis apreciar aún más el arte de producir una película como esta, descubriendo capa a capa su concepción.

Breakdowns de VFX

El despliegue de efectos especiales de ‘Gaua’ no tiene nada que envidiar a una superproducción. Cromas y animatróncos conviven en esta obra haciendo gala de una buena simbiosis entre artesanía y últimas tecnologías.

Cómo se hizo: Los grabados de Gaua

Como siempre, Paulo Urquijo al hijo introduce su película con una secuencia que sirve a modo prólogo en el cual, como siempre, nos deja boquiabiertos. En este caso, ha realizado a mano un retablo que nos sirve de minicuento y que aquí podemos ver cómo se elaboró completamente a mano.

Construcción del bosque

Storyboard, platós, localizaciones. El bosque juega un papel vital en esta historia. A Urkijjo le encantan los entornos vivos y en ellos intenta siempre emplazar sus historias. Pero en ‘Gaua’ ha jugado de tal manera que ha hecho falta hacer uso de algún que otro artificio más.

Galerías

Fotografías, arte conceptual previo al rodaje, instantáneas durante la filmación o storyboards que sirven de pequeña masterclass sobre cómo concebir una obra como esta.

Timelapses de maquillaje

Como decíamos, Urkijo Alijo gusta siempre de recurrir a lo tangible. Por desgracia para sus actores y para gusto de los espectadores esto conlleva maquillar y recubrir de prostéticos a aquellos que interpretan sus criaturas. El trabajo es laborioso y a modo de timelapse vemos como se hicieron seres como Inguma, Akerbeltz, Kattalin o Maritxu.

Tráiler y teaser

En sus versiones en V.O., V.E. y V.O.S.E. podéis ver estos tráilers que a diferencia de otros, no destripan la historia en dos minutos y son buen gancho para la fantasía que os espera.

Análisis del pack con Sisu 1 y 2 en Blu-ray

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Dos entregas que son literalmente inmortales

Decir que Sisu es inmortal es hablar con dobles sentidos pues además de tratar sobre un personaje imbatible hablamos de un tipo de humor que perdurará en el tiempo y que seguro que permanecerá en tu estantería pasando de una generación a otra. El fenómeno de ‘Sisu’ se ha consolidado como una de las propuestas más contundentes del cine de acción europeo reciente. Con su mezcla de violencia estilizada, ambientación bélica y un protagonista implacable, la saga dirigida por Jalmari Helander ha conseguido ganarse un hueco entre los aficionados al género.

Ahora, gracias a Arvi Licensing, llega al mercado un pack que reúne las dos películas publicadas hasta la fecha, convirtiéndose en una opción ideal tanto para nuevos espectadores como para aquellos que siguen este filme desde su proyección en festivales.

Un lanzamiento que reúne la saga completa hasta la fecha

Este pack de Sisu ofrece la oportunidad de disfrutar de las dos entregas disponibles en una única edición. Se trata de una propuesta especialmente atractiva para quienes buscan tener la colección completa en formato físico, algo cada vez más valorado en un contexto dominado por plataformas digitales pues antes o después las películas desaparecen de los catálogos.

La figura de Aatami Korpi, ese buscador de oro convertido en máquina de guerra, se consolida a lo largo de ambas películas como uno de los personajes más icónicos del cine de acción contemporáneo, elevando la saga a un estatus de culto.

Presentación y formato: sencillez funcional para el coleccionista

A diferencia de otras ediciones más recargadas, este pack apuesta por una presentación más funcional, reuniendo ambas películas en un mismo estuche y un interior a modo de libro alojando ambas películas en discos independientes. Y aunque la caja sea la clásica amaray al menos ambos blu-rays están serigrafiados con el cartel del filme.

Datos técnicos

Audios: Alemán DTS HD Master Audio 5.1, Castellano Dolby Digital 5.1, Inglés DTS HD Master Audio 5.1, Italiano DTS HD Master Audio 5.1

Calificación: No recomendada para menores de dieciséis años

Formato: Blu-ray

Formato de imagen: 2.40:1

Subtítulos: Alemán, Castellano, Estonio, Holandés, Inglés, Italiano, Letón, Lituano, Portugués, Turco

Zona: FREE

Extras en Sisu (25 min. aprox.)

Making of (24:25 min.)

Por suerte en estos extras se habla mucho más que en la película. Casi media hora de reportaje hablando sobre la concepción de este personaje y los retos que representa. Una película de guerra contra nazis en Finlandia es un rara avis, pero no es el único hándicap que el equipo de rodaje manejó para dar vida a esta especie de Chuck Norris europeo. Materializar escenas cada vez más locas, generar acción en un terreno baldío, dar vida a un héroe “creíble”, conectar con algún que otro elemento histórico…

Superar los límites de la realidad: los efectos visuales de Sisu (10:48 min.)

Que lo del aguante de Rambo en sus aventuras no es realista lo tenemos asumido. Pero lo de ‘Sisu’ traspasa la realidad hasta lo sobrenatural y surrealista. Para hacer todo esto más allá de contar con buenos especialista ha habido que tirar de efectos digitales capaces de mostrar en pantalla escenas completamente demenciales.

Extras en Sisu 2 (4 min. aprox.)

Subiendo la apuesta (3:03 min.)

Básicamente es una especie de tráiler en el que se sacan a relucir dos elementos claves: la acción va mucho más allá, sin límite alguno. Y se suman actores de la talla de Stephen Lang como antagonista de un héroe que gana trasfondo.

Escenas eliminadas (00:41 min.)

Una única escena en la que se realiza un pago y en la que por supuesto Aatami no pronuncia palabra.