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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Crítica: ‘Arco’

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Apuesta por una visión optimista para el futuro de la humanidad

Algunas leyendas o cuentos narraban que si lograbas encontrar el final del arcoíris podías hallar el tesoro del leprechaun, un caldero lleno de oro. ‘Arco’ nos cuenta de manera casi metafórica que, si recuperamos la senda de ese tipo de fenómenos fantásticos, los cuales nos llenan de ilusión al verlos, podremos encontrar otro tipo de tesoros, como el de la conciencia colectiva de que el progreso solo tiene sentido si va acompañado de responsabilidad medioambiental y empatía intergeneracional. Esa es la moraleja que sobrevuela a la película desde su estreno en festivales: no se trata de regresar al pasado ni de demonizar la tecnología, sino de reconciliar al ser humano con su entorno antes de que el futuro se vuelva inhabitable.

Ugo Bienvenu, procedente del cómic y la ilustración, da el salto definitivo al largometraje con una obra que no busca agradar de manera inmediata, sino dejar poso. ‘Arco’ es una película de animación que personaliza los miedos que hoy sufre el planeta, el colapso climático, los desastres naturales extremos, la deshumanización tecnológica… Pero lo hace desde un tono inesperadamente esperanzador. No es un relato apocalíptico al uso, sino una advertencia envuelta en belleza, una llamada a la acción disfrazada de cuento futurista.

Un futuro fracturado

El mundo que presenta ‘Arco’ es uno de esos futuros que resultan inquietantes precisamente porque parecen plausibles. La humanidad se ha dividido en dos realidades: por un lado, quienes sobreviven en pequeñas cúpulas hipertecnológicas, acompañados de robots y hologramas que sustituyen el contacto humano, protegidos de las violentas tormentas, incendios y catástrofes climáticas que asolan el planeta. Por otro, una realidad que habita en enormes plataformas suspendidas, cuya disposición recuerda inevitablemente a un ajedrez tridimensional del universo de ‘Star Trek’, ese mismo tablero al que jugaba Sheldon Cooper en ‘The Big Bang Theory’. Quizá es un símil intencionado para indicarnos que estamos en jaque.

Bienvenu utiliza este escenario para plantear una fractura no solo social, sino moral. La tecnología ha permitido sobrevivir, pero también ha generado aislamiento y dependencia. Frente a ello, la fantasía, representada de manera simbólica por el arcoíris que siempre se presenta como elemento casi mítico. Aparece aquí como un recordatorio de lo que se ha perdido: la capacidad de asombro, el vínculo con la naturaleza y la idea de poder desear un futuro mejor. El choque entre fantasía y tecnología no es solo estético, sino ideológico, y se convierte casi en el verdadero motor del relato.

Voces conocidas para una historia que no busca la comedia

Uno de los aspectos más curiosos de ‘Arco’ es su reparto vocal en inglés. Natalie Portman no solo presta su voz, sino que, tras ver el material con el que había empezado la preproducción, decidió financiar la película. Un gesto que habla del compromiso artístico que percibió en el proyecto. A su alrededor encontramos nombres asociados habitualmente a la comedia como Will Ferrell, Mark Ruffalo, America Ferrera, Flea o Andy Samberg.

Sin embargo, ‘Arco’ no es una película de humor. Y es que las voces no buscan el lucimiento individual, sino reforzar la atmósfera de fábula adulta, donde cada personaje parece cargar con una culpa colectiva más que con un conflicto personal.

Una animación heredera de Miyazaki y Toriyama

Visualmente, ‘Arco’ se sitúa en una tradición muy reconocible. La influencia de Hayao Miyazaki es evidente a la hora de representar la naturaleza y en el movimiento de los personajes. Al mismo tiempo, ciertos diseños y dinámicas recuerdan a la obra de Akira Toriyama, especialmente en lo que se refiere al diseño de escenarios y todo tipo de artilugios.

Esta alineación estética no es un mero homenaje, sino una declaración de intenciones. Bienvenu entiende la animación como un lenguaje capaz de abordar temas complejos sin renunciar a la emoción ni al estilismo. Cada plano parece diseñado para reforzar el mensaje: la tecnología puede ser deslumbrante, pero también fría, la naturaleza puede parecer ingenua, pero encierra verdades arrolladoras. Como las obras de estos dos maestros, la comunión entre el progreso y nuestro entorno aparece como una comunión irremediable y casi onírica.

No es casualidad que ‘Arco’ haya sido muy premiada y que su nombre suene con fuerza en la conversación sobre los Oscars. Entre otros reconocimientos, ha obtenido el Premio Cristal a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y el Premio del Público Sitges Collection en el Festival de Sitges. Ambos galardones reflejan su doble virtud: el reconocimiento crítico y la conexión emocional con el espectador.

‘Arco’ propone un viaje, una senda que, como el arcoíris de las viejas leyendas, no garantiza un tesoro inmediato, pero sí la posibilidad de encontrar algo más valioso: la voluntad de cambiar antes de que sea demasiado tarde.

Ficha de Arco

Estreno en España: 23 de enero de 2025. Título original: Arco. Duración: 82 min. País: Francia. Dirección: Ugo Bienvenu. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry. Música: Arnaud Toulon. Reparto principal (doblaje original): Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Louis Garrel, Alma Jodorowsky, Nathanaël Perrot, Vincent Macaigne, Swann Arlaud. Producción: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, Netflix. Distribución: Caramel Films, YouPlant. Género: Web oficial.

Crítica: ‘Fallout’ 2×01

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Mientras el yermo de Fallout se expande, la moral de los protagonistas se agrieta

La segunda temporada de ‘Fallout’ arranca con una decisión clara y, en términos dramáticos, acertada: mirar atrás para entender por qué el presente es tan cruel. El primer episodio dedica buena parte de su metraje a profundizar en el pasado del Ghoul (Walton Goggins), un personaje que ya en la anterior entrega funcionaba como conciencia torcida de la serie. Lejos de convertirlo en un simple icono violento, la temporada opta por humanizarlo aún más, explorando su origen y el proceso que lo llevó a convertirse en esa figura cínica, pragmática y letal que deambula por el yermo. Este viaje al pasado por parte de la serie de Prime Video no es un simple ejercicio de “lore” para fans del videojuego, sino una herramienta narrativa que refuerza el tono trágico de la serie y la aleja de la fantasía ligera.

En paralelo, la persecución junto a Lucy (Ella Purnell) del padre interpretado por Kyle MacLachlan se erige como motor narrativo central. La serie entiende que no hay nada más poderoso que un objetivo emocionalmente cargado, y aquí lo explota con eficacia: no se trata solo de encontrar a alguien, sino de ajustar cuentas con un pasado que nunca terminó de cerrarse. Esta línea argumental aporta gravedad y estructura a una temporada que, de otro modo, podría perderse en episodios autoconclusivos sin verdadero peso dramático.

Humor negro y violencia: el ADN intacto del yermo

Uno de los mayores aciertos de la primera temporada fue su capacidad para equilibrar drama y humor negro, y la segunda entrega no traiciona esa identidad. La violencia sigue siendo explícita, incómoda y, en muchos casos, grotescamente cómica. ‘Fallout’ continúa jugando con la idea de que el horror y la risa pueden convivir en un mismo plano, y lo hace con una puesta en escena que no teme recrearse en lo absurdo ni en lo cruel.

En este contexto, el personaje de Ella Purcell se consolida como uno de los contrapuntos más interesantes. Su inocencia, casi infantil, choca frontalmente con un mundo donde la supervivencia exige cinismo y brutalidad. La serie utiliza este contraste para lanzar preguntas incómodas: ¿es posible mantener una ética en un entorno diseñado para destruirla? ¿O la inocencia es solo una fase previa a la corrupción inevitable? Lejos de ser un simple recurso humorístico, Ella se convierte en un espejo que refleja la degradación moral del resto de personajes, reforzando ese tono retorcido que define a ‘Fallout’.

Personajes en pausa y un mundo que respira

No todo avanza al mismo ritmo, y la temporada es consciente de ello. El personaje de Maximus (Aaron Moten), por ejemplo, queda en un segundo plano durante este arranque, casi en estado de “stand by”, al contrario que el de Moises Arias que tiene más protagonismo. Esta decisión puede generar cierta frustración, pero también demuestra una voluntad clara de no saturar la narrativa. La serie prefiere dosificar sus piezas, dejando que el mundo respire y que cada arco tenga su momento.

A nivel de producción, la segunda temporada amplía el yermo con nuevas localizaciones y facciones, reforzando la sensación de un universo vivo, hostil y contradictorio. ‘Fallout’ no se limita a reproducir iconografía del videojuego, lo cual ya nos adelantaban los tráilers de esta segunda temporada, sino que la integra en un discurso propio sobre el poder, la memoria y la degradación. En este sentido, la serie confirma que su mayor fortaleza no está en la acción, sino en su mirada irónica y desesperanzada sobre lo que queda cuando la civilización se derrumba.

Crítica: ‘La asistenta’

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Sinopsis

Basada en el increíble fenómeno literario escrito por Freida McFadden.

