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Crítica: ‘Tierra de nadie’

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Sinopsis

Esta es la historia de tres amigos. Mateo el Gallego, un heróico -a su pesar- guardia civil, Juan El Antxale, un pescador convertido en narco por la mala suerte y en el paro, y Benito el Yeye, un resignado e inteligente depositario judicial siempre a medio camino entre la ley y la delincuencia. Tres amigos separados por un lugar, Cádiz y un momento, el presente. Atrapados los tres entre el abandono de las instituciones, el violento e imparable ascenso del narco en la provincia y el peligroso aumento del descontento social. Tres amigos atrapados en un polvorín que pondrá a prueba su amistad.

Crítica

Un thriller de drogas con ecos de ‘El bueno, el feo y el malo’

Tras una buena carrera en el terror y el humor negro Albert Pintó se pasó a lo policial y el suspense, sobre todo en la televisión o plataformas. Ahora reaparece en las carteleras con ‘Tierra de nadie’ y nos sumerge en las entrañas del narcotráfico gaditano. Con este filme, sin reinventar el género, construye una historia más que solvente, sobre todo gracias a su trío protagonista y una puesta en escena que sabe sacar partido a sus momentos de tensión.

La película parte de una premisa conocida: el tráfico de drogas en el sur de España aunque también tiene ciertas conexiones con el norte. Como telón de fondo, una historia de lealtades, traiciones y supervivencia. En ese sentido, no evita algunos de los tópicos habituales del subgénero, desde la corrupción policial hasta el tema de los narcos latinos. Sin embargo, lo que la distingue es la dinámica entre sus tres personajes principales, interpretados con gran carisma por Luis Zahera, Karra Elejalde y Jesús Carroza. Los tres previamente ya han trabajado en historias relacionadas con las drogas y ahora interpretan a un guardia civil rígido pero que sabe cuando mirar hacia otro lado, un experimentado pero fiel traficante y el dueño de un depósito de coches que quiere optar a mejor vida, respectivamente. Su relación recuerda a la estructura de ‘El bueno, el feo y el malo’, donde cada uno encarna un arquetipo clásico dentro de este microcosmos de violencia y peligro: el veterano desencantado, el oportunista sin escrúpulos y el soñador superviviente atrapado en el fuego cruzado.

El guion destaca por unos diálogos tan coherentes como ágiles que, sin perder realismo, dotan de personalidad a los personajes y elevan la tensión en varias escenas clave. Pintó, además, demuestra su habilidad para la acción con una secuencia en el Puente de la Constitución de 1812 que se convierte en uno de los momentos más memorables del filme por constituirse como un enfrentamiento rodado con buen pulso.

En definitiva, ‘Tierra de nadie’ no rompe moldes, pero ejecuta con precisión los códigos del thriller. Se apoya en un trío actoral impecable y en una narración que, aunque predecible en algunos tramos, sabe mantener el interés. Además de eso se suma a la ya gruesa colección de películas sobre la droga en España que siempre tiene algún tipo de trasfondo real, en este caso además embadurnado de más de un buen plano que saca provecho a las costas gaditanas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2025. Título original: Tierra de nadie. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Albert Pintó. Guion: Fernando Navarro. Música: Sara Cáceres Huerta. Fotografía: David Acereto. Reparto principal: Luis Zahera, Karra Elejalde, Jesús Carroza, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina, Damián Alcázar. Producción: Amazon Prime Video, Canal Sur, Crea SGR, Esto también pasará, Film Factory Entertainment, Mogambo, SDB Films, RTVE. Distribución: Sony Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/tierra-de-nadie

Crítica: ‘Los aitas’

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En qué plataforma ver Los aitas

Sinopsis

En la periferia obrera del Bilbao de finales de los 80, un equipo infantil de gimnasia rítmica se prepara para participar en un campeonato que se celebrará en Berlín. Ante la imposibilidad de que las madres acompañen a sus hijas, la tarea recaerá en los padres, que no parecen muy interesados en el viaje, ni en ese deporte, ni incluso en sus propias hijas. Será un largo viaje donde descubrirán, mientras cae el muro de Berlín, una nueva manera de ser padres.

Crítica

Cobeaga cambia la sátira por la emoción

Borja Cobeaga regresa a las carteleras con ‘Los aitas’, una comedia con tintes de road movie ambientada en el Bilbao de finales de los 80. La premisa es sencilla pero efectiva: un grupo de padres, inicialmente desinteresados en la gimnasia rítmica de sus hijas y por el cuidado de estas en general, deben acompañarlas a un campeonato en Berlín justo cuando el Muro está a punto de caer.

País Vasco en plena época de crisis en el sector metalúrgico y con las calles repletas de obreros ávidos de trabajar o de manifestarse. Mientras unos intentan introducir los videoclubs y el VHS en su barrio otros solo piensan en regresar a un trabajo más tradicional en los altos hornos. La película tiene un claro gancho nostálgico, especialmente para quienes crecieron en esa era, y sabe retratar con acierto las dinámicas familiares y los prejuicios de aquellos años. Sin embargo, aunque la historia es entrañable y tiene momentos de ternura, a veces se echa en falta una mayor chispa en su humor. Cobeaga, experto en la comedia costumbrista y absurda a partes iguales, ha entregado trabajos con diálogos más afilados en el pasado (como ‘Fe de etarras’), y aquí el ritmo humorístico es más irregular de lo esperado. Hay que tener en cuenta que acaba de estrenar una serie mordaz y punzante como ‘Su majestad’. Tampoco cabía esperar una película con crítica social o sarcasmo hacia lo político dado su argumento, pero si algo más de espacio para el humor y menos para el sentimentalismo.

Otro aspecto que podría haberse aprovechado mejor es el elenco infantil. Aunque las niñas son fundamentales para el desarrollo de la trama, la película pone el foco casi exclusivamente en los padres, perdiendo la oportunidad de generar más situaciones cómicas desde la perspectiva de las hijas.

