Archivo por días: 10 octubre, 2025

Diario de Sitges 2025. 10 de octubre

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Mitos como Dante, Kaufman, Crampton y Band reciben sus justos aplausos del fandom

Hoy ha sido el día en el que nuestra niño y adolescente interior se han reencontrado. Hemos coincidido con Joe Dante (‘Gremlins’), Lloyd Kaufman (‘El vengador tóxico’) y Barbara Crampton (actriz) y Richard Band (compositor) de ‘Re-animator’. Con todos ellos hemos tenido encuentros muy de cerca y podemos aseguraros que son francamente cercanos a pesar del gran legado que han dejado en el fantástico.

Lloyd Kaufman nos ha concedido una entrevista que podréis ver pronto en nuestro canal de Youtube. El artífice de las películas de la Troma además ha estado en un encuentro con fans. Hemos comprobado como las películas que ha hecho siempre son fiel reflejo de su personalidad. Es una persona que no sabe responder a una pregunta sin tener un chiste en la boca. Muy divertido, muy sensato y muy consciente de que hay que agradecer a todo lo que rodea al cine independiente y a festivales por dar voz a su cine. Es un un chorro de energía con patas. “Hago muchas bromas, pero de verdad estoy agradecido al festival y a Angel Sala por estar aquí” dijo en varias ocasiones. “La comedia es subjetiva, lo que hace gracia en California a lo mejor no hace gracia en España” comentó. “El vengador es una re-imaginación a la que el público general le puso las pilas. Pero ahora surgen talentos de la escuela de la Troma como James Gunn, quien ha hecho historia. Hacía mis películas y ahora tiene su estudio, hace ‘Superman’…” dijo orgulloso. Sus películas se han basado siempre en usar efectos prácticos y le preguntaron al respecto: “el CGI o la IA son grandes herramientas. Si te gustan… Hay quienes van a los Oscar diciendo, “no usen IA” (con tono burlón). El punto es, que no quieren competencia. Creo en la mezcla de ambas técnicas”. Ya fuera de micro Kaufman nos ha contado que tiene o tuvo un acuerdo con Santiago Segura para rodar una película de El Vengador Tóxico.

Por otro lado hemos estado en otro encuentro con público con Joe Dante, podéis encontrar algunos fragmentos en los shorts de nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Recibió preguntas sobre si tenía futuros proyectos, reiterando qeu está retirado. Evidentemente surgió la pregunta ¿qué pasa con Gremlins? Pero el tema se derivó más hacia las nuevas tecnologías que hacia una tercera entrega o a la bastante ignorada serie de HBO: «normalmente me preguntan por la 3. El tema de la IA para recrear gremlins es interesante. Se está usando bastante en política y anuncios. Puedes hacer una película entera en unos días con un ordenador. Es el futuro» atajó. Cabe señalar que previamente, en su primera declaración, se declaró en contra de Trump y todo el tema del Nobel de la Paz. Durante la charla se habló de ‘The ‘Burbs’ y su relación con , su live action con los Looney Tunes, de las lecciones que extrajo en su época con Roger Corman, de cómo contribuyó a la serie ‘Police squad’ de la cual surgió ‘Agárralo como puedas’. Y quizá ahí llegó la declaración más dolorosa o llamativa, rechazó en su día dirigir ‘Airplane’, conocida en España como ‘Aterriza como puedas’.

‘Good boy’ (crítica completa)

Sin duda una de las películas que más esperaba de este Sitges Festival y por supuesto de este año y qué deciros, que me ha gustado. Es una cinta que no da para mucho, de ahí su duración y sin duda la estrella es Indy, ese perro que ve presencias y que solo quiere intentar alejarlas de su dueño.

La cinta está bien dirigida, además juega muy bien con el entorno, una casa vieja llena de recovecos y con un montón de materiales por todos lados capaces de crear infinidad de sombras. Además, como digo, está Indy, este perro es una maravilla y es que actúa muy bien. Para ello han contado con más de 3 años de rodaje para que el animal pudiese tener sus descansos y poder sacar lo mejor de él como actor y es que Indy es el compañero del propio director y por supuesto nadie quería que sufriese estrés.

‘Good Boy’ os va a gustar si no esperáis demasiado de ella y disfrutáis con una buena dosis de tensión y algún susto que otro.

Comentado por Vicky Carras.