Una joven, Sydney Sweeney, con un pasado complicado comienza a trabajar como asistenta en la lujosa casa de los Winchester, Amanda Seyfried y Brandon Sklenar. A medida que se adentra en la vida de la familia, descubrirá secretos oscuros que pondrán en peligro su seguridad, pero quizá ya sea demasiado tarde…

Crítica

Un híbrido entre el spicy y el thriller doméstico que consigue tener lo suyo de insólito

‘La asistenta’ es la nueva apuesta de Paul Feig por los relatos centrados en mujeres, pero esta vez se aparta de la comedia como ‘Cazafantasmas’ o el thriller juguetón de ‘Un pequeño favor’ para sumergirse en un híbrido inesperado: un thriller romántico con pinceladas de terror. Feig, que vuelve a confiar el peso de su película a un reparto femenino, construye una narración que combina melodrama, sensualidad y oscuridad psicológica, una mezcla que promete más de lo que finalmente entrega, pero que resulta curiosamente magnética.

Desde sus primeros compases queda claro que ‘La asistenta’ conecta mejor con quienes disfrutan de las novelas de Freida McFadden. No he leído la obra original, pero si la película es fiel al espíritu del libro, estamos ante una historia dirigida a un público que busca intensidad emocional, giros retorcidos y erotismo tipo spicy literario. Amanda Seyfried encarna una figura que podría haberse escapado de ‘M3gan’, con esos vestidos y una actitud imprevisible mezclada con un aura de inestabilidad que apenas necesita palabras para desplegarse. Frente a ella, Sydney Sweeney sostiene el verdadero eje de la trama, atrapada entre la fascinación y el desconcierto.

‘La asistenta’ parece querer seguir la senda de clásicos como ‘La mano que mece la cuna’, pero pronto evidencia que sus intenciones van por otro camino. Feig nos traslada desde escenas marcadas por el deseo adolescente hasta estallidos de violencia emocional y física que rompen por completo la atmósfera inicial. Cuando ‘La asistenta’ se atreve a abrazar su naturaleza más oscura y a jugar con las expectativas del espectador, la propuesta funciona, sorprende y demuestra personalidad. El problema es que estos momentos inspirados llegan tras una acumulación de escenas románticas, malentendidos y subtramas que estiran más de lo necesario el metraje. Da la sensación de que Feig ha querido conservar cada latido de la novela sin detenerse a pensar en las exigencias del lenguaje cinematográfico. Quizá es por eso que el segmento explicativo hacia el final contado desde dos perspectivas resulta excesivamente largo, un lastre que habría funcionado mejor desde la insinuación que desde la sobreexposición. Feig apuesta por aclararlo todo cuando el misterio habría permitido una resolución más elegante.

En su tramo final se notan varios fallos de coherencia: decisiones narrativas precipitadas y un uso poco claro del rol de Michelle Monrroe, que habría necesitado un desarrollo más sólido son solo un par de ejemplos claros. Aun así, es probable que una parte del público pase por alto estos descuidos porque la película introduce elementos que, al menos, se salen de lo convencional. La protagonista, por ejemplo, permanece en una espiral de locura de la que cualquiera querría escapar, pero la trama construye motivos, algunos creíbles, otros puramente morbosos, para retenerla en ese espacio mental y físico.

‘La asistenta’ también busca momentos de humor y deja espacio para la sobreactuación de Seyfried, algo que la actriz parece manejar con plena conciencia. Aunque el atractivo erótico de Brandon Sklenar y de Sweeney se explota constantemente, la auténtica fuerza motora del filme es la dinámica entre Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Ellas sostienen incluso los tramos menos inspirados. Aunque su final, la manera en cómo se resuelve su relación, llega de manera abrupta y con necesidad de echarle imaginación, los duelos que van protagonizando son cada vez más inquietantes e intensos. Si no fuese por ese tira y afloja bien mantenido por ambas actrices, la película no se habría mantenido.

Ficha de La asistenta

Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: The Housemaid. Duración: País: Dirección: Paul Feig. Guion: Freida McFadden, Rebecca Sonnenshine. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone. Producción: Lionsgate, Hidden Pictures, Feigco Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense. Web oficial: https://thehousemaid.movie/

Crítica: ‘Keeper’

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¿Terror incomprendido o sustancia escasa?

Tatiana Maslany y Rossif Sutherland protagonizan lo nuevo de Osgood Perkins, ‘Keeper’. A primera vista, la cinta se presenta como un “cabin in the woods”, un clásico punto de partida para el cine de terror, pero rápidamente queda claro que su apuesta estética supera a su fuerza narrativa, la cual, busca criticar la masculinidad tóxica.

Aunque ha declarado que siempre intenta hacer películas de terror marcadamente diferentes entre sí, Perkins hace de ello una fortaleza y ha destacado como director por crear atmósferas densas e inquietantes, como se vio ‘Longlegs’ donde parecía imitar el estilo de Fincher y en ‘Gretel & Hansel’ en la que la fotografía rememoraba a la de Eggers. La fotografía, a cargo de Jeremy Cox, explora la cabaña aislada con un ojo sofisticado para la textura visual: vistas obstruidas por objetos, estancias que se estrechan y planos cerrados que funcionan más como pequeñas pinturas que como herramientas narrativas claras. Estas imágenes muchas veces recuerdan a cuidadosos posts de postureo marca Instagram, perfectamente iluminados y compuestos, pero que, en conjunto, no llevan a ningún lugar sorprendente. Además ‘Keeper’ parece obsesionada con evitar los clichés del género, especialmente el jump scare fácil y, en su lugar, apuesta por crear momentos visuales perturbadores, con sorpresas camufladas constantemente pero sin el estruendo o el sobresalto fácil.

Es aquí donde la película exhibe su principal virtud y su mayor limitación: Perkins maneja con maestría lo visual y lo sensorial, pero lo hace para insinuar más de lo que realmente define. No es que la cinta sea “lenta” en el sentido clásico o manido, sino que ofrece poco desarrollo real durante largos tramos de su metraje, ofrece muy pocas migajas que nos hagan seguir con interés su camino.

El planteamiento inicial es sencillo: Liz (Tatiana Maslany) y Malcolm (Rossif Sutherland) viajan a una cabaña en el bosque para celebrar su primer aniversario, pero pronto las cosas toman un giro inquietante cuando Malcolm se ausenta inesperadamente y Liz queda sola con presencias o sensaciones extrañas que surgen, sobre todo, a través de visiones o presentimientos más que de hechos concretos.

Perkins juega con insinuaciones: sugerir que algo está mal, explorar rincones y encuadres cerrados para incomodarnos, usar sonidos y música como una presencia más. Sin embargo, esta estrategia de “mostrar sin decir” termina por dar lugar a largos lapsos donde la película se siente como un mero ejercicio de estilo. Una y otra vez confiamos en que algo significativo va a ocurrir o en que el desenlace nos recompensará por la espera… y la realidad es que el final tampoco guarda un giro lo suficientemente original como para equilibrar el trayecto.

Desafortunadamente la fuerza interpretativa de la protagonista no se ve respaldada por una construcción sólida de personaje o de relación. La dinámica entre Liz y Malcolm nunca se siente suficientemente profunda o convincente, lo cual diluye el impacto de cualquier confrontación emocional o terrorífica que el guion pretenda provocar. Esa elección es respetable y, en muchos casos, logra que escenas aisladas queden grabadas en la mente del espectador (pocas más de las que vemos en el tráiler).

Incluso la parte final, donde la película “recuerda” que es un film de terror, ofrece algo de catarsis visual, pero no presenta un giro narrativo que se sienta genuinamente sorprendente o memorable. ‘Keeper’ se queda por eso en aguas de borraja con lo sugerido, sin atreverse a entregar una revelación poderosa o una reflexión profunda sobre sus temas de relación, miedo y vulnerabilidad. Puede funcionar como una obra de arte visual pero su vacuidad narrativa la convierte en una experiencia que muchos espectadores percibirán como aburrida o excesivamente ambigua.

Ficha de ‘Keeper’

Estreno en España: 19 de diciembre de 2025. Título original: Keeper. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Nick Lepard. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Jeremy Cox. Reparto principal: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland. Producción: Oddfellows Productions, Range Media Partners, Wayward Entertainment, Wellcome Villain. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘El extranjero’

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Crítica

Entre la fidelidad a Camus y la frialdad narrativa de Ozon

‘El extranjero’, la nueva película de François Ozon, se adentra en un terreno que parecía inevitable: la adaptación de la célebre novela de Albert Camus. A primera vista, la combinación suena casi perfecta, pues ambos autores, cada uno en su disciplina, han dedicado su obra a cuestionar la vida y sociedad, sus absurdos y contradicciones. El resultado, sin embargo, es una propuesta profundamente existencialista, cargada de reflexiones valiosas, pero también marcada por un ritmo pausado, casi inmóvil, que pondrá a prueba la paciencia del espectador.

La cinta sigue a Meursault, un hombre aparentemente insensible, que vive como si se tratase de un autómata. Su mirada fría y su forma de caminar por la vida transmiten una desconexión total con el mundo. Apenas se inmuta cuando su madre muere, a la que había dejado en una residencia como si fuese una extraña. Y en el fondo, ese es uno de los temas centrales: Meursault es un extranjero tanto en la vida de su madre como en la suya propia.

Más allá del retrato íntimo del protagonista, la película funciona como un breve fresco sobre la Francia colonialista. La Argelia de Camus resurge como un territorio mestizo, atravesado por tensiones sociales y culturales, donde Francia es, en última instancia, una potencia extranjera. El contraste entre pertenencia y desarraigo resuena con fuerza en cada rincón de la historia.

‘El extranjero’ es, en definitiva, una película de hechos y consecuencias, con muy pocos porqués. La trama se despliega sin giros sorprendentes, sin respuestas tranquilizadoras. El asesinato que articula la narración desde el minuto cero cae en el olvido y se resuelve de forma insustancial, como si el acto más grave de la vida de Meursault no fuese más relevante que un simple accidente. Esa falta de trascendencia, que puede resultar frustrante para muchos, es precisamente la clave: aceptar el sinsentido de la vida, tal como proponía Camus.

Ozon ha plasmado con fidelidad el espíritu del Premio Nobel. Cuestionar la película es, en cierto modo, cuestionar la propia obra de Camus. Para gustos, los colores… o en este caso, la escala de grises. François Ozon logra trasladar la esencia del absurdo camusiano con imágenes contenidas y una puesta en escena sobria. Filmar en blanco y negro refuerza la sensación de distancia y atemporalidad. La escala de grises no solo remite a la época colonial en Argel, sino que convierte cada plano en un espejo de lo que Camus proponía: un mundo sin color, sin adornos, donde lo que vemos es lo que hay. El blanco y negro, en este sentido, aporta crudeza y evita cualquier romanticismo que pudiera suavizar el relato.

Ficha de El extranjero

Estreno en España: 19 de diciembre de 2025. Título original: L’Étranger. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Fatima Al Qadiri. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Denis Lavant, Pierre Lottin, Swann Arlaud. Producción: FOZ, Gaumont, France 2 Cinéma, Macassar Productions, Scope Pictures, Canal+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, misterio, adaptación. Web oficial.

‘Los domingos’ domina el palmarés de los 31º Premios Forqué

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La película de Alauda Ruiz de Azúa y la serie ‘Anatomía de un instante’ se convierten en las grandes triunfadoras de los 31º Premios Forqué

La 31ª edición de los Premios Forqué confirmó el excelente momento que vive el audiovisual español, con una gala celebrada en el Palacio Municipal IFEMA Madrid que reunió a los principales nombres del cine y las series de la temporada. Presentada por Cayetana Guillén Cuervo y Daniel Guzmán, con el apoyo de una presentadora virtual, TIA, la IA de los Forqué, la ceremonia fue retransmitida por La 2 de TVE y RTVE Play, consolidando su alcance nacional.

La noche estuvo marcada tanto por la celebración del talento como por el recuerdo al intérprete Héctor Alterio, fallecido ese mismo sábado, en uno de los momentos más emotivos de la gala.

‘Los domingos’, gran triunfadora de los Forqué 2025

La película ‘Los domingos’, escrita y dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, se coronó como la gran vencedora de la noche al alzarse con el premio a Mejor Largometraje de Ficción, convirtiéndose además en el único título que logró más de un galardón en esta edición. La cinta ofrece un retrato complejo y profundamente humano sobre la reacción de una familia ante la decisión de una de sus jóvenes integrantes de ingresar en un convento de clausura. Un relato coral que apuesta por el debate moral y emocional sin imponer respuestas cerradas al espectador.

Ruiz de Azúa definió la película como “una obra que respeta al espectador como un adulto capaz de sacar sus propias conclusiones”, reivindicando el pensamiento crítico como una herramienta esencial en la sociedad contemporánea.

Patricia López Arnaiz, Mejor Interpretación Femenina

El triunfo de ‘Los domingos’ se completó con el premio a Mejor Interpretación Femenina, que fue a parar a Patricia López Arnaiz, quien suma así un nuevo Forqué a su trayectoria tras el obtenido en 2021 por ‘Ane’. La actriz agradeció el reconocimiento a sus compañeras nominadas, al elenco y especialmente a la directora por su sensibilidad a la hora de retratar vínculos y emociones.

Mejor Serie de Ficción

En el apartado televisivo, la gran vencedora fue ‘Anatomía de un instante’, creada por Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez, y producida por Movistar Plus+. La serie, basada en la novela homónima de Javier Cercas, reconstruye el intento de golpe de Estado del 23 de febrero con una mirada rigurosa y profundamente reflexiva.

El productor José Manuel Lorenzo dedicó el premio a los jóvenes espectadores, subrayando la importancia de comprender el valor de las libertades democráticas y el esfuerzo histórico que ha supuesto conquistarlas.

Más premios para el cine

El premio a Mejor Interpretación Masculina en Largometrajes fue para José Ramón Soroiz por su trabajo en ‘Maspalomas’, una película que aborda los tabúes y dificultades que enfrentan las personas homosexuales en la tercera edad. El actor destacó el cuidado del equipo técnico y la sensibilidad de los directores José Mari Goenaga y Aitor Arregi.

La gala estuvo acompañada por actuaciones musicales intergeneracionales que rindieron homenaje a la historia del cine español. Además, se entregaron premios a ‘Flores para Antonio’ como Mejor Documental, ‘Belén’ como Película Latinoamericana del Año, ‘Decorado’ como Mejor Largometraje de Animación y ‘Sorda’ por su valor educativo y social.

El Premio del Público fue para ‘El cautivo’, la nueva película de Alejandro Amenábar, mientras que ‘Ángulo Muerto’ se alzó como Mejor Cortometraje Cinematográfico.

Panorama televisivo

En televisión, Javier Cámara obtuvo su tercer Premio Forqué gracias a su interpretación en ‘Yakarta’, donde encarna a un exdeportista olímpico en busca de redención. El actor dedicó el galardón “a los perdedores y fracasados”, reivindicando la dignidad de los personajes alejados del éxito.

Por su parte, Esperanza Pedreño se alzó con el premio a Mejor Interpretación Femenina en Series por la segunda temporada de ‘Poquita Fe’, una comedia que retrata la rutina y el desencanto cotidiano con una mirada irónica y cercana.

Emma Lustres recibe la Medalla de Oro de EGEDA

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue la entrega de la Medalla de Oro de EGEDA a Emma Lustres, productora y cofundadora de Vaca Films. El reconocimiento puso en valor su defensa del cine independiente y su compromiso con los derechos de los productores.

Visiblemente emocionada, Lustres recordó a su familia, a su marido Borja Pena y a sus hijos, destacando la conciliación entre vida personal y profesional como uno de los mayores retos del sector.

Crítica: ‘Valor sentimental’

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Una poderosa reflexión sobre lo no dicho y lo no curado

Estamos ante una obra que transciende la mera relación familiar para explorar, con una precisión clínica y una sensibilidad emocional profunda, las heridas que no sabemos nombrar y los silencios que acosamos demasiado tiempo. En ‘Valor sentimental’, la cual, ha recibido ovaciones extensas en festivales como Cannes, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado, Joachim Trier se sumerge en temas de vínculos humanos y memoria y lo hace desde una perspectiva muy madura, dolorosamente íntima y aunque suene a tópico, muy universal.

El eje de la película es la relación entre Gustav Borg (Stellan Skarsgård), un director de cine de renombre que, tras años de ausencia autoimpuesta y tras la muerte de su exmujer, intenta reconciliarse con sus hijas Nora (Renate Reinsve) y Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas). El conflicto surge cuando Gustav, en un intento torpe pero sincero de acercarse a su hija mayor, le ofrece el papel principal en su nueva película, la cual ha diseñado cuidadosamente para explorar la memoria de la familia y los traumas que los marcaron como vamos descubriendo muy poco a poco. En un giro que introduce una tercera voz en la dinámica, Gustav contrata a Rachel Kemp (Elle Fanning), una actriz estadounidense en plena efervescencia que se incorpora la producción en un intento genuino de comprender a Gustav y, a su manera, lo que significa ser parte de una familia fracturada.

La mayor parte de ‘Valor sentimental’ transcurre en una casa familiar centenaria, una estructura que, como en ‘Here’ de Robert Zemeckis, no es un simple escenario sino un personaje silencioso que guarda ecos, recuerdos y heridas. El estado físico de la casa, fría, agrietada, con rincones que parecen susurrar secretos, refleja la psique de una familia que se ha fragmentado a lo largo de los años. Cada habitación, cada pasillo, funciona como un repositorio de emociones no resueltas, y Trier utiliza esta ubicación no solo como telón de fondo, sino como una metáfora del peso del pasado que todos llevan consigo.

Trier construye la narrativa con paciencia escandinava: los momentos más significativos no están en los grandes discursos, sino en los silencios incómodos, en las miradas evasivas y en los gestos que no pueden traducirse a palabras. La película trata explícitamente sobre la dificultad de hablar de lo doloroso, sobre cómo las familias evitan ciertas conversaciones y, sin embargo, esas evasiones son las que más daño causan. La relación entre padre e hija mayor ilustra con brutal honestidad cuán profundas pueden ser las heridas que no se nombran.

Más allá de ser un drama familiar, ‘Valor sentimental’ se posiciona como una meditación sobre el arte como vía de escape y como forma de procesamiento emocional. Gustav, en su regreso al cine, intenta con todas sus imperfecciones transformar experiencias dolorosas en creación artística. Esta dinámica levanta preguntas que la película deja latentes: ¿puede el arte sanar verdaderamente? ¿O simplemente es un espejo que nos fuerza a enfrentar aspectos de nosotros mismos que preferiríamos ignorar? Trier no responde de manera concluyente, pero sí demuestra cómo, a lo largo de una carrera dedicada a la exploración artística, uno puede intentar encontrar un lenguaje para los miedos y las penas que no se manifiestan en palabras comunes.