A pesar de estas carencias, ‘Los aitas’ brilla en su subtexto o por lo menos en la lectura que un servidor ha extraído. El viaje de los protagonistas no es solo físico, sino también emocional. Al igual que la caída del Muro de Berlín simbolizó la superación de divisiones históricas y familiares, estos padres deben derribar sus propias barreras emocionales para conectar con sus hijas. Esta metáfora da a la película un peso simbólico interesante, redondeando una historia que, yo me la esperaba más graciosa pero al menos consigue emocionar. A parte de eso, la mirada honesta a la paternidad de la época, al cómo han cambiado los roles en el matrimonio y con ello las mecánicas educativas también es una visión que se agradece que se represente.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de marzo de 2025. Título original: Los aitas. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Borja Cobeaga. Guion: Borja Cobeaga, Valentina Viso. Música: Arantzazu Calleja. Fotografía: Bet Rourich. Reparto principal: Quim Gutiérrez, Juan Diego Botto, Laura Weissmahr, Ramón Barea. Producción: Inicia Films, BTeam Prods, Sayaka Producciones, Despadres AIE, UMEDIA, ICEC, Movistar Plus+, RTVE, EITB, TV3, ICAA, Gobierno Vasco. Distribución: BTeam Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://bteampictures.es/los-aitas/

Crítica: ‘Wolfgang’

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En qué plataforma ver Wolfgang

Sinopsis

Wolfgang, un niño de diez años con un cociente intelectual de 152 y trastorno del espectro autista, se ve obligado a vivir con su padre, Carles, a quien no ha visto nunca, tras la repentina muerte de su madre. Carles afronta el reto con ganas y voluntad, pero Wolfgang no soporta su desorden ni su desorganización y lo considera un “bajocien” por su falta de intelecto. Así que, a escondidas, Wolfgang planea conseguir su sueño: entrar en la academia de música Grimald de París, donde estudió su madre, y convertirse en el mejor pianista del mundo. Cuando Carles lo descubre, debe decidir entre su gran oportunidad como actor o convertirse en el padre que necesita un niño como Wolfgang.

Crítica

Abraza con raciocinio y emotividad la vida y la muerte

Siempre se ha dicho que las grandes habilidades de Mozart para las matemáticas fueron un recurso esencial para sus creaciones musicales. Es un ejemplo de cómo la lógica del cálculo numérico y la combinatoria puede servir al arte y a las emociones. Quizá es mucho suponer, pero ese tipo de relación es la que busca poner en evidencia ‘Wolfgang’, la nueva película de Javier Ruiz Caldera. O por lo menos es lo que ha suscitado en mí convirtiéndose esta película en una de las mejore españolas que he visto en lo que va de año.

Racionalismo contra sentimentalismo. El uso previsor y metódico del cerebro conta los impulsos y secretos del corazón. Ambas partes intrínsecas del ser humano pero más presentes en unos que en otros. El guión basado en una novela de Laia Aguilar representa esas facetas a través de dos personajes: un padre con sus miedos guardados bajo llave (Miki Esparbé) pero sin miedo a disfrutar la vida y un niño prodigio (Jordi Catalán) que no ha podido aprender a gestionar sus sentimientos por su condición especial y por no haber tenido figuras adultas que sirvan de faro. El filme se puede resumir como una obra que trata con gran sensibilidad y acierto el tema de los traumas pero también nos habla sobre el entendimiento mutuo y el afrontar de cara lo que nos trae la vida.

‘Wolfgang’ es una obra que abraza con valor tanto la vida como la muerte. De hecho arranca en un velatorio y con todo y con eso consigue ser una feelgood movie, una película good vibes only, para los de la generación Z. Javier Ruiz Caldera es alguien que siempre consigue divertirme de un modo u otro, ahí está su último éxito ‘El otro lado’. A muchos les puede sorprender que el director de películas cómicas y absurdas como ‘Spanish Movie’, ‘Superlópez’ o ‘Malnazidos’ haya completado una película tan sensible y de toques afrancesados. Hay que reconocerle que sin abandonar sus habituales notas cómicas sabe ensalzar la importancia del afecto y la comunicación en el crecimiento personal. Su ternura no cae en la sensiblería fácil y su mensaje esperanzador no ignora la crudeza de la vida.

Auguro que habrá quienes se queden en la superficie. ‘Wolfgang no es solo una historia sobre personas con Autismo o Asperger, ni es una especie de ‘El pequeño Sheldon’ con un plus de sensibilidad. Es un filme que trasciende etiquetas y diagnósticos para hablarnos de la condición humana en toda su complejidad. Al final, nos deja con la certeza de que, aunque la mente y el corazón a veces parezcan fuerzas opuestas, solo juntas nos permiten convertirnos en eso que llamamos personas o humanos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de marzo de 2025. Título original: Wolfgang. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Guion: Laia Aguilar, Carmen Marfà, Yago Alonso, Valentina Viso. Música: Clara Peya. Fotografía: Sergi Vilanova. Reparto principal: Miki Esparbé, Jordi Catalán, Àngels Gonyalons, Anna Castillo, Berto Romero, Nausica Bonnin. Producción: Gerard Verdaguer, Lo Vi Films, Nostromo Pictures, Telecinco Cinema, Wolfgang Película AIE, 3Cat, Mediaset España, Movistar Plus+, Mediterráneo Mediaset España Group, ICAA, ICEC, Film Factory. Distribución: Universal. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.mediaset.es/comunicacion/cine/20241219/wolfgang-trailer-cartel_18_014331830.html

Crítica: ‘Cuando nadie nos ve’

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En qué plataforma ver Cuando nadie nos ve

Imposible no engancharse con sus protagonistas y sus nazarenos volando

Enrique Urbizu (‘Gigantes’, ‘No habrá paz para los malvados’) regresa con ‘Cuando nadie nos ve’, una serie que llega este 7 de marzo a HBO Max combinando el thriller policíaco con un sutil toque de lo fantástico. Basada en la novela de Sergio Sarria, la historia se despliega en Morón de la Frontera durante la Semana Santa, un entorno donde el fervor religioso y la presencia militar estadounidense crean un trasfondo tan peculiar como tenso. A lo largo de ocho episodios—uno por cada día de la Pasión—, la serie construye un misterio en el que se entrelazan un suicidio insólito, la desaparición de un militar y un nazareno que parece haber vivido una experiencia mística.

Desde el inicio, la serie maneja con solvencia su suspense, apoyándose en una atmósfera inquietante y una narrativa pausada pero inmersiva. La clave está en la pareja protagonista: Maribel Verdú, en el papel de una guardia civil con instinto y determinación, y Mariela Garriga, como una militar estadounidense que aporta una perspectiva foránea y racionalista. Juntas conforman un dúo con ecos de ‘True Detective’ o siguiendo la estela del neo noir nórdico, es decir, cogiendo elementos clásicos de las historias detectivescos adaptándose al folclore y las hechuras locales. Aunque no a menudo comparten escena, la química entre los personajes y su manera de abordar el caso es tan importante como el propio misterio.