‘Primate’

Qué maravilla y que locurón. Un slasher en el que el asesino es un chimpancé que pertenecía a una familia. La rabia siempre ha sido protagonista de muchas películas y aquí la vemos más desatada que nunca. Increíble cinta llena de violencia y muertes salvajes. Con unos increíbles efectos especiales. El mono es una pasada, está súper bien hecho.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido que la película dura muy poquito y aún así va al grano. Con una leve presentación de personajes, lo suficiente para que los conozcas un poquito y no les cojas demasiado cariño, después de esto, preparaos para la fiesta. Sin duda una de las grandes sorpresas del festival y ya os digo, sorpresa de 2026 pues llega a cines en enero gracias a Paramount Pictures.

Comentado por Vicky Carras.

‘Rabbit Trap’ (crítica completa)

‘Rabbit Trap’, dirigida por Bryn Chainey, se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, supone un giro extraño en su carrera tras ‘Monkey Man’ y sus colaboraciones con Wes Anderson. Aquí encarna a un obsesivo del sonido que, junto a Rosy McEwen (magnética y con un aire a Nicole Kidman) explora grabaciones que van más allá del ASMR hasta rozar lo ancestral.

El filme combina folk horror, psicofonías, traumas y rituales, con imágenes hipnóticas donde las ondas sonoras se funden con bandadas de pájaros. Sin embargo, el montaje confuso y el exceso de simbolismo dejan demasiadas preguntas abiertas, frustrando parte de su potencial.

Es un experimento visual y poético difícil de ignorar y también de aprobar que está más cerca del terror elevado que del folk horror. Arriesgada, críptica y perturbadora, confirma a McEwen como revelación y coloca a Patel en una de las etapas más desconcertantes de su carrera.

Comentado por Furanu.

‘Tornado’

Después de liarla tras robar el oro de la peligrosa banda de criminales liderada por Sugarman, Tornado se ve envuelta en una terrible lucha de supervivencia. Cuando asesinan a su padre, ella intentará vengarse. ‘Tornado’ ha sido una grata sorpresa. No me esperaba mucho de este western y la verdad que está muy bien dirigido. Con un reparto lleno de estrellas, Tim Roth, Takehiro Hira, Jack Loeden o Rory McCann. La película es ágil y tiene unas imágenes bastante intensas.

John Maclean, director y guionista de la cinta, nos muestra que a día de hoy se pueden hacer buenas películas sin mucha complicación. En la fotografía encontramos a Robbie Ryan, encargado de darnos unas imágenes preciosas llenas de fuerza y con muchos detalles de los verdes bosques de Escocia, donde está ambientada la cinta. Un gran acierto al ser un lugar distinto con el que pueden jugar con la naturaleza que hay alrededor. ‘Tornado’ es una propuesta interesante y diferente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Xana y el secreto del tiempo’ (crítica completa)

‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es un film de animación chino que deslumbra por su calidad técnica: partículas, pelos, materiales y paisajes con un nivel casi hiperrealista. No obstante, los protagonistas tienen un acabado plástico que resta expresividad emocional.

La película propone una aventura con resonancias de Tintín, Indiana Jones o Lara Croft, combinando objetos mágicos, amistad, viajes y un componente de ciencia ficción gracias al viaje en el tiempo, evocador de ‘Prince of Persia’ o ‘Flash’.

El mayor acierto es su escala visual y la imaginación del guion; el mayor defecto, cierta rigidez expresiva en momentos importantes. En definitiva, una aventura cautivadora, visualmente sorprendente, para quienes valoran tanto la fantasía como la animación oriental.

Comentado por Furanu.

‘Blazing fist’ (crítica completa)

‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, con momentos memorables, sobre todo para quienes disfrutan del Takashi Miike más emocional y menos inclinado al exceso grotesco. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles. Si te acercas con ese ánimo, puede funcionar. Pero sobre todo ten en cuenta que el filme parece hecho para un público muy fan y muy juvenil pues tiene varias escenas un tanto videoclipistas, enseñando cacho y sobretodo recreándose con el rostro de los protagonistas. De hecho, hay en el reparto varios idols como Gackt o Kaname Yoshizawa.

Comentado por Furanu.

‘Occupy Cannes’

Sexo, violencia y cantidad ingentes de sangre es lo que vemos en las películas de la Troma. Cintas como ‘El Vengador Tóxico’ o ‘Tromeo y Julieta’ son parte de su catálogo. Cine independiente que necesita cierto presupuesto para poder seguir existiendo. De ahí está esta incursión a Cannes en busca de distribución para su último trabajo, ‘Return to Return to Nuke ‘Em High’’.

