Archivo por días: 12 mayo, 2025

Esta es la petición mundial urgente para proteger el cine y el audiovisual independientes

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En más de 100 países se ha firmado esta petición

AECINE, la Asociación Estatal de Cine, nos ha remitido el siguiente comunicado con el cual nos instan a concienciar y animar a firmar una petición: “Hoy en día, el apoyo al cine independiente y a la narración audiovisual está cada vez más amenazado. Estamos siendo testigos de intentos cada vez más agresivos por parte de poderosos actores políticos y corporativos para desmantelar las protecciones regulatorias que han apoyado durante mucho tiempo la diversidad y la accesibilidad de la expresión cultural. El último anuncio del presidente estadounidense sobre un plan para imponer aranceles a las importaciones de películas no hace sino agravar esta amenaza. Subraya la importancia de proteger nuestra capacidad de contar historias arraigadas en culturas, lenguas e identidades locales, y de garantizar que las personas de todo el mundo puedan seguir accediendo a ellas y disfrutándolas. Sin estas protecciones e incentivos, perderemos una industria cinematográfica y audiovisual vibrante, diversa y culturalmente rica, y todos, en todas partes, saldremos perdiendo”.

“Las películas y las obras audiovisuales no sólo alimentan el crecimiento económico y la circulación mundial de talentos, sino que reflejan quiénes somos como sociedades y vislumbran quiénes podríamos llegar a ser. Más que enriquecer nuestra vida cultural, son esenciales para una democracia sana: apoyan la libertad de expresión y dan voz a las diversas historias y perspectivas de la humanidad. (…)  Las películas y las obras audiovisuales no sólo alimentan el crecimiento económico y la circulación mundial de talentos, sino que reflejan quiénes somos como sociedades y vislumbran quiénes podríamos llegar a ser. Más que enriquecer nuestra vida cultural, son esenciales para una democracia sana: apoyan la libertad de expresión y dan voz a las diversas historias y perspectivas de la humanidad”.

“Estas acciones se producen en paralelo a ataques más amplios contra el pluralismo y la libertad de expresión. Si tienen éxito, será cada vez más difícil que se escuchen voces diversas, que todo el ecosistema pueda crear, producir, distribuir, promover y exhibir con éxito películas y obras audiovisuales, y que prosperen las culturas locales”.

“Por lo tanto, nos oponemos firmemente a cualquier iniciativa política, jurídica o económica que pretenda socavar las normas nacionales o internacionales destinadas a defender la libertad artística y la diversidad cultural en el sector cinematográfico y audiovisual”.

“Esto incluye el derecho de los países a crear y mantener sus propias políticas culturales y sistemas reguladores, que reconozcan la importancia de poseer, controlar y monetizar la propiedad intelectual de nuestras obras. Tales medidas constituyen la base de un ecosistema audiovisual saludable, permitiendo que el valor económico generado por las obras creativas beneficie a los titulares de derechos nacionales, reforzando la soberanía cultural de los sectores cinematográficos y audiovisuales locales en todo el mundo, y apoyando la circulación internacional de obras cinematográficas y audiovisuales diversas e independientes”.

La petición se ha lanzado a través de este enlace: https://chng.it/kMkRxCzhQx

Crítica: ‘Ernest Cole: Lost and Found’

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Sinopsis

Ernest Cole, fotógrafo sudafricano, fue el primero en exponer al mundo los horrores del Apartheid. La publicación de su libro ‘House of Bondage’ le llevó a exiliarse en Nueva York y Europa durante el resto de su vida. Raoul Peck relata su agitación como artista y su rabia ante el silencio o la complicidad del mundo occidental, además de cómo se descubrieron 60.000 negativos de su obra en la caja fuerte de un banco sueco.

Crítica

Una vida vista a través de sus fotografías

En 2017 reapareció la figura del fotógrafo Ernest Cole. Y es que, en una entidad bancaria de Estocolmo, se encontraron más de 60000 negativos de este gran fotógrafo que se pensaban desaparecidos. Un hombre que vivió exiliado en Nueva York y que tuvo el valor de exponer al mundo los horrores del Apartheid en Sudáfrica.

¿Pero, quién era Ernest Cole?

Nacido en Sudáfrica, de joven le regalaron una cámara de fotos y no la soltó. Con una cámara y mucha valentía, retrató la situación que vivían por culpa de Apartheid. Ernest utilizó teleobjetivos e incluso se escondía la cámara en bolsos o debajo de chaquetas, para poder realizar las instantáneas sin que le pillasen. Con ello, consiguió una gran cantidad de material con el que llevó al mundo la realidad del Apartheid gracias a la publicación de ‘House of Bondage’. Un libro que hizo que a sus 27 años tuviese que huir hacia Nueva York donde vivió hasta su muerte.

Nueva York fue una ciudad de la que se enamoró en un principio, veía libertad para los sudáfricanos, pero poco a poco fue viendo la realidad y que al final todo era igual.

Raoul Peck, director de ‘I Am Not Your Negro’, dirige este estupendo documental, con testimonios del fotógrafo y por supuesto, contado, la mayoría de las veces, con las fotografías del propio autor. Es una maravilla la manera que tenía de captar los rostros de la gente. Las situaciones del día a día y colocarnos en una época tan convulsa para la población afroamericana.