A diferencia de otras producciones que despachan una trama similar en un solo episodio—como ‘NCIS’ o cualquier procedimental norteamericano—, ‘Cuando nadie nos ve’ se toma su tiempo para desarrollar capas más profundas. La serie no solo investiga un crimen, sino que también reflexiona sobre la fe, el destino y los límites entre la razón y lo inexplicable. Urbizu introduce elementos fantásticos a través de visiones y alucinaciones que, sin ser abiertamente sobrenaturales, añaden una dimensión inquietante al relato.

El escenario es un acierto: la Semana Santa en Andalucía, con sus procesiones, su imaginería y su intensidad emocional, se convierte en un personaje más. La convivencia entre la tradición española y la presencia militar estadounidense en Morón de la Frontera añade un subtexto de choque cultural que enriquece la historia.

Austin Amelio, Ben Temple y Dani Rovira, entre otros, completan un reparto sólido, con Rovira alejándose de su faceta más cómica para abordar un papel circunspecto que maneja con recursos. En definitiva, ‘Cuando nadie nos ve’ no es un thriller al uso. Es una historia que retrata nuestra España y que se cuece a fuego lento, con una intención que va más allá del mero entretenimiento.

Palmarés de los Blogos de Oro 2025

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Gran triunfadora ‘Tú no eres yo’

Como cada año en temporada de premios, a caballo entre los Goya y los Oscars, se entregan los Premios Blogos de Oro que buscan destacar al mejor cine independiente de España. La gala ha tenido lugar en las redes como en los últimos años.

A través de famosos y premiados en años anteriores se han entregado los ganadores. Se ha contado con Josep Riera, Paula Palacios, Carlos Ruano, Estefanía Santos, F. Javier Guitiérrez, Víctor Clavijo, Isabel Ampudia, Caye Casas y Cristina Borobia.

En el recuento sale como película destacada de los Blogos de Oro el filme ‘Tu no eres yo’ de Moisés Romera y Marisa Crespo con 3 reconocimientos.

Palmarés Blogos de Oro 2025

Mejor Actor de reparto

  • Diego París por ‘Os reviento’
  • Eduardo Rosa por ‘El aspirante’
  • Fernando Cayo por ‘El instinto’
  • Jorge Motos por ‘Tú no eres yo’
  • Javier de Luis por ‘Sueños y pan’

Mejor Actriz de reparto

  • Catalina Sopelana por ‘El aspirante’
  • Cristina Masoni por ‘Sueños y pan’
  • Eva Llorach por ‘El instinto’
  • Pilar Almería por ‘Tú no eres yo’
  • Rut Santamaría por ‘Os reviento’

Mejor Actor principal

  • David Villanueva por ‘Septiembre’
  • Francisco Conde por ‘La zona vacía’
  • George Steane por ‘Sueños y pan’
  • Javier Pereira por ‘El instinto’
  • Lucas Nabor por ‘El aspirante’

Mejor Actriz principal

  • Adriana Ozores por ‘Reflejos en una habitación’
  • Alba Loureiro por ‘La zona vacía’
  • Cristina Mediero por ‘Septiembre’
  • Marina Varem por ‘Amor Platónico’
  • Roser Tapias por ‘Tú no eres yo’

Mejor Guion

  • Carlos Aceituno por ‘Septiembre’
  • Carles Cubos y Miriam Culleré por ‘Gure Hitzak’
  • Juan Albarracín por ‘El instinto’
  • Kurro González por ‘La zona vacía’
  • Luis (Soto) Muñoz por ‘Sueños y pan’

Mejor Dirección

  • Juan Albarracín por ‘El instinto’
  • Juan Gautier por ‘El aspirante’
  • Kike Narcea por ‘Os reviento’
  • Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo por ‘Los restos del pasar’
  • Moisés Romera y Marisa Crespo por ‘Tú no eres yo’

Mejor Cortometraje

  • ‘Capitanes’ de Kevin Castellano y Edu Hirschfeld
  • ‘Chiquita piconera’ de Mey Montero
  • ‘Escrito por Ib’ de Ibon Hernando
  • ‘Ese lugar partido’ de Inés Pintor Sierra
  • ‘Gizaki’ de Xanti Rodríguez
  • ‘The fruter and the husband’ de Nacho Bárcena Martín
  • ‘Triangle’ de Joseph Diaz
  • ‘Violetas’ de Borja Escribano

Mejor Película

  • ‘El aspirante’ de Andrea Gautier y Juan Gautier
  • ‘El instinto’ de Twin Freaks Studio, Horizon Media, Pópulos Films, Trilita Films
  • ‘Gure Hitzak’ de La Caseta del Cubos
  • ‘La zona vacía’ de Francisco Conde y Carlos Alfonso Ibáñez Giralda
  • ‘Los restos del pasar’ de D. Peña, A. González y J. A. Andrés
  • ‘Septiembre’ de Elena Díaz y Carlos Aceituno
  • ‘Sueños y pan’ de Daniel Peña y Alejandro González
  • ‘Tú no eres yo’ de Moisés Romera y Marisa Crespo

Crítica: ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’

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En qué plataforma ver El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei

Un golpe mediático a los secretos mejor guardados del Opus Dei

‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es una serie documental de cuatro episodios de 50 minutos, producida por THE MEDIAPRO STUDIO para Max en España, creada y dirigida por la periodista Mònica Terribas. Ya se encuentra disponible en Max desde el 7 de febrero.

El Opus Dei es una institución que si bien está por todo el mundo (como los masones o los mormones) es bien desconocida para mucha gente (como los masones o los mormones). ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ ofrece una mirada inédita sobre las experiencias de trece mujeres procedentes de diferentes países, principalmente España, América Latina, Irlanda o Reino Unido. Ellas vivieron dentro del Opus Dei como numerarias, numerarias auxiliares o agregadas (no entraré a explicar este detalle que deberíais ver en el documental). Relatan su posterior ruptura con la organización que opera bajo el amparo del Vaticano, el cual no hace no mucho rebajó sus privilegios. Estas mujeres narran, en primera persona, cómo fueron captadas en la adolescencia, sometidas a un lavado de cerebro con técnicas propias de las multinacionales actuales, anuladas bajo un régimen de estricta obediencia y finalmente forzadas a realizar trabajos no remunerados bajo la justificación de su entrega a Dios.