Aunque en tono ‘Valor sentimental’ no se acerca a la comedia inconformista de ‘Toni Erdmann’, de Maren Ade, ambas películas comparten un interés por la complejidad de los vínculos entre padres e hijos. En ‘Toni Erdmann’, el choque generacional se expresa a través de situaciones absurdas y humor incómodo. En ‘Valor sentimental’, esa fricción se expresa a través de la solemnidad del duelo, la ausencia y la búsqueda de significado. Se asimila a otras obras que también indagan en las relaciones paternofiliales complejas, donde el arte, la memoria y la necesidad de comprensión mutua son centinelas emocionales. En cada una, el padre, imperfecto, a veces egoísta, a veces incomprendido, se convierte en el espejo donde los hijos deben confrontar sus propias heridas.

Si bien es cierto que ‘Valor sentimental’ es una obra que exige paciencia y reflexión sin ofrecer conclusiones fáciles ni soluciones dramáticas prefabricadas, gira en torno a una idea valiosa como es la de la comprensión mutua, el perdón y la confrontación de lo no dicho. En una época donde el cine contemporáneo muchas veces prioriza el impacto inmediato, Trier apuesta por la sutileza, por los matices, por los silencios que gritan, y en ese espacio reside la fuerza de esta película.

Ficha de ‘Valor sentimental’

Estreno en España: 5 de diciembre de 2025. Título original: Sentimental Value. Duración: 130 min. País: Noruega. Dirección: Joachim Trier. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt. Música: Hania Rani. Fotografía: Kasper Tuxen. Reparto principal: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter, Elle Fanning. Producción: Mer Film, Eye Eye Pictures, mk2 Productions, Lumen Production, Komplizen Flm, BBC Film. Distribución: Elástica. Género: drama. Web oficial.

‘Street Fighter’ regresa con un teaser cargado de personajes y un nuevo tono

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Paramount estrenará su nueva adaptación de ‘Street Fighter’ el 16 de octubre de 2026

La franquicia ‘Street Fighter’ vuelve a la primera línea informativa gracias al anuncio oficial de Paramount y Legendary Pictures, que ha confirmado el estreno de su nueva adaptación cinematográfica para el 16 de octubre de 2026. La cinta promete relanzar uno de los universos de videojuegos más icónicos de la historia, acompañado por un despliegue moderno de personajes, combates y efectos que aspiran a revitalizar una marca que ha tenido una trayectoria más que irregular en el cine.

El lanzamiento no lo tendrá fácil: llegará en un año en el que otra saga legendaria del género presentará nueva película. ‘Mortal Kombat 2’, secuela de la versión estrenada en 2021, también verá la luz ese mismo año, configurando un duelo directo entre las dos franquicias de lucha más famosas de la cultura popular. Aunque quien sabe, si Paramount consigue comprar Warner todo se quedaría en casa.

En este contexto, resulta oportuno revisar el camino de ‘Street Fighter’ en el cine: sus aciertos, sus errores y el legado que enfrentará la nueva producción de 2026. Pero antes, veamos el nuevo teaser.

Un proyecto ambicioso liderado por Steven E. de Souza

En 1994, el guionista y director Steven E. de Souza llevó a la gran pantalla el famoso juego de la Capcom, ‘Street Fighter’, una adaptación que apostó por un tono pulp, colorido y exagerado, totalmente orientado al entretenimiento familiar de la época. Aunque la película se alejaba notablemente del espíritu del videojuego, su reparto la convirtió en un título de culto.

La cinta contó con Jean-Claude Van Damme en el papel de Guille, aportando el carisma y la destreza marcial que lo habían consolidado como una de las estrellas de acción del momento. Pero si hay un elemento que marcó de forma imborrable la película, fue la interpretación del fallecido Raúl Julia como Mr. Bison. Su versión del dictador megalómano no solo elevó el material, sino que se ganó el cariño del público y terminó convertida en uno de los villanos más icónicos de los 90. Su fraseología grandilocuente y su presencia escénica se mantienen como uno de los principales motivos por los que la película sigue siendo recordada.

Cambio total de tono con Andrzej Bartkowiak

Quince años después, llegó ‘Street Fighter: la leyenda de Chun-Li’, dirigida por Andrzej Bartkowiak. A diferencia de la versión de 1994, esta película apostó por un tono más serio y centrado únicamente en la historia de Chun-Li. Sin embargo, el cambio no tuvo el efecto deseado. Uno de los elementos más criticados fue la reinvención completa de Mr. Bison, esta vez interpretado por Neal McDonough. Su versión rubia, empresarial y alejada del villano original generó rechazo inmediato entre los seguidores de la saga.

La película no convenció ni a los fans ni a la crítica. Su guion, su falta de fidelidad al material original y su propuesta estética la convirtieron en uno de los grandes fracasos de las adaptaciones de videojuegos. Desde entonces, la marca ‘Street Fighter’ ha permanecido en pausa cinematográfica, esperando un nuevo enfoque más sólido que pueda hacer justicia a su universo. Todo esto exceptuando copias no autorizadas o versiones animadas, claro está.

La nueva adaptación de Street Fighter: Paramount apuesta por un renacimiento completo

La nueva versión, cuyo estreno está fijado para el 16 de octubre de 2026, promete un enfoque moderno, respetuoso con los personajes y alineado con la estética contemporánea del cine de acción. Paramount ha insistido en que se trata de un proyecto prioritario dentro de su calendario y contará con presencia de varios luchadores clásicos del videojuego.

Noah Centineo es “Ken Masters”, Andrew Koji es “Ryu”, Callina Liang es “Chun-Li”, Joe “Roman Reigns” Anoa’i es “Akuma”, David Dastmalchian es “M. Bison”, Cody Rhodes es “Guile”, Andrew Schulz es “Dan Hibiki”, Eric André es “Don Sauvage”, Vidyut Jammwal es “Dhalsim”, Curtis “50 Cent” Jackson es “Balrog”, Jason Momoa es “Blanka”, Orville Peck es “Vega”, Olivier Richters es “Zangief”, Hirooki Goto es “E. Honda”, Rayna Vallandingham es “Juli”, Alexander Volkanovski es “Joe”, Kyle Mooney es “Marvin” y Mel Jarnson es “Cammy”.

El reboot de ‘Street Fighter’ tiene la oportunidad de corregir los errores del pasado y ofrecer una adaptación a la altura de su legado. Con una fecha ya marcada en el calendario y una competencia directa de gran nivel, 2026 será un año decisivo para el regreso de los guerreros más famosos del videojuego.

El tráiler de ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ deslumbra con una arriesgada apuesta

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‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ se estrena el 26 de junio de 2026 con Jason Momoa como Lobo

El nuevo tráiler de la película ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ ha irrumpido con fuerza entre los aficionados del universo DC. La producción dirigida por Craig Gillespie, conocido por películas como ‘Golpe a Wall Street’, marca el nuevo inicio para el personaje ya incluído en el nuevo DCU en el ‘Superman’ de James Gunn, cuya influencia estética y musical es evidente en cada plano del avance. Con su mezcla de humor irreverente, ambientación cósmica y una apuesta clara por la acción desenfrenada, el tráiler anticipa una película que aspira a redefinir a Kara Zor-El para toda una nueva generación.

Más allá del tono vibrante, el avance ha despertado una notable conversación entre los fans debido a su representación de la protagonista, que continúa el enfoque polémico ya mostrado en los minutos finales de ‘Superman’ (2025). Muchos seguidores no han recibido con entusiasmo esta versión más desinhibida, agresiva y, en ocasiones, presentada como una heroína de actitud adolescente y con comportamientos que podrían interpretarse como excesivos o ebrios.

Fecha de estreno y posición dentro del DCU

La película tiene previsto su estreno mundial para el 26 de junio de 2026 y se sitúa como una de las piezas centrales de la primera fase del DCU de James Gunn. Tras ‘Superman’ (2025), ‘Supergirl’ profundizará en la parte cósmica y alienígena del nuevo universo, abriendo puertas narrativas hacia otras facciones, planetas y enemigos clásicos del legado kryptoniano.

Un tráiler con ADN de ‘Guardianes de la Galaxia’

Nadie puede negar que el tráiler parece beber directamente del estilo que James Gunn consolidó en ‘Guardianes de la Galaxia’. Desde el uso de música diegética (un elemento clave en las producciones que ha liderado Gunn) hasta el ritmo frenético del montaje, la influencia es perceptible a pesar de que la dirección recae en Gillespie. Este toque cósmico, irreverente y lleno de energía marca un claro contraste con la aproximación más solemne que había dominado el antiguo universo DC.

La música vuelve a jugar un papel capital, como es habitual en las producciones que supervisa Gunn. El tráiler presenta un tono rebelde y despreocupado, subrayando la actitud desafiante de Supergirl, reforzado todo ello al son del ‘Call me’ de Blondie.

Personajes y reparto: Jason Momoa regresa al DCU pero como Lobo

Uno de los elementos más comentados del tráiler es la aparición fugaz de Jason Momoa como Lobo, el infame cazarrecompensas intergaláctico. Su presencia confirma que DC utilizará al actor para un personaje completamente diferente al Aquaman del universo previo, reforzando el tono gamberro y brutal de esta nueva etapa. El propio Momoa ha confirmado este nuevo rol en sus redes sociales y aunque hemos visto poco cabe reconocer que le viene como anillo al dedo.

