Archivo por días: 12 octubre, 2025

Crítica: ‘La vida de Chuck’

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Sinopsis

Dirigida por Mike Flanagan (La maldición de Hill House; Doctor Sueño) y protagonizada por Tom Hiddleston (Los Vengadores; Thor),  La vida de Chuck cuenta una emocionante historia, narrada en orden inverso, sobre un hombre común cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo. A medida que la cinta retrocede, descubrimos fragmentos clave de su pasado: su trabajo, su amor por la música, y sus luchas personales. Un increíble relato que entrelaza elementos realistas con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.

Crítica

La vida está para vivirla y esto es lo que nos enseña Chuck

Cada vez que pienso en ‘La vida de Chuck’ más me gusta. Una película tan bonita, aterradora y que deja un poco de tranquilidad que simplemente, solo y únicamente la podía haber dirigido Mike Flanagan. Sin duda el director, es de los mejores en captar el lado más humano de las historias de Stephen King y es que aquí lo borda.

La vida de Chuck, es un relato corto que encontramos en dentro del recopilatorio de cuentos de ‘La sangre manda’ y es un cuento que comienza por el final, un viaje hacia el terror existencialista, el qué pasará si simplemente desaparecemos hasta llegar al principio de todo y a ese por qué ha ocurrido todo lo que hemos visto. Aunque sin duda te lo ves venir. Pero la sorpresa no está ahí, está en su final. Del cual me encantaría debatir aquí, pero al final sería un spoiler y no estoy aquí para esto. Si no más bien para daros mi humilde opinión y por lo que podéis ver, es bastante positiva.

Antes de nada, aunque el cuento es muy bueno y bastante igual, recomendaría no leerlo, y es simplemente porque la primera parte de éste y por supuesto de la película es igual y creo que quita un poco la desazón que pretenden darnos. Pero esto como digo, como opinión, por supuesto si lo has leído no ocurre nada. Simplemente ya sabes que va a pasar.

Flanagan nos presenta una película bastante luminosa, pese a su comienzo tan desolador. Pero nos muestra a este hombre normal, a Chuck un hombre desconocido que comienza a aparecer en todos los lugares de mundo, un simple contable que parece muy querido por los suyos.

Tom Hiddleston está maravilloso. Brilla en cada escena, en las felices y en las no tan felices. La escena del baile me parece de las cosas más chulas que he visto en tiempo y esa libertad de escoger pasos, de moverse, de estar vivo en ese mismo momento. Es una delicia.

En el reparto encontramos caras muy conocidas, como, Karen Gillian, Samantha Sloyan, Mia Sara, Michael Trucco, Rahul Kohli, Annalise Basso, Kate Siegel, Jacob Tremblay, Chiwetel Ejiofor, Carl Lumbly o Mark Hamill. Todos y cada uno, dando su granito de arena en esta historia tan íntima, en este cuento que nos habla de la existencia.

La banda sonora es uno de los puntos fuertes, tan cósmica y natural que logra su cometido y es adentrarnos muchísimo en toda la historia que tenemos delante. Esto es gracias a The Newton Brothers, los cuales ya han realizado las bandas sonoras de muchos de los trabajos de Mike Flanagan.

Poco más que añadir de ‘La vida de Chuck’. Como he dicho, realmente me pillaría horas hablado de ella y debatiendo. Id al cine y disfrutarla que es una película que merece mucho la pena. 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: The life of Chuck. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Flanagan. Guion: Mike Flanagan, novela de Stephen King. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Eben Bolter. Reparto principal: Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak, Cody Flanagan, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan Mia Sara, Carl Lumbly, Mark Hamill, David Dastmalchian, Harvey Guillén, Michael Trucco, Matthew Lillard, Mark Hamill, Rahul Kohli. Producción: Intrepid Pictures, Red Room Pictures, QWGmire. Distribución: Diamond Films. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/la-vida-de-chuck

Crítica: ‘Silencio’

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Sinopsis

Dos hermanas vampiras luchan por sobrevivir durante la Peste Negra. Siglos después, su descendiente enfrenta retos similares en la España de los 80s. Una historia sobre prejuicios, amor prohibido y el peso del silencio a través del tiempo.