Los testimonios se complementan de una manera tan curiosa como escalofriante a través de recreaciones interpretadas por la actriz Claudia Traisac, bajo la dirección de Laura Sisteró y cuyo rodaje presenciaron las propias entrevistadas. A parte de esta búsqueda de verosimilitud la docuserie incorpora el análisis de expertos en la materia, como el periodista británico Gareth Gore, autor de ‘Opus’ (Editorial Crítica), Antonia Cundy, periodista del Financial Times, el psicólogo John Paul Lennon, especializado en abusos religiosos y sectas o el abogado Sebastián Sal, defensor del ‘caso de las 43’, exnumerarias auxiliares en Argentina y otros países de América Latina. Todos ellos contextualizan y respaldan los testimonios aportando un cómo y un por qué que resulta alarmante en pleno siglo XXI.

A pesar de que el Opus Dei ha sido objeto de críticas desde los años setenta por sus dinámicas coercitivas, esta es la primera serie documental que aborda el tema con múltiples casos y testimonios coincidentes. La directora Mònica Terribas ha declarado que ‘El minuto heroico’ pone ante el espejo al Opus Dei, reflejando las vivencias de mujeres que denuncian haber sufrido abusos psicológicos y espirituales dentro de la organización. Sin embargo, la producción no está exenta de controversia y podría haber sido incluso más completa o valiente, aunque desconozco si lo ha intentado HBO Max nos ha permitido ver el último episodio y en el indican que el Opus se ha negado a participar en el documental. La ausencia de voces defensoras del Opus Dei da lugar a una perspectiva parcial. Haber contado con miembros actuales de esta organización, tachada muchas veces de secta, podría haber servido para dar más empaque al documental e incluso para que ello mismos se retratasen como quisiesen.

En términos de producción, la serie podría parecer sencilla, pero el tema de las recreaciones genera un impacto inesperado. La estructura es correcta y uno devora los cuatro episodios con avidez según se va deshojando esta cebolla que nos puede hasta hacer llorar. ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es un relato impactante que, sin duda, dará de qué hablar en el debate sobre los límites entre la fe, el peso de la familia y el control institucional.

Se rueda ‘La cosa en la niebla’

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Un filme que rinde tributo a John Carpenter

Durante lo que parece un vuelo rutinario, un veterano piloto de avión, Ismael, y su atípica copiloto en prácticas, Daniela, se ven envueltos en una serie de inauditos acontecimientos interdimensionales que los convertirán en la única esperanza para salvar a toda la humanidad de la inminente invasión de los Audryes. ‘La Cosa en la Niebla’ es una carta de amor al género de ciencia ficción de serie B y al trabajo del cineasta norteamericano John Carpenter (‘La cosa’, ‘Golpe en la pequeña china’, entre otros títulos).

El rodaje se extenderá durante 4 semanas, finalizando el próximo 21 de febrero en la isla de Gran Canaria y se desarrolla casi íntegramente en la cabina de un avión construida para la ocasión y usando la técnica de pantalla led, en la que se proyectan los fondos en tiempo real, evitando así el uso de croma. Esta técnica ha sido usada por múltiples producciones internacionales como, por ejemplo, ‘The Mandalorian’. La postproducción en este caso corre a cargo del estudio español USER T38.

El elenco está liderado por el actor y humorista argentino Martin Garabal, conocido por series como ‘Famoso’ o ‘División Palermo’, ahí en una doble faceta como actor y guionista, estrenada en Netflix y que recientemente ha logrado el Emmy a “Mejor serie internacional”.

La coprotagonista es Elena de Lara, madrileña, a quien hemos podido ver en películas como ‘Matusalén’ o ‘El valle del Concavenator’. Por otro lado los canarios Carla Miranda y Pablo Padrón completan el reparto.

‘La Cosa en la Niebla’ está dirigida por Chedey Reyes, en lo que es su primera película tras haber realizado cortometrajes como ‘El Mirador de Martín’, ‘Una Historia de Amor’ o ‘Pluto’. El guion del largometraje corre a cargo de Juanjo Ramírez Mascaró, guionista canario con proyectos a su espalda como ‘La Casa de Papel’ o su último proyecto, el podcast ‘Titania’, galardonado con el Ondas 2023 a “Mejor podcast del año”.

Este film es la segunda producción de ficción de la productora Jugoplastika, tras ‘Mi ilustrísimo amigo’, que se estrenará próximamente. En este caso, la película está producida en asociación con Barrios Producciones y el Instituto del Cine de Canarias; además de contar con las ayudas públicas de concurrencia competitiva del Gobierno de Canarias, el Cabildo de Gran Canaria y la precompra de derechos por parte de RTVC.

En marcha un biopic sobre la banda Mägo de Oz

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Con Carlos Librado “Nene”, Marc Parejo y Felipe García Vélez

Seguimos el suma y sigue con los biopics de cantantes o bandas musicales españolas. Raphael, Bosé, Locomía, Hombres G, Los planetas… De un modo u otro el cine o la televisión se ha encargado de recordar a estos mitos de nuestra historia musical. Ahora el grupo Mägo de Oz tendrá su espacio en la pantalla grande con ‘Mägo de Oz: la película’.

El grupo, del que actualmente quedan pocos miembros originales y que se encuentra dividido con la banda Kabrönes!!!, fue un referente dentro del rock y el heavy en España y en LATAM. Su mezcla de folk y metal sorprendió a propios y extraños con una serie de discos temáticos que hilaban una historia. Esa marca diferencial seguro que estará muy presente en esta película que ha comenzado a rodar el hispano-uruguayo Álvaro Brechner.

En la fotografía podéis ver al reparto escogido entre el que destacan Carlos Librado “Nene” como Carlitos, uno de los pilares guitarrísticos de la banda, Marc Parejo como Fernando, flautista del grupo y Felipe García Vélez interpretará a Claudio, el padre de Moha, violinista.