En el documental vemos cómo van poco a poco van liándola por la ciudad francesa mostrando cómo son ellos y su cine, con pancartas, su personaje de Toxie, su gente desnuda corriendo… Por supuesto todo en nombre del arte, algo que a la policía francesa no hizo nada de gracia. El documental es un poco queja de cómo se trata al cine independiente. Y también es una carta de amor hacia el trabajo de esta compañía.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Blazing Fists’

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Sinopsis

Ikuto y Ryoma se conocen en un centro de detención juvenil y se convierten en mejores amigos. Ambos persiguen su sueño de participar en el evento de artes marciales Breaking Down. Sin embargo, las rivalidades pronto convierten sus sueños en conflictos inesperados.

Crítica

Cuando Miike se aleja del manga y se acerca el rollo idol malote

Takashi Miike lleva décadas sorprendiendo con géneros extremos, violencia estilizada, películas de horror, de crimen, experimentales… pero si te gusta Miike, vete olvidando de esta película, porque ‘Blazing Fists’ no es una de las suyas habituales. No es adaptación de manga, ni comedia absurda, ni fantasía hortera. Esta vez opta por algo distinto: un drama centrado en dos jóvenes guaperas que se conocen en un reformatorio y deciden entrar en un reality show de kickboxing / MMA. Esa premisa sugiere algo al estilo Street Fighter o Tekken. “Quiero ser tu freno” le dice una chica a uno de los protagonistas declarándole su amor y su intención de sacarle de la mala vida. Parece que este filme es un freno momentáneo a las locuras de Miike pues decide ir más por los derroteros de una historia sencilla en la que se tocan de soslayo temas como la culpa, la superación o los estigmas que se crea uno mismo o se heredan de los padres.

El sentido de la violencia y el espectáculo es auténtico. Cuando hay peleas, y sobre todo en la parte final, hay intensidad, edición certera, sonido que golpea. Miike demuestra que sigue sabiendo componer escenas de combate visual y callejero. Junto a eso están los temas de culpa y redención, presentes con cierta honestidad y se logra en puntuales momentos intensidad moral y drama real, no solo efectismo. Se supone que ese drama se ve cimentado con historias paralelas o ampliadas. Sin embargo, hay demasiadas digresiones, personajes secundarios que se olvidan largos tramos, momentos de ritmo lento, pausa que no conduce al conflicto evidente.

Se supone que estamos rodeados constantemente de tipos malos: el convencional, la banda callejera, los moteros que rozan la Yakuza… Pero los actores protagonistas, a priori parte de ese ambiente, no dan siempre la talla como calaña de la sociedadd. Eso sí, se esfuerzan durante las peleas, pero muchas veces sus conflictos internos o sus expresiones dramáticas no convencen del todo. Parecen estrellas de marketing, figuras atractivas más que personajes con peso. Esto se ve agravado por escenas que parecen hechas para público geográficamente joven, para culturizar idols.

A pesar de los recursos visuales y la violencia, ‘Blazing Fists’ tiene una identidad de género algo difusa: ¿es un drama, es un filme de deporte, es un coming-of-age, es un espectáculo de acción? A veces la mezcla funciona, otras veces confunde, y el clímax parece prometer algo más potente de lo que finalmente da. Hay tramos en los que uno desea que se decante por algo similar a ‘The Warriors’ y en otras ya prefieres que se incline por el drama carcelario tipo ‘En el nombre del padre’. Pero ni lo uno ni lo otro.

‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, hecha sobre todo para quienes disfrutan del Miike más emocional y volcado con los nuevos talentos. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Blazing Fists. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Yuya Aoki. Reparto principal: Gackt, Wataru Ichinose, Kaname Yoshizawa, Nobuaki Kaneko, Karuma, Konatsu Kato, Danhi Kinoshita, Mariko Shinoda, Katsunori Takahashi. Producción: Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://bluefight.jp/

Crítica: ‘Rabbit trap’

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En qué plataforma ver Rabbit trap

Sinopsis

El matrimonio de músicos compuesto por Daphne y Darcy Davenport se muda de Londres al campo galés para grabar un nuevo álbum. Accidentalmente graban un sonido místico, desconectándose lentamente de la realidad.

Crítica

El salto extraño de Dev Patel hacia el folk horror experimental

Muchos son los que se quieren sumar a la pequeña moda que existe dentro del terror que consiste en revivir o re-imaginar el folk horror. Pero algunos se pasan de rosca retorciendo el género o buscando darle otros significados. Ese es el caso de ‘Rabbit Trap’ la película dirigida por Bryn Chainey.