Crítica

Casanova establece una nueva y valiosa metáfora

Eduardo Casanova debuta como director en el formato seriado con ‘Silencio’, una miniserie de tres capítulos producida por Movistar Plus+ (estreno el 1 de diciembre) que lleva su sello visual extremo y su sentido del humor incómodo a un nuevo terreno: el del mito vampírico. La serie confirma que el creador de ‘Pieles’ y ‘La Piedad’ sigue empeñado en convertir el exceso o lo kitsch en un vehículo de emoción, identidad y denuncia.

‘Silencio’ se plantea como una tragicomedia de terror queer rodada en 16 mm, donde lo grotesco y lo poético conviven con naturalidad. La historia salta entre dos tiempos: la peste negra y la España de los años 80, cuando la epidemia del VIH marcó a toda una generación de un modo similar a la que asoló Europa en la Edad Media. En ambos periodos, unas vampiras enfrentan un mismo mal: el miedo m, la agresividad y el silencio que impone la sociedad ante lo diferente. En esa condena, Casanova encuentra una poderosa metáfora de la exclusión y el deseo reprimido, pero sobretodo una manera de dar visibilidad a figuras que permanecen en la sombra, las mujeres que tienen VIH y los personajes vampíricos femeninos.

Visualmente, la serie es un despliegue de color, textura y teatralidad. Cada plano parece un cuadro barroco iluminado por los diferentes tonos de rosa. Una mezcla de lo sagrado y lo hortera que ya define al director. Pero aquí ese estilo no es un capricho: el artificio se convierte en lenguaje emocional. Los cuerpos pálidos, los decorados imposibles y los diálogos cargados de humor negro no son una mera parodia, sino una forma de exorcismo. Casanova se atreve a usar la estética como catarsis, igual que Taika Waititi se sirvió de la comedia para humanizar a los vampiros en ‘Lo que hacemos en las sombras’, pero desde una sensibilidad profundamente española y queer.

Como suele hacer Paco Plaza en sus películas, Casanova usa canciones populares del último cuarto del siglo XX como un anzuelo emocional, un guiño al espectador que mezcla nostalgia y terror. Bajo su apariencia, ‘Silencio’ es una obra profundamente política y social: habla del miedo al contagio, de la soledad y de la necesidad de amar pese al juicio ajeno.

Si algo parece querer complacer ‘Silencio’ es a aquellos que necesitan voz y si algo parece querer provocar, es a los que se regodean en la incomprensión. Es incómoda, excesiva y sincera, pero también jocosa. Casanova firma una obra que, más que reinventar el vampirismo, lo utiliza para enfrentarnos a nuestros propios monstruos, centrándose en ese silencio que aún pesa sobre muchos aspectos de nuestra realidad.

Crítica: ‘Decorado’

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Sinopsis

Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.

Crítica

Lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta

Una de las referencias que en algunas fases de ‘Decorado’ pueden venirnos a la cabeza es ‘El show de Truman’. La película consiste en el despertar de una persona que descubre que su mundo es una impostura, que su vida está llena de gente que finge constantemente. Evidentemente los derroteros son otros, esto que acabo de decir no es un spoiler, pero hay ahí un estudio similar de la condición humana. En Decorado, Alberto Vázquez construye un espejo distorsionado que nos obliga a mirar hacia nosotros mismos, a revisar nuestras máscaras, tanto las que nos ponen como las que voluntariamente aceptamos. Su película se mueve tanto en la sátira como en la reflexión existencialista, y lo hace a través de animales antropomórficos que resultan irónica y extremadamente humanos.

Alberto Vázquez continúa con su exploración de lo humano mediante un imaginario antropomórfico. En Decorado, protagonizada por ratones (Arnold y María) la trama parte de una crisis existencial: crisis laboral, matrimonio en ruinas, sensación de absurdo, sospecha de que todo lo que rodea al protagonista es una gigantesca farsa. El tema del consumismo está sobre la mesa, pero más todavía la cuestión de cómo las corporaciones (aquellas entidades omnipresentes y omnipotentes) moldean escenarios donde los individuos pierden autonomía; donde la personalidad, las relaciones y la salud mental se ven comprometidas. En ‘Decorado’, la megacorporación ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency) funciona como símbolo de un poder que lo fabrica absolutamente todo, definiendo la estética, los roles, la ilusión de bienestar.

Ese decorado artificial alimenta un sentimiento de alienación profundo. Arnold no solo se enfrenta al mundo externo, sino a sus propias dudas: el síndrome del impostor cobra vida, la depresión aparece como un fantasma continuo, la vida íntima se resiente. Vázquez no ahorra crudeza ni violencia, ni visual ni psicológica. La película se erige como quizá la más pesimista y deprimente de sus obras, en la que la comedia se mezcla con la tragedia, y la fantasía con la pesadilla.

Visualmente, ‘Decorado’ destaca: su dirección de arte, a cargo de José Luis Ágreda (‘Robot dreams’), trae consigo una paleta que no renuncia a colores chillones, pero sí están rodeados de oscuridad. Los escenarios son ricos, trazados con cuidado y cargados de todo detalle. Los animalitos transmiten emociones muy humanas. Todo esto crea una extraña empatía y al mismo tiempo una distancia inquietante. Queremos acercarnos a achuchar y consolar a los personajes, pero a la vez queremos rehuir su mundo herido y sucio. Esa yuxtaposición es muy característica del cine de Vázquez: lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta.

El guion, firmado junto a Francesc Xavier Manuel, no elude lo contemporáneo: la dificultad para encontrar un trabajo digno, la precariedad, la imposibilidad de vivienda estable, la salud mental como asunto pendiente, relaciones vacías en eras tecnológicas, amistades que parecen puestos de utilería. Todos estos elementos forman parte de la fábula crítica compuesta para interrogar no solo lo que somos sino lo que aceptamos que seamos. La película obliga al espectador a verse reflejado, a pensar si su vida está siendo decorada por otros, si ha aceptado roles sin cuestionar. Esa lucidez resuena con frases como “No es síntoma de salud estar adaptado a una sociedad enferma” o “El mundo es un maravilloso escenario, pero tiene un reparto deplorable”.

Y aunque su retrato de la depresión y de la hipócrita sensación de cuidado que recibimos por parte de las multinacionales están muy bien reflejadas, sí que hay que advertir que ‘Decorado’ transmite demasiada pesadumbre. Esto es reflejo de haber conseguido una buena obra, de esas que calan en el espectador, pero para algunos, la opresión continua puede resultar agotadora, puede faltar un respiro o una luz al final que ofrezca cierto alivio, aunque claro, esa quizá no sea la intención principal. Y tal es la complejidad elaborada que en ocasiones el ritmo oscila, se siente que hay tantas capas simbólicas que puede perderse parte de la claridad en el mensaje.

Como siempre, no hay que confundir animación con producto infantil o alegre. Si buscas una película amable y liviana, ‘Decorado’ no es eso. Si buscas algo que te deje machacado, cuestionándote cuánto de lo que haces, piensas o sientes es auténtico, y cuánto parte de una función en un decorado gigantesco, entonces esta obra de Alberto Vázquez es imprescindible para ayudarte a desenredar tus ideas. ‘Decorado’ se alza como una visión feroz de lo que somos cuando aceptamos fingir, pero también como prueba de que todavía hay memoria, hay martillazos de verdad que importan y hay afecto real que resiste.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Decorado. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Guion: Alberto Vázquez, Francesc Xavier Manuel Ruiz. Música: Joseba Beristain. Reparto principal (doblaje original): Chelo Díaz, Daniel Lema Blanco, Damián Cortés, Luís Iglesia Besteiro, Óscar Fernández, Gaspar González Somoza. Producción: Abano Producións, UniKo, The Glow, Sardinha em lata, María, Arnold AIE. Distribución: Barton Films. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://www.uniko.com.es/filmografia/#Decorado

Crítica: ‘Esa cosa con alas’

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Sinopsis

Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.

Crítica

Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión

Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.

El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.

Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.

Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.

Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.

‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música: Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers

Crítica: ‘La leyenda de Ochi’

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Sinopsis

Una niña descubre los misterios de la comunicación animal.

Crítica

Ni su sabor a fábula escandinava, ni la impresionante expresividad de sus animatrónicos consiguen transmitir algo más allá de lo visualmente cautivador

Con ‘La leyenda de Ochi’, Isaiah Saxon y A24 entregan una obra que parece surgir de un sueño febril y lúcido, un híbrido entre fábula escandinava y cine indie contemporáneo. La película no es solo un relato de aventuras, es un ensayo visual sobre la memoria de los mitos y la interacción entre humanidad y monstruosidad. En su estructura y tono, remite inevitablemente a ‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero lo hace desde un lugar inexplorado: el norte de Europa, entre bosques brumosos y aldeas que parecen extraídas de un cuento de otra época.

Desde el primer plano, la película demuestra una obsesión estética que roza lo pictórico. La saturación cromática de cada escena, tan cuidada que recuerda a un cuento en technicolor, tiene la meticulosidad de un Wes Anderson. La música, pausada y con tintes melancólicos, se entrelaza con la flema de los diálogos, creando un ritmo hipnótico que no busca la espectacularidad sino la contemplación. Cada gesto de los personajes, cada movimiento de cámara, parece meditado para reforzar esa sensación de atemporalidad.

El universo de ‘La leyenda de Ochi’ es igualmente fascinante. La isla protagonista recuerda poderosamente a Isla Melé de ‘Monkey Island’, pero habitada por criaturas que son tanto entrañables como peligrosas. La población humana ha sufrido las embestidas de estos monstruos: personas con miembros amputados conviven con los que los temen y los veneran. La protagonista, una niña huérfana de madre entrenada para cazar a las criaturas, fracasa en su cometido y encuentra en la amistad con Ochi, un ser híbrido entre mono y vampirillo, la llave de una reconciliación imposible entre especies. De nuevo símiles y reminiscencias inevitables con la película de Dean DeBlois y Chris Sanders. Esta criatura, trabajada mediante animatrónicos con una expresividad sobresaliente, logra transmitir simultáneamente ternura y ferocidad, recordándonos que la línea entre lo temible y lo adorable es frágil y difusa cuando estamos en plena naturaleza.

La narrativa también juega con un anacronismo deliberado: casas de techo vegetal, armaduras y lanzas conviven con coches, postes eléctricos y abrigos de pluma. Esa mezcla de tiempos históricos crea un espacio liminal donde lo mítico se encuentra con lo cotidiano, reforzando la sensación de que estamos ante un relato fuera del tiempo. Saxon, lejos de limitarse a emular los clásicos de animación, transforma los elementos del cuento en un discurso sobre la convivencia y la violencia latente de la civilización.

Sin embargo, lejos de innovar, ‘La leyenda de Ochi’ se queda atrapada en su propia estética. La narrativa avanza con una lentitud que roza el tedio, y los paralelismos con clásicos animados no aportan novedad alguna. La película parece depender exclusivamente de su impacto visual, mientras desaprovecha el potencial dramático y emocional que podrían haber aportado sus actores. Emily Watson y Willem Dafoe, dos talentos de primer nivel, quedan reducidos a meros adornos en una historia que no les permite explorar profundidad alguna.

‘La leyenda de Ochi’ es un ejercicio visualmente atractivo, pero excesivamente superficial. La mezcla de technicolor, animatrónicos y ambientación nórdica no logra sostener una narrativa que resulta monótona y previsible. La película se percibe como un bello envoltorio sin contenido sólido: la relación humano-monstruo, la tensión moral y la fábula de convivencia apenas se desarrollan, dejando al espectador más frustrado que fascinado. Una obra que, pese a su atractivo estético, termina siendo excesivamente aburrida y desaprovecha tanto sus recursos técnicos como a su destacado elenco. Incluso su final, que se supone que tiene que transmitir unas lágrimas que traspasan la pantalla, no logra contagiar al público por forzado y mal cimentado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: The legend of Ochi. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Isaiah Saxon. Guion: Isaiah Saxon. Música: David Longstreth.  Fotografía: Evan Prosofsky. Reparto principal: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, AGBO, Encyclopedia Pictura, Nieghborhood Watch, Year of the rat. Distribución: A Contracorriente Film. Género: fantástico, aventuras. Web oficial: https://a24films.com/films/the-legend-of-ochi