Sinopsis oficial:

‘Mägo de Oz: la película’ narra la historia jamás contada de la banda que revolucionó el rock español al fusionar el heavy metal con el folk celta. Desde sus humildes inicios en los años 80 hasta su consagración internacional, el filme explorará las tensiones creativas, las victorias, las polémicas y las derrotas que forjaron su esencia. Además, se adentrará en las dinámicas internas del grupo y en la devoción inquebrantable de sus fans, mostrando cómo su música ha impactado a generaciones enteras.

¿Quién escribe las letras de Mägo de Oz? ¿Qué ocurrió entre Txus y José Andrëa? ¿Por qué Patricia Tapia dejó la banda? ¿Quién será el nuevo vocalista? Estas y otras preguntas hallarán respuesta en esta película.

Crítica: ‘Adiós Madrid’

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En qué plataforma ver Adiós Madrid

Sinopsis

Ramiro hace un viaje express a Madrid para decidir sobre la vida de su padre, que se encuentra en coma y con quien nunca ha tenido mayor relación.

Crítica

Sincero relato que explora la virtud de perdonar a través de desconocidos

‘Adiós Madrid’, dirigida por Diego Corsini, presenta un drama íntimo y reflexivo que aborda temas como el abandono, las ausencias y la redención. La trama sigue a Ramiro, un hombre que, tras una vida marcada por resentimientos hacia su padre, viaja a Madrid para enfrentarse a su pasado y tomar decisiones sobre él, quien está en coma. Durante su estancia, Ramiro descubre nuevas facetas de su progenitor a través de personas que lo conocieron y que lo consideran una figura fundamental en sus vidas, en contraste con la percepción que él tiene de él.

El director logra un balance entre lo emotivo y lo narrativo, evitando caer en golpes bajos emocionales, de hecho dispone de más de un momento cómico. Esto permite que el filme se enfoque en la complejidad de las relaciones interpersonales y en cómo diferentes contextos revelan múltiples facetas de las personas. Madrid no solo sirve como escenario, sino que se convierte en un elemento transformador en sí mismo, con planos que contrastan entre los espacios abiertos de la ciudad y los momentos introspectivos de Ramiro. A través de estos elementos visuales, Corsini profundiza en la psicología del protagonista y su viaje emocional. Desarrolla un relato que a priori es sencillo, pero que ensalza las virtudes de conocer a través de desconocidos y de conseguir perdonar a otros para sanarse a sí mismo.

Aunque la película se enmarca en un género que podría parecer familiar, evita clichés excesivos al optar por un desarrollo pausado y reflexivo, sin que eso evite el tono coloquial. Los diálogos son un pilar fundamental en el avance de la trama, especialmente en la noche en que Ramiro conoce a quienes compartieron una conexión especial con su padre. Estas conversaciones no solo permiten que Ramiro entienda mejor a su progenitor, sino que también le brindan la posibilidad de redescubrirse a sí mismo. Pese a que recurre a ciertos lugares comunes dentro de las historias sobre el perdón y las segundas oportunidades, dispone de un enfoque sensible y humano que compensa toda previsibilidad, apelando a un público dispuesto a explorar emociones profundas y debates conflictivos. Las actuaciones, especialmente la de Luciano Cáceres como Ramiro, destacan al transmitir la carga emocional y el conflicto interno del personaje, añadiendo autenticidad a la narrativa. De los pocos elementos que nos sacan del relato o que parecen insertados sin explicación, es la figura de una sintecho demente.

En resumen, ‘Adiós Madrid’ es una película que, aunque no rompe con los moldes del género, sobresale por su honestidad y su capacidad para conectar con el espectador a nivel emocional. Su exploración de los traumas no resueltos y de las segundas oportunidades la convierten en una obra significativa que invita a reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares y los reencuentros necesarios para sanar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Adiós Madrid. Duración: 102 min. País: España, Argentina. Dirección: Diego Corsini. Guion: Mariana Cangas, Diego Corsini. Música: Alan Senderowitsch, Andy Colombo. Fotografía: Santiago Squadroni, Pedro Calamar. Reparto principal: Luciano Cáceres, Javier Godino, Ramón Esquinas, Fariba Sheikhan, Mónica Solaun, Sara Vega, Ingrid Rubio. Producción: Cinescalas SL, Cineworld, Madco Broadcast Services. Distribución: 39 Escalones. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/cinescalasfilms/

Crítica: ‘La mitad de Ana’

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Sinopsis

Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.

Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.

Crítica

Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad

Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.

De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.

Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.

El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.

Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/

Análisis de la edición metálica de Willow

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La magia de Willow en un formato precioso

La película de fantasía épica Willow (1988), dirigida por Ron Howard y con una historia de George Lucas, recibe un tratamiento digno de su estatus como clásico de culto en esta nueva edición metálica en Blu-ray que Divisa Films ha sacado a la venta. Este lanzamiento destaca no solo por su presentación física, sino también por la calidad audiovisual y los contenidos adicionales que enriquecen la experiencia del espectador.

El empaque metálico (steelbook) es una verdadera obra de arte, con un diseño exclusivo que captura la esencia clásica y fantástica de la película. La portada muestra una ilustración vibrante y detallada de Willow Ufgood junto su protegida Elora Danan., Madmartigan y el resto de personajes, enmarcados por un fondo que resalta como más mágico gracias al material metálico. En la parte trasera el arte continúa incluyendo al elenco de secundarios. Por si fuese poco, para que la ilustración no reste valor al contenido, esta nueva licencia viene acompañada de un cartón con la clásica ficha repleta de detalles técnicos. Podéis ver a qué nos referimos con la galería de fotos al pie de este análisis.

El interior del steelbook también está decorado, mostrando un fotograma amplio de los exuberantes paisajes del mundo de Willow. Los dos discos Blu-ray están personalizados con un diseño protagonizado por Warwick Davis, en lugar de la genérica etiqueta de otros lanzamientos.

Esta edición presenta una restauración completa en 4K y otra en Blu-ray, ofreciendo una mejora notable en la definición y la colorimetría en comparación con versiones anteriores. La fotografía de Adrian Biddle se beneficia enormemente del tratamiento, con negros más profundos, colores vibrantes y una nitidez que resalta los detalles en los trajes, las criaturas y los efectos especiales prácticos.

El sonido también ha sido remasterizado en DTS-HD Master Audio 5.1, lo que permite una experiencia inmersiva, de este modo la mítica banda sonora brilla aún más. En cuanto a idiomas podemos seleccionar audio en inglés, castellano, italiano, japonés y español latino. Los subtítulos están grabados en castellano, italiano, danés, finés, noruego, sueco, inglés para sordos. Esta lista difiere ligeramente entre el Blu-ray y el UHD.