‘Rabbit Trap’ es una película que se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, el actor británico que parece atravesar una etapa singular en su carrera, el filme nos aleja de la épica de acción de ‘Monkey Man’ (su debut como director) y del estilo meticuloso que conoció en su colaboración con Wes Anderson, para adentrarnos en un terreno mucho más incómodo: el folk horror con tintes psicológicos y ritualistas.

Patel interpreta a un obsesivo del sonido, un hombre que junto a su compañera de experimentos (encarnada por Rosy McEwen) intenta ir más allá de la simple experiencia auditiva para la grabación de su próximo álbum. No se conforman con grabaciones propias de las modas del ASMR, sino que llevan sus obsesiones sin querer hasta un nivel que conecta con lo ancestral. McEwen, cuya expresividad y gestualidad recuerdan a Nicole Kidman en su juventud y en sus años de exploración dramática, aporta a la historia un equilibrio inquietante: es cómplice, musa y espejo distorsionado del protagonista. Su trabajo no se limita a ser una sombra secundaria, sino que brinda densidad emocional a los dilemas de la trama.

Uno de los aspectos más llamativos de la película son sus experimentos formales. Bryn Chainey convierte la experiencia sonora en un espectáculo visual: las ondas captadas en un osciloscopio se funden con la coreografía de bandadas de pájaros en el cielo. Es una apuesta arriesgada, casi hipnótica, que conecta con la idea de que los sonidos son también formas, vibraciones que hablan un lenguaje oculto. El campo, como escenario de grabaciones y rituales, se convierte en un territorio liminal donde lo cotidiano se pliega hacia lo espectral. Todo esto suena a excesivamente intrincado y el resultado es una especie de propuesta a medio camino entre el folk horror y el terror elevado.

‘Rabbit Trap’ se adentra en los territorios de la parálisis del sueño, las psicofonías y los traumas psicológicos. El filme bebe de tradiciones ritualistas y de saberes ancestrales para articular su metáfora central: la trampa de conejo. En esencia, ofrecer a la presa lo que más desea para capturarla, una imagen poderosa que sirve como brújula de los conflictos personales y colectivos que atraviesan a los protagonistas. Pero tanto el desarrollo como la conclusión dejan excesivos detalles a la interpretación y se ofrecen muy pocas respuestas que sean claras o explícitas. Para más inri el montaje resulta confuso en varios tramos, con transiciones abruptas que dejan la sensación de que solo el guionista podría desentrañar ciertos símbolos. La fuerza visual está ahí, cautivadora y ambiciosa, pero a menudo se topa con un hermetismo que frustra al espectador.

‘Rabbit Trap’ es un experimento cinematográfico que no teme perderse en sus propios laberintos. Para Dev Patel supone un giro extraño pero interesante, mientras que Rosy McEwen se confirma como una presencia magnética que equilibra lo caótico. Por otro lado, la tercera y única compañera de reparto, Jade Croot, consigue la mejor interpretación con un personaje que llega a cabrear hasta a los espectadores, siendo ese su cometido. Bryn Chainey entrega una obra imperfecta, a veces excesivamente críptica, pero con un pulso poético y perturbador que la hace tan difícil de ignorar como de aprobar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Rabbit trap. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Bryn Chainey. Guion: Bryn Chainey. Música: Lucrecia Dalt. Fotografía: Andreas Johannessen. Reparto principal: Dev Patel, Rosy McEwen, Jade Croot. Producción: SpectreVision, Align, Bankside Films, Carte Blanche, Mad As Birds, Wiser Films. Distribución: por determinar. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.spectrevision.com/films/rabbit-trap

Crítica: ‘Xana y el secreto del tiempo’

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Sinopsis

Un asesino frío y una alegre chica pescadora, unidos por la rueda misteriosa del tiempo, viven una aventura romántica donde el tiempo se detiene por su amor.

Crítica

Pese a su plasticidad es una aventura fantástica entrañable

‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es una película que deslumbra visualmente y propone una aventura clásica pero ambiciosa, que recuerda en sus mejores momentos a grandes éxitos del cine de animación reciente como ‘Ne Zha’ o ‘Deep Sea’. Matmitako Films posee los derechos del filme en España, lo que garantiza que el público hispanohablante asistirá a verla en cines o en plataformas.