Crítica: ‘La hermanastra fea’

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Sinopsis

En una versión retorcida del clásico cuento de Cenicienta, ‘La hermanastra fea’ sigue a Elvira, mientras tiene que competir con su preciosa hermanastra. En un reino de cuento de hadas donde la belleza es un negocio despiadado, Elvira hará todo lo que haga falta para captar la atención del príncipe. ‘La hermanastra fea’ es el sangriento relato  de la sangre, sudor y lágrimas necesarias para convertir a Elvira en la reina del baile.

Crítica

Un cuento bastante gore

Tenemos ante nosotros una versión más de ‘La Cenicienta’. Una de cientos, tanto orales, como escritas, este cuento ha tenido un montón de interpretaciones distintas, muchas de ellas bastante crueles y hasta un tanto gore.

En este caso, ‘La hermanastra fea’ nos trae la versión de una de las hermanastras de Agnes (Cenicienta) y es la menos agraciada de todas. Elvira, interpretada por Lea Myren, es una joven con el deseo más grande del mundo y es casarse con el príncipe. Para ello, va a sufrir un sinfín de dolores para conseguir ser guapa. Las cirugías que vemos en esos tiempos son terribles. Se arregla la nariz, el pelo e incluso toma un remedio para adelgazar. Este remedio será definitivo.

La película es bastante entretenida y desagradable la verdad. Si que es cierto que, si habéis visto el tráiler, sabéis a lo que vais, pero, aun así, hay escenas un tanto fuertes para estómagos especiales, porque uno de los puntos fuertes es que está bastante bien hecha.

La historia, pues lo de siempre, cambia un poco, pero en general, la envidia hace que Agnes, la dueña del castillo, al morir su padre, termine limpiando todo y compitiendo con Elvira. Si que es cierto que no coges mucho cariño a ninguno de los personajes en general, y eso hace que te de un poco igual lo que les pase a cada uno, simplemente, vamos viendo la historia y lo único que interesa es que locura va ha hacer Elvira para lograr ser más guapa.

Si que me gusta que ningún personaje es bueno, todos tienen su lado oscuro, incluida Agnes, nuestra cenicienta, que desesperada por salir de esa casa, donde ni si quiera la han dejado enterrar a su padre, decide luchar por el amor del príncipe pese a estar enamorada de otra persona.

Emilie Blichfeldt, elige una atmósfera muy oscura y sucia. La película es bastante tosca en ese sentido, los lugares que tienen que ser bonitos, de lo recargados que están, logran desagradar. Pero se nota que es su intención y que al final veas que nada en este cuento es bonito. Para ser su debut, la verdad que tiene todo muy bien pensado. Y es que visualmente, ‘La hermanastra fea’ está muy bien cuidada.

‘La hermanastra fea’ tiene mucha crítica hacia el tema de la belleza por encima de todo. Las operaciones, las locuras de introducirnos algo en el cuerpo con la ilusión de que adelgazaremos pronto sin saber que va hacernos o mutilar algo de nosotros mismos para lograr ser más perfectos. Todo esto está aquí, además desde mi punto de vista, la envidia entre mujeres, porque si Elvira y Agnes hubiesen trabajado juntas, hubiesen sido felices cada una por su camino, pero no. Claro, que, si no, no tendríamos películas. Para terminar, contaros, que tenéis una escena post-créditos, es cortita, pero creo que es bastante significativa. 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: Den Stygge Stesosteren. Duración: 110 min. País: Noruega. Dirección: Emilie Blichfeldt. Guion: Emilie Blichfeldt. Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Lea Myren, Thea Sofie Loch Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gardinger, Ralph Carlsson, Isaac Aspberg. Producción: Lava Films, Motor MER Film, Zentropa International Sweden. Distribución: Betafiction. Género: Terror. Web oficial: https://betafiction.es/cine/la-hermanastra-fea/