Atención a los extras porque el equipo de rodaje se ha prestado en la actualidad para grabar nuevas piezas que den contexto y visión al material original.

Extras (65 min. aprox.)

Willow: deleted scenes with Ron Howard (12:32 min.)

En ocasiones, solo a veces, nos preguntamos porqué han quitado una escena de un filme. El propio director nos explica la razón por la que algunas secuencias no están. Entre sus explicaciones vemos imágenes del rodaje, storyboards, reuniones con George Lucas… El padre de Sorsha o la existencia de un niño pez animatrónico son algunos de los detalles que nos perdimos.

The making o fan adventure with Ron Howard (23:39 min.)

Viendo este tipo de contenido adicional uno se da cuenta cómo ha cambiado la implicación de los directores en la industria y en sus obras en concreto. Aunque sea un reportaje antiguo, esta es una masterclass sobre cine y fantasía.

From morf to morfing with Dennis Muren (17:24 min.)

Dennis Muren es un artista de efectos prácticos muy vinculado a la obra de George Lucas y la Disney, incluyendo sus parques. Willow nació en la época en la que las animaciones por ordenador, el arte digital, el CGI estaba en pañales. Nos cuentan cómo convivieron animatrónicos con nuevas técnicas.

Willow: an unlikely hero – personal vídeo diary of Warwick Davis (10:53 min.)

Uno de los innovadores puntos de esta aventura de magia y espada fue la presencia de una persona pequeña como Warwick Davis como protagonista. Él nos cuenta cómo fue el rodaje, tanto ahora como con material que se grabó durante el rodaje.

Matte paintings (1:09 min.)

La técnica el matte painting combina arte pictórico con montaje. Decirlo así quizá es resumirlo mucho ya que el resultado que vemos quita el hipo. En este pequeño vídeo nos dejan boquiabiertos con las virguerías que se hicieron para conseguir escenarios imposibles en la época.

Palmarés de los Premios Forqué 2024

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Triunfa ‘El 47’ en cine y ‘Querer’ en televisión

Anoche se entregaron los premios de la 30ª convocatoria de los Premios Forqué. En estos Forqué 2024 se ha reconocido a dos obras principalmente. ‘El 47’ se ha hecho con el galardón al Mejor Largometraje de Ficción y ‘Querer’ con el premio a la Mejor Serie de Ficción. Además en estos Premios José María Forqué 2024 la cinta de Marcel Barrena ha conseguido el premio al Cine y Educación en Valores y la serie de Alauda Ruiz de Azúa se ha alzado con los trofeos a Mejor Interpretación Masculina en Series para Pedro Casablanc y Mejor Interpretación Femenina en Series para Nagore Aranburu.

En las categorías interpretativas en cine, la interpretación de Carolina Yuste en ‘La infiltrada’ ha resultado merecedora del galardón a Mejor Interpretación Femenina, mientras que Eduard Fernández se ha hecho con el reconocimiento a Mejor Interpretación Masculina por su papel en ‘Marco’, convirtiéndose en la segunda vez que el actor consigue este premio tras su victoria en 2014 con ‘Todas las mujeres’.

‘Mariposas Negras’ (David Baute) consiguió el Forqué a Mejor Largometraje de Animación. ‘Marisol, llámame Pepa’ (Blanca Torres)) hizo lo propio con el Premio a Mejor Documental y ‘La gran obra’ fue premiada como Mejor Cortometraje.

En el apartado a Mejor Película Latinoamericana del Año resultó triunfadora ‘El lugar de la otra’ (Maite Alberdi). De la misma manera, el Premio del Público, patrocinado por Cinesa, ha recaído sobre ‘Casa en flames’ (Dani de la Orden).

Enrique Cerezo, presidente de EGEDA, otorgó el tradicional reconocimiento de la Medalla de Oro al director, productor, guionista y divulgador José Luis Garci. En palabras de Cerezo entregar este premio honorífico fue como aprobar una “asignatura pendiente” con un cineasta de “obras de enorme relevancia y calidad”. “Me parece inaudito que no le hayan dado el Premio Nacional de Cinematografía o la Medalla de las Bellas Artes a Enrique Cerezo” dijo Garci devolviendo el cumplido.

Palmarés de los Premios CYGNUS 2024

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Los premios que reconocen los valores positivos en el cine y la televisión

Los Premios CYGNUS regresan por séptimo año consecutivo con el firme objetivo de reconocer el trabajo de las personas dedicadas al cine y la televisión que más han aportado en el noble empeño de transmitir valores positivos para la sociedad. La Universidad de Alcalá, institución española de prestigio mundial y de contrastado compromiso y responsabilidad social, en colaboración con el colectivo de profesionales del cine representado en ACIVAS -Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de Valores y Solidario- son los promotores de este encuentro que ambas instituciones promueven desde 2019, con el apoyo de EGEDA, CINESA, AIE y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares.

Desde entonces tienen una cita ineludible en los Encuentros de Cine Solidario y de Valores desarrollados desde la Fundación General de la Universidad de Alcalá a través de CIMUART (Instituto para el estudio y desarrollo de las artes y las ciencias audiovisuales), con los que se da a conocer el compromiso de la industria audiovisual a través de diferentes actividades. Este evento culmina con estos citados premios que se entregarán el próximo miércoles 15 de enero de 2025 en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá.

Como novedad, este año las producciones más sostenibles​ han optado a dos galardones que distinguen tanto las producciones de cine como de series destacando la eco sostenibilidad, una temática en la que los organizadores ya quisieron poner el foco por primera vez en la pasada edición como prueba de su compromiso y que la Universidad de Alcalá concretó con la puesta en marcha del Máster de Cine Sostenible que ya forma académicamente a los profesionales que quieren realizar las labores de eco manager. Esta figura cada vez más presente es la persona responsable de reducir la huella de carbono y compensar el daño ecológico de manera transversal en todo el rodaje. Además, contamos con la asesoría de Creast, la empresa pionera en sostenibilidad para la industria del entretenimiento, que gestionará la medición y reducción del impacto y sostenibilidad del evento de la entrega de los premios.

Así mismo, se ha creado un nuevo Premio especial Cátedra Platino Educa que inaugura la película Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín.