En el reparto también aparecen actores y personajes como David Krumholtz como el mítico Zor-El (tío de Superman), Eve Ridley como la madre de Supergirl o Matthias Schoenaerts en el papel del villano Krem of the Yellow Hills.

Escenarios: ¿una primera mirada a Kandor?

El tráiler incluye varias secuencias que muestran una ciudad encapsulada o protegida en un domo energético, lo que numerosos fans habrán relacionado inmediatamente como una posible representación de Kandor. Si se confirma, supondría la primera aparición oficial de esta icónica ciudad kryptoniana en el cine moderno, además de un punto clave para enriquecer la narrativa sobre el pasado y el trauma de Kara.

La polémica imagen de Supergirl: eco del final de ‘Superman’ (2025)

El tráiler también refuerza la visión de una Supergirl dañada emocionalmente, impulsiva, incluso con comportamientos que pueden ser percibidos como autodestructivos. La caracterización recuerda al final de ‘Superman’, donde ya se mostró una versión más salvaje del personaje, algo que generó fuerte debate entre los seguidores más tradicionales. Esta decisión creativa vuelve a dividir a la comunidad, que se pregunta si este enfoque respetará la esencia del personaje o si la apartará demasiado de su identidad clásica.

Sorteo del pack con la filmografía de Garci (1994-2019)

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Una filmografía imprescindible del cine español

La filmografía de José Luis Garci constituye uno de los caminos más singulares y reconocibles del cine español. Director, guionista, crítico y amante apasionado del séptimo arte, Garci ha construido a lo largo de décadas una obra marcada por el clasicismo narrativo, la elegancia formal y una melancolía que siempre orbita alrededor de la memoria, el paso del tiempo y las relaciones humanas.

Desde sus primeras películas, Garci mostró una sensibilidad poco común en el cine español de su época: un profundo respeto por la tradición cinematográfica —en especial la norteamericana— y un interés por personajes vulnerables, cotidianos, casi siempre enfrentados a dilemas íntimos. Su estilo, sobrio y emocional, lo convertiría en el primer cineasta español en ganar un Óscar, gracias a ‘Volver a empezar’.

A lo largo de su trayectoria, Garci ha transcurrido del drama sentimental a la intriga, del romanticismo otoñal al retrato social, sin abandonar en ningún momento su sello personal: el gusto por los diálogos cuidados, la atmósfera envolvente y la mirada nostálgica hacia un mundo que parece desvanecerse. Películas como ‘El crack’, ‘Asignatura pendiente’, ‘El abuelo’, ‘You’re the One’ o ‘Holmes & Watson. Madrid Days’ demuestran su versatilidad, así como su afición por los homenajes a los géneros clásicos.

Su obra, en conjunto, es un puente entre el cine de ayer y las inquietudes cinematográficas y sociales del presente, un espacio donde conviven la cultura, la emoción y el amor por contar historias. Explorar la filmografía de Garci es adentrarse en un universo profundamente humano, lleno de detalles y siempre guiado por la pasión cinéfila.

¿Quieres vivir el cine de Garci?

Nos complace regalar a un afortunado un ejemplar del pack José Luis Garci (1994‑2019) Edición Coleccionista en Blu-ray + DVD + libro. Esta edición reúne por primera vez en alta definición la filmografía y producción televisiva del director entre 1994 y 2019, demostrando su enorme talento y versatilidad en géneros tan distintos como el drama, la pasión histórica o el noir. Podéis ver nuestro análisis aquí.

El pack que ha editado Divisa Films y que ya está a la venta incluye películas clave como ‘El Abuelo’ — nominada al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa —, ‘El abuelo’, ‘Luz de domingo’, ‘Holmes & Watson’. ‘Canción de cuna’ o ‘El Crack Cero’; además de la serie ‘Historias del otro lado’ (segunda temporada), la miniserie ‘Sangre de mayo’ — inédita en Blu-ray hasta ahora — y dos cortometrajes clásicos.

Es una oportunidad única para redescubrir —o conocer por primera vez— la obra de uno de los directores más personales del cine español. Si siempre has querido tener en casa un legado completo de Garci, este pack es un auténtico pequeño tesoro.

¿Te apuntas al sorteo? Si queréis optar a ganar el premio accede a alguna de nuestras redes sociales y sigue estos sencillos pasos:

  1. Sigue a Moviementarios.
  2. Comparte la foto del sorteo etiquetando a un amigo.

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 27 de diciembre a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que etiquetes a diferentes personas cada vez. Anunciaremos quien ha sido agraciado en nuestras redes y en esta entrada. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. El envío solo se realizará dentro del territorio Español. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Las redes sociales en las que aparece este sorteo no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella.

Ganador: David Martin (Facebook)

Novedades de Divisa Films para enero de 2026

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Divisa Films presenta una espectacular lista de lanzamientos para el 21 de enero de 2026

Enero de 2026 llega con una carga espectacular de novedades en formato físico, y Divisa Films apuesta fuerte por títulos capaces de atraer tanto a coleccionistas como a espectadores que buscan experiencias cinematográficas recientes y de gran escala. Este mes sobresalen producciones de alto presupuesto que combinan efectos visuales, acción trepidante y universos consolidados. Entre ellas destaca especialmente la continuación de una de las sagas de ciencia ficción más queridas por el público, ‘Tron’, que llega con un despliegue técnico notable, múltiples ediciones premium y una banda sonora firmada por artistas de renombre. Estas superproducciones se complementan con nuevos lanzamientos que recuperan aventuras de corte clásico, combinando nostalgia y modernidad para ofrecer ediciones muy cuidadas orientadas a los fans más exigentes. En conjunto, se trata de un bloque de estrenos que reafirma la apuesta de Divisa por traer al mercado español lo mejor del cine espectacular contemporáneo.

Cine de Autor, Drama y Adaptaciones Literarias

El catálogo de enero también brilla por su variedad temática, especialmente en el terreno del cine independiente y las historias íntimas basadas en reconocidas obras literarias. Entre las novedades se encuentran proyectos que han destacado por su sensibilidad como ‘Pequeñas cosas como esas’, su profundidad emocional y su voluntad de invitar al espectador a reflexionar. Películas ambientadas en paisajes rurales o etapas históricas complejas se suman a adaptaciones de novelas que han conquistado a miles de lectores. La presencia de interpretaciones sobresalientes —incluyendo trabajos de actores ganadores del Oscar— convierte estas propuestas en lanzamientos imprescindibles para quienes buscan un cine más pausado y centrado en el desarrollo emocional de sus personajes. Divisa refuerza así su catálogo con una oferta equilibrada que da espacio tanto al espectáculo como a la introspección.

Aventuras Familiares y Animación para Todas las Edades

Pensando también en el público familiar, Divisa Films incorpora varias propuestas especialmente dirigidas a niños y adolescentes del tipo ‘Los futbolísimos 2’. Enero trae nuevas aventuras basadas en sagas literarias muy conocidas, con historias donde el humor, el misterio y el espíritu de equipo se combinan para ofrecer entretenimiento seguro para todos los públicos. A estas narrativas juveniles se suma cine de animación europeo que apuesta por mundos fantásticos, personajes entrañables y mensajes comprometidos con el medio ambiente como es el caso de ‘Angelo en el bosque misterioso’. Estas películas están diseñadas tanto para disfrutar en familia como para introducir a los más pequeños en historias con valores positivos, creatividad visual y un ritmo que mantiene la atención de todas las edades. La variedad de idiomas, subtítulos y materiales adicionales incluidos en estas ediciones demuestra el esfuerzo por ofrecer productos accesibles y completos.

Acción, Suspense y Thriller para los Amantes de la Adrenalina

Quienes prefieren emociones fuertes también están de enhorabuena este mes. Divisa Films recupera y relanza títulos emblemáticos del cine de acción, thrillers frenéticos y obras que combinan artes marciales, conspiraciones internacionales y persecuciones de alto riesgo. Algunas de estas películas pertenecen a sagas célebres como ‘Independence Day’ o han servido de plataforma para actores hoy convertidos en iconos del cine de acción. También destacan producciones donde el suspense psicológico y los juegos de percepción marcan la narrativa, invitando al espectador a adentrarse en tramas complejas llenas de giros inesperados. Este bloque de ediciones está orientado a quienes buscan una experiencia intensa, ya sea a través de combates espectaculares o de relatos donde la mente y la memoria se convierten en protagonistas.

Clásicos Restaurados y Obras Esenciales de Épocas Pasadas

Uno de los grandes atractivos del catálogo de enero es la cuidada selección de clásicos que llegan por primera vez en Blu-ray como ‘A través del espejo’ o ‘Cuerpo y alma’. Se trata de películas que han resistido el paso del tiempo y que ahora se presentan con mejoras técnicas que permiten redescubrirlas tal y como merecen. Entre ellas encontramos cine negro, dramas deportivos, relatos ambientados en plena Guerra Fría y thrillers políticos firmados por directores míticos. Estas ediciones recuperan a intérpretes legendarios y narrativas que marcaron la historia del cine, ofreciendo nuevos materiales y restauraciones pensadas para coleccionistas y cinéfilos que aprecian las obras con valor patrimonial. En conjunto, esta sección supone un homenaje a la historia del séptimo arte y una muestra del compromiso de Divisa Films con la preservación de títulos fundamentales para el cine clásico y moderno.

Nominados a los Globos de Oro 2026

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Las nominaciones de los Globos de Oro 2026 destacan a ‘Una batalla tras otra’ como favorita

La cuenta atrás para los próximos Globos de Oro ya ha comenzado con el anuncio oficial de las nominaciones de su 83ª edición, una lista que vuelve a situar a Hollywood en el centro de todas las miradas. La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) ha revelado a las películas, series, actores y actrices que competirán por los prestigiosos galardones el próximo 11 de enero en Los Ángeles (California), en una ceremonia que promete emociones fuertes y una rivalidad especialmente ajustada.

Entre todas las candidatas, destaca con claridad ‘Una batalla tras otra’, la nueva película de Paul Thomas Anderson protagonizada por Leonardo DiCaprio, que se ha convertido en la producción con mayor número de nominaciones: un total de 9. La película compite en las categorías de mejor película, mejor dirección, mejor guion y mejores interpretaciones protagonistas, consolidándose como una firme aspirante no solo al Globo de Oro, sino también a los próximos Premios Oscar. El largometraje se ha convertido en uno de los fenómenos cinematográficos del año, y sus nueve candidaturas reflejan el amplio respaldo que ha obtenido por parte de la crítica internacional.

Muy cerca se sitúa la producción noruega ‘Valor sentimental’, de Joachim Trier, con 8 nominaciones, lo que la confirma como una de las grandes sorpresas de esta edición. Le sigue de cerca ‘Los pecadores’ con 7 nominaciones, mientras que ‘Hament’ suma 6 y tanto ‘Frankenstein’ como ‘Wicked: Parte II’ se mantienen en la carrera con 5 nominaciones cada una. Este reparto equitativo demuestra un año cinematográfico diverso, en el que distintas sensibilidades, géneros y estilos han logrado captar la atención de la HFPA.

Una fuerte presencia internacional

La gran noticia para España es que su candidata al Oscar sigue por buen camino pues la película de Oliver Laxe, ‘Sirât’ ha sido mencionada en dos ocasiones. Opta a premio en la categoría a mejor película internacional y a su vez, su punto más llamativo, la música puede llevarse el reconocimiento a mejor música original (Kangding Ray). Los Globos de Oro muchas veces son reflejo de los Oscars, esperemos que así sea.

La competencia incluye a producciones de gran peso en Hollywood, como la ya mencionada ‘Valor sentimental’, y también ‘Un simple accidente’, del realizador iraní Jafar Panahi. Ambas cintas no solo compiten en la categoría internacional, sino que han sido destacadas además en mejor película dramática, mejor guion y mejor dirección, posiciones que las sitúan entre los títulos más influyentes del año. Otro contendiente destacado es la brasileña ‘El agente secreto’, que suma tres nominaciones entre drama, película internacional y mejor actor para Wagner Moura.

Las series confirman su potencia narrativa

En el terreno televisivo, ha sido ‘The White Lotus’ la serie que ha logrado imponerse con 6 nominaciones, reforzada por las interpretaciones de su destacado elenco. Justo detrás se sitúa ‘Adolescencia’, con 5 nominaciones, mientras que tanto ‘Separación’ como ‘Solo asesinatos en el edificio’ acumulan 4 cada una. La variedad de plataformas, géneros y estilos demuestra el altísimo nivel de la ficción televisiva actual, que continúa consolidándose como un pilar fundamental de los premios.

Las categorías interpretativas de estos Globos de Oro ofrecen además una interesante particularidad este año: la proliferación de dobles nominaciones. Figuras como Jacob Elordi han sido seleccionadas por su trabajo en ‘Frankenstein’ y ‘El camino estrecho’, mientras que Amanda Seyfried compite gracias a sus papeles en ‘The Testament of Ann Lee’ y ‘El largo río de las almas’. Jeremy Allen White repite doble mérito con ‘Springsteen: Deliver Me from Nowhere’ y ‘The Bear’, reforzando su posición como uno de los actores más valorados del momento.

También destaca el caso del director Richard Linklater, que ha logrado colar dos películas en la categoría de mejor comedia: ‘Blue Moon’ y ‘Nouvelle Vague’, demostrando su versatilidad y su excelente momento creativo.

Expectación total para la gala de los Globos de Oro 2026

Las nominaciones fueron anunciadas por Marlon Wayans y Skye P. Marshall en un acto retransmitido en directo por la cadena CBS, en una presentación que ha despertado el entusiasmo del público y ha reavivado las quinielas para la recta final de la temporada de premios.

La cita del 11 de enero se perfila como una gala repleta de emociones, sorpresas y momentos memorables. Y, con una lista tan variada e intensa, el debate entre los aficionados al cine y las series promete continuar hasta el último minuto.

Listado completo de nominados a los Globos de Oro 2026

Mejor película – DRAMA

  • ‘Frankenstein’, de Guillermo del Toro ​
  • ‘Hamnet’, de Chloé Zhao
  • ​’Un simple accidente’, de Jafar Panahi ​
  • ‘El agente secreto’, de Kleber Mendonça Filho ​
  • ‘Valor sentimental’, de Joachim Trier ​
  • ‘Los pecadores’, de Ryan Coogler

Mejor película – COMEDIA/MUSICAL

  • ‘Blue Moon’, de Richard Linklater ​
  • ‘Bugonia’, de Yorgos Lanthimos
  • ​’Marty Supreme’, de Josh Safdie
  • ​’No hay otra opción’, de Park Chan-wook ​
  • ‘Nouvelle Vague’, de Richard Linklater ​
  • ‘Una batalla tras otra’, de Paul Thomas Anderson

Mejor dirección

  • Paul Thomas Anderson por ‘Una batalla tras otra’
  • ​Ryan Coogler por ‘Los pecadores’
  • ​Guillermo del Toro por ‘Frankenstein’
  • ​Jafar Panahi por ‘Un simple accidente’
  • Joachim Trier por ‘Valor sentimental’
  • Chloé Zhao por ‘Hamnet’

Mejor actriz – DRAMA

  • Jessie Buckley por ‘Hamnet’
  • ​Jennifer Lawrence por ‘Die My Love’ ​
  • Renate Reinsve por ‘Valor sentimental’ ​
  • Julia Roberts por ‘Caza de brujas’ ​
  • Tessa Thompson por ‘Hedda’
  • ​Eva Victor por ‘Sorry, Baby’

Mejor actor – DRAMA

  • Joel Edgerton por ‘Sueños de trenes’
  • ​Oscar Isaac por ‘Frankenstein’ ​
  • Dwayne Johnson por ‘The Smashing Machine’ ​
  • Michael B. Jordan por ‘Los pecadores’ ​
  • Wagner Moura por ‘El agente secreto’
  • ​Jeremy Allen White por ‘Springsteen: Deliver Me from Nowhere’

Mejor actriz – COMEDIA/MUSICAL

  • Rose Byrne por ‘Si pudiera, te daría una patada’ ​
  • Cynthia Erivo por ‘Wicked: Parte II’ ​
  • Kate Hudson por ‘Song Sung Blue’
  • ​Chase Infiniti por ‘Una batalla tras otra’ ​
  • Amanda Seyfried por ‘The Testament of Ann Lee’ ​
  • Emma Stone por ‘Bugonia’

Mejor actor – COMEDIA/MUSICAL

  • Timothée Chalamet por ‘Marty Supreme’ ​
  • George Clooney por ‘Jay Kelly’ ​
  • Leonardo DiCaprio por ‘Una batalla tras otra’ ​
  • Ethan Hawke por ‘Blue Moon’ ​
  • Lee Byung-hun por ‘No hay otra opción’ ​
  • Jesse Plemons por ‘Bugonia’

Mejor actriz de reparto – CINE

  • Emily Blunt por ‘The Smashing Machine’
  • ​Elle Fanning por ‘Valor sentimental’ ​
  • Ariana Grande por ‘Wicked: Parte II’ ​
  • Inga Ibsdotter Lilleaas por ‘Valor sentimental’ ​
  • Amy Madigan por ‘Weapons’ ​
  • Teyana Taylor por ‘Una batalla tras otra’

Mejor actor de reparto – CINE

  • Benicio del Toro por ‘Una batalla tras otra’ ​
  • Jacob Elordi por ‘Frankenstein’ ​
  • Paul Mescal por ‘Hamnet’ ​
  • Sean Penn por ‘Una batalla tras otra’ ​
  • Adam Sandler por ‘Jay Kelly’ ​
  • Stellan Skarsgard por ‘Valor sentimental’

Mejor guion

  • Paul Thomas Anderson por ‘Una batalla tras otra’
  • ​Ronald Bronstein & Josh Safdie por ‘Marty Supreme’ ​
  • Ryan Coogler por ‘Los pecadores’ ​
  • Jafar Panahi por ‘Un simple accidente’ ​
  • Eskil Vogt & Joachim Trier por ‘Valor sentimental’ ​
  • Chloé Zhao & Maggie O’Farrell por ‘Hamnet’

Mejor música original

  • Alexandre Desplat por ‘Frankenstein’
  • ​Ludwig Göransson por ‘Los pecadores’
  • ​Jonny Greenwood por ‘Una batalla tras otra’ ​
  • Kangding Ray por ‘Sirat’ ​
  • Max Richter por ‘Hamnet’ ​
  • Hans Zimmer por ‘F1: La película’

Mejor canción original

  • «Dream as One» de ‘Avatar: Fuego y ceniza’ ​
  • «Golden» de ‘Las guerreras k-pop’ ​
  • «I Lied to You» de ‘Los pecadores’ ​
  • «No Place Like Home» de ‘Wicked: Parte II’ ​
  • «The Girl in the Bubble» de ‘Wicked: Parte II’ ​
  • «Train Dreams» de ‘Sueños de trenes’

Mejor película de animación

  • ‘Arco’ ​
  • ‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’ ​
  • ‘Elio’ ​
  • ‘Las guerreras k-pop’
  • ​’Little Amélie’
  • ​’Zootrópolis 2′

Mejor película taquillera

  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’ ​
  • ‘F1: La película’ ​
  • ‘Las guerreras k-pop’ ​
  • ‘Misión: Imposible – Sentencia final’ ​
  • ‘Los pecadores’ ​
  • ‘Weapons’ ​
  • ‘Wicked: Parte II’ ​
  • ‘Zootrópolis 2’

Mejor película internacional

  • ‘Un simple accidente’ (Francia)
  • ​’No hay otra opción’ (Corea del Sur) ​
  • ‘El agente secreto’ (Brasil) ​
  • ‘Valor sentimental’ (Noruega) ​
  • ‘Sirat’ (España) ​
  • ‘La voz de Hind Rajab’ (Túnez)

Mejor serie – DRAMA

  • ‘La diplomática’
  • ‘The Pitt’
  • ‘Pluribus’
  • ‘Separación’ ​
  • ‘Slow Horses’
  • ‘The White Lotus’

Mejor serie – COMEDIA

  • ‘Colegio Abbott’
  • ‘The Bear’
  • ‘Hacks’
  • ‘Nadie quiere esto’​
  • ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • ‘The Studio’

Mejor serie – MINISERIE o TELEFILME

  • ‘Adolescencia’
  • ‘Su peor pesadilla’
  • ‘La bestia en mí’​
  • ‘Black Mirror’
  • ‘Dying for Sex’​
  • ‘La novia’ (Prime Video)

Mejor actriz – SERIE DRAMA

  • Kathy Bates por ‘Matlock’
  • ​Britt Lower por ‘Separación’ ​
  • Helen Mirren por ‘Tierra de mafiosos’
  • ​Bella Ramsay por ‘The Last of Us’
  • ​Keri Russell por ‘La diplomática’ ​
  • Rhea Seehorn por ‘Pluribus’

Mejor actor – SERIE DRAMA

  • Sterling K. Brown por ‘Paradise’
  • Diego Luna por ‘Andor’
  • Gary Oldman por ‘Slow Horses’
  • Mark Ruffalo por ‘Task’
  • Adam Scott por ‘Separación’
  • Noah Wyle por ‘The Pitt’

Mejor actriz – SERIE COMEDIA

  • Kristen Bell por ‘Nadie quiere esto’
  • Ayo Edebiri por ‘The Bear’ ​
  • Selena Gomez por ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • ​Natasha Lyonne por ‘Poker Face’
  • ​Jenna Ortega por ‘Miércoles’ ​
  • Jean Smart por ‘Hacks’

Mejor actor – SERIE COMEDIA

  • Adam Brody por ‘Nadie quiere esto’
  • ​Steve Martin por ‘Solo asesinatos en el edificio’ ​
  • Glen Powell por ‘Chad Powers’ ​
  • Seth Rogen por ‘The Studio’ ​
  • Martin Short por ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • ​Jeremy Allen White por ‘The Bear’

Mejor actriz – MINISERIE/TELEFILME

  • Claire Danes por ‘La bestia en mí’ ​
  • Rashida Jones por ‘Black Mirror’ ​
  • Amanda Seyfried por ‘El largo río de las almas’ ​
  • Sarah Snook por ‘Su peor pesadilla’ ​
  • Michelle Williams por ‘Dying for Sex’ ​
  • Robin Wright por ‘La novia’

Mejor actor – MINISERIE/TELEFILME

  • Jacob Elordi por ‘El camino estrecho’ ​
  • Paul Giamatti por ‘Black Mirror’ ​
  • Stephen Graham por ‘Adolescencia’ ​
  • Charlie Hunnam por ‘Monstruo: La historia de Ed Gein’
  • Jude Law por ‘Black Rabbit’ ​
  • Matthew Rhys por ‘La bestia en mí’

Mejor actriz de reparto – SERIE

  • Carrie Coon por ‘The White Lotus’ ​
  • Erin Doherty por ‘Adolescencia’ ​
  • Hannah Einbinder por ‘Hacks’ ​
  • Catherine O’Hara por ‘The Studio’ ​
  • Parker Posey por ‘The White Lotus’ ​
  • Aimee Lou Wood por ‘The White Lotus’

Mejor actor de reparto – SERIE

  • Owen Cooper por ‘Adolescencia’ ​
  • Billy Crudup por ‘The Morning Show’ ​
  • Walton Goggins por ‘The White Lotus’
  • Jason Isaacs por ‘The White Lotus’ ​
  • Tramell Tillman por ‘Separación’ ​
  • Ashley Walters por ‘Adolescencia’

Crítica: ‘Aro berria’

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En qué plataforma ver Aro berria

Un mapa espiritual de las utopías comunales en el País Vasco que se percibe como arqueología social

Desde hace tiempo reside en los montes vascos un grupo de personas autodenominados movimiento que a partir del fenómeno hippie desarrolló otra manera de ver la vida. La presencia de la secta Yellow Deli en Donostia ha generado durante años una mezcla de fascinación, inquietud y desconcierto. Su estética amable, el aparente bienestar comunitario y la promesa de una vida alternativa han servido para alimentar un mito contemporáneo: el de quienes desean escapar de la sociedad productivista para refugiarse en un ideal colectivo. ‘Aro berria’, debut en el largometraje de Irati Gorostidi, se desplaza en una frecuencia similar, aunque con un punto de partida totalmente distinto. Si el grupo donostiarra se inserta en una tradición espiritual que roza lo sectario, la película se sumerge en otra clase de fuga: la que nace en los márgenes obreros, desde la fractura social y el desencanto político que siguió a la caída del franquismo.

El propio título, Aro berria, que significa “nueva era”, funciona como declaración de intenciones. Gorostidi utiliza este concepto para explorar cómo los movimientos New Age, las comunas y los grupos alternativos no son una invención de otros países ni de otras décadas, sino realidades que han germinado también en nuestra geografía y en nuestro pasado reciente. La película no se limita a reproducir clichés sobre vidas comunitarias, sino que dialoga con las raíces históricas que las hicieron posibles.

El punto germinal de esta obra está en el cortometraje ‘Contadores’, donde la directora ya abordaba la crisis del sector del metal y el profundo desencanto político de la transición. Ese universo vuelve aquí ampliado y complejizado: la huida al campo funciona como consecuencia lógica para unos personajes agotados por un sistema que parece haberlos dejado atrás desoyendo sus voces e ignorando sus esfuerzos. Lo que antes fueron comunas hippies en los años 60 o 70, hoy se manifiesta en retiros espirituales, estancias de mindfulness y búsquedas coaching de todo tipo. Las crisis, como las modas, se repiten de forma cíclica, y Gorostidi edifica su relato sobre esa repetición histórica, sobre esa incapacidad del ser humano de encontrar un equilibrio duradero entre lo individual y lo comunitario.

La película aborda también una cuestión fundamental: el ser humano es social, y de esa premisa nacen continuamente nuevas fórmulas de convivencia. Cada vez que surge un grupo alternativo, inevitablemente reaparecen debates sobre la libertad sexual, los modelos de familia, la redistribución del trabajo y las jerarquías invisibles que acaban por reproducirse incluso en entornos que presumen de horizontales. ‘Aro berria’ articula estos temas sin subrayados, dejando que broten a través de discusiones entre los propios protagonistas, que representan distintos grados de fe, escepticismo y desorientación.

Es precisamente en esos debates donde la película alcanza sus momentos más interesantes. Cuando los personajes dialogan, discrepan o defienden con vehemencia sus pequeñas utopías, la película respira y se vuelve rica en matices. Sin embargo, las dinámicas de grupo, esas escenas ritualizadas, largas, a veces repetitivas,  pueden resultar cargantes. Entendibles en lo conceptual, pues buscan sumergir al espectador en el ritmo casi hipnótico de la comuna, pero quizá demasiado estiradas en la ejecución.

Aun así, hay que reconocer la exigencia interpretativa que la directora plantea y la notable complicidad que obtiene del elenco. Cada actor parece entender que el gesto mínimo, la mirada vacilante o la entrega en cuerpo y alma son fundamentales para transmitir la fragilidad del experimento comunitario.

‘Aro berria’, además, posee un valor documental nada desdeñable: nace de una experiencia personal, de vivencias que la propia Gorostidi ha recogido en fotografías y materiales reales que aparecen en los créditos. Este anclaje en lo autobiográfico le dota de una honestidad poco común y convierte la película en un puente entre la memoria íntima y la memoria colectiva.