Me gusta mucho la manera de contar esta historia, la manera en la que además de aprender, nos están contando una historia y presentando a un personaje tan desconocido. Ernest Cole estaba roto, y eso lo ves mientras avanza el documental, su sufrimiento, sus ganas de volver a su país y deseando que todo fuese bien. El mundo le olvidó y murió en 1990 de un cáncer. Y como he comentado, hasta 2017 no se volvió a saber nada hasta que se encontraron los negativos que salieron de Sudafrica gracias a un amigo blanco, el cual al final en el aeropuerto ni llamaba la atención.

Un documental que os recomiendo mucho, y que llega a nuestras grandes salas el próximo 15 de mayo de 2025 gracias a Avalon Films.

 Ficha de la película

Estreno en España: 15 de mayo de 2025. Título original: Ernest Cole: Lost and Found. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Raoul Peck. Guion: Raoul Peck. Música: Alexei Aigui. Fotografía: Wolfgang Held, Moses Tau. Reparto principal: LaKeith Stanfield. Producción: arte Francia Cinéma, Velvet Films. Distribución: Avalon films. Género: documental. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/ernest-cole-lost-and-found/

Crítica: ‘Tras el verano’

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En qué plataforma ver Tras el verano

Sinopsis

Paula, Raúl y Dani podrían ser una familia más. Podrían serlo, de no ser porque Dani no es hijo de Paula, y ésta se enfrenta con el reto diario de encajar en una familia reconstituida. Este conflicto, unido a una crisis de pareja, hace que Paula pueda dejar de ver para siempre a Dani. Una historia que nos habla de afectos, poniendo los derechos del menor en el centro del debate y una gran pregunta: ¿qué es más importante, los sentimientos o el ADN?

Crítica

Luminosa pese a su tristeza

Yolanda Centeno se estrena con un largometraje de estos que nos da que pensar. De estas historias tan reales como la vida y que sin duda nos dejan con un buen debate después del visionado.

‘Tras el verano’ trata una ruptura, de lo difícil que es separarse, ya no solo de una pareja, sino del hijo de éste. Y es que Paula no es la madre de Dani, pero ambos tienen un vínculo increíble y ella no quiere perderlo. Pero legalmente no tiene nada que hacer, solo intentar seguir en su vida de cualquier manera.

Yolanda Centeno nos cuenta de manera sencilla lo complicado de estas situaciones y de cómo pueden ser más normales de lo que parecen. Los nuevos estilos de familias en los que los sentimientos no se miden por el ADN, sino por los vínculos que se crean entre las personas. Aunque Daniel, el niño protagonista, tenga madre y padre, Paula ha sido tan importante para él durante 5 años, que ambos no quieren perder el contacto. Los vínculos no tienen por qué ser sanguíneos, podemos sentir el mismo amor por alguien que no tenga nuestro ADN y con ello sufrir tanto una separación como cualquier madre o padre.

En sólo 90 minutos, los guionistas Yolanda Centeno y Jesús Luque, logran contarnos tantas cosas. Que no solo cuentan con el diálogo, sino también con los silencios. Esos que son los que más cuentan, los que más dolor dejan ver. Esta película está llena de esos silencios, de esas miradas al vacío llenas de palabras.

Me encanta el uso de la iluminación en la película. Tiene un gran trabajo y un gran significado. A Paula siempre la vemos en sombras, con una luz tenue que la invade siempre, menos cuando ve a Dani. Dani le devuelve la luz y eso nos lo muestran de la manera más sencilla y es fantástico. Pequeños detalles consiguen mostrarnos grandes sentimientos.

Sin duda, Alexandra Jiménez nos regala un papel precioso. Lleva toda la película sobre sus hombros y no decae ni un momento. Al final, tiene un papel complicado lleno de matices. Junto a ella se encuentra Juan Diego Botto, al que vemos destrozado e intentando volver a encauzar su vida.

Recomiendo mucho el visionado de ‘Tras el verano’ una situación que sin duda se da en el mundo real y del que no se habla. Y por supuesto, como he comentado, legalmente ni se piensa. Es una cinta de la que poder debatir al salir del cine y compartir diferentes ideas.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Tras el verano. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Yolanda Centeno. Guion: Yolanda Centeno, Jesús Luque. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: José Luis Bernal Ibañez. Reparto principal: Juan Diego Botto, Alexandra Jiménez, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Fran Cantos, Tamara Arias de Saavedra, Alicia Moruno, Edu Rejón, Alejandro López, Ana del Arco. Producción: Áralan Films, Harry Kane. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tras-el-verano/

Crítica: ‘Anzu, gato fantasma’

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En qué plataforma ver Anzu, gato fantasma

Sinopsis

¿Volveremos a vernos en algún lugar?”

“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.

En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.

Crítica

Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía

‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://ghostcat-anzu.jp/

Crítica: ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’

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En qué plataforma ver Estocolmo 1520. El rey tirano

Sinopsis

En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.

Crítica

¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?

La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.

¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.

Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.

Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención Claes Bang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.

La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.

Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

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En qué plataforma ver Hellboy: El hombre retorcido

Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/