En un acto celebrado anteayer, 11 de diciembre de 2024, en el Rectorado de la Universidad de Alcalá, se ha dado a conocer el fallo con los nombres de los ganadores, profesionales que han destacado y participado en títulos que han sido estrenados a lo largo de 2024.

El jurado, compuesto por el Prof. Dr. D. José Vicente Saz, rector de la UAH y Presidente del jurado de los Premios CYGNUS; D. Santiago Alonso, concejal de Cultura e Igualdad del Ilmo. Ayto de Alcalá de Henares; D. Rafael Sánchez, director de Relaciones Institucionales de EGEDA; Dª Cristina Montesinos, directora de Desarrollo de Negocio de Platino EDUCA, Dª. Montserrat Puertas, directora de Relaciones Institucionales de CINESA; D. José Luis Sevillano, director General de AIE; Prof.ª Dra. D.ª Mª Teresa del Val, directora General de la Fundación General de la Universidad de Alcalá; D. Javier Santamaría, director de CIMUART, los Premiso CYGNUS y del Encuentro de Cine Solidario; D. Tote Trenas, director de fotografía;  Dº Gregorio Martínez, director de RR. Institucionales ACIVAS; Dª Yolanda Costas, directora de ficción en Crest, responsable del departamento de servicios de sostenibilidad para sector Cine y TV; Dª Elena Ajenjo, Productora de cine y secretaria General de ACIVAS; y Prof. Dr. D. José Raúl Fernández del Castillo, director para las Artes y la Cultura de la Universidad de Alcalá, secretario y portavoz del jurado, han decidido otorgar los siguientes galardones:

  • Premio a la mejor película: La infiltrada, dirigida por Arantxa Echevarría y producida por Infiltrada A.I.E., Bowfinger International Pictures, Beta Ficción, Esto también pasará.
  • Premio a la mejor dirección: Benito Zambrano por El Salto.
  • Premio al mejor productor o director de producción: Alex Lafuente por Nina.
  • Premio al mejor guion: Juan Gómez Jurado, Salvador Perpiñá y Amaya Muruzábal por Reina Roja.
  • Premio a la mejor actriz: Clara Segura, por El 47.
  • Premio al mejor actor: Roberto Álamo, por Rita.
  • Premio a la mejor película documental: Una estrella fugaz, dirigida por Ignasi Guerrero y Arturo Méndiz.
  • Premio a la mejor película de animación: Guardiana de dragones (Dragonkeeper), dirigida por Salvador Simó Busom y Jianping Li.
  • Premio a mejor intérprete o creador de música original: ex aequo a Valeria Castro, por la canción el borde del mundo de la película El 47 y Diego Navarro, por la banda sonora de Mariposas Negras.
  • Premio a la mejor serie o programa de televisión: Yo adicto, dirigida por Javier Giner.
  • Premio a la mejor actriz de serie: Verónica Sánchez, por Ángela.
  • Premio al mejor actor de serie: Ginés García Millán por La sombra de la tierra.
  • Premio a mejor a la película en ecosostenibilidad: Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín y producida por Kowalski Films, Feelgood Media, Movistar Plus+, Garbo Produzioni.
  • Premio a la mejor serie en ecosostenibilidad (nueva): Invisible, dirigida por Paco Caballero y producida por Morena Films y Áralan Films.
  • Premio especial Cátedra Platino Educa (nueva): Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín.

Y se han acordado los siguientes reconocimientos especiales:

  • Interactvty por su apoyo al deporte al deporte base, formando personas con los valores que aporta esta disciplina.
  • Pepa Muñoz de World Central Kitchen por su labor de voluntariado en la zona afectada por la DANA en Valencia que ayuda a los voluntarios que desinteresadamente dan su tiempo para la recuperación de la zona dañada por el fenómeno meteorológico, llevando comida caliente incluso donde no hay fogones para calentarla.
  • Matías Prats, por su labor de presentador y comunicador, con una trayectoria comprometida con la información, contada de forma veraz, crítica y próxima.
  • Rei Ortolá por su canción Voces de Valencia, que sintetiza el sentir empático de nuestra sociedad ante la necesidad y el drama, y la solidaria colaboración desinteresada, posible en una sociedad que basa sus relaciones en valores.

Crítica: ‘¿Yo fui mujer florero?’

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Del destape al streaming. La cosificación como herramienta y/o como lacra

La miniserie ‘¿Yo fui mujer florero?’, disponible en HBO Max el 12 de diciembre, es mucho más que un nostálgico viaje a la televisión española de los años ochenta y noventa. Esta producción de Jordi Évole y Ramón Lara es una incisiva crítica que desmenuza cómo la pequeña pantalla convirtió a la mujer en un objeto decorativo, un adorno visual para engatusar audiencias y perpetuar una dinámica de poder basada en la cosificación femenina. Bajo la dirección de Rafa de los Arcos, esta producción logra un balance entre el análisis histórico y la introspección social, ofreciendo un espejo incómodo para quienes crecieron viendo o siendo parte de este fenómeno como algo natural o incluso divertido.

La normalización de la cosificación. La televisión de aquellos años no fue inocente. Con la llegada de las cadenas privadas en 1990 y el estilo que impuso Telecinco bajo la dirección de Valerio Lazarov, las «mujeres florero» se convirtieron en la fórmula mágica para competir en el mercado televisivo. Curiosamente la serie nos hace ver que se han invertido las tornas. Mientras que una cadena privada hace su propaganda y muestra una imagen rancia, en la pública otros aciertan a acercarse a los verdaderos jóvenes. Por entonces la lucha por el prime time se convirtió en programar hasta saturar a bailarinas como las Mama Chicho o las Cacao Maravillao, concursos cargados de sexualización, azafatas como las del ‘1,2,3… responda otra vez’ convertidas en iconos de belleza… Representaron un modelo donde el físico femenino era el eje principal de la narrativa. Este enfoque, heredado de la televisión italiana y del destape de los años setenta, consolidó un sistema que trivializaba la figura de la mujer, relegándola a un papel superficial e instrumental. Me sorprende que no se hable de los programas de José Luis Moreno.