Irati Gorostidi firma así una obra que no solo examina un fenómeno social mal conocido, el de las comunas surgidas en España más allá de los tópicos estadounidenses, sino que nos invita a preguntarnos qué buscamos cuando decidimos romper con todo. Si la “nueva era” prometida existe, no está tanto en la utopía comunitaria como en la necesidad humana, eterna y repetida, de reinventarse frente a cada crisis.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de diciembre de 2025. Título original: Aro Berria. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Irati Gorostidi. Guion: Irati Gorostidi. Música: Ion de Sosa. Fotografía: Apellaniz y de Sosa, Señor & Señora. Reparto principal: Maite Mugerza Ronse, Óscar Pascual López, Aimar Uribesalgo Urzelai, Edurne Azkarate, Jon Ander Urresti Ugalde. Producción: Apellaniz y de Sosa y Señor & Señora. Distribución: Elástica. Género: dama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/aro-berria/

Uwe Boll visitará CutreCon XV: el polémico director desembarcará en Madrid

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El controvertido cineasta Uwe Boll será uno de los grandes reclamos de CutreCon XV

La edición número quince de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, promete convertirse en una cita histórica con la confirmación de un invitado que no deja indiferente a nadie: Uwe Boll, el director más polémico, imprevisible y controvertido del cine reciente. El cineasta alemán estará presente en CutreCon XV, que se celebrará del 4 al 8 de febrero de 2026, y su participación seguro que generará expectación y debate entre seguidores, detractores y aficionados tanto al cine basura como al de adaptaciones de videojuegos.

Boll, conocido por su tendencia a adaptar juegos al cine y por la mala fama que arrastran muchas de sus películas, encaja a la perfección en la filosofía del festival, dedicado a celebrar obras fallidas, excesivas o directamente desastrosas. Su presencia supone un golpe sobre la mesa para CutreCon, que año tras año consigue atraer a figuras que forman parte de la cultura popular más extravagante.

Un director polémico como pocos

Dentro del panorama cinematográfico internacional, mencionar a Uwe Boll es abrir la puerta a la controversia. El director ha firmado títulos tan comentados como ‘Alone in the Dark’, ‘BloodRayne’ o la ya mítica ‘House of the dead’, producciones que se han convertido en sinónimo de mala crítica, presupuestos disparados y decisiones narrativas que rozan lo incomprensible. Su carrera ha estado marcada por el choque frontal con la prensa especializada, que no ha dudado en señalarle repetidamente como uno de los peores directores del cine contemporáneo.

Pero Boll siempre ha respondido a las críticas con una personalidad férrea, provocadora y combativa. No solo defendió sus proyectos a capa y espada, sino que llegó a declarar en varias ocasiones que la mayoría de periodistas de cine “no entienden el oficio”. Sus arrebatos públicos, comentarios incendiarios y roces constantes con la crítica han alimentado una figura que oscila entre el villano excéntrico y el cineasta incomprendido.

‘House of the dead’, un antecedente en CutreCon

CutreCon y Uwe Boll han estado conectados desde mucho antes de este esperado anuncio. En ediciones anteriores del festival, en concreto en la sexta celebrada en 2017, ya se proyectó la infame ‘House of the dead’, una de las cintas más comentadas y vapuleadas del director. Su pase generó risas, aplausos irónicos y debates encendidos entre los asistentes sobre el extraño magnetismo que algunas de sus películas consiguen provocar.

La proyección se convirtió en uno de los momentos más recordados de aquel año, confirmando que el público del festival disfruta enormemente cuando se enfrenta a obras que transforman el fracaso cinematográfico en puro entretenimiento colectivo. La llegada de Boll a CutreCon XV supone, de algún modo, cerrar un círculo que llevaba tiempo formándose.

El desafío de Uwe Boll a los críticos: del cine al ring

Uno de los episodios más surrealistas de la carrera de Uwe Boll y que sin duda será recordado en esta edición del festival es su famoso desafío a críticos de cine para pelear en un ring de boxeo. Ocurrió cuando las durísimas reseñas de ‘House of the dead’ y otras de sus películas llevaron al director a retar públicamente a varios periodistas. Y lo hizo sin ironía: Boll se puso los guantes, subió al cuadrilátero y se enfrentó físicamente a quienes cuestionaban su trabajo.

Entre los nombres a los que lanzó el guante estuvo Carlos Palencia, director de CutreCon y uno de los rostros más conocidos de la crítica de cine trash en España. Este hecho se convirtió en uno de los momentos más icónicos de la guerra personal de Boll contra la prensa especializada. Este detalle añade todavía más sabor a su presencia en CutreCon XV, donde seguro que ambos compartirán escenario y probablemente recordarán aquel desafío que pasó a la historia del cine basura.

Una edición que promete ser inolvidable

Con la confirmación de Boll, CutreCon XV parece encaminada a superar todas las expectativas. Su visita abre la puerta a coloquios explosivos, sesiones de preguntas impredecibles y un contacto directo entre el público y uno de los personajes más controvertidos de la industria cinematográfica.

Los organizadores no han desvelado aún qué películas del director serán proyectadas, ni si habrá actividades especiales relacionadas con su particular trayectoria. Pero si algo está claro es que, con Uwe Boll en el festival, nada será aburrido ni convencional.

Prime Video desata la locura en CCXP Brasil al anunciar la fecha de estreno de la temporada final de ‘The Boys’

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Prime Video volvió a demostrar su poderío global ayer en CCXP Brasil, uno de los eventos de cultura pop más grandes del mundo, donde más de 3.000 fans abarrotaron el icónico Thunder Stage para presenciar un momento histórico: el anuncio oficial de la fecha de estreno de la quinta y última temporada de ‘The Boys’. El público, completamente entregado, celebró a lo grande cuando se confirmó que la serie regresará el 8 de abril de 2026, abriendo así el camino hacia su épico desenlace.

Más de 3.000 fans vibraron en el Thunder Stage de CCXP Brasil con el anuncio del estreno de la quinta y última temporada de ‘The Boys’, que llegará el 8 de abril de 2026

El encargado de dar la noticia fue Eric Kripke, showrunner y productor ejecutivo de la serie, quien subió al escenario acompañado por parte del elenco principal. Erin Moriarty (Annie/Starlight), Laz Alonso (Leche Materna), Karen Fukuhara (Kimiko), Tomer Capone (Frenchie) y Colby Minifie (Ashley Barrett) participaron en un panel cargado de entusiasmo, humor y emoción, en el que repasaron algunos de los momentos más impactantes de estas cuatro temporadas que ya forman parte de la historia reciente de la televisión.

Los asistentes no solo disfrutaron de anécdotas y recuerdos del rodaje, sino que también fueron los primeros en ver un teaser oficial que adelantó el tono oscuro, frenético y brutal que caracterizará el final de la serie. Los gritos, aplausos y reacciones en redes sociales dejaron claro que los fans están más que preparados para el desenlace de esta historia que ha redefinido el género de superhéroes.

Según lo anunciado, la quinta temporada de ‘The Boys’ llegará con un estreno especial: dos episodios el 8 de abril, seguidos de un lanzamiento semanal que culminará el 20 de mayo de 2026, fecha en la que se emitirá el esperado episodio final. Con ello, Prime Video promete un final «inolvidable y épico», palabras que Kripke empleó para describir el cierre de una trama tan irreverente como contundente.

Un mundo en manos del Patriota

En esta última temporada, la trama nos sitúa en un escenario aún más caótico y peligroso que en entregas anteriores. Patriota, cada vez más descontrolado, domina un mundo sometido a sus caprichos erráticos y ególatras. Sin oposición real y con la opinión pública dividida, su figura se ha convertido en un auténtico símbolo de terror global.

Por su parte, Hughie, Leche Materna y Frenchie se encuentran encarcelados en uno de los denominados “campos de libertad”, un eufemismo irónico para referirse a instalaciones de detención controladas por los Supers. Annie, que ha demostrado ser una de las voces más firmes de resistencia, lucha por organizar un movimiento capaz de enfrentarse a una fuerza aparentemente imparable. Mientras tanto, Kimiko ha desaparecido, sumiendo al equipo en una incertidumbre emocional y estratégica.

El regreso de Carnicero promete ser uno de los detonantes más explosivos de la temporada. Dispuesto a usar un virus capaz de acabar con todos los Supers, su aparición desencadena una cadena de acontecimientos que amenaza no solo con redefinir el equilibrio de poder, sino con transformar el mundo para siempre. Es, según el propio Kripke, “el clímax que los fans estaban esperando”.

Una producción de alto calibre

‘The Boys’ es una adaptación del aclamado cómic superventas de Garth Ennis y Darick Robertson, quienes también participan como productores ejecutivos. Bajo el liderazgo creativo de Eric Kripke, la serie ha conseguido múltiples premios Emmy y se ha convertido en uno de los mayores éxitos de Prime Video.

El equipo de producción incluye nombres de peso como Seth Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Phil Sgriccia, Michaela Starr, Paul Grellong, David Reed, Judalina Neira, Jessica Chou, Gabriel Garcia, Ori Marmur, Ken F. Levin y Jason Netter. La serie está producida por Amazon Studios y Sony Pictures Television Studios, en colaboración con Kripke Enterprises, Original Film y Point Grey Pictures.

Con este anuncio, Prime Video sella la cuenta atrás para despedir a una de sus series estrella. Y si algo ha quedado claro tras la explosión de entusiasmo en CCXP Brasil, es que ‘The Boys’ dirá adiós por todo lo alto.