Desde el primer fotograma, la calidad técnica impone: partículas, pelos, materiales, texturas y paisajes están tratados con un nivel impresionante. En muchos pasajes, el paisaje parece cobrar vida, las superficies reflejan la luz como si existieran de verdad. Sin embargo, hay un contrapunto evidente: los protagonistas, con su aspecto de figuras de plástico, muestran una plasticidad que roba naturalidad. Esta elección estilística, que podría entenderse como parte del encanto visual, termina reduciendo la expresividad en momentos emotivos, sobretodo teniendo en cuenta que esto también es un romance. Lo que pierde en gestualidad lo gana en estilo, pero no siempre el equilibrio se sostiene.

El guion toma elementos de aventuras clásicas para una protagonista tipo Tintín, Nathan Drake, Indiana Jones, Lara Croft… y los mezcla con historia de amor, objetos fantásticos y viajes. También con personajes extraños y ladrones que nosnrecuerdan a ‘LupinLa historia se enriquece con el factor de viajes en el tiempo, lo que abre posibilidades de juego narrativo interesantes como en ‘Prince of Persia’ o en algunas aventuras de ‘Flash’ y añade un motivo de tensión dramática más allá de lo meramente visual. Además, hay un guiño muy cinefilo al estilo de Cinema Paradiso, un amor al cine que atraviesa la película como un filigrana: la inocencia de los personajes jóvenes, la nostalgia por imágenes antiguas, el contraste entre lo cotidiano y lo mágico que venos en el celuloide.

En cuanto a ritmo y montaje, ‘Xana y el secreto del tiempo’ acierta en mantener el interés con escenas ágiles y graciosas. No obstante, la sobrecarga visual puede jugar en su contra: cuando los personajes parecen demasiado plásticos, se diluye algo del dinamismo emocional, pues cuesta empatizar plenamente en ciertas escenas de diálogo íntimo. El contraste entre lo espectacular y lo íntimo es fuerte, y la película se esfuerza por encontrar un punto medio.

‘Xana y el secreto del tiempo’ es una película de aventuras animadas que brilla por su impresionante factura técnica, por el ambicioso uso de los viajes en el tiempo y lo fantástico, y por su homenaje al cine clásico de amor y aventuras. Su gran logro está en lo visual y en la imaginación expansiva del guion. Su principal punto débil es la expresividad de los personajes, pues que en ocasiones el corazón de la historia se siente algo frío. Aun así, es una conquista notable y entretenida, recomendada para quienes aman la fantasía, la aventura y las imágenes poderosas. Evidentemente es un must para los que siguen de cerca a la creciente industria china de la animación.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Shi Jian Zhi Zi. Duración: 106 min. País: China. Dirección: Ao Yu, Zhou Tienan. Guion: Yicheng Shu, Ao Yu, Tienan Zhou. Música: Xie-Loussignian Yun. Reparto principal (doblaje original): Xiaoyu Liu, Karry Wang, Huang Bo. Producción: Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: Marmitako Films. Género: ciencia ficción.

Crítica: ‘Alpha’

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En qué plataforma ver Alpha

Sinopsis

Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre soltera. Su mundo se derrumbará el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.

Crítica

Un pornodrama que deja pétreo tanto a sus personajes como a espectadores

Con ‘Alpha’, Julia Ducournau confirma que su cine no teme al abismo ni a la incomodidad. Tras la desconcertante ‘Titane’, esta nueva película logra ser más coherente, más emocional y con un mensaje mucho mejor articulado. La directora francesa parece haber encontrado un equilibrio más sólido entre su body horror y lo simbólico: la historia de una epidemia que convierte la piel en mármol funciona como metáfora de la fragilidad humana, del miedo al contagio y la negación a despedirnos de seres queridos. Hay ecos de los años ochenta y noventa, de aquel cine que hablaba del VIH desde la confusión y la culpa, pero también de un presente que aún arrastra la sombra del COVID. En esa mezcla de paranoia y carne, ‘Alpha’ encuentra su tono más honesto.

Sin embargo, Ducournau no renuncia a su estilo excesivo. ‘Alpha’ es un pornodrama en toda regla: una avalancha de emociones, cuerpos y metáforas que a veces sobrepasa lo necesario. La película carga con tanto dramatismo y simbolismo que termina rozando el agotamiento sensorial. Su propuesta se mueve entre la crudeza quinqui y el lirismo filosófico, como si Eloy de la Iglesia se encontrara con Cronenberg en plena crisis sanitaria. Esa mezcla resulta fascinante, pero irregular. Hay momentos de brillantez genuina, otros en los que el peso del discurso ahoga a los personajes.