El documental cuestiona si esta cosificación era plenamente consciente o simplemente un reflejo de una sociedad que aún digería los cambios sociopolíticos tras la Transición. Lo que resulta evidente es que estas dinámicas reforzaron el machismo mediático, justificándolo bajo el manto del entretenimiento. La inclusión de imágenes históricas y entrevistas con las protagonistas de la época no solo da voz a las mujeres que vivieron esa realidad, sino que también destapa las contradicciones de un modelo que, aunque criticado, aún persiste en formas más sutiles o asumidas. Alguna pocas reconocen doloridas haber sido mujer objeto, para otras no hay polémica, solo un mal de época.

Una reflexión necesaria. Uno de los aciertos de ‘¿Yo fui mujer florero?’ es dar espacio a múltiples opiniones. La serie incorpora voces externas que con la perspectiva del tiempo aportan un análisis crítico que contextualiza el fenómeno dentro de la evolución social y mediática de España. Por otro lado, los testimonios de mujeres como Ivonne Reyes, Loreto Valverde o Miriam Díaz-Aroca desnudan las emociones y los dilemas de quienes encontraron en ese sistema tanto una oportunidad como una limitación. Deambulando entre esas dos orillas ‘¿Yo fui mujer florero?’ corre el riesgo de perder el norte cuando de repente pone a todos los cargos, productores, directores y presentadores casi a la altura de Harvey Weinstein. Irónicamente oímos posturas y palabras que sostienen aquellas que hoy en día no tienen mucha diferencia con las que se ganan la vida en OnlyFans o los que dan audiencia a A3 por ver el modelito de Cristina Pedroche en nochevieja.

El documental no se limita a denunciar; también examina cómo muchas de estas mujeres revalorizaron su papel, destacando su trabajo y profesionalismo pese a las circunstancias. Sin embargo, no oculta las sombras: la exposición a actitudes sexistas, la presión por cumplir estándares de belleza inalcanzables y el ninguneo de su capacidad intelectual fueron parte del precio a pagar en una industria que las veía como piezas intercambiables de un engranaje comercial. También atina a remarcar que de entonces a ahora no hay tanta diferencia, cuando tenemos azafatas en ‘La ruleta de la suerte’ que hacen poco más que pasearse delante de un panel. El segundo episodio plantea una pregunta crucial: ¿hemos cambiado realmente como sociedad? Aunque los tiempos de las Mama Chicho parecen lejanos, las prácticas de cosificación y el uso del físico femenino como reclamo no han desaparecido. Siguen presentes, aunque en formas más sistémicas y rentables, en la publicidad, la moda y las redes sociales. Este cuestionamiento convierte a ‘¿Yo fui mujer florero?’ en una pieza a difundir, un recordatorio de que las estructuras que se crearon entonces aún tienen ecos hoy.

Crítica: ‘Cyborg Generation’

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En qué plataforma ver Cyborg Generation

Próximamente en Filmin.

Sinopsis

Bienvenido al universo cyborg. Descubre la historia de un grupo de jóvenes que ha empezado a modificar su cuerpo para así expandir sus posibilidades sensoriales a través del viaje de Kai Landre, el primer músico cyborg del planeta.

Un joven músico de dieciocho años decide diseñar un órgano cibernético e implantárselo de forma ilegal, adquiriendo así un nuevo sentido que le permite percibir sonidos del espacio desde la tierra.

Crítica

Planteando si el transhumanismo ayudará al ser humano en su búsqueda de autoconocimiento

El documental ‘Cyborg Generation’ es una película de Miguel Morillo Vega que en poco más de una hora realiza una exploración de los límites entre lo humano y lo tecnológico. Para ello sigue a un joven de este siglo, de esos que han nacido con la tecnología bajo el brazo y le mira a través de la lente del transhumanismo y la vida cyborg. La película indaga en las implicaciones filosófica, legales, sensoriales y sociales de aquellos que quieren dar lo que entienden como un nuevo paso en la evolución humana.

‘Cyborg Generation’ aborda el tema a través de dos figuras: los pioneros del movimiento, Neil Harbisson y Moon Ribas, y un neófito, Kai Landre, que aporta una perspectiva de descubrimiento e incluso investigación como el verdadero hilo conductor. Esta narrativa es efectiva, pues permite al espectador descubrir una corriente poco conocida desde varias perspectivas. Eso sí, hay que admitir que más allá de lo experimental y de la búsqueda de cambio o refugio por parte de los protagonistas, se echan en falta testimonios o argumentos que equilibren la balanza de la opinión.

Harbisson, conocido por ser la primera persona reconocida oficialmente como un cyborg, y Ribas, con su agudo sentido de los movimientos sísmicos, aportan una visión que a muchos puede parecerles similar a la de la comunidad transexual e incluso furry, pero brindan un testimonio que conecta con preguntas profundas sobre lo que significa ser humano en una era donde la integración con máquinas parece inevitable, algo más allá de la ciencia ficción. Por su parte, Kai Landre, al ser un recién llegado, representa al espectador curioso que aún se debate entre el entusiasmo y el escepticismo, que sobre todo recorre una etapa de autoconocimiento.

‘Cyborg Generation’ es una obra íntima que describe a personas incomprendidas. Se limita sobretodo a lo personal y no se moja en exceso con preguntas más universales tales como si esto modifica nuestra identidad, si realmente es una mejora o un capricho psicológicamente no tratado, si esto es bueno para generaciones futuras, si estamos hablando de personas que han sido capaces ve ver más allá… Lo que sí que es capaz de dejar patente es que cada vez van a ser más necesarios este tipo de trabajos que saquen de la fantasía cuestiones que ya están entre nosotros. De hecho antes de su cierre dispone de una escena que cabría clasificar de clandestina y casi snuff, al fin y al cabo han sido cinco años rodando lo que ha culminado en el implante que ahora lleva Landre.

Miguel Morillo Vega da voz a una comunidad que no solo busca la comunión con las nuevas tecnologías, sino también intentar redefinir a nuestra especie, que parece que lleva anclada evolutivamente miles de años. La debería ser, ¿la tecnología ha llegado para hacernos evolucionar o es la propia tecnología la que no nos permite tener un cuerpo superior al habernos hecho dependientes de ella? Quizá para otra ocasión hablemos de esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Cyborg Generation. Duración: 63 min. País: España, EE.UU. Dirección: Miguel Morillo Vega. Guion: Miguel Morillo Vega. Música: Harto Rodriguez. Fotografía: Martí Herrera. Reparto principal: Kai Landre, Neil Harbisson, Moon Ribas, Manel de Aguas. Producción: Distribución: Filmin. Género: documental, tecnología. Web oficial: