Crítica: ‘To Leslie’

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Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.

Crítica

Una historia depurativa

Todos nos hemos hecho esa pregunta que pone sobre la mesa la posibilidad de poder gastarnos el dinero de un premio de lotería. Leslie es una de esas afortunadas a las que le ha tocado un buen pellizco, pero por desgracia se lo funde en beber y desfasar. ‘To Leslie’ nos cuenta su historia seis años después. Ella no tuvo la suerte de encontrarse con el karma como le pasó a Earl Hickey a si es que su vida es mucho más dramática. Su hijo se distanció de ella, o más bien fue ella la que puso una barrera de por medio por su adicción. Esta es una historia de reconciliación y reencuentro que tiene base real, no solo por partir de la historia de alguien que ciertamente ha existido, sino por lo veraz que logra ser.

Michael Morris además de reflejar muy bien un pedazo de la américa profunda y clásica atina muy bien a recrear como en el personaje de Andrea Riseborough hay un arrepentimiento, un remordimiento que de vez en cuando asoma. Pero su alcoholismo es de esos que te convierten en cleptómano, en buscador de sorbos etílicos a cualquier precio. Es decir, es más fuerte la pulsión por beber que la vergüenza por que la vean borracha. Es de esos personajes o personas (recordemos que esto es real) que se convierten en mentirosos patológicos. Todo esto por supuesto afecta a la relación con el hijo. A si es que además de desintoxicarse la protagonista necesita una enorme catarsis o un ángel de la guarda que vele por ella. Todo ello lo vemos en ‘To Leslie’ en parte gracias a la coloración que han escogido en el etalonaje y a muchas escenas rodadas cámara en mano, es una película muy cercana, muy atada a la realidad.

Si la vida de Leslie es una piscina, su experiencia desintoxicándose es una depuradora, pero de esas de sal, de las que hacen que escuezan las heridas y trabajan poco a poco, dejando ligeramente llorosos los ojos. La película es emotiva y humana, hace que nos pongamos en el papel de otros. Leslie busca el consuelo en una botella y Riseborough nos ofrece un bálsamo con su interpretación. Nos demuestra que a veces el dinero no trae la felicidad, sino la desgracia y lo hace con naturalidad y autenticidad. Su manera de actuar es tan cercana a la realidad que uno se pregunta si no habrá pasado por los famosos 12 pasos para meterse en su personaje.

Es meritorio y si me gustaría que Andrea Riseborough ganase el Oscar a Mejor Interpretación Femenina para que de ese modo y de manera subversiva se convierta en un símbolo y síntoma más que demuestre que los Oscars se pagan a golpe de talonario y aún queda esperanza de ganarlos a base de talento. Pero también es cierto que tiene duras competidoras, que al margen de la campaña que han hecho sus productoras/distribuidoras, merecen el reconocimiento, como Cate Blanchett con su trabajo en ‘Tár’. Sea como sea espero que se consiga el objetivo final, que es el de acercar espectadores a las salas, atraídos por los reestrenos de aquellos filmes que resultan ganadores o que tienen auténtica calidad, como se ha hecho recientemente con ‘Todo al a vez en todas partes’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: To Leslie. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Morris. Guion: Ryan Binaco. Música: Linda Perry. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Andrea Riseborough, Marc Maron, Stephen Root, Allison Janney, James Landry Hébert, Matt Lauria, Owen Teague, Andre Royo, Chris Coy, Derek Phillips, Mac Brandt. Producción: BCDF Pictures, Shaken Not Stirred, Baral Waley Productions, Bluewater Lane Productions, Clair de Lune Entertainment. Distribución: Sherlock Films. Género: drama. Web oficial: http://www.momentumpictures.net/to-leslie

Sherlock Films estrenará ‘The Beatles y la India’ en cines

Documental sobre un punto clave en la carrera de los de Liverpool

La película ‘The Beatles y la india (The Beatles and India)’ está dirigida por el periodista Ajoy Bose junto al investigador cultural Peter Compton. Es una película documental basada en el propio libro de Bose ‘Across the Universe: The Beatles in India’. Una obra que conmemora el 50 aniversario del histórico viaje del cuarteto de Liverpool a Rishikesh, que marcó un antes y un después en su forma de entender la música y la vida. La película, que se presentó en la pasada edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) y del IN-EDIT Barcelona, se estrenará en cines de nuestro país el 25 de marzo.

‘The Beatles y la India’ es una crónica histórica del romance entre la legendaria banda británica y la India que comenzó hace más de medio siglo. Imágenes de archivo inéditas, grabaciones y fotografías, relatos de testigos y comentarios de expertos (la exmujer de George Harrison Pattie Boyd, o el periodista Saeed Naqvi, entre otros), junto con los lugares de la India, dan vida al fascinante viaje de George, John, Paul y Ringo en busca de la felicidad espiritual que inspiró una explosión sin precedentes de composición creativa. La primera exploración seria de cómo la India dio forma al desarrollo de la banda de rock más grande de la historia y su propio papel pionero que unió dos culturas muy diferentes.

‘Buñuel, un cineasta surrealista’ podrá verse en el Festival de San Sebastián

Sherlock Films la estrenará en cines este otoño

El documental ‘Buñuel, un cineasta surrealista’, la última producción del calandino Javier Espada, centrado en el mundo onírico y las obsesiones del célebre director aragonés y mexicano, estará en la edición 69 del Festival de Cine de San Sebastián, tras su estreno en la pasada edición del Festival de Cannes.

El film, que completa el ciclo iniciado con ‘El último guion’, que codirigió en su momento con Gaizca Urresti, gracias a la generosidad de Jean Claude Carriere y Juan Luis Buñuel, será proyectado en la sección Made in Spain.

Además, la presentación de ‘Buñuel, un cineasta surrealista’ coincide con el 44 aniversario de la Concha de Oro de Honor que recibió el célebre cineasta Luis Buñuel en el Festival de San Sebastián por su trayectoria.

La idea germinal del film surge de una conferencia que impartió Javier Espada, coincidiendo con la inauguración de una gran exposición dedicada a la figura de Buñuel en la Cineteca de México.

“Hablé sobre ‘Buñuel, un surrealista’ en México con muchas imágenes y fragmentos de películas, y tras la conferencia fueron muchas las personas que me recomendaron transformarla en un documental, por la gran cantidad de material gráfico utilizado y porque les pareció original el planteamiento”, explicó Espada.

Por entonces, el cineasta estaba inmerso en otros proyectos, pero el confinamiento al que ha sometido al mundo la contingencia sanitaria por el coronavirus, le llevo a transformar la conferencia al lenguaje cinematográfico, contribuyendo para poner en valor a uno de los mayores exponentes de la cultura española más universal, al cineasta surrealista Luis Buñuel.

‘Buñuel, un cineasta surrealista’ incluye materiales inéditos, como las poco conocidas fotografías estereoscópicas realizadas por el padre de Buñuel en Zaragoza y Calanda, además de analizar la influencia de Aragón en la creación del rico imaginario que el director calandino y mexicano plasmó en sus películas.

Luis Buñuel fue precursor del cine surrealista más puro desde ‘Un perro andaluz’ y aunque tácitamente abandonó este movimiento tras ‘La edad de oro’, mantuvo referentes continuos a los postulados surrealistas a lo largo de su carrera cinematográfica en México y posteriormente en Francia y España. El cineasta nunca dejó de cultivar estos principios emergidos desde su infancia, elementos que, como los sueños, han formado parte de sus pilares creativos más básicos y conformado buena parte de la singularidad de su cine.

‘Buñuel, un cineasta surrealista’ cuenta con el apoyo de los ayuntamientos de Calanda y de Zaragoza, así como de diversas entidades de España, México, Francia y Estados Unidos y será distribuido internacionalmente por Latido.

Crítica: ‘La mujer del espía’

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1940, Japón. La noche anterior al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el comerciante local Yusaku Fukuhara deja a su esposa Satoko en casa y viaja a Manchuria con su sobrino. Allí es testigo casual de un acto bárbaro y decide tomar medidas para revelarlo al mundo. Tras un malentendido inicial, su esposa descubre las verdaderas intenciones de su marido y decide protegerlo de forma incondicional. ¿En quién se puede confiar?

Crítica

Sin la tensión y la profundidad del género de espionaje

Con ‘La mujer del espía’ tengo la impresión de que va a dividir mucho a los espectadores. Pienso en ella muchos días después de haberla visto y no cambia mi opinión o no me ha hecho reflexionar, eso por lo general suele ser malo. Lo que sucede con la película de Kiyoshi Kurosawa es que es muy probable que a algunos les maraville por retomar maneras solo aptas para nostálgicos de la era dorada del cine. Pero a aquellos que gusten de actuaciones más naturales y menos exageradas les va a hastiar tanto como a mí.

‘La mujer del espía’ está sobreactuada a más no poder. La mera coreografía de los personajes por los escenarios saca a relucir la meticulosidad de los japoneses cuando quieren controlar con todo lujo de detalles sus obras. La impasividad del sargento o el dramatismo de la propia esposa y protagonista solo nos brindan personajes planos, sin riqueza o trasfondo, sin más matices que una o dos directrices que los definan. Estoy acostumbrado a consumir cine nipón y sé que suelen tender a ser melodramáticos, pero también que dotan a sus películas de mucha duración con el objeto de aportar profundidad a la historia, en este caso eso no sucede.

Y me cuesta decir esto pues este Kurosawa es el autor de películas que me gustan como ‘Pulse’, una cinta de terror moderno que me encantó, o la intrigante y cargada de mensaje, ‘Cure’. Me sorprende encontrarme en ‘La mujer del espía’ con una película de escasa moraleja, tan redundante y con unas maneras tan anticuadas de concebir su historia. Todo el trayecto de los personajes se queda en algo baladí, como silenciado por un último giro de los acontecimientos, como si no tuviese repercusión alguna y te acabas preguntando, ¿entonces para qué?

La película podría haber sido perfectamente un dorama. Podría haberse dividido en 20 capítulos como cualquier otro drama televisivo y tendríamos una telenovela japonesa en toda regla. Nos llevan al Japón de la II Guerra Mundial y ahí se juega con un triángulo amoroso que adivinamos pronto. Aunque sea parcialmente predecible al respecto en todo esto he de reconocer que a ‘La mujer del espía’ no le falta ni elegancia ni finura. Incluso a la hora de homenajear a la propia ‘Casablanca’ el director hace uso de cierta mordacidad.

Quizá sus pinceladas de metacine o los fortuitos giros de guión convenzan a más de uno. Pero desde luego no es una película excesivamente sesuda. Bien es cierto que sin necesidad de ser gráfica, la película consigue devolver a la actualidad los horrores de la guerra y casi siempre además con escenarios sencillos. El valor que extraigo de ‘La mujer del espía’ es que se embarra en un asunto político que se planta de frente ante el famoso orgullo japonés. Y con esto demuestra que los japoneses son una cultura con exceso de autoestima pero también capaz de aprender de su pasado.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Spy no tsuma. Duración: 115 min. País: Japón. Dirección: Kiyoshi Kurosawa. Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Tadashi Nohara, Kiyoshi Kurosawa. Música: Ryosuke Nagaoka. Fotografía: Tatsunosuke Sasaki.   Reparto principal: Yû Aoi, Issei Takahashi, Ryôta Bandô, Chuck Johnson, Yuri Tsunematsu, Minosuke, Hyunri, Masahiro Higashide, Takashi Sasano. Producción: C&I Entertainment, Incline, NHK Enterprises. Distribución: Sherlock Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.amuse-s-e.co.jp/title/wos/

Crítica: ‘Libreros de Nueva York’

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Las librerías especializadas en obras antiguas y de coleccionista son un mundo pequeño y fascinante poblado por soñadores, intelectuales, excéntricos y obsesivos. Estos libreros son en parte académicos, en parte detectives y en parte empresarios. Sus conocimientos son tan amplios como el vasto material con el que trabajan y juegan un papel esencial, aunque poco reconocido, en la preservación de la historia.

Crítica

Los misterios del mundo del coleccionismo y las librerías de Nueva York

Durante el confinamiento y gracias a A Contracorriente Films, Sherlock Films y Sala Virtual de Cine pudimos ver el preestreno de ‘Libreros de Nueva York’. El documental dirigido por D. W. Young y presentado en el New York Film Festival, llega el viernes 26 de febrero tanto a cines como a Sala Virtual de Cine.

‘Libreros de Nueva York’ nos trae un mundo desconocido para la mayoría de gente. Un mundo lleno de subastas, ferias y verdaderas joyas convertidas en libros. Pero también nos habla del declive de las librerías físicas y de la perdida de interés de coleccionar antigüedades.

El documental nos lleva por distintas calles de Nueva York, ya sea a las diferentes librerías como a casas particulares de coleccionistas. En estos lugares vemos verdaderas maravillas, como un Códice de Leonardo Da Vinci; manuscritos de Borges; libros encuadernados con carne humana o con piel auténtica de mamut.

Pero como he dicho antes, estas librerías están en peligro de extinción. Los libreros van sobreviviendo como pueden y  vemos como las ferias poco a poco van apagándose y siendo menos importantes de lo que eran antiguamente.

Sí que es cierto que los transeúntes o turistas pasan a estas librerías, ya sea por su belleza o por la simple curiosidad de ver que venden, pero al final no terminan comprando. El tema digital, ebooks y la pérdida de interés por la lectura en general hace que estos lugares se tengan que modernizar o morir.

La fotografía de Peter Bolte logra dar aportar el atractivo que estas librerías tienen. Os abrirá las puertas a este mundo desconocido. Esas puertas traseras llenas de verdaderos tesoros y que nos invaden de nostalgia.

Un documental distinto, con un tema muy curioso y que tiene mucho interés. Después de verlo, seguro que cuando paséis por una librería de barrio no la miraréis con los mismos ojos.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: The Booksellers. Duración: 99 min. País: Estados Unidos. Dirección: D.W. Young. Música: David Ullmann. Fotografía: Peter Bolte. Reparto principal: Frank Lebowitz, Rebecca Romney, Susan Orlean, Gay Talese, Nancy Bass Wyden, Nicholas D. Lowry, Zack Hample, Rob Warren Thomas, Stephen Massey, Saúl Roll, John Wronoski, Ed Maggs, William Reese. Producción: Blackletter Films. Distribución: A Contracorriente Films, Sherlock Films Género: Documental. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/the-booksellers/in-cinemas

Sherlock Films estrenará el 22 de mayo ‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’

Disponible en Sala Virtual de Cine y en plataformas digitales

‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’ (‘#AnneFrank. Parallel Stories’) se estrenará el viernes 22 de mayo en la salavirtualdecine.com y en las plataformas digitales tales como Movistar+VodafoneRakuten TVApple TVGoogle Play y Orange. La película está codirigida por Sabina Fedeli (guionista de ‘Pintores y reyes del Prado’) y Anna Migotto (guionista de ‘Citizen Rosi’). La actriz ganadora del Oscar Helen Mirren (‘El viaje de sus vidas’, ‘Anna’) conduce este documental que explica la vida de Anna Frank a través de las páginas de su diario: un texto extraordinario que ha dado a conocer la tragedia del nazismo a millones de lectores en todo el mundo.

En esta ocasión, la historia de Anna Frank se entrelaza con la de cinco supervivientes del Holocausto, adolescentes como ella, con los mismos ideales, el mismo deseo de vivir, el mismo coraje: Arianna SzörenyiSarah Lichtsztejn-Montard, Helga Weiss y las hermanas Andra y Tatiana Bucci.

Además de Helen Mirren, la película también cuenta con la participación de la actriz italiana Martina Gatti. La música corre a cargo de Lele Marchitelli, reconocido compositor italiano habitual en los trabajos de Paolo Sorrentino, como ‘La gran belleza’, ‘Loro’ o la serie de televisión ‘The Young Pope’.

‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’ está producida por 3D Produzioni y Nexo Digital en colaboración con Anne Frank Fonds, Basilea y el Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa.

Crítica: ‘El cocinero de los últimos deseos’

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Mitsuru Sasaki es un cocinero que puede hacer maravillosas comidas sin siquiera pensarlo. Pero es tan perfeccionista que pierde su reputada restaurante y se ve obligado a cocinar por encargo. Un día, recibe una solicitud especial para cocinar un mítico banquete espectacular del siglo pasado. El problema es que necesita descubrir la receta del famoso chef Yamagata que estuvo en la Manchuria ocupada por China en la década de 1930.

Crítica

Una deliciosa historia de amistad y confianza

Después de ver ‘El cocinero de los últimos deseos’ solo os recomiendo tener un restaurante de comida japonesa cerca, os aseguro que saldréis con mucha hambre.

Esta tierna película del director Yôjirô Takita, ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por ‘Despedidas’, nos cuenta la historia del cocinero Mitsuru Sasaki, cuyo trabajo es realizar comidas por encargo para clientes muy especiales. En su último encargo no solo tendrá que cocinar, sino que además se adentrará en una bonita historia en la búsqueda de las recetas del famoso chef Yamagata.

No puedo hacer otra cosa que recomendar la película, aunque tenga momentos de drama, la cinta te deja con una sonrisa en la boca. Vamos conociendo la historia de una familia vista desde la perspectiva de sus propios protagonistas y por supuesto de la cocina, mientras que Mitsuru debe desentrañar el puzle en el que le han metido.

La cinta está muy bien rodada y narrada, sus dos horas de duración pasan rapidísimo mientras vemos distintos platos de deliciosa comida y conocemos a todos los personajes entrañables de la película.

Basado en la novela de Keiichi Tanaka, ‘El cocinero de los últimos deseos’ no solo trata de comida, dentro de todos los temas que podemos ver están la amistad, confianza y sobre todo la familia. Además que vamos también a temas raciales, ya que la película viaja desde el 2002 al año 1933 donde la Segunda Guerra Mundial está latente y las diferencias entre japoneses y chinos están a flor de piel.

En el reparto encontramos a Kazanuri Ninomiya (‘Gantz’, ‘Cartas desde Iwo Jima’), Hidetoshi Nishijima (‘El viento se levanta’), Go Ayano (‘Ikari’) y Aoi Miyazaki (‘Ikari’). Cada uno con su historia, pero todos tienen algo en común y es su empeño por lograr que el nombre de Yamagata no se olvide.

En cuanto al nivel técnico no hay mucho que señalar, es una cinta muy sencilla sin grandes planos ni detalles, donde la historia es lo que realmente cuenta.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto. Título original: The last recipe: Kirin no shita no kioku. Duración: 126 min. País: Japón. Dirección: Yôjirô Takita Guión: Tamio Hayashi, basado en la novela de Keiichi Tanaka. Fotografía: Yoshinori Oshima. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Hidetoshi Nishijima, Aoi Miyazaki, Gô Ayano, Daigo Nishihata, Yoshi Oida, Togo Igawa. Producción: Pipeline. Distribución: Sherlock Films y A Contracorriente Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/543/el-cocinero-de-los-ultimos-deseos/

Crítica: ‘Mirai, mi hermana pequeña’

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El pequeño Kun, de cuatro años, deja de ser el centro de atención de sus padres cuando nace su hermana Mirai. Frustrado y algo molesto, empieza a experimentar situaciones en casa que nunca había vivido. Pero las cosas cambian de forma mágica cuando la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.

Crítica

Una animación preciosa con una historia demasiado pesada

Este fin de semana llega ‘Mirai, mi hermana pequeña’, película de la que ya os hablamos durante el Festival Nocturna de Madrid, donde la vimos mucho antes de su estreno.

Mamoru Hosoda se vuelve a posar en la familia y nos presenta a Kun, un niño bastante mimado de cuatro años al que de repente le cambia la vida con la entrada de su hermana recién nacida Mirai.

Sin darle oportunidad, el observa como Mirai le quita toda la atención de sus padres y la odia desde el minuto uno que entra por casa. Pero cuando ella llega del futuro para tener aventuras con él, la cosa va cambiando poco a poco.

La película tiene cosas buenas y cosas malas, una de las malas es que es aburrida por eso la hora y media que dura se hace bastante tediosa desde el principio. De las cosas buenas, me ha encantado como ha tratado la historia y los temas sobre la sociedad japonesa.

La trama principal de la película es la importancia de la familia, Kun va descubriendo su álbum familiar visitando diferentes momentos en el tiempo y a personalidades de su propia historia. Aprendiendo poco a poco a comportarse y a querer a sus más allegados. Pero no solo esto es lo que vemos, también nos introduce los cambios en la sociedad japonesa, machista de por si, poco a poco va cambiando y en Mirai vemos este tema perfectamente reflejado. El padre es el que trabaja desde casa para encargarse de todo y la mujer marcha a trabajar. Aun así vemos como el hombre sufre pero al igual que Kun, consigue hacerse con todo el control.

Como de costumbre en el cine japonés, bien lustrados en la animación, nos encontramos unas imágenes preciosas llenas de colores pasteles y flores. Poco más, no puedo decir que sea la mejor película anime que he visto en los últimos tiempos, más bien sencilla y con poco con lo que sorprendernos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Mirai. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Hosoda. Guión: Mamoru Hosoda. Música: Takagi Masakatsu. Reparto principal: Moka Kamishiraishi, Haru Koroki, Gen Hoshino, Kumiko Aso, Mitsuo Yoshihara, Yoshiko Miyazaki Koji Yakusho. Producción: Studio Chizu. Distribución: Sherlock Films, AContracorriente Films. Género: Web oficial: http://mirai-no-mirai.jp/

Crítica: ’78/52. La escena que cambió el cine’

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Documental a cerca de la famosa escena del asesinato en la ducha de ‘Psicosis’ que cambió para siempre el cine en tantos aspectos. Análisis de los 52 planos que la conforman a través de la visión de muchos cineastas.

Crítica

Un despiece ejemplar de una escena rompedora

Ya había ganas de que llegase a los cines este documental que pudimos descubrir en la pasada edición de Nocturna para que todos podáis disfrutar de este análisis y descubrimiento de secretos de un momento histórico de la cinematografía. ’78/52. La escena que cambió el cine’ es un profundísimo estudio de todos los pormenores que rodean al famoso acuchillamiento de ‘Psicosis’.

Uno se plantea a la hora de escribir esta crítica qué es lo que va a comentar, si la escena o el documental, ya que dan ganas de ponerse junto a los protagonistas del largometraje a comentar tan icónica secuencia. Y es que se analiza con suma pasión y al dedillo el contexto social en el que se estrenó el filme así como todo lo que sucede antes del asesinato. No se deja nada sin examinar: los mensajes que esconde, la época de cambio en que llega, los planos, el uso del blanco y negro, la música de Bernard Herrmann, los dobles, el montaje… hasta los azulejos del baño.

Con esta escena ocurre lo mismo que con la ‘Mona Lisa’ de Da Vinci. Se ha observado tanto y se le ha dado tantas vueltas que se le extraen multitud de significados y se la conoce como si se hubiese estudiado bajo un microscopio. Pero también se le encuentran defectos y en el documental de Alexandre O. Philippe los vemos. Con esto no digo que la película desmonte la escena, al contrario, el largometraje es toda una oda a Hitchcock, pero si tiene unos segundos en los que se demuestra que el cineasta a pesar de su perfeccionismo tenía sus defectos. Porque es innegable que incorporó en ‘Psicosis’, y en este asesinato en concreto, elementos nunca vistos y marcó un antes y un después no solo en el género si no en el cine en general. Quién si no habría tenido el valor de contratar a una estrella como Janet Leigh y matarla en los primeros compases de la película.

Para plasmar cómo una escena tan escalofriante ha hecho tanta historia, como la muerte de una mujer tan bella e indefensa se ha arraigado en nuestra cultura popular tan profundamente hacen falta muchos puntos de vista y en la cinta tenemos todas las perspectivas posibles. Directores, actores, compositores, guionistas… Por eso cuenta con un conjunto de entrevistas  a expertos y famosos como Peter Bogdanovich, Eli Roth, Elijah Wood, Guillermo del Toro, Jaimie Lee Curtis, Danny Elfman, Mick Garris, Leigh Whannell, Mick Garris, Karyn Kusama… Todos ellos son entrevistados mientras como unos mirones van visionando el famoso crimen.

52 cortes tiene la escena que se consiguió tras 78 tomas. La legendaria escena de ‘Psicosis’ se rodó en nada más y nada menos que 7 días de rodaje. Si os gusta el cine y más si sois apasionados al terror, miraréis este documental como auténticos voyeristas. Y es que ese es uno de los temas importantes del filme, el voyerismo, como también se demuestra con la comparación de lo rodado y el cuadro ‘Susana y los viejos’ que tapa el agujero a través del cual observa Norman Bates (Anthony Perkins). Pero ojo que el cuchillo de ‘Psicosis’ también se dirige a la cámara castigando a todos aquellos observadores indiscretos, captar los detalles y aprender esta valiosa lección de cine y vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: 78/52. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre O. Philippe. Guion: Alexandre O. Philippe. Música: Joh Hegel. Fotografía: Robert Muratore. Reparto principal: Peter Bogdanovich, Jamie Lee Curtis, Guillermo del Toro, Danny Elfman, Illeana Douglas, Bret Easton Ellis, Jeannie Epper, Margo Epper, Mick Garris, Norman Hollyn, Chris Innis, Jim Hosney, Karyn Kusama, Bill Krohn, Neil Marshall, Geoff Marslett, Aaron Moorhead, Bob Murawski, Walter Murch, Daniel Noah, Oz Perkins, Fred Raskin, Eli Roth, Gary Rydstrom, Scott Spiegel, Josh C. Waller, Elijah Wood, Leigh Whannell. Producción: ARTE, Exhibit A Pictures, Milkhaus. Distribución: Sherlock Films. Género: documental.

Crítica: ‘El malvado zorro feroz’

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Un zorro que es incapaz de asustar a nadie y de cazar nada, no tiene otra ocurrencia que robar -de una granja muy peculiar- unos huevos de gallina para, tras incubarlos y criar a los pollitos…, comérselos. Pero al nacer, los pollitos creen que el zorro es su madre y este se encariña de ellos lo que complicará las cosas a este zorro que, ni es malvado ni feroz. En esa divertida granja también encontraremos a un conejo que actúa como una cigüeña bajo la dirección de un pato loco».

Crítica

Es muy fácil dejarse llevar por la sencillez de estos cordiales animales.

En casos como estos no se puede decir que estemos ante una película basada en un cómic, lo que debemos decir es que un artista total, es decir, dibujante, colorista y guionista ha traspasado, no adaptado ni basado, su obra a la gran pantalla. Benjamin Renner dirige junto a Patrick Imbert (‘Corto Maltés: la película’) y guioniza junto a Joan Regnaud (‘Ernest et Célestine, La Collection’) esta película de animación que ha venido a titularse ‘El malvado zorro feroz’. Pero ese en realidad es el título de uno de los tres relatos que nos presenta el simpaticón zorro protagonista de la película a modo de maestro de ceremonias.

El título original es más concreto con el contenido de la película. ‘El malvado zorro feroz y otros cuentos’ viene a decir si lo traducimos. En realidad tenemos tres historias por el precio de una. Se titulan: ‘La entrega del bebé’, ‘El malvado zorro feroz’ y ‘Hay que salvar la Navidad’. El conjunto de todas ellas trata sobre la paternidad o la tutela, amén de otros temas como el respeto a las creencias de otros, la confianza, la protección o el tesón. La temática de la película la vemos identificada en una madre que cuida a sus progenitores, en un padre adoptivo que se encariña de unas criaturas que no son ni de su especie, en un amigo que tiene unos colegas que le avergüenzan constantemente e incluso en la figura de Papá Noel.

Lo más importante es que el filme llega de manera espontánea a todas las edades. Tiene algunos momentos desopilantes, es cordial, muy natural y sabe a fábula. Por supuesto que lo que más ayuda es que entra muy bien por los ojos. Está realizada con un estilo tan claro, sencillo y limpio como las intenciones que pretende transmitir. La expresividad de sus personajes es también una de las claves. Los rostros de los animales tienen las facciones de un mimo. Son criaturas no excesivamente antropomórficas, pero si obviamente caminan erguidas y tienen útiles del ser humano. Su bonachón aspecto nos ayuda a desdramatizar temas que de otro modo nos habrían resultado más trágicos. Una pareja que da vergüenza ajena, un cerdo diligente pero casi igual de torpe, un zorro nada despiadado… Los personajes son tan tontorrones, tiernos y suelen estar tan desvalidos que dan ganas de achucharles. Si estuviésemos hablando de una superproducción ya estaríamos viendo toda una línea de monísimos peluches en todas las tiendas de juguetes. Pero la virtud de esta película es que se queda al margen de frivolidades y está dentro de lo parabólico y entrañable.

En muchas ocasiones ‘El malvado zorro feroz’ pierde los bordes de igual modo que lo pierden las viñetas de Renner, para así conseguir diferentes efectos (velocidad, aislamiento, oscuridad…). Nos encontramos así ante una viñeta sin barreras, frente un celuloide sin obstáculos. Realmente si uno curiosea las páginas del cómic se da cuenta de que solo faltaba rellenar las animaciones intermedias entre una viñeta y otra. Animar la película para el autor debe haber sido muy fácil pues la pre-producción la tenía ya hecha con su cómic a modo de storyboard. Además que Renner sabe el terreno que pisa pues ya ha dirigido animación anteriormente. Sin duda la ayuda del director Patrick Imbert y del guionista Joan Regnaud ha servido para rellenar esos huecos y trasladar correctamente ‘El malvado zorro feroz’ del noveno al séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Le Grand Méchant Renard et autres contes. Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Patrick Imbert, Benjamin Renner. Guion: Benjamin Renner, Joan Regnaud. Música: Robert Marcel Lepage. Producción: Folivari. Distribución: Sherlock Films. Género: animación, comedia, cómic, adaptación. Web oficial: http://folivari.com/en/projet/the-big-bad-fox-and-other-tales/

Crítica: ‘Verano de una familia de Tokio’

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Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de circulación sin importancia se desatará el caos en la familia Hirata. Sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir pero el abuelo no se lo pondrá fácil.

Crítica.

Elevando la temperatura cómica de unos personajes que siguen funcionando.

La comedia ‘Verano de una familia de Tokio’ supone la segunda parte de una serie de correrías de un clan muy peculiar japonés gestadas por el cineasta Yôji Yamada. Historias que nos transportan a una zona acomodada de la capital nipona y de las que conviene que os ponga previamente en situación pues en esta ocasión Yamada ha pecado en no saber sentar precedentes. Porque la de los Hirata es una circunstancia algo singular, del tipo ‘Médico de Familia’, en la que en la misma casa conviven tres generaciones. El matrimonio más mayor, el de los abuelos, tiene una relación muy peculiar. Esto se debe a que en la anterior película, ‘Maravillosa familia de Tokio’, la abuela le pidió al abuelo el divorcio, nada más y nada menos que como regalo de cumpleaños. Conviven bajo el mismo techo como esposos pero hacen vidas casi por separado. El cascarrabias del abuelo Hirata es más independiente que nunca y por eso llega el conflicto de esta nueva película.

La trama en la que se centra ‘Verano de una familia de Tokio’ trata sobre el empeño de todos en quitarle el carné de conducir al patriarca de la casa debido a que cada vez tiene más peligro con el coche. Aquellos que conozcan ya a este personaje sabrán que con lo tozudo que suele ser la tarea no es moco de pavo. Yôji Yamada ha hecho de esa labor una gesta que además va rodeada de otras andanzas que va viviendo el personaje interpretado por Isao Hashizume. Así miembro a miembro de la familia se pasa la patata caliente, el marrón de hablar con su padre, el cual mientras se va de pillerías.

Si hay algo que distingue esta película de la anterior es que va un poco más allá llegando a puntos algo más extremos ganándose el calificativo de comedia de situación. Sigue prácticamente los mismos esquemas (repitiendo los mismos personajes) pero tiene momentos más desbordantes y termina con un desenlace bastante más cerca de lo surrealista. Tras el éxito de su anterior película ahora explota sus puntos fuertes, sus personajes más hilarantes y las relaciones que más jugo tienen. Pero sigue siendo el mismo tipo de película con gags tontorrones y marcadamente descarados, pero dentro de lo respetuoso de la cultura japonesa. Porque los Hirata continúan siendo esa familia que como dije en mi anterior crítica son frágilmente funcionales y se juntan para hablarlo todo comiendo su pedido de anguila con arroz. Aceptan aún críticas constructivas los unos de los otros mientras de fondo se producen todo tipo de payasadas.

Yôji Yamada, esta persona con más de ochenta títulos dirigidos y casi noventa años de edad firma esta segunda entrega de su trilogía (hay preparada ya una tercera) reformada en comedia (tras haber partido del drama de ‘Una familia de Tokio’) con el fin de transmitir una de las grandes preocupaciones en Japón, las personas mayores. Sus retratos costumbristas se convierten en un chapuzón de lo más simpaticón, como un anime de los ochenta plasmado en imagen real, cordial pero con inquietudes que transmitir de manera campechana.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2018. Título original: Kazoku wa tsuraiyo 2. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guion: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Masashi Chikamori. Reparto principal: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Kazuko Yoshiyuki, Yui Natsukawa, Isao Hashizume,Takashi Sasano, Masahiko Nishimura, Jun Fubuki, Nenji Kobayashi,Tomoko Nakajima, Yuriko Hirooka, Kôen Kondô, Tsurube Shôfukutei,Fujita Okamoto, Katsumi Kiba, Shozo Hayashiya, Jiro Dan, Masayasu Kitayama,Yûki Tokunaga, Ayumu Maruyama, Takanosuke Nakamura. Producción: GyaO, Hakuhodo DY Media Partners, Hakuhodo, Kinoshita Komuten, Kodansha, Yomiuri Shimbun, The Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Sumitomo Corporation. Distribución: A Contracorriente Films, Sherlock Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/818/verano-de-una-familia-de-tokio/

Crítica: ‘El insulto’

Sinopsis

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Relata como un pequeño incidente entre un palestino musulmán y un libanés cristiano escala hasta convertirse en un conflicto nacional que pone de relieve los conflictos históricos entre ambas comunidades.

Crítica

Tendrían que haber hablado más los personajes que el director.

El director Ziad Doueiri acumula premios en su carrera, como los ganados con ‘West Beirut’ y ‘El atentado’, en Toronto y San Sebastián respectivamente. Ahora con ‘El insulto’ parte con el aval de haber estado entre las nominadas al Oscar en la categoría de Habla No Inglesa. Puede que el carácter de su película haya favorecido a esa nominación, por eso de darle un tirón de orejas a Trump tras el jaleo de la pasada edición con Farhadi y ‘El viajante’. Desde luego la película también toca un tema delicado pero su tratamiento es menos sutil y efectivo que la película que pudimos ver la temporada pasada.

Parte de una afrenta surgida de un lance cotidiano entre un palestino musulmán y un libanés cristiano. Desde ese punto se llega hasta una crisis entre dos comunidades cuya convivencia está en frágil equilibrio en la zona en la que habitan, a la espera de una reconciliación que no acaba de llegar. Ni que decir tiene que la película sirve como proyector de los enfrentamientos históricos vividos en esa región desde hace años y años. A partir de unas palabras la bola comienza a crecer, el problema empieza a escalar niveles hasta las cotas más elevadas, extremas y desbocadas. Está claro que una de las intenciones del director, además de reflejar los problemas de su tierra como hace en toda su filmografía, es remarcar que cuando un problema está candente, cuando además hay un sistema adulterado, es mucho más fácil que la cosa se vaya de las manos.

‘El insulto’, mirándola a través de un prisma más universal, trata sobre tragarse el orgullo, la convivencia, el rencor, la libertad de expresión y el poner los problemas personales por encima de los de todo un pueblo. Para ello dos actores Adel Karam (Tony) Kamel El Basha (Yasser) se han sumergido en un duelo interpretativo que debería haber sido más intenso aunque ambos encarnan a sus personajes por separado de un modo irreprochable y cabal. Si su guion no hubiese estado tan atado al corazón del director y guionistas, más a la verdad de la situación planteada, hablaríamos de un retrato más penetrante. Mientras que uno de ellos puede parecer más extremista, panfletista y cargado de odio el otro es la personificación de la terquedad que mantiene viva los conflictos religiosos en nuestro planeta. Y es que como decían unos que iban arrasando cepas… «la razón no se reparte» o como dice el personaje interpretado por Rita Hayek «arrasarías todo y aún así no pasarías página».

Si en algún momento os chocan los movimientos de cámara que tiene esta película o los ángulos tan perpendiculares de algunas tomas solo tenéis que bucear en la filmografía del director. Este fue ayudante de cámara de Tarantino en películas como ‘Pulp Fiction’, ‘Four Rooms’ o ‘Jackie Brown’. En algunas escenas emplea algunos giros y encuadres que ciertamente no vienen muy a cuento con el carácter del filme, pero que van retratando cual es el sello que quiere dejar el cineasta en su filmografía. Igualmente la música no acompaña para nada a un drama que habría pedido unos temas diferentes, no tan fogosos, incluso vitalistas.

‘El insulto’ intenta ser  imparcial, sobre todo en su excesivamente complaciente y suplicante final, o por lo menos procura parecer más ecuánime que los jueces que aparecen en su película. Pero rápidamente se ve de qué pie cojea el director. Es patente que la película intenta poner paños calientes constantemente incluso echado mano de la comedia en más de una ocasión. Es lógico que para ello Ziad Doueiri tenga que emplear algunos recursos como estos sobre todo cuando el arco de la película comienza con la frase «capullo de mierda», alcanza su curva máxima cuando se pronuncia el «ojalá Ariel Sharon os hubiera aniquilado» y llega a su extremo final cuando oímos «nadie tiene el monopolio del sufrimiento». Tiene bastantes expresiones lapidarias que en cierto sentido le dan a la película un sentido global, pero en todo momento no dejamos de recordar que el conflicto que trata el largometraje es tremendamente local.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: L’insulte. Duración: 110 min. País: Líbano. Dirección: Ziad Doueiri. Guión: Ziad Doueiri, Joelle Touma. Música: Éric Neveux. Fotografía: Tommaso Fiorilli. Reparto principal: Adel Karam, Rita Hayek, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salamé, Diamand Bou Abboud. Producción: Ezekiel Films, Scope Pictures, Tessalit Productions, Rouge International, Cohen Media Group, Ciné+, Douri Films, CNC, L’Aide aux Cinémas du Monde, Canal+. Distribución: Sherlock FIlms. Género: drama. Web oficial: http://www.en.rouge-international.com/movie/450/

Crítica: ‘Los últimos años del artista: Afterimage’

Sinopsis

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En 1948, cuando Stalin pone sus manos sobre Polonia, el famoso pintor Wladyslaw Strzeminski se niega a comprometer su arte con las doctrinas del realismo social. Perseguido, expulsado de su puesto en la universidad, es de repente borrado de los muros de los museos. Con la ayuda de algunos de sus estudiantes, comienza a luchar contra el Partido y se convierte en el símbolo de una resistencia artística contra la tiranía intelectual.

Crítica

El crepúsculo de un artista exento de afán.

Sabéis de estas películas que se dice tienen sabor académico o que están realizadas con un estilo a la antigua, pues en esos grupos podemos incluir a ‘Los últimos años del artista: Afterimage’. Y no lo digo porque la elaborase un director a sus noventa años de edad, poco antes de morir. La película del director polaco Andrzej Wajda está narrada con el estilo de una vieja escuela que ha de renovarse. Me parece bien que un polaco quisiese homenajear a otro polaco, pero hay maneras y maneras. Rodar los últimos días de un artista de un modo tan poco apasionado y monótono me parece un vago o flojo honor. Como mínimo cuando se pretende alabar la obra de un creador se tiene que intentar transgredir. Con ese verbo me refiero a traspasar ciertas barreras que hagan que el espectador se sorprenda, que establezca un vínculo con el protagonista e incluso se innove . Sobre todo si es el caso de Wladyslaw Strzeminski, el cual he sabido gracias al filme que suscitó una corriente que iba en contra de todo lo que le imponían. La película informa pero no va más allá.

Como imagen posterior a su muerte queda más plasmada la influencia que ejerció en sus alumnos o las fundaciones que creó, más que su propia obra artística. Su visión vanguardista chocaba con la que quería el régimen comunista. Es por ello que sistemáticamente le impidieron hacer su arte y por consiguiente le quitaron el trabajo que le daba de comer. También estaba en contra de obligar a los artistas a ejercer un estilo predefinido evitando que estos experimentasen y creasen nuevas corrientes. Esto se plasma tal cual en la película, pero de un modo tan invariable que se hace casi soporífero. Hasta que no llegamos a los títulos de crédito no se juega con su arte, pese a que si tenemos algunos retazos de sus teorías.

A Strzeminski  le faltaban la pierna derecha y el brazo izquierdo. Uno de los méritos ha sido conseguir con esas técnicas de antaño recrear dichas carencias de miembros. La elección de planos, el juego con la escenografía, el vestuario… todo ello se ha empleado para imitar la invalidez del pintor. Si en su época hubiesen existido las redes sociales seguramente habría podido salir victorioso de su pulso contra la autoridad. Pero no era así y su popularidad no fue suficiente como para ganar más incondicionales. Esto también es mérito de Wajda, reflejar otra etapa de la historia polaca y otra de las caras del régimen de Stalin.

Me parece que la obra del ya difunto Andrzej Wajda tendrá buena acogida entre los círculos más experimentados en las bellas artes o en su propio país. Aparecen obras del autor como los collages sobre los judíos o la Sala neoplástica, la cual hace poco se recreó en el Museo Reína Sofía. Si estáis leyendo esta crítica por vuestra afición a las artes plásticas o al propio Strzeminski quizá deberíais saber que la exposición aún está abierta. Tal vez si me sumerjo un poco en ella aprecie más la película, pero mis pegas están más relacionadas con la narración cinematográfica, no con lo que he aprendido del artista.

Tristemente la ficción se ha ligado a la realidad y el título de ‘Los últimos años del artista’ puede hacer referencia tanto al director como al personaje retratado. Lo que queda claro tras visionar el filme es que ambos representaban mucho para Polonia y para ciertos sectores del mundo artístico.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de junio de 2017. Título original: Powidoki (Afterimage). Duración: 98 min. País: Polonia. Dirección: Andrzej Wajda. Guión: Andrzej Wajda. Música: Andrzej Panufnik. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Boguslaw Linda, Aleksandra Justa, Bronislawa Zamachowska, Szymon Bobrowski, Mariusz Bonaszewski, Tomasz Chodorowski, Izabela Dabrowska, Aleksander Fabisiak, Paulina Galazka, Filip Gurlacz. Producción: Akson Studio, TVP – Telewizja Polska, Instituto Audiovisual Nacional (NINA), PISF, Tumult Foundation. Distribución: Sherlock Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/530/los-ultimos-anos-del-artista-afterimage/

Crítica: ‘Maravillosa familia de Tokio’

Sinopsis

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El día de su cumpleaños, la mujer del pater familias de una tradicional familia de Tokio, le pide a su cascarrabias marido como regalo, el divorcio. Esta revelación no sólo chocará a su incrédulo marido, sino a toda la familia, quienes intentarán por todos los medios evitar la catástrofe familiar.

Crítica

De maravillosa poco, de entrañable mucho.

Yôji Yamada continúa contando las peripecias de esta familia con ‘Maravillosa familia de Tokio’, película que es secuela de su obra ‘Una familia de Tokio’ que a su vez era un remake de ‘Cuentos de Tokio’, de Yasujiro Ozu. Ya os dejo ahí un hilo de películas del que tirar por si queréis documentarios antes. Pero aunque esta nueva cinta continúe la anterior y conserve el reparto original no es necesario conocer a las predecesoras. Yo personalmente no he visto ninguno de los dos filmes anteriores, no voy a ir de listo, y puedo decir que sin tener en mente esa precuela he disfrutado de esta nueva entrega. Simplemente con documentarse un poco se pueden reconocer los guiños visuales que ha usado Yamada.

El director y guionista nos reúne en torno a una familia tragicómica y frágilmente funcional con tintes muy disparatados. El argumento de ‘Maravillosa familia de Tokio’ es tan sencillo como gracioso, pero a la vez aleccionador. La esposa de la cinta no es la protagonista principal pero da origen y pie a la melodramática historia del que si es el protagonista, el padre. Aunque a veces parece estar sacada de un dorama (serie o telenovela japonesa) se desarrolla una trama realista y cargada de provincianismos. Lo dicho, no es un dramón, para nada. Es una comedia que aunque no resulta hilarante si alcanza cotas surrealistas dentro de la cotidianidad en la que está enmarcada. También da muestras de un carácter infantil con numerosos gags de humor físico.

Como he mencionado el personaje protagonista es el del padre. Un hombre gruñón y vividor que cree tener siempre la razón. Aunque cada miembro de la familia tiene su peculiaridad, explotada en pro de la comedia, él se lleva la palma. Su intérprete es Isao Hashizume, un perspicaz y veterano actor con más de cien películas a sus espaldas. Sin duda una apuesta segura para hacerse cargo del timón de esta familia.

Varios de los personajes hacen gala de comportamientos machistas, pero no se les representa así para convertir la película en un discurso feminista. Son muestra de que en Japón aún se siguen las tradiciones hasta en cosas tan básicas como el papel del hombre y la mujer en el hogar. De hecho, como muestra de la pluralidad y cambio que va adquiriendo el país del sol naciente también hay alguna pareja de la película en la que la mujer lleva la voz cantante.

Tal vez haya que estar algo acostumbrado al estilo de cine y humor japoneses para disfrutarla al máximo. Pero ‘Maravillosa familia de Tokio’ respira la suficiente visión de conjunto como para que podamos extender su concepto al resto de países del mundo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Kazoku wa tsuraiyo. Duración: 108 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Shinji Chikamori. Reparto principal: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki,Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya. Producción: Shochiku Company. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/529/maravillosa-familia-de-tokio/

Crítica: ‘Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier’

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El gran Bertrand Tavernier nos adentra en el mundo del cine hablando de las películas que le marcaron su vida y convirtieron en el cineasta que es hoy. Responsable de grandes títulos como ‘Alrededor de la medianoche’, ‘La vida y nada más’, ‘Hoy empieza todo’ o las más recientes ‘Salvoconducto’ y ‘Crónicas Diplomáticas’, Tavernier nos muestra y recuerda aquellas obras del séptimo arte que no deberíamos olvidar.

Crítica

Como cuando estudias una materia que te encanta pero te topas con un libro gigantesco.

Poder escuchar el testimonio de un cineasta laureado que habla sobre cine suele ser todo un lujo. En esta ocasión ese regalo nos lo hace Bertrand Tavernier y lo hace entrevistándose a sí mismo. Esta filmación nos llega bajo el título de ‘Las películas de mi vida’ transformando la versión original que traducida literalmente sería algo así como ‘viaje a través del cine francés’. Por primera vez en mucho tiempo ,y no sé si por primera vez en mi vida, me parece más acertado el título en castellano que en versión original.

Me explico. Esta película dura más de tres horas y aún así hay que decir que no es un recorrido a través de la totalidad del cine galo. Solo se repasa la época del séptimo arte que ha influido al director, de un modo extremadamente personal. Esta es una retrospectiva que nos trae las películas que a Tavernier le han influenciado o impactado más, no es una revisión objetiva, neutral o rigurosa del cine de nuestro país vecino. Por lo tanto tenemos una larga opinión personal sobre un tramo de la cinematografía francesa. Pese a ser tan extensa se hace mucho menos pesada de lo que cabe imaginar, aunque su pauta o esquema sea excesivamente monótono. Rompen un poco la homogeneidad del documental varias comparativas con el cine estadounidense y algunos testimonios.

Por otro lado, para digerir mejor este holgado documento, se puede enfocar como un vistazo o una lección también de las técnicas, novedades y claves del éxito de muchos largometrajes. Este trabajo funciona tanto como entrevista como documental, aunque cueste discernir si su intención busca alimentar el ansia informativa de unos o el ego de otros. Aunque por otro lado ya admitió el director que lo que buscaba con esta cinta era agradecer a todos los cineastas su trabajo al pasar por su vida.

Con la sapiencia que demuestra aquí Tavernier a uno no le extraña que él sea un director ganador de muchos premios y con una larga carrera cinematográfica. Además queda muy claro que es un cineasta de corazón y no de bolsillo. Con este trabajo suyo vislumbramos el cine bajo la lente de un director como pocas veces se puede ver, y eso es de agradecer viniendo de una persona fundadora del Nickelodéon, no del canal televisivo de carácter infantil, si no de un cine club pionero en su época.

Como añadido y presente para los más amantes o estudiosos del cine y su historia puedo decir con regocijo que este es un filme con muchos retazos de películas que debemos agradecer a la Pathé y Gaumont, productoras vivas desde la mismísima época de los hermanos Lumière. ‘Las películas de mi vida’ está concebida para verse con papel y bolígrafo a mano ya que muchos anotaríais gran cantidad de películas, directores y actores que se citan. Casi constantemente lo que oímos son las palabras de Tavernier, en algunas ocasiones, muy pocas, el testimonio de otros cineastas y se llega a tocar a Jacques Becker, Jean Renoir, Melville, Claude Sauset… Lástima que sea un documento tan cargante y largo.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2017. Título original: Voyage à travers le cinéma français. Duración: 190 min. País: Francia. Dirección: Bertrand Tavernier. Guión: Bertrand Tavernier. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Reparto principal (documental): Bertrand Tavernier, Jean Gabin, François Truffaut, Marcel Carné, Jacques Prévert, Jean Luc Godard, Jean Pierre Melville, Eddie Constantine, etc. Producción: Little Bear, Canal Plus, Gaumont, Pathé. Distribución: Sherlock Films. Género: documental. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/527/las-peliculas-de-mi-vida-por-bertrand-tavernier/

Crítica: ‘La historia de Jan’

Sinopsis

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Jan nació el 4 de noviembre de 2009 cambiando la vida de sus padres. La inesperada noticia de que Jan tenía síndrome de Down llevó a su padre a escribir un blog y a grabar a su hijo para compartir su día a día y superar sus miedos. Esta película, resultado de ese blog y de esas filmaciones durante 6 años, nos cuenta una historia de superación y aceptación desde el optimismo, el sentido del humor y la ternura.

Crítica

La de Jan es una vida de luchas y logros que merece ser contada.

‘La historia de Jan’ no es una historia convencional pero si es una historia que se vive en muchos hogares españoles. La diferencia con todas las demás es que los padres del aún pequeño Jan nos han abierto las puertas de su casa y de su corazón. Y lo hacen de un modo tan abierto que debemos sentirnos honrados de ser espectadores de ello. Desde que nació hasta prácticamente hoy podemos ver en el filme el devenir de este niño de seis años con síndrome de Down. No voy a compararla con ‘Boyhood’ ya que es lo que está sugiriendo todo el mundo, y aparte de que no he visto ese filme estadounidense no voy a ofrecer una crítica comparativa y redundante.

Es enternecedor ver cómo rapea, cómo reacciona al himno del Atlei, cómo juega con otros niños, como gatea… Cada logro se celebra como cualquier otro celebraría el gol de Iniesta o el año nuevo. Para Jan es algo más que remarcable el hecho de conseguir tareas que son comunes o automáticas para los niños ordinarios. Para mostrar estos momentos la película nos muestra multitud de piezas de vídeos caseros. Posteriormente se han filmado otros fragmentos de ficción en los que el padre de Jan, Bernardo Moll Otto, hace una retrospectiva recorriendo los lugares clave por los que ha pasado su hijo hasta ahora. Para esto ha contado con profesionales como Alfonso Postigo (‘Pagafantas’) en la fotografía que tanto contrasta con las grabaciones familiares. Pese a esta ayuda el propio Bernardo Moll resulta ser protagonista innecesario de la cinta en más de una ocasión.

Como he dicho antes Jan tiene seis años, el filme se estrena el día de su cumpleaños, el día que hace los siete. Un detalle más para esta película cercana, tierna y práctica. A mi entender, a parte de un homenaje a un niño luchador, puede servir para abrir los ojos a los intolerantes, para que vean con otros ojos a estas personas. Y también para los desconsiderados, para que sepan lo que es criar a alguien con este síndrome.

Este largometraje, en parte financiado con un crowdfunding llevado a cabo en Verkami, podría ser un fuerte candidato a los Goya, por su valor humano y por su valor documental. Seguro que ‘La historia de Jan’ va a estar en muchas quinielas. Si queréis conocer de primera mano su historia ved la película y seguid su blog.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: La historia de Jan. Duración: 90 min. País: España. Director: Bernardo Moll Otto. Guión: Bernardo Moll Otto. Música: Mayor Tom y Guille Mostaza. Fotografía: Alfonso Postigo. Reparto principal: Jan Moll Vic, Bernardo Moll Otto, Mónica Vic. Producción: Belén Bernuy, Fernando Riera y Eduardo Escudero. Distribución: Sherlock Films, A contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://lapelicula.lahistoriadejan.com/

Crítica: ‘Jota de Saura’

 Sinopsis

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Siempre he querido hacer un musical sobre el cante, el baile y la música de la Jota; el ritmo de mi tierra. Y ahora se ha dado por fin la posibilidad de encarar este tema con los medios y el equipo técnico y artístico, que yo deseaba.

La Jota es una música vigorosa y potente, que ha sido capaz de atraer a compositores de tanto prestigio como: Listz, Saen Saens, Massenet, Falla, Granados, Albéniz, Tárrega o Bretón, y su influencia está presente en la mayor parte de la geografía española, hay jotas en Castilla, Navarra, Valencia, Murcia, Extremadura y Andalucía e incluso permanece viva en Filipinas y América Latina, especialmente en Méjico.

Se dice, y me parece muy gráfico, que “Jota” viene del árabe “Chotar” que significa saltar, aunque evidentemente, la Jota es algo más que saltar; es un ritmo único, alegre y contagioso que con los años se ha ido perfeccionando y que hoy se enseña en academias y escuelas. ¿Pero…? ¿Hacia dónde va la Jota?

Ese es para nosotros el mayor desafío: abrir nuevas posibilidades rítmicas, bucear en la recuperación de ritmos afines, en el pasado y en el presente, y proponer con la ayuda del talento de los artistas, un espectro de posibilidades que, tal vez, indiquen el futuro de este ritmo a las generaciones futuras.

Por eso, mi intención es hacer una película musical en la que se reúna lo mejor que hay hoy día sobre el tema y crear un documento en el que se entremezclen los artistas de ahora con los artistas ya desaparecidos; la ortodoxia y la heterodoxia; las canciones y ritmos ya clásicos y otros que están por venir, para que el espectador pueda disfrutar de la variadísima paleta de interpretaciones que este ritmo nos propone. Una variedad y riqueza que, desde mi modesta opinión, es muy desconocida en nuestro país, y no hace justicia al poderío de este ritmo.

Carlos Saura, abril de 2015.

Crítica

Un concierto de calidad cinco jotas.

‘Jota de Saura’ es una película dirigida y escrita por el aragonés Carlos Saura. Esta no es una película documental al uso donde un narrador nos arroja información acerca de lo que vemos. Se nos ofrece todo un concierto cinematográfico que va hablando por sí mismo. Cada canción expuesta nos habla de una interpretación, versión o región a la que están ligadas las jotas. No cuenta una historia sino más bien algo que forma parte de nuestro folclore y que ha dejado huella influenciando y dejándose influenciar por otros estilos como la música celta, el jazz o el flamenco. Es por ello que están presentes tacones, castañuelas, pianos, guitarras y hasta gaitas. El cineasta ha realizado una oda a la música de su tierra.

Para ello ha contado con bandas y bailarines de toda clase y edad. Podremos encontrar a artistas tan famosos como Ara Malikian, Sara Baras o mi admirado Carlos Núñez. Juntos ponen música, baile y voz a una serie de clips que puede resultar algo extensa. Estos «videoclips» poseen una puesta de escena digna de ser mostrada en museos de arte contemporáneo. La fotografía es muy minimalista, en ningún momento hay pudor por mostrar que estamos en un escenario y eso nos hace pensar que estamos en un concierto folk retransmitido en directo a pantalla grande. A este recorrido por las diferentes jotas de nuestro país se le suman movimientos de cámara y un diseño de producción que pretenden modernizar este arte musical y demostrar que tiene cabida en la cultura popular del siglo XXI.

También hay hueco para sentidos homenajes con voces e imágenes de archivo. Están presentes Labordeta, Imperio Argentina, Paco Rabal… Relacionándoles por supuesto con la danza y las costumbres aragonesas.

La película tiene incluso proyección internacional pues ha sido proyectada en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Pero en España nuestro folclore se encuentra en declive y muy probablemente le cueste encontrar público joven.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre. Título original: Jota. Duración: 92 min. País: España. Director: Carlos Saura. Guión: Carlos Saura. Música (diversos artistas): Miguel Ángel Berna (bailarín y coreógrafo de la película), Manuela Adamo (coreógrafa), Alberto Artigas (director musical), Sara Baras, Carlos Núñez, Cañizares, Valeriano Paños, Giovanni Sollima, Enrike Solinis, Francesco Loccisano, Carmen Paris, Miguel Ángel Remiro, Amador Castilla, Carlota García Fernández-Urrutia, María José Hernández, María Mazzotta, Vincenzo Gagliani, Nacho del Río, Beatriz Bernad, Ara Malikian. Reparto principal: artistas musicales. Producción: Telefónica Studios S.L., Movistar+, Tresmonstruos MEDIA, Tresmonstruos PC. Distribución: Sherlock Films. Género: musical. Web oficial: http://lajotafilm.com/

Crítica: ‘El espejo de los otros’

 Sinopsis

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Existe en Buenos Aires un lugar que pocos conocen, pero del que casi todo el mundo habla. Es Cenáculo, un restaurante único que se encuentra en las ruinas de una catedral gótica. Tiene únicamente una mesa y todas las noches ofrece una “última cena”. Nadie viene sólo a disfrutar de la comida, los vinos y la música, los comensales que se sientan a cenar, transforman sus vidas. Por Cenáculo pasa el amor, la vida, la muerte, la codicia y la soledad.

Crítica

El teatro de la vida rotando entorno a una mesa.

Lo feo es parte de lo bello. En las historias que nos ha rodado en esta ocasión Marcos Carnevale encontramos mucha fealdad humana, muchas faltas hacia el prójimo y hacia uno mismo, pero a la vez belleza, surgida principalmente de las diferentes visiones del amor. Esta es una película muy teatral, al igual que lo era el ‘Luces de Bohemia’ de Ramón del Valle Inclán. Como ocurre esa esperpéntica obra, ‘El espejo de los otros’ nos devuelve una realidad deformada que puede resultar divertida y dramática al mismo tiempo. Es más, el humor negro está muy presente, pero a la vez se le impone un drama profundo y humano.

Se nos representan cuatro historias que suponen ser una última cena en uno u otro sentido. No son todas de amor, aunque el amor juega su papel en todas. El restaurante donde sucede toda la acción recibe el nombre de El Cenáculo y como en todas las obras que representan la Ultima Cena (estampada en las vidrieras de la catedral donde se encuentra este negocio) está presente la sinceridad, la muerte, la traición, la lealtad… Jugando con diferentes argumentos, el guión de Carnevale se balancea entre el surrealismo y el realismo, haciéndonos caer en esos dos movimientos con cada secuencia.

En dichos relatos aparecen muchos rostros talentosos con los que la audiencia española puede que no esté muy familiarizada. Es una buena ocasión para conocer a un elenco de estrellas latinas entre las que podemos destacar la labor de Alfredo Casero, Graciela Borges, Norma Aleandro, Pepe Cibrián u Oscar Martínez. Quizá el número de historias y la manera de dilatarlas sea el punto débil de esta película pues esto hace que nos pueda parecer un tanto larga y pesada. Incluso su epílogo podría quedarse fuera del montaje, está descolgado del resto de historias, sirve únicamente como herramienta de conclusión.

En el film se menciona al autor argentino y así es, ‘El espejo de los otros’ rezuma sabor borgiano, de tal modo que resulta poética y paradójica.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: El espejo de los otros. Duración: 119 min. País: Argentina. Director: Marcos Carnevale. Guión: Marcos Carnevale. Música: Gipsy Bonafina. Fotografía: Horacio Maira. Reparto principal: Norma Aleandro, Graciela Borges, Leticia Brédice, Alfredo Casero, Pepe Cibrián, Mauricio Dayub, Julieta Díaz, Luis Machín, Oscar Martínez, Javier de Nevares, Ana María Picchio, Favio Posca, Carola Reyna, Marilina Ross. Producción: Varsovia Films, Millecento, Miracine, TELEFÉ, AZ Films, HD Argentina. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/514/el-espejo-de-los-otros/

‘¡Bruja, más que bruja!’ vuelve a las salas

Con motivo de su 40º aniversario se repone ¡Bruja, más que bruja!, película escrita y dirigida por Fernando Fernán-Gómez.

SHERLOCK FILMS  nos trae restaurada esta cinta que se podrá ver a partir del 15 de julio en 12 cines de toda España. ¡Bruja, más que bruja!, es una de las comedias más frescas y satíricas de este genio de la cinematografía española y nos cuenta como un pequeño pueblo de provincias vive sometido a los caprichos de Don Justino, el cacique local. Éste obliga a la joven y encantadora Mariana a casarse con él, aprovechando que Juan, el sobrino de Don Justino y novio de la chica, está lejos cumpliendo el servicio militar. A su regreso, Juan se ve burlado y acude a una bruja para que le asista en su venganza.

En su reparto encontramos a Emma Cohen, a la que hemos despedido recientemente y Paco Algora que encabezan el reparto junto al propio Fernando Fernán-Gómez, Mary Sampere y José Lifante. ¡Bruja, más que bruja! se suma así a títulos como «Cinema Paradiso» o «El mundo sigue«, a las películas que A CONTRACORRIENTE FILMS ha repuesto últimamente en salas.

Aquí os dejamos las distintas salas en las que podréis disfrutar de nuevo de esta proyección:

Madrid: Paz/ Renoir Princesa/ Verdi.

Barcelona: Verdi Park

Sevilla: UCC Avenida

Málaga: Albéniz

Valencia: Babel

Bilbao: Multicines 7

Salamanca: Van Dick

Vigo: Norte

Santiago de Compostela: Numax

Las Palmas de Gran Canaria: Monopol

Se reestrenará “Bruja, más que bruja” de Fernando Fernán Gómez

La película protagonizada por Francisco Algora, Emma Cohen y Mary Santpere se presentará en julio el Festival de Málaga. Gracias a Sherlock Films podremos ver de nuevo en cine esta película que cumple 40 años. Una comedia musical que narra como un pobre pierde a su prometida tras estar fuera de su pueblo y para intentar recuperarla de las manos del cacique local recurre a la ayuda de una bruja.

El 29 de abril en el Auditorio Museo Picasso a las 16:45 se proyectará con coloquio incorporado.

 

Hitchcock/Truffaut y Madame Marguerit se estrenan este viernes

El 1 de abril llegan, Hitchcock/Truffaut y Madame Marguerit de la mano de Sherlock Films y A Contracorriente Films.

Sherlock Films y A Contracorriente Films nos trae a dos grandes cineastas del cine. En 1962 François Truffaut persuadió a Alfred Hitckcock a sentarse con él para dar una entrevista de una semana entera, donde el gran autor británico compartiría con su joven admirador los secretos de su cine.

La visión singular de Hitchcock es dilucidada y traída vivamente a la vida por grandes cineastas como: Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, Jamen Gray, Arnaud Deplechin, Kiyoshi Kurosawa, Olivier Assayas, Peter Bogdanovick y Paul Schrader.

Con esta película Kent Jones su director, nos invita a redescubrir el libro «El cine según Hitchcock» de François Truffaut, coincidiendo con el 50º Aniversario de la publicación de ésta obra.

Aquí os dejamos el tráiler y no os perdáis el estreno.

Mientras tanto A Contracorriente Films nos acerca a la comedia francesa de la mano de la cinta Madame Marguerite, la cual se alzó con cuatro Premios César, incluido a mejor actriz para Catherine Frot, la cual da vida a

Marguerite, una mujer rica y apasionada de la música. Durante años ha cantado frente a su círculo más cercano en fiestas y galas benéficas, pero nadie se ha atrevido a contarle la verdad y es que canta terriblemente mal. Toda esta situación se complica cuando decide dar el gran salto y cantar ante el gran público.

Basada en la vida de Florence Foster Jenkins, Madame Marguerite nos promete una historia divertida y original.

Aquí tenéis el tráiler.

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