El reparto sostiene el pulso con una entrega admirable. Mélissa Boros aporta vulnerabilidad, Tahar Rahim desprende una energía autodestructiva magnética y Golshifteh Farahani brilla como la madre médica, aportando calma y compasión a un universo dominado por el miedo. Su presencia humaniza lo que podría haber sido un simple experimento visual. Visualmente, ‘Alpha’ es impactante: fotografía precisa, estética enfermiza, texturas casi táctiles. Cada plano parece esculpido en mármol. Pero, de nuevo, tanta perfección puede volverse fría.

‘Alpha’ es mejor que ‘Titane’, sin duda, porque logra dar forma a su mensaje. Pero sigue siendo una película que exige más de lo que ofrece emocionalmente y lleva hasta el agotamiento tanto a personajes como a espectadores. Una obra que se debate entre el caos y la reflexión, entre el melodrama y la metáfora. Hermosa, intensa, saturada y absolutamente personal. Un cine que se atreve a sentir demasiado… incluso cuando no sabe muy bien cómo decirlo.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Alpha. Duración: 128 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Tahar Rahim, Golshifteh Farahani, Mélissa Boros, Emma Mackey, Finnegan Oldfield. Producción: Mandarin & Compagnie, Kallouche Cinéma, Frakas Productions, France 3 Cinéma, RTBF, Proximus, BE TV. Distribución: Caramel Films, Youplanet. Género: suspense, drama. Web oficial: https://alphalefilm.fr/

Crítica: ‘13 days till summer’

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Sinopsis

Una fiesta en Polonia se convierte en pesadilla cuando un invitado llega armado con una ballesta y bloquea el sistema de seguridad. Los asistentes quedan atrapados en una noche que se transforma en una lucha por sobrevivir.

Crítica

Slasher europeo, estándar pero solvente

‘13 Days Till Summer’ es un filme europeo que se adentra en los esquemas más reconocibles del cine slasher adolescente: abusones, asesino enmascarado, muertes sangrientas, feromonas desbocadas, diversos sospechosos, personajes inutilizados en cuanto no disponen de su móvil… Pero lo hace con una energía diferente a la habitual y cierto pulso que Bartosz M. Kowalski no lograba en su obra anterior.

La trama arranca con Antek, un joven acosado en el instituto, marcado por la ausencia de su madre y una relación tensa con su hermana mayor Paula. Cuando ella decide organizar una fiesta en la casa de los padres, con sus amigos, todo apunta a una noche típica de jóvenes al borde del desfase. Pero pronto la celebración se vuelve pesadilla: desaparecen los smartphones, el sistema de seguridad inteligente que debiera protegerlos se vuelve en su contra, el asesino enmascarado emerge, y los jóvenes quedan atrapados en una casa que se convierte en un matadero.

Kowalski mejora respecto a su filme previo (‘Night silence’): la historia está más movida, con mayor kill count, menos pausas innecesarias. Su dirección fotográfica (la geografía interior de la casa, los pasillos, las ventanas, las puertas cerradas) funciona bien para generar tensión, y la máscara del asesino es uno de los puntos más fuertes: perturbadora, icónica, memorable. El diseño de la luz, los planos cerrados, los espacios confinados, todo contribuye al ambiente opresivo.

En el lado negativo, algunos personajes quedan demasiado al servicio del género. Las relaciones adolescentes, los celos, el triángulo amoroso, etc., se presentan sin demasiado matiz. Cuando los jóvenes dejan de tener acceso al móvil, su impotencia es clara, pero también algo predecible, ciertos diálogos suenan forzados, como si estuviesen ahí solo para marcar tensión o justificar sustos. El final puede pillar a más de uno desprevenido y a otros parecer excesivo.

‘13 Days Till Summer’ sobresale dentro de lo que promete ser, un slasher adolescente europeo. Kowalski ha elevado el nivel: más acción, más muertes, más ritmo. No reinventa el género, pero deja su impronta. Para fans del horror sangriento y los thrillers de invasión, este filme puede ser un hallazgo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: 13 dni do wakacji. Duración: 80 min. País: Polonia. Dirección: Bartosz M. Kowalski. Guion: Bartosz M. Kowalski, Thor Magnusson, Mirella Zaradkiewicz. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Cezary Stolecki. Reparto principal: Producción: Akson Studio. Distribución: por determinar. Género: terror, slasher.

Crítica: ‘Vieja loca’

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En qué plataforma ver Vieja loca

Sinopsis

En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.

Crítica

Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita

‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.

La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.

La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.

La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.

En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.

‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca