Crítica de ‘Your honor’, protagonizada por Bryan Cranston y Hunter Doohan

Una historia de culpa y afecto que se enreda peligrosamente

Un padre de muy buena reputación y carácter se ve obligado a corromper sus propios principios para garantizar el futuro y seguridad de su familia, en concreto de su hijo. Ese padre está interpretado por Bryan Cranston y no, esto no es ‘Breaking bad’, aunque lo roza.

‘Your honor’ es la historia de un juez (your honor viene a equivaler a señoría) cuyo hijo comete un terrible error que le pone en busca y captura, pero no solo de la ley, sino también de otra gente. Es una agónica lucha por ocultar lo sucedido. Son 10 capítulos donde cada vez son más mentiras las que hay que tapar y donde cada vez son más las personas implicadas. Un enredo del que es difícil de salir.

La serie creada por Peter Moffat (‘Silk’, ‘The village’) podría haber tenido otro protagonista pues es inevitable acordarse de ‘Breaking Bad’. Pero la calidad interpretativa de Cranston es difícil de rechazar y el trabajo del actor es diferente a otros anteriores. Bien es cierto que los papeles más memorables de Cranston giran en torno a padres sufridores a los que consigue que queramos por muy sinvergüenzas o estúpidos que puedan llegar a ser. Ahí está la huella que ha dejado con ‘Malcolm’ y ‘Breaking Bad’. En este caso es una eminencia empeñada en guardar las formas y salvaguardar a su hijo, metiéndose en un registro más contenido y reflejando muy bien el apuro que siente. Es la ley contra la ley.

Precisamente el hijo interpretado por Hunter Doohan, al que recordaréis de ‘Truth be told’ con Octavia Spencer y Aaron Paul, es otro talento a tener en cuenta. Está muy bien escogido pues es capaz de llevar a cabo la escenificación de un shock ante la atrocidad con la que se ha topado y después llevarla a un flirteo de lo más introspectivo. He puesto a posta la referencia de ‘Truth be told’ no por Aaron Paul si no porque la trama de este joven se centra en si ha de desenmascararse o no, de lidiar con una mentira y una culpa. Ahí es donde hayamos uno de los mayores componentes de suspense de ‘Your honor’.

No me gustaría pasar por alto la mención de Michael Stuhlbarg que también tiene importancia en esta historia y aunque su relevancia se desvela en el primer episodio no os la quiero destripar. Este actor cada día me convence más y sigo pensando que debería ser quien hiciese un biopic de Robin Williams.

La emisión de los 10 episodios comenzará el 21 de diciembre en Movistar+. La plataforma nos ha dejado ver casi la mitad de la primera temporada y debemos reconocer que engancha. Es una historia fatídica, con mucho de injusticia, pero también con una gran petición de comprensión hacia el espectador y sus protagonistas. El infortunio y la desgracia van de la mano en esta narración que se va tornando más y más angustiosa.

La serie tiene buenos giros, buen reparto secundario y buen trasfondo. No es impredecible pues hay cosas que puedes imaginar, pero hace que te importe más el cómo o el cuándo que el qué. Podríamos decir que su capacidad de generar expectación está más que probada, no solo por las impresiones que os acabo de poner si no porque supone un remake de otras dos series, una de ellas de gran éxito en su país: ‘Kvodo’ (Israel, 2017) y ‘Your honor’ (India, 2020). No hemos podido ver aún el final de esta nueva versión pero si todo transcurre como en la original la cosa irá para al menos dos temporadas.

Crítica: ‘Mank’

Sinopsis

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Así ve el Hollywood de la década de 1930 el mordaz crítico social y guionista alcohólico Herman J. Mankiewicz mientras se afana en acabar el guion de ‘Ciudadano Kane’ para Orson Welles.

Crítica

Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a un filme rodado con exquisitez

Lo primero que se me viene a la cabeza a la hora de hablar de ‘Mank’ es homenaje y justicia. Ya no solo por lo que se habla y cuenta a cerca del trabajo de Herman Mankiewicz para realizar ‘Ciudadano Kane’, sino también de David Fincher hacia su padre, que escribió el guión antes de morir y no pudo verlo materializado. Y también es un acto de admiración al cine de los años 30 y 40, entre otras cosas, a través de la fotografía de Erik Messerschmidt.

‘Mank’ es una narración de admiración y odio. La historia de un deudor del cine, al que se le debe y que no podía vivir sin escribir. Es el proceso de creación e inspiración para un largometraje (con todas sus letras) que para muchos es una de las mejores obras del cine. Ante todo, por encima de las musas plasmadas en pantalla, ‘Mank’ supone el relato de un trabajoso guión y de varias conflictivas relaciones.

No hay parecido físico pero seguramente si temperamental. Gary Oldman interpreta a Mank como alguien lúcido, intelectual y de lengua viperina. Un escritor que encuentra su inspiración en ensoñaciones y momentos etílicos. Una bomba de relojería en ambientes de falsedad y maquinaciones como se ha dicho muchas veces que eran las fiestas de los magnates cinematográficos o las bambalinas de sus rodajes.

El filme se centra en una época que marca la mitad de la edad dorada del cine. Una ventana de tiempo en la que los Estados Unidos sale de una crisis social y económica como la Gran Depresión y se mete de cabeza en otra guerra contra los alemanes. Unos días de cine clásico que Fincher sabe imitar a la perfección. La película sabe a Oscar, pero no solo por la interpretación de Gary Oldman, también por el tipo de películas a las que alude, que van más allá de ‘Ciudadano Kane’. Los tiros de cámara, la composición de planos y el tipo de movimientos que vemos imitan los de películas tan clásicas como ‘Casablanca’, ‘Rebeca’ o ‘El crepúsculo de los Dioses. Obviamente la iluminación y la imagen desaturada ayudan.

Bien podríamos estar hablando de un documental por todos los tejemanejes que muestra. Mank y Orson Welles son las figuras protagonistas pero también las antiguas majors que hayan aquí un espacio para su reivindicación. Hoy la configuración de las distribuidoras es diferente y por eso conviene rescatar para el público general nombres como RKO o MGM. ‘Mank’ también hay que tomárselo como un ejercicio de justicia autoral tipo ‘Trumbo’, haciendo campaña por una autoría reconocida pero olvidada y desarrollando un discurso extrapolable a la actualidad. Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a este filme rodado con exquisitez.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Título original: Mank. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: David Fincher. Guion: Jack Fincher. Música: Trent Renzor, Atticus Ross. Fotografía: Erik Messershcmitt. Reparto principal: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Adam Shapiro. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81117189

Crítica: ‘La familia Bigfoot’

Sinopsis

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Bigfoot, el padre de Adam, quiere utilizar su fama para una buena causa, y proteger una reserva natural en Alaska de los oscuros intereses de una empresa petrolífera parece la oportunidad perfecta para ello. Sin embargo, cuando Bigfoot desaparece misteriosamente en las frías tierras del norte sin dejar rastro, Adam su madre Shelly, el valiente mapache Trapper y el torpe oso Wilbur emprenderán una nueva aventura para rescatarlo y salvar así la reserva natural.

 

Crítica

Una película que habría dejado huella en taquilla

Una de las consecuencias de la pandemia provocada por la COVID-19 es la cancelación o aplazamiento de estrenos en los cines de todo el mundo. Este ha sido el caso de ‘La familia Bigfoot’, película de animación europea, secuela de El hijo de Bigfoot y que se podrá ver en Movistar+. Como su antecesora, ‘La Familia Bigfoot’, cumple con todos los cánones necesarios para ser un éxito de la taquilla infantil. La historia está construida de tal forma que no es necesario haber visto la precuela para seguir el argumento. De hecho, quizá sea mejor no haberla visto, porque la estructura y las motivaciones de los personajes son tan parecidas que puede resultar repetitivo. Ahora Bigfoot es una celebridad, pero no puede dejar pasar sus instintos ecologistas. Cuando una empresa petrolera comienza a extraer crudo en una reserva natural, Bigfoot regresa al bosque y emprende su propia cruzada. Pero un misterioso acontecimiento hace que el resto de la familia se tenga que implicar en el asunto.

Este sencillo argumento de búsqueda revela un trasfondo sobre la defensa del medioambiente, el amor hacia la familia y una crítica bastante directa a los medios de comunicación tradicionales. Los pone directamente al servicio del empresario que los paga y deja a las redes sociales como los únicos medios libres. Aunque se deja como evidente que para que un mensaje tenga impacto se debe disfrazar con chistes y elementos absurdos. Las críticas, nada sutiles, se mezclan con referencias a otras películas como ‘Hotel Transylvania’ o ‘Ice Age’. Incluso hay elementos sacados de Fortnite para tratar de darle un estilo más moderno a la película, pero en general, es bastante clásica y predecible. Esos sí, la historia está adornada con múltiples situaciones de humor burdo y facilón. Lamentablemente, busca parecerse a una película de Pixar, pero no termina de funcionar, salvo en momentos puntuales. Los responsables de los mejores momentos son el mapache Trapper y el oso Wilbur. Una pareja de secundarios que podrían ser el nuevo Timón y Pumba (de hecho hay un guiño al Rey León al final de la película). Son irreverentes y están desquiciados. A pesar de vivir en el mundo de los humanos mantienen sus comportamientos animales, lo que genera unas situaciones bastante cómicas. Adam, el gran protagonista, es una especie de Sonic, pero sin carisma. No obstante, cumple con su función en la trama y le da el ritmo que la película necesita para ser trepidante y entretenida.

Respecto a la parte técnica, en mi opinión, está a la altura de grandes producciones de Disney, a pesar de tener un presupuesto bastante más reducido. Al igual que la primera parte, la animación es fluida, los movimientos resultan naturales, no hay diferencias de calidad entre escenas. Toda la película tiene una estética verdaderamente bonita y agradable para ver en una gran pantalla o a gran resolución.

En definitiva, ‘La familia Bigfoot’ es una película que gustará a los más pequeños y que entretendrá a los padres. Eso sí, al terminar la película, no olviden recordar a sus hijos que los mapaches y los osos pueden parecer adorables, pero es mejor no tenerlos en casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de diciembre de 2020. Título original: Bigfoot Familiy. Duración: 96 min. País: Bélgica. Dirección: Jeremy Degruson, Ben Stassen. Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Música: Puggy. Reparto principal: Producción: nWave Pictures. Distribución: Movistar+. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://www.nwave.com/films/bigfoot-family/

Tráiler de lo nuevo de ‘La que se avecina’

La temporada 12 continúa el 8 de enero de 2021

Amazon Prime Video publicó ayer el primer tráiler oficial y la fecha de estreno de la segunda parte de la temporada 12 de la serie Amazon Exclusive, ‘La que se avecina’. Esta nueva entrega de la aclamada serie se estrenará el próximo 8 de enero de 2021 en exclusiva en Prime Video España.

La segunda parte de la temporada 12 cuenta con 8 nuevos episodios, en los que volveremos a ver a vecinos favoritos como Fernando Tejero (Fermín Trujillo), Macarena Gómez (Dolores “Lola” Trujillo), Jordi Sánchez (Antonio Recio), Eva Isanta (Maria Teresa «Maite» Figueroa), Nathalie Seseña (Berta Escobar), Pablo Chiapella (Amador), entre otros.

‘La que se avecina’ sorprenderá a sus fans tanto o más que en temporadas anteriores. Esta vez los vecinos se enfrentarán a temas que pondrán en entredicho su moralidad, a situaciones profundas, líos sentimentales, siempre desde la ironía y dejándonos conocer a todos los personajes en profundidad. Con el sarcasmo por bandera, los personajes de la serie intentarán solucionar las catastróficas desdichas que se les vayan presentando.

‘La que se avecina’ es una producción de Mediaset España en colaboración con Contubernio Films y distribuida por Mediterráneo Mediaset España Group. Sus creadores son Alberto Caballero, Laura Caballero y Daniel Deorador y está dirigida por Laura Caballero y Miguel Albadalejo. Los guionistas son Araceli Álvarez de Sotomayor, Daniel Deorador y Alberto Caballero, quien a su vez es productor ejecutivo.

Ahí va el tráiler, al loro con el reparto.

Tráiler de ‘Nadie’

Estreno en cines españoles el 26 de febrero

En 2015 se estrenó una trepidante película llamada ‘Hardcore Henry’ protagonizada por Shartlo Copley y que para muchos supone la mejor película con características de videojuego sin estar basada en un videojuego. Esa obra en primera persona fue realizada por Ilya Naishuller y ahora nos llega un nuevo largometraje del director que este tiempo ha estado realizando cortometrajes.

‘Nadie’ es el título de este thriller que viene protagonizado por Bob Oderkirk (‘Breaking Bad’ y ‘Better Call Saul’). La película, escrita por Derek Kolstad (creador narrativo de la franquicia ‘John Wick’), cuenta la historia de un padre de familia que, tras años sin defenderse de los golpes de la vida, decide dejar de ser un don nadie y emprender un violento camino para salvar a su familia. ‘Nadie’ se estrena cines españoles el 26 de febrero a través de Universal Pictures.

En el reparto vais a ver a Christopher Lloyd y Connie Nielsen.

Sinopsis oficial:

Una noche, cuando dos ladrones entran en su casa, Hutch decide no actuar y no trata de defenderse ni al él mismo ni a su familia, convencido de que solo así evitará una escalada de violencia. Tras el ataque, su hija adolescente Blake (Gage Munroe, ‘La cabaña’) no oculta su decepción, y su esposa Becca (Connie Nielsen, ‘Wonder Woman’) se aleja todavía más.

Pero las secuelas del incidente sirven de detonante para que Hutch estalle y libere la rabia que ha acumulado durante años, y le hará recorrer un violento camino en el que saldrán a la luz oscuros secretos y habilidades que ni él sabía que tenía. Para salvar a su familia, Hutch se enfrentará a un peligroso enemigo (al que da vida el célebre actor ruso Aleksey Serebryakov, la serie ‘McMafia’ de Amazon) y se asegurará de que en el futuro nadie vuelva a subestimarle.

Entrevista a Macarena García por El arte de volver

“Descubrir la complejidad del ser humano a través de lo que no dice”

Ganadora del Premio Goya a la mejor actriz revelación por ‘Blancanieves’, miembro del reparto protagonista de ‘El ministerio del tiempo’ y de ‘La llamada’, pieza clave en la serie ‘Paquita Salas’… Macarena García tiene muchos puntos para convertirse en una actriz recordada por toda una generación. Ahora estrena ‘El arte de volver’ (crítica aquí) una película más sencilla que sus anteriores trabajos pero que le han devuelto a la esencia de los inicios. Además en ella ejerce el rol de protagonista total en el papel de Noemí, una actriz que regresa a Madrid para hacer un importante casting.

Macarena García nos cuenta  todo en la llamada que pudimos mantener con ella en la semana del estreno de la película de Pedro Collantes distribuida por Tourmalet Films y que podéis oír en el siguiente vídeo.

Sinopsis de ‘El arte de volver’:

Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.

Crítica: ‘Ava’

Sinopsis

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Ava (Jessica Chastain, ‘El caso Sloane’, ‘Interstellar’) es una eficaz asesina a sueldo con un pasado conflictivo y ciertas dudas sobre la legitimidad de algunos de sus encargos. Cuando un peligroso encargo sale mal, Ava regresa a casa en un intento por reparar su relación con su familia. Sin embargo, se verá obligada a luchar por su propia supervivencia ya que se convierte en objetivo de la organización para la que trabaja.

Su jefe está interpretado por Colin Farrell (‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’, ‘Langosta’) y su mentor, por John Malkovich (‘El juego de Ripley’, ‘En la línea de fuego’). Ava será ayudada por su madre (Geena Davis, ‘Thelma & Louise’, ‘El turista accidental’); su hermana (Jess Weixler, ‘The Good Wife’, ‘IT: Capítulo 2’) y su ex novio (Common, ‘The Informer’). Este thriller de acción también cuenta con la participación de Ioan Gruffudd (‘Forever’, ‘Liar’) y Joan Chen (‘Twin Peaks’, ‘Juez Dredd’).

Crítica

Una misión fracasada por salirse de lo común

‘Ava’ es una película que reúne a varios actores que sin ser considerados míticos en el cine de acción han hecho varias películas dentro del género. La principal de ellas es Jessica Chastain que encarna a la protagonista cuyo nombre da título a la película.

‘Ava’ supone un thriller de acción donde una asesina implacable y seductora es atacada por su propia organización. Hasta ahí todo parece dentro de los moldes de otros títulos como la saga ‘Bourne’, ‘John Wick’, ‘Nikita’ o incluso la cercanamente estrenada ‘Anna’ escrita por Besson. Pero por acotarla dentro de algo más parecido hay que decir que esta película se va más por los derroteros de ‘Jessica Jones’ pues esta mujer fatal tiene un carácter destructivo, alcohólico y traumatizado. Por no decir de la mala relación que tiene con su hermana.

Tate Taylor marca una diferencia de nuevo, como hizo con ‘El sótano de Ma’. Y esa salida de lo común reside en una crisis que hace que la protagonista se plantee la ética de lo que hace, sintiendo una peligrosa curiosidad por los objetivos (aquí llamados asuntos) que le ordenan asesinar sin saber causas o porqués. Si la película hubiese seguido esos derroteros, dando más protagonismo al trasunto que ha puesto en esta película a John Malkovish y a Colin Farrell estaríamos hablando de una película interesante.

Pero al filme le falta profundidad y complejidad. Falta ahondar más en la psique del personaje y hacer algo más enrevesada una trama que se va a lo simplón. Pero para más inri ‘Ava’ se distrae muchísimo con una historia familiar y amorosa, diluyendo todo el foco en el suspense e introduciendo algunas escenas de acción que ni nos van ni nos vienen.

Si cogemos los fagmentos de la película y los dividimos por géneros por presencia sería más apropiado incluir esta película dentro de un drama familiar. En esa parte más melodramática nos encontramos con Common, Geena Davis y Jess Weixler. Con ellos el filme se adormece y pierde todo el gancho del principio.

Jessica Chastain está bastante correcta, tanto en las escenas de acción como en las más intensas sentimentalmente hablando. Pero tampoco es que ‘Ava’ le haya exigido demasiado. Las secuencias de lucha no tienen coreografías complejas y ha hecho dramas mucho mejores, está lejos de películas recientes como ‘Molly’s game’ o ‘It: Capítulo 2’, donde ha demostrado tener mejores mimbres. En su papel de deprimida que constantemente lleva una camiseta de The Misfits también se topa con un intento de desarrollar un discurso maternalista y sobre las responsabilidades que también se queda en agua de borrajas.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Ava. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Tate Taylor. Guion: Matthew Newton. Música: Bear McCreary. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jessica Chastain, John Malkovich, Common, Geena Davis, Colin Farrell, Jess Weixler, Ioan Gruffudd, Joan Chen. Producción: Freckle Films, Voltage Pictures. Distribución: DeAPlaneta, Movistar+. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.voltagepictures.com/details.aspx?ProjectId=430c7de8-6736-e711-948b-0e563b5fb261

Crítica: ‘El arte de volver’

Sinopsis

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Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.

Crítica

Una grata invitación a la reflexión

Hace unos años acudía a una acción publicitaria en el Espacio Ciento y Pico, en pleno Malasaña. Era una recreación acerca de la serie ‘Altered Carbon’ esa serie en la que los personajes pueden pasar de una funda otra, cambiar de cuerpo y vivir diferentes vidas. En el arte de volver, si no me equivoco, una escena transcurre en ese espacio. Y espero no equivocarme tampoco al hilar este recuerdo y al asociar la temática indicando que en ambas historias los protagonistas piensan con más o menos profundidad acerca de las vueltas que da la vida o de las distintas elecciones que han ido tomando asumiendo diferentes roles.

También es fruto de la casualidad que justo el día antes de ver esta película un compañero me hablase de concepto del Ikigai. Una filosofía japonesa que habla de tratar de encontrar nuestro sino en la vida, esa motivación que hace que nos levantemos cada día con ganas de hacer una actividad que nos mantiene felices, nos llena y nos hace sentir útiles en la vida. La película de Pedro Collantes trata precisamente de eso, de cómo alguien hace balance y comienza a pensar en sus pasiones y posibilidades.

Una actriz regresa a Madrid, está en plena crisis laboral y tiene la oportunidad de presentarse a un casting que puede marcar un punto de inflexión en su vida. Es para una serie que se llama ‘El arte de volver’ y a lo largo de la película casualmente encuentra paralelismos entre la protagonista que puede llegar a interpretar y su propia situación sentimental y laboral. Está en un momento de ordenar prioridades. Como dice muy bien el personaje de Nacho Sánchez “un actor se dedica a buscar motivaciones” y ella anda tras las suyas propias.

En su regreso va a reencontrándose con su abuelo, su hermana, su amigo y confidente, una antigua amiga… Con ellos mantiene conversaciones más o menos triviales que le hacen replantearse su status quo o como debe realmente orientar su vida. Y es que a veces retomar de manera tan directa el contacto con aquellos que más te conocen puede ser una experiencia desintegradora o por el contrario un acto catártico.

La actriz está interpretada por Macarena García. La película aborda poco más de un día tras su llegada a Madrid y en ese periodo de tiempo el filme nos asalta con descubrimientos o sorpresas para la protagonista. Con momentos que se llenan sobre todo de abierta sinceridad.

No sé si Macarena García ha volcado en esta película inquietudes personales o vivencias pasadas, pero he de reconocer que es una de las interpretaciones que más me han gustado de todas las que he visto según me he ido topando con su carrera. Se mantiene con un tono muy natural y muy sincero durante todo el filme.

Tampoco sé si el director ha metido en ‘El arte de volver’ experiencias personales. Se agradece que la película nos invite a hacer el mismo ejercicio que hace Noemí (Macarena García) pero bien es cierto que un poco más de intromisión o una reflexión algo más profunda habría hecho de esta película una obra más completa. La última escena está mucho más encaminada en ese sentido y no es fácil de llevar a cabo. En resumidas cuentas, entre paseos de Debod a la Pradera de San Isidro ‘El arte de volver’ se queda en una película que no os dará sueño y si algo que consultar con la almohada.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: El arte de volver. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Pedro Collantes. Guion: Pedro Collantes, Daniel Remón. Música: Yuri Méndez. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García-Jonsson, Mireia Oriol, Luka Peros, Lucía Juárez, Celso Bugall. Producción: Tourmalet Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial: https://tourmaletfilms.com/EL-ARTE-DE-VOLVER

Crítica: ‘Nuestros mejores años’

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Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.

Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.

Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.

Crítica

Llena de vida, con todo lo que eso conlleva

Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.

Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de Gabrielle Muccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.

Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.

‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.

Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.

La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.

Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.

¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/

Crítica: ‘En guerra con mi abuelo’

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El joven Peter se ve obligado a abandonar su habitación cuando su abuelo Ed (Robert De Niro) recientemente enviudado se muda a su casa. Con la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo para hacerle abandonar la habitación, pero Ed es un testarudo y no va a ponérselo nada fácil.

Crítica

De Niro no se cansa ni rodeado de hormonas

Cuando un actor considerado como leyenda cinematográfica viva pasa de hacer hitos como ‘Joker’ o ‘El irlandés’ a ‘En guerra con mi abuelo’ o ‘La última gran estafa’ solo cabe como explicación que haya problemas económicos o que el intérprete simplemente esté haciendo lo que le da la real gana. Y no creo que De Niro ande bajo de fondos.

No es la primera comedia de este corte que hace De Niro. ‘En guerra con mi abuelo’ es un título marcadamente familiar con un toque ligeramente gamberro. El filme sigue la tónica de ‘Solos en casa con nuestro tío’ o ‘Este chico es un demonio 2’. Un niño pequeño con cara de sinvergüenza tiene una pelea con su progenitor manteniendo el amor que sienten el uno por el otro pero con el fin de ver quien acaba rendido.

‘En guerra con mi abuelo’ es una sucesión de perrerías destinadas a ver quién es más maliciosamente ingenioso, si un hombre curtido por la edad o las avispadas nuevas generaciones. Es gracioso ese duelo entre lo geriátrico y lo prepúber. Y la película de Tim Hill también extrae humor de los daños colaterales que sufren los familiares en medio de esta guerra por hacerse con una habitación.

Es cierto que la película tiene su gracia, pero le falta un poco de mala baba para funcionar de un modo más chispeante. Ya se notaba eso también en otras películas del director como ‘Alvin y las ardillas’ o ‘Garfield 2’. Lo mismo pasa con los guionistas Tom J. Astle y Matt Ember, que casi siempre trabajan juntos. El filme saca sus gags de De Niro en plan melancólico y viejete que junto a su tropa de amigos de la tercera edad intentan superar esta disparatada adversidad. Por supuesto también de las costumbres de la juventud del siglo XXI. Pero aunque el ritmo no es malo se habría agradecido que se hubiese llevado todo un poco más allá en cuanto a perversidad.

Todo lo que veréis en ‘En guerra con mi abuelo’ sale de una novela de Robert Kimmel Smith, el mismo autor del cual se extrajo el dramón ‘Un hogar sin esperanza’. En este caso nos ofrece una historia mucho más simpática animada, no exenta de su momento tierno en su climax. ¿Lo que más me ha chocado de este filme? No son los gritos de Rob Riggle, ha sido ver a Uma Thurman con un carácter tan amable, aunque también acabe dando lo suyo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: The War with Grandpa. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Hill. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember, Joe Syracuse. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Reparto principal: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Jane Seymour, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, Drew Scheid. Producción: Marro Films, Emmet/Furla/Oasis Films, TRI G, West Madison Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.warwithgrandpa.com/home/

Starzplay distribuirá en España ‘The Stand’

Adaptación de un libro de Stephen King

Starzplay, el servicio internacional premium de streaming de Starz, ha anunciado la adquisición de la serie limitada de la adaptación de ‘The Stand’ de Stephen King para su distribución internacional a través de su huella global y tendrá su estreno en Austria, Bélgica, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Japón, Latinoamérica, Luxemburgo, Países Bajos, España, Suiza y Reino Unido el domingo 3 de enero de 2021.

‘The Stand’ es la visión apocalíptica de Stephen King de un mundo diezmado por una plaga y envuelto en una lucha elemental entre el bien y el mal. El destino de la humanidad recae sobre los frágiles hombros de la Madre Abagail (Whoopi Goldberg) de 108 años de edad y un puñado de supervivientes. Sus peores pesadillas se encarnan en un hombre con una sonrisa letal y poderes indescriptibles: Randall Flagg (Alexander Skarsgård), el Hombre Oscuro. ‘The Stand’ cerrará con un desenlace nuevo escrito por el famoso autor para la adaptación actual.

Además de Whoopi Goldberg y Alexander Skarsgård, la serie también presenta a James Marsden (‘Mrs. America’, ‘Dead to Me’), Odessa Young, Jovan Adepo, Amber Heard (‘Aquaman’), Owen Teague, Henry Zaga (‘The New Mutants’), Brad William Henke (‘Manhunt’, ‘Orange is the New Black’), Irene Bedard, Nat Wolff (‘Death Note’, ‘Paper Towns’), Eion Bailey, Heather Graham, Katherine McNamara (‘Arrow’, ‘Maze Runner: The Death Cure’), Fiona Dourif, Natalie Martinez (‘Death Race’), Hamish Linklater, Daniel Sunjata (‘The Dark Knight Rises’) y Greg Kinnear.

La serie está producida por CBS Studios y distribuida internacionalmente por ViacomCBS Global Distribution Group. Benjamin Cavell es el showrunner y productor ejecutivo junto con Taylor Elmore, Will Weiske, Jimmy Miller, Roy Lee y Richard P. Rubinstein. Josh Boone es el director y productor ejecutivo del episodio de estreno y final de la serie. Jake Braver, Jill Killington, Owen King, Knate Lee y Stephen Welke son productores.

Tráiler de ‘Lupin’, la serie de Netflix

Estreno el 8 de enero de 2021

Por fin podemos haceros ver el tráiler de ‘Lupin’, otro de los contenidos que Netflix nos desveló en su última presentación. Es una nueva serie original francesa que presenta una versión contemporánea del clásico francés Arsène Lupin. Creada por George Kay (‘Killing Eve’) y François Uzan (‘Family Business’) y dirigida por Louis Leterrier (‘Ahora me ves’), este nuevo proyecto protagonizado por Omar Sy  (‘Intocable’, ‘Jurassic World 3’) se estrenará en Netflix en todo el mundo el 8 de enero de 2021.

En su adolescencia, la vida de Assane Diop dio un vuelco cuando su padre murió después de ser acusado de un crimen que no cometió. 25 años más tarde, Assane se inspira en su héroe, Arsène Lupin, para vengar a su padre. En esta primera parte, que constará de 5 episodios, Omar Sy da vida al protagonista de la serie, un ladrón de guante blanco.

En el reparto encontramos a Omar Sy, Hervé Pierre, Nicole Garcia, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Shirine Boutella y Soufiane Guerrab.

Ayer se presentó la docuficción ‘Porvenir’

Una serie que Movistar+ estrena el 6 de diciembre

El cambio climático es el mayor reto al que se va a enfrentar la humanidad en las próximas décadas, quizá el mayor al que se ha enfrentado nunca. Lo que está en juego no es el planeta, es la supervivencia del ser humano, la vida tal y como la conocemos hoy.

En `Porvenir´ (tráiler aquí), nueva serie documental Movistar+ sobre el cambio climático, se analizan por primera vez las causas y las consecuencias del calentamiento global en España y se hace a través de sus protagonistas: nosotros.

Conducido por Iñaki Gabilondo, `Porvenir´ aborda esta problemática desde un novedoso punto de vista: el de la docuficción.

Iñaki Gabilondo nos guiará por dos mundos, el puramente documental, en el que se desplazará por diferentes lugares de España en los que el cambio climático y la mano del hombre están causando estragos tal vez irreparables (Doñana, Pirineos, Almería o Sierra de Gata) y donde conocerá y conversará con científicos, biólogos, expertos y habitantes de diversos lugares en los que veremos con claridad lo que el futuro nos puede deparar si no lo remediamos a tiempo.

Y el mundo de la ficción, con un reparto de lujo formado por Roberto Álamo, Marian Álvarez, Víctor Clavijo y Stephanie Gil. Ellos darán vida a tres hermanos y la hija de uno de ellos, que se reencuentran en la antigua casa familiar tras la muerte de su madre para ponerse de acuerdo con la herencia recibida en pleno estado de alarma, que les obligará a quedarse confinados en la misma. Una familia que realizará un viaje sentimental, geográfico y temporal y que, sin saberlo, atraviesa un momento esencial de sus vidas en el que, si no actúan de la manera adecuada, los cambios y las consecuencias pueden ser irreparables. Lo mismo que le sucede a nuestro planeta.

Iñaki Gabilondo, como prescriptor y narrador, nos guía en esta travesía para entender qué está pasando, qué puede pasar y qué podemos hacer. Necesitamos imaginar el futuro, una nueva historia que cambie la historia. Hemos de poner a la naturaleza en el centro de nuestras decisiones. La Tierra es el único hogar que tenemos y aún estamos a tiempo de actuar.

Las grabaciones de la serie se llevaron a cabo en La Manga del Mar Menor, Cartagena y Madrid. Para la parte documental del proyecto se visitaron lugares que ya están siendo afectados por esta problemática como el Parque Nacional de Doñana, los Pirineos o El Hierro, entre muchos otros, fotografiando la belleza de un país, el nuestro, que peligra.

`Porvenir´, una producción original Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers, constará de tres episodios de 70 minutos titulados `Tierra´, `Mar´ y `Aire´ que llegarán a Movistar+ el próximo domingo 6 de diciembre (estreno a las 22:00h en #0 y bajo demanda).

Los españoles son los europeos más preocupados por el cambio climático. Lógico si tenemos en cuenta que España, por su situación geográfica, es el país de la UE que más va a notar los efectos del calentamiento global en las próximas décadas. La desertificación afecta ya al 20% de nuestro territorio, y amenaza al 80%. El Pirineo será la primera cordillera europea en la que el hielo va a desaparecer. Y la subida del nivel del mar podría dejar bajo el agua las playas de San Sebastián a finales de este siglo.

Iñaki Gabilondo recorrerá nuestra geografía para descubrir los lugares, poblaciones y sectores de nuestra sociedad más vulnerables a los efectos del cambio climático. De la mano del conocimiento de los expertos y la experiencia de los lugareños, dibujará la realidad de hoy para así poder imaginar cómo debería ser el mundo del mañana.

Para este viaje ha contado con el pensamiento, la capacidad de análisis, la reflexión y el consejo de una comunidad científica creada ad hoc para `Porvenir´ y formada por Fernando Valladares, María José Sanz y Pedro Jordano. Estos tres prestigiosos científicos han participado en el proyecto no de manera puntual, sino conviviendo durante el rodaje a modo de una gran familia para tener la oportunidad de compartir sus conocimientos, preocupaciones, reflexiones y miedos sobre el futuro y para que el espectador pueda verlo y disfrutarlo.

La comunidad científica de `Porvenir´ está presente a lo largo de los tres capítulos y en cada uno de ellos sus análisis giran alrededor de una premisa distinta. En Tierra, el punto de partida es si todavía estamos a tiempo de cambiar el rumbo y evitar lo peor de un cambio climático del que comenzamos a percibir sus consecuencias. En Mar, intentan encontrar respuesta a la pregunta de cómo sobrevivir en un planeta con recursos limitados. Y, por último, en el capítulo de Aire, su presencia toma más protagonismo porque son ellos los encargados de ayudarnos a imaginar cómo debería ser el nuevo paradigma bajo el que construir un mundo sostenible.

Fernando Valladares, Doctor en Ciencias Biológicas por la Universidad Complutense de Madrid, es profesor investigador del CSIC y divulgador científico. Dirige el grupo de Ecología y Cambio Global en el Museo Nacional de Ciencias Naturales y es profesor asociado de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.

María José Sanz es Directora del Centro Vasco de Cambio Climático (BC3) y fue miembro del Panel Internacional Gubernamental de Cambio Climático IPCC desde el 2001 al 2007, fecha en la que el grupo recibió el Premio Nobel de la Paz. Colaboró también en la Convención Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático (hasta 2011).  Y entre 2012 y 2015 ha sido coordinadora del programa de reducción de las emisiones derivadas de la deforestación y degradación de los bosques de la FAO.

Pedro Jordano, biólogo reconocido mundialmente por su capacidad para entender la relación entre las especies, es profesor de investigación del CSIC en la Estación Biológica de Doñana y Premio Nacional de Investigación en el área de Ciencias y Tecnologías de los Recursos Naturales 2018.

El viernes Filmin estrena ‘Beethoven’

Un biopic de Niki Stein

Filmin estrena el próximo 4 de diciembre de 2020 ‘Beethoven’. Una película de Niki Stein (‘En el lugar del crimen’) que se incluirá en las actividades que la plataforma ha preparado en torno al Año Beethoven. 250 años han pasado desde que nació este genio musical y ahora podemos volver a él con un retrato que va desde su infancia hasta su ocaso.

Un biopic de dos horas protagonizado por tres actores para reflejar las distintas épocas del compositor. Tobias Moretti (‘Rex, un policía diferente’), Anselm Bresgott (‘Druck’) y el niño Colin Pütz dan vida a Beethoven.

Sinopsis oficial:

1779. Con 8 años, Louis van Beethoven ya es conocido como un niño prodigio musical. Aprende a seguir su propio camino, para consternación de las personas que le rodean. Años más tarde, conoce a Mozart en tiempos de agitación política. Su carácter poco convencional y la Revolución Francesa provocan un incendio en su corazón: Louis no quiere servir a un maestro, ¡solo a las artes! Haciendo frente a tiempos de tragedias familiares y amor no correspondido, casi se da por vencido. Sin embargo, en 1972 llega a Viena para estudiar con Haydn. El resto de la historia ya es Historia.

Crítica: ‘Madame Curie (Radioactive)’

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‘Madame Curie’ es un viaje a través del legado de Marie Curie, científica investigadora para muchos considerada como la mujer más inspiradora de la ciencia. Ella fue la primera mujer en ganar el premio Nobel, y diez años más tarde, la primera persona en la historia en ganar dos.

Crítica

Ni protegidos con plomo podéis evitar impregnaros de la pasión de esta película

Una película de ciencia, con pasión por el conocimiento y protagonizada por una mujer. No podía ser de otra manera tratándose de Marie Curie. Me alegra que aunque se habla mucho de la relación con Pierre Curie no se ha hecho de esta historia un romance despechado. ‘Radioactive (Madame Curie)’ pone sobre la mesa el afán descubridor y curioso de la científica dos veces ganadora del Nobel y madre de otra ganadora del máximo premio internacional al que se puede optar en la Tierra.

Los datos conocidos a cerca de Marie Curie no son escasos. No obstante, la película de Marjane Satrapi se apoya narrativamente en la novela gráfica de Lauren Redniss que también se llama ‘Radioactive’. De hecho en más de una ocasión se sale del drama histórico y permite que la radioactividad haga sus artificios visuales brindándonos momentos muy fantasiosos, aunque también sirviendo de analogía explicativa. Se nota que Sartapi disfruta del arte visual, de hecho, tiene otras dos películas surgidas de novelas gráficas: ‘Persépolis’ y ‘Pollo con ciruelas’.

Además el filme sabe destacar el mérito de descubrir nuevos elementos cuando la técnica no era tan avanzada como ahora. Había que desarrollar nuevos métodos y eso queda reflejado, incluso aparece el antecesor del microscopio de barrido actual, la cámara de ionización con el electrómetro de cuadrantes… Y donde hay radioactividad parece que siempre hay que hablar de su poder destructivo. La película tiene un defecto, se obceca demasiado en mostrar el mal uso que hemos hecho de este proceso energético. A Alfred Nobel no se le conoce solo por haber inventado la dinamita ¿verdad? Hablo claro está de las bombas o las centrales nucleares mal gestionadas. Pasa demasiado de respajilón o en última instancia por la utilidad de los rayos X, la medicina nuclear…

‘Madame Curie’ ha sido escrita por el guionista de ‘Wonder’, ‘La materia oscura’, ‘Enola Holmes’, ‘El jardín secreto’ o ‘The accident’. No son pocos los guiones que ha hecho para ser protagonizados por mujeres. Esta se dirá que es la película más feminista y empoderada que ha hecho en su carrera. Es sabido el rechazo sistemático que sufrió esta brillante investigadora y el descrédito sucedió a la muerte de su marido. El filme tiene muy bien encauzado el famoso carácter de la científico polaca, lejos de ponerla condescendientemente como una santa acierta a no dejar de lado su abrupta personalidad. Y también plasma la mentalidad de Pierre Curie, progresista para la época.

No es mala la interpretación del elenco, de hecho, cuenta con Sam Riley y Anya Taylor-Joy. Pero hay que destacar a Rosamund Pike, no por la obviedad del protagonismo de su personaje, si no por su meticulosidad. Cuida detalles como la capacidad de ensimismarse en sus propios pensamientos o simplemente con el hecho de que Curie era zurda. Su interpretación rema a favor de los méritos de la científica y hace que se aleje de tópicos perfeccionistas.

La ambientación de la película también es muy acertada. El vestuario y los decorados nos remontan al Paris de principios del siglo XX. Obviamente también se cita o muestra a personalidades de la época como la bailarina Loie Fuller, a quien interpretó Soko en una película en 2016 y que esta vez está encarnada por Drew Jacoby.

Los Curie son considerados como una pareja que en tándem cambió la historia de la física y la química. Tanto a este matrimonio como a su descendencia se les puede considerar como pioneros y mártires de la ciencia por sus descubrimientos, pero también por sus castigados cuerpos, que aprendieron sobre la marcha las consecuencias del radio. Es normal pues lo llevaban en el bolsillo como quien se guarda un amuleto. Tal es así que el material de su laboratorio, sus notas, probetas, ropas… hoy en día aún son nocivos para la salud.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Radioactive. Duración: 109 min. País: Reino Unido, Hungría, China, Francia, EE.UU. Dirección: Marjane Satrapi. Guion: Jack Thorne. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Simon Russell Beale, Drew Jacoby, Aneurin Barnard. Producción: Studio Canal, Working Title Films, Amazon Content Services, Huayi Brothers Media, Pioneer Stilking Films, Shoebox Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://www.radioactivethemovie.com/

Crítica: ‘Baby’

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Una joven adicta, da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al comercio infantil. Arrepentida, tratará de recuperarlo descubriendo una realidad sobrecogedora.

Crítica

Un cuento mudo al que le falta ir al grano para decir más

Me encanta el reto que se ha lanzado Juanma Bajo Ulloa con ‘Baby’. Ni más ni menos que contar una historia sin articular ni una sola palabra, solo con música y onomatopeyas. Pero creo que ha fallado en su intento. Principalmente porque si consigue llevar a cabo una narración, pero no lo hace de un modo entretenido ni justifica sus imágenes.

‘Baby’ es una película muy áspera y muy sucia donde en forma de cuento adulto seguimos los pasos de una yonki que acaba de parir a una criatura. La historia puede rememorar a lo más crudo de los Hermanos Grimm y se mueve por ambientes mugrientos o dejados mientras se intercalan preciosas imágenes de animales. El contraste es obvio y siempre está presente en esos relatos infantiles que parece querer desfigurar Bajo Ulloa, pero en este caso pocas veces se ve una analogía que sirva de argumento para la trama. Está clara la presencia de las cigüeñas, siempre ligadas a los bebés, también la del corcel blanco (casi siempre símbolo de libertad o heroicidad), pero no la de otros muchos insectos y aves. Imagino que lo que vamos viendo son representaciones metafóricas de los personajes y situaciones, pero les falta más correlación.

No faltan los personajes excéntricos y las drogas, no poco presentes en la filmografía del director de ‘Aribag’. Es raro el personaje de Natalia Tena y lo es aún más el de la pequeña Mafalda Carbonell, hija de Pablo Carbonell. El personaje más normal es el de Rosie Day y eso que antepone su enganche a las drogas y al alcohol al cuidado de su bebé. Todas ellas están bajo la atenta mirada de una villana un tanto sobreactuada por Harriet Sansom Harris que podría servir de madrastra malvada en cualquier clásico Disney.

‘Baby’ llega a un punto en que se estanca y llega a ser inapetentemente repetitiva. Esto sucede cuando se convierte en un home invasión en modo subterfugio. Por lo menos exhibe una buena fotografía obra de Josep María Civit, cuya obra recomiendo que disfrutéis también en ‘La vampira de Barcelona’. Y está acompañada con la música de un habitual de Bajo Ulloa como Bingen Mendizábal en colaboración con Koldo Uriarte (‘Ane’). La Vitoria natal del director sirve de escenario ofreciendo espléndidos parajes como Legutio o el parque de Garaio. Todo ello a merced de una fábula que llega a aburrir a pesar de tener algo de subtexto.

En mi opinión este tipo de apuestas valientes han de tener también valor. Para que salga bien la jugada hay que dotarla de una sustancia que vaya más allá de la mera peculiaridad. Creo haber entendido que esta es una historia sobre el instinto, la supervivencia, la confusión, las segundas oportunidades y la feminidad, de hecho, relacionado con esto último hay que señalar que todo el reparto está compuesto por mujeres. Pero falta darle algo más de profundidad y quitarle tantos rodeos.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020 (País Vasco) 18 de diciembre de 2020 resto de España. Título original: Baby. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Juanma Bajo Ulloa. Guion: Juanma Bajo Ulloa. Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Rosie Day, Harriet Sansom Harris, Natalia Tena, Mafalda Carbonell, Charo López, Natalia Ruiz, Carmen San Esteban, Susana Soleto. Producción: Frágil Zinema, La Charito Films. Distribución: Festival Films. Género: suspense, drama. Web oficial: https://festival-films.com/baby/

Crítica: ‘La decisión’

En qué plataforma ver La decisión

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Tres generaciones de una misma familia se reúnen en su casa de campo para pasar un último fin de semana con su madre Lily (Susan Sarandon – ‘Pena de muerte’, ‘Thelma & Louise’) que padece esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y que ha decidido quitarse la vida con ayuda de su marido (Sam Neill – ‘Parque Jurásico’, ‘Los Tudor’).

Cuando sus hijas, Jennifer (Kate Winslet – ‘The Reader (El lector)’, ‘Titanic’) y Anna (Mia Wasikowska – ‘Alicia a través del espejo’, ‘Judy y Punch’), empiezan a discutir, salen a la luz secretos que amenazan con amargar la despedida. Completan el reparto Rainn Wilson (‘The Office’, ‘Megalodón’) y Bex Taylor-Klaus (‘Por 13 razones’), como las respectivas parejas de las hijas, y Lindsay Duncan (‘Birdman’, ‘Sherlock’), como la mejor amiga de Lily.

Crítica

Con muy poco de sutil y bastante de incómodo

Que la muerte es un tema que antes o después afrontamos es algo innegable. Pero existe una polémica cuestión que es la de aquellos que quieren decidir por sí mismos cuándo y cómo quieren dejar este mundo. En concreto hablo de los que tienen una enfermedad terminal o degenerativa, de aquellos que van a ver sus capacidades mermadas poco antes de fallecer. En España tenemos un caso archiconocido como fue el de Ramón Sampedro, teniendo su historia contada en el cine por Alejandro Amenábar.

Ahora el director de ‘Notting Hill’, Roger Michell, nos trae de nuevo esa cuestión. Lo hace con ‘La decisión (Blackbird)’ una película que ha sido escrita por el danés Christian Torpe, el mismo autor de la novela en que se basa, ‘Silent Heart’. La obra ya tuvo una adaptación homónima en 2014 producida en Dinamarca y lo que ahora se estrena es la versión norteamericana.

A veces no es fácil llevar a cabo una película acotada en un mismo espacio y en un corto intervalo de tiempo. Por lo general hay que rellenar con diálogos o transiciones. En este caso la decisión ha sido la de aportar muchas conversaciones familiares que hacen un poco tedioso el visionado y además incluir unos cuantos giros de guión que están un poco pillados por los pelos. Aunque tendría que verse uno metido en esta situación tan extrema para de verdad darse cuenta de hasta qué punto puede ser algo creíble o surrealista.

Nos presentan a tres generaciones de una familia que se unen durante un fin de semana para despedir a la matriarca. Está enferma y ha acordado con su familia que va a quitarse la vida con ayuda de su marido. Pero antes quiere reunirse una vez más y despedirse.

La temática es peliaguda y os va a chocar ver a ciertos miembros del reparto en ella. Normalmente hemos disfrutado de actores como Mia Wasikowska, Sam Neill, o Rainn Wilson en historias más amables e incluso cómicas. Pero en este caso el carácter de la historia es profundamente dramático. Susan Sarandon interpreta al personaje enfermo en un papel con similitudes al que ejecutó en ‘Quédate a mi lado’ y sobreponiéndose al resto del reparto.

‘La decisión’ pasa de la trivialidad a lo vital. De lo incómodo a lo hostil. Y trata acera de hipocresías, conflictos y valentías. Nos plantea personajes creíbles que ya se han presentado en debates reales. Están los que afrontan de cara el problema y los que lo evitan como si ni existiese. Pero lo que más domina la película es una frivolidad que acaba tornandose en sensiblería.

La idea de Torpe es plantear una situación civilizada en la que hay espacio para sincerarse y desmelenarse. No deja de lado la legalidad o necesidad de la eutanasia. En ese punto da alas a la aprobación o asimilación de los demás a cerca de la decisión que tome cada uno con su propio tiempo en la Tierra y se posiciona claramente a favor.

Lo que más intenta remarcar es la importancia de las decisiones, el respeto, el legado y los recuerdos. ‘La decisión’ supone una mezcla de sutileza y brusquedad que te deja con el corazón un tanto acongojado.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2020. Título original: Blackbird. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Michell. Guion: Christian Torpe. Música: Peter Gregson. Fotografía: Mike Eley. Reparto principal: Susan Sarandon, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus. Producción: Millennium Films, Eclectic Pictures, Busted Shark Productions, SF Studios. Distribución: Movistar+. Género: drama. Web oficial: http://millennium-media.net/mf-films/blackbird/

Crítica: ‘Baby god’

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Esta película nos lleva a una etapa anterior a los bancos de esperma, cuando se sabía poco sobre el ADN y los rasgos genéticos heredados. Es una inverstigación profunda sobre la moralidad de un médico que opera dentro de su propio código ético y una inmersión en la esencia de la identidad personal.

Crítica

Un legado irrompible que además no para de crecer

Estamos en las décadas de los 50 y 60. Épocas en las que la clase media norteamericana vive una etapa de comodidad y felicidad incrementada por una riqueza cultural como nunca antes vivieron. Se podría recordar como un periodo feliz si no fuese por las constantes guerras en las que su nación se empeñaba en emprender. Una serie de contiendas que entre otras cosas buscaba imprimir el sello yanqui. Algo por el estilo es lo que hizo con éxito el Dr. Quincy Fortier.

Por entonces aún no existían los bancos de esperma ni se controlaba tanto del ADN. Solo 7 años antes se había descubierto la estructura molecular del ADN. Los primeros centros de donación de semen surgieron en Tokio en el 64. En España el primero fue en el 79. Era un tiempo con un notorio desconocimiento civil acerca del tema y con una falta de legislación con cuestiones relacionadas. Fue en este marco cuando un doctor experto en ginecología aprovechó sus conocimientos y posición.

Llevó a cabo una práctica de lo más narcisista. Con el único objetivo de perpetuar su material genético, sin importar consentimiento alguno, inseminó a mujeres que acudieron a él con su propio esperma. Parejas que se veían en la problemática de no conseguir un embarazo fueron ultrajadas de esa manera.

La información recabada por la ex-detective Wendi Babst delata que la cifra de personas que pueden estar genéticamente ligadas a este monstruo es de centenares y puede llegar a los millares. Hoy en día no paran de salir personas con sus genes. Vamos, que hizo lo mismo que Gengis Kan pero de un modo más sutil. Babst ha llevado a cabo esta investigación documentada que inició al descubrir su propio vínculo con este doctor. Hannah Olson es la directora que ha ordenado todo esto como buenamente ha podido en forma de largometraje.

El Doctor Quincy Fortier falleció en 2006 llevándose consigo su más que dudosa ética, por lo que para buscar explicaciones y consecuencias se ha tenido que recurrir a su descendencia, algunos de los cuales se enfrentaron a él antes de su muerte. ‘Baby god’ se centra en entrevistar a los hijos que generó sin autorización ninguna. Además cuenta con algunos de sus colegas o empleados.

Loki Films se llama la productora de la película y realmente parece una broma pesada del dios nordico. Realmente se le consideró un hacedor de milagros, obtuvo premios por su trabajo y probablemente él pensaba que estaba haciendo algo beneficioso. El documental aprovecha para poner sobre la mesa qué puede implicar estar constituido del ADN de alguien que no conoces o de alguien a quien incluso consideras una persona horrible. ¿La herencia genética te convierte en alguien como esa persona? ¿Al menos en parte? De una manera superficial se aborda el tema del color de los ojos, por ejemplo. Algunos de los entrevistados incluso se parecen a él.

Un tipo eficiente y fiable. Fiable en que conseguiría llevar a cabo una inseminación si se lo encargabas, de un modo muy eficiente. Obviamente no era nada recomendable por sus acciones poco éticas y por como jugó con los deseos de parejas o mujeres que deseaban tener hijos con su ADN, el suyo propio, no el de Fortier. Pero tampoco había ley que lo prohibiese, eso lo deja claro el documental.

‘Baby god’ está compuesto únicamente de entrevistas, presenta poca documentación. No pongo en duda su veracidad, lo que me pesa es que para acompañar se han intercalado excesivas imágenes de transición y de ambientación grabando las ciudades, casas y objetos de los entrevistados. Faltaría algo de ritmo y una estructura mejor pero logra mostrar la “obra” de Fortier y como se concibe por sus herederos.

El documental que se estrena en HBO supone una senda de búsqueda de identidad por parte de los protagonistas. Pero sobre todo es algo que impresiona, aunque hay que ubicarse en la mentalidad de aquella época de un modo más profundo de lo que hace el reportaje como para llegar a entender como pudo pasar esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2020. Título original: Baby god. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Hannah Olson. Música: Will Epstein. Fotografía: Justin Zweifach. Reparto principal: Quincy Fortier, Wendi Babst, Brent Leavitt, Mike Otis, Brad Gulko, Michael Cleaver, Jonathan Stensland, Nanette Fortier, Sonia Fortier, Quincy Fortier Jr., Dr. Frank Silver, Dr. Harrison Sheld, Cathy Holm, Dorothy Otis. Producción: Loki Films, GAP Tooth Films. Distribución: HBO España. Género: documental.

Crítica: ‘Contagio en alta mar’

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La tripulación de un pesquero irlandés lucha por sobrevivir cuando su barco es inmovilizado por una enorme y misteriosa criatura marina y su suministro de agua dulce queda infestado de parásitos. A contrarreloj, deberán encontrar una manera de volver a casa mientras están varados sin ayuda en aguas restringidas.

Crítica

Correcta película sobre el terror y la contención de una infección

‘Contagio en alta mar’ tiene como título original ‘Sea Fever’. Ambos títulos definen bastante la trama de la película. Un barco pesquero se encuentra alejado de la costa y sucede algo que hace que los tripulantes empiecen a tener fiebre. Entre la tripulación hay una invitada, una estudiante de biología que está allí para recabar información para su doctorado.

Hermione Corfield es esa joven que se embarca en un viaje a regañadientes. No por tener algo en contra de los pescadores sino porque es bastante asocial. Ella prefiere mantenerse al margen y estudiar patrones de comportamiento en animales marinos y ya de manera indirecta y algo condescendiente, en personas.

Esta es una película de terror bastante convencional. Los personajes pasan por todas las fases. Pitorreo, negación, miedo, histeria… Es un título no falto de tensión pero que si necesita algo más de acción, por lo menos para los que busquen emociones fuertes. Sí que sirve para retomar el contacto con actores que por lo general pasan algo desapercibidos y aquí tienen más presencia. Hablo de Connie Nielsen (‘Gladiator’), Jack Hickey (‘Penny Dreadful’), Olwen Fouéré (‘Mandy’) o Dougray Scott (‘Misión: Imposible 2’).

Además su estreno tras proyectarse en Sitges viene bastante a colación de la situación actual. Como sucedía en ‘La cosa’ de Carpenter los personajes llegan a recelar los unos de otros e incluso a diagnosticarse entre ellos. El mar sirve como espacio de aislamiento para una cuarentena obligatoria. Lo más profundo que toca ‘Contagio en alta mar’ es el afrontar una situación de responsabilidad ante una infección. Por supuesto ante esto hay diferentes tipos de comportamientos con los que veréis paralelismos y ejemplos reales.

La película de la irlandesa Neasa Hardiman (‘Jessica Jones’, ‘Inhumans’) es bastante más sosegada que sus trabajos anteriores. Convierte lo que a priori parece un cardumen en algo insólito y eso le da un toque de thriller, por supuesto también de fantástico.

Quizá debería haber explotado más los dramas de ciertos personajes para que la película tenga sustancia. O tal vez podría haber desarrollado la situación de esa protagonista tan reacia a colaborar con otras personas, teniendo en cuenta que precisamente está en una situación en la que tiene que trabajar junto a un equipo que es como una familia y además enfrentándose a una mente colectiva superior y desconocida.

Como todas aquellas películas sobre virus o criaturas extrañas, ‘Contagio en alta mar’ puede tener cierto valor para aquellos negacionistas que se oponen a creer lo que sucede y las auténticas medidas que hay que tomar. Como película de terror funciona, pero no aporta nada nuevo al género.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Sea Fever. Duración: 94 min. País: Irlanda. Dirección: Neasa Hardiman. Guion: Neasa Hardiman. Música: Christoffer Franzén. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg. Producción: Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Flexibon Films, Frakas Productions, Makar Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial: http://film-directory.britishcouncil.org/sea-fever

Pronto veremos ‘Salvaje’, protagonizada por Russell Crowe

Thriller psicológico sobre cuatro ruedas

Tenemos fecha de estreno para ‘Salvaje’. El próximo 8 de enero DeAPlaneta estrena este thriller de acción frenético protagonizado por el ganador del Oscar Russell Crowe. La película toma como punto de partida una situación tan cotidiana como es una discusión en la carretera. ¿Qué pasaría si el desconocido al que das un toque de atención con el claxon es un hombre a punto de perder la cabeza? Algo similar a lo que sucede en ‘Tailgate’ un título que os comentamos en nuestros diarios de Sitges.

El ganador del Oscar Russell Crowe (Gladiator, Una mente maravillosa) se pone en la piel de Tom, un hombre cuya vida ha dejado de tener sentido. En pleno colapso mental se cruza en la carretera con Rachel (Caren Pistorius), una joven que llega tarde a trabajar y que, nerviosa, recrimina a Tom con el claxon que no mueva su coche en un semáforo. A partir de entonces dará comienzo un peligroso juego del gato y el ratón en el que el torbellino de esta “ira en la carretera” traspasará cualquier límite que Rachel jamás haya imaginado.

‘Salvaje’ toma como testigo la adrenalina y el pánico de otras películas con psicópatas al volante como ‘El diablo sobre ruedas’, ‘Nunca juegues con extraños’ o ‘Death Proof’.

El director Derrick Borte se pone detrás de las cámaras en esta película escrita por Carl Ellsworth (‘Disturbia’, ‘La última casa a la izquierda’). ‘Salvaje’ ha sido número 1 en cines en EE.UU., Reino Unido, Alemania, Australia entre otros muchos territorios.

Sinopsis oficial:

El ganador del Oscar Russel Crowe protagoniza ‘Salvaje’, un thriller psicológico en el que un inocente percance del día a día se convertirá rápidamente en pesadilla cuando una mujer toca el claxon en el momento equivocado… al tipo equivocado. “Ira al volante” es una expresión que se queda corta para describir lo que el desconocido va a hacerle a ella y a todo el mundo que conoce.

Crítica: ‘Vampus Horror Tales’

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Noche de Halloween. El Sr. Fettes (Saturnino García) es el particular guardián del cementerio, un siniestro ser que guarda muchos secretos. Entierra los difuntos de día y los desentierra de noche con fines inconfesables. Le gusta que le llamen Vampus y leer comics de terror, especialmente las historias de amor, entendidas a su necrófila manera.

Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia.

Crítica

Sangre, tumbas y perritos a gogo

¿Qué es más terrorífico, una noche de Halloween en un cementerio con un enterrador bastante cabroncete o cualquier cosa sucedida en 2020? Mucho cuidado con lo que respondéis. El señor Fettes (Saturnino García) es un tipo que se regodea en las peores pesadillas, escritas o narradas. Para algunos no hay nada más horrible o molesto que el hecho de que no se les llame por su nombre, “llámame Vampus” lleva diciendo este sepulturero desde que apareció en el corto de Víctor Matellano y Diego Arjona. Y continúa pidiendo que se le nombre así, pero ahora no se anda con chiquitas y cualquiera puede caer en sus fosas y filos. También en sus historias.

‘Vampus Horror Tales’ hace honor a su carácter antológico y va cambiando de tercio según el macabro sepulturero da paso a sus pequeños capítulos, cual cadáver de ‘Historias de la cripta’. Nos lleva a un escape room, a un escenario apocalíptico, a una cabaña en el bosque o a un túnel del terror. Escenarios clásicos en el género que no obstante son empleados para contar historias diferentes y nada manidas. Yo me quedo sobre todo con la que protagonizan Nacho Guerreros y Erika Sanz. Está muy bien interpretada y muy bien desarrollada. Él en un papel bastante sibilino y ella haciendo tremendamente bien de discapacitada visual.

Un rodaje marcado por la pandemia. Los confinamientos provocados por el COVID-19 pausaron esta producción que sin embargo ha sabido adaptarse a la situación. Sabemos que algunas historias han tenido que ser contadas de otra manera y ‘Vampus Horror Tales’ ofrece soluciones que consiguen narrarnos lo que pretendía. Se alía con las tecnologías o con el plano contraplano para poder tener continuidad.

Saturnino García es el hilo conductor pero también el personaje que más cala. Con sus pensamientos bordes y su literalmente cortante comportamiento es capaz de encandilar y horrorizar. Junto a él un reparto al que no le faltan caras famosas: Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz… Y rostros también muy conocidos del cine patrio como José Lifante, África Gozalbes, Lone Fleming, Antonio Mayans… Sin olvidar las voces de Héctor Cantolla, Carlos Areces y Víctor Clavijo.

Guiños y referencias a clásicos del terror no le faltan. Transcurriendo algunas escenas en el Museo de Cera de Madrid no podía faltar la imagen de Paul Naschy que además fue hecha por Colin Arthur, quien es el encargado además de supervisar los efectos de la película.

‘Vampus Horror Tales’ es una película o una serie de cortometrajes que rezuman mucho amor por el terror. Empezados o acabados por ilustraciones y comentados en plan crítico por Vampus. El sentido del humor está omnipresente y es con Saturnino García con quien se consigue mayor efectividad.

Si hay que ponerle una pega a tan efusiva muestra de amor por el fantástico es el re-doblaje en alguno de los segmentos. Una nimiedad que queda tapada por borbotones de sangre y el mensaje superliminal por comer perritos calientes.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Vampus Horror Tales. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Isaac Berrocal, Erika Elizalde, Manuel Martínez Velasco, Víctor Matellano, Pablo Moreira. Guion: Diego Arjona, Isaac Berrocal, Yolanda García Serrano, Ignacio López, Víctor Matellano, Pablo Moreira, Victoria Vázquez. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Saturnino García, Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero, Sergio Morcillo, Federico Repetto, Vicky Jorge, José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming, Antonio Mayans, Héctor Cantolla, Carlos Areces, Víctor Clavijo. Producción: Argot Films, ViMa PC, Wild Duck Productions, Raccord Films, Infilmity, RedRum. Distribución: Argot Films. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/argotfilms/

Crítica: ‘Superintelligence’

Sinopsis

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Cuando una superinteligencia todopoderosa decide estudiar a Carol Peters, la persona más común de la Tierra, el destino del mundo está en juego. Mientras que la Inteligencia Artificial decide esclavizar, salvar o destruir a la humanidad, Carol tiene que demostrar que merece la pena salvar a la gente.

Crítica

Si a Skynet le hubiese dado por preguntar…

¿La humanidad merece ser salvada? Es un dilema que se ha planteado en varias ocasiones dentro de series y de películas. Hemos quemado nuestros bosques, desatado plagas y pandemias, extinguido especies enteras y nos hemos puesto a nosotros mismos muchas veces al borde del precipicio. Incluso en Los Simpson se ha tratado este tema cuando Kang y Kodos han llegado para someternos. Con un método más o menos así de cómico se desarrolla esta historia de Ben Falcone (‘El alma de la fiesta’) escrita por Steve Mallory (‘Es la jefa’).

‘Superintelligence’ remarca lo automatizado, robotizado y digitalizado que tenemos todo: coches autoconducidos, casas domotizadas, mercados informatizados… Nos habla de las inteligencias artificiales y del aprendizaje automático. Hasta el punto de que va más allá de que un móvil pueda oír lo que decimos para posteriormente mostrarnos publicidad relacionada. Surge una IA que ha cobrado consciencia de si misma y que a modo de gran hermano controla y escoge a la protagonista interpretada por Melissa McCarthy. Y la elige para que sea la variable que decida si la humanidad merece salvarse o por el contrario ser aniquilada o esclavizada (si omitimos el hecho de que ya estamos esclavizados por nuestros dispositivos). Todo esto hablándole con la voz de James Corden.

Estamos en una película donde se pone de manifiesto que tenemos hogares ultraconectados. Vuelvo a ‘Los Simpson’. ¿Recordáis el capítulo en el que la familia amarilla automatiza su casa con una IA dotada de la voz de Pierce Brosnan y esta intenta matar a Homer? Pues eso mismo solo que en este caso la amenaza está por todo el mundo. Lo que quiero decir es que estamos dentro de una comedia de ciencia ficción con muchos disparates, algo tontorrona y con toques de sarcasmo.

Director, guionista y protagonista han coincidido antes en otros proyectos y se nota que les gusta regocijarse en este tipo de comedias. Sobra decir que el matrimonio Falcone-McCarthy ha trabajado varias veces en la misma película, tanto delante como detrás de las cámaras. Tanto el personaje de McCarty como el de la inteligencia artificial son bastante “tocapelotas”. Les gusta meterse en situaciones incómodas o ridículas y dejar al descubierto a los demás, sin pelos en la lengua. Tampoco faltan las escenas llenas de torpeza. Está claro que es una película hecha a medida y pensada para Melissa McCarty pero también hay que remarcar que está más suavizada y apta para todos los públicos que nunca. Y pienso que también está todo orquestado para que sea James Corden quien ejerza de “villano” ya que va todo en su simpática línea.

La situación de la película es graciosa. Mientras Carol (McCarthy) lleva a cabo una cruzada amorosa con la IA ejerciendo de Cyrano de Bergerac o de celestina, las fuerzas de seguridad estadounidenses buscan asimilar tal situación y evitar la ecatombe retrocediendo a tecnologías pre-electrónica. ‘Superintelligence’ no es precisamente una comedia muy trabajada, sigue patrones y actos muy clásicos pero va transcurriendo de un modo ameno, sin llegar a extremos y con gags simpáticos. Quizá no sea la mejor película que se ha hecho sobre IA’s pero al menos arroja algo de luz ante las catastrofistas perspectivas actuales.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Superintelligence. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Falcone. Guion: Steve Mallory. Música: Fil Eisler. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Brian Tyree Henry, James Corden, Karan Soni, Jean Smart, Sarah Baker, Michael Beach. Producción: Creative Wealth Media Fiance, New Line Cinena, One The Day, Warner Bros. Distribución: HBO. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/superintelligence

Crítica de ‘30 monedas’, la serie de Álex de la Iglesia

HBO paga nuestra suscripción con 30 monedas muy valiosas

Más de 10 años después de ‘Plutón B.R.B. Nero’ Álex de la Iglesia vuelve a al mundo de las series. Y en mi opinión ha tardado demasiado. Soy de los que disfrutan a Álex de la Iglesia, incluso en sus alocados finales. Y con ‘30 monedas’ he disfrutado en todos los episodios, cada uno de ellos con un apogeo que gozar. Pero más allá de sus clímax me he regodeado en el universo que desarrolla y el discurso del bien y el mal que esgrime. Podríamos estar hablando del ‘Supernatural’ o ‘Expediente X’ más rural y español que se haya creado. Cada episodio podría servir además para llevar a cabo un relato corto o un pequeño cómic de terror, ahí lanzo la idea transmedia a HBO España.

Es sabido que como a muchos de nosotros a De la Iglesia le gustan las partidas de rol y me creería si junto a Jorge Guerricaechevarría se han marcado un Margaret Weis y Tracy Hickman trasladando una partida de Los Mitos de Cthulhu a la televisión. La mecánica es contar una historia troncal pero ramificada en distintos módulos. En mi opinión esto es en lo que ‘Territorio Lovecraft’ no ha sabido convertirse.

Lo que vais a ver con ‘30 monedas’ a partir del 29 de noviembre es una historia paranormal, de esas que ensalzan los objetos de poder inspirados en la parafernalia católica. Para describirla puedo recurrir a otras historias que me han ido viniendo a la cabeza mientras la veía. Hay algo de ‘En el nombre de la rosa’ con sus pesquisas eclesiásticas, algo de ‘El fin de los días’ o de ‘Pactar con el diablo’ con esos diálogos con demonios rodeados de acción, un poco de ‘Blasphemous’ y de ‘Roman Ritual’ con su puesta en escena’, algo también de Carpenter con sus amorfas criaturas y quiero pensar que mucho de ‘Dark Souls’ o de ‘Doom’ con el enfrentamiento tan sangriento y a ciegas contra criaturas del averno. Desde luego que su simbolismo y parafernalia a muchos os va a recordar a ‘Constantine’.

Los monstruos y sus diseños son un valor muy a tener en cuenta. Os van a rememorar a las aberraciones más extrañas surgidas del terror japonés, de la retorcida mente de Stephen King o de un tipo tan acostumbrado a dibujar diablos como Todd McFarlane. Aplaudo el trabajo en los VFX de estudios como Marte VFX o Deluxe Spain.

Influenciada o no la serie va a recordaros buenos y horripilantes momentos vividos en la pantalla. No le falta acción y sobre todo ha permitido que De la Iglesia y Guerricaechevarría desarrollen a sus personajes como nunca y sin traicionar su estilo. Es muy interesante todo el trasfondo que va surgiendo y como los protagonistas intentan digerir la situación. De ahí la correlación Mulder y Scully o Guillermo de Baskerville y Adso en la que lógica y fe se entremezclan.

En todo ese juego de creyentes y escépticos ha jugado un papel muy importante el hecho de que ‘30 monedas’ tenga un casting la mar de acertado. Quizá por su imponente aspecto físico llama más la atención Eduard Fernández como sacerdote de armas tomar. Con Álex de la Iglesia siempre vemos sacerdotes distintos y escenas en tejados. Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez, Pepón Nieto, Javier Bódalo, Jaime Ordóñez, Paco Tous, Carmen Machi… Todos ellos forman parte de un colectivo rústico muy conseguido. Y ya no es que se reflejen bien los intríngulis de un pueblo del siglo XXI, es que es muy divertido verles a todos en papeles que nunca han hecho y sin que a ninguno les falte acción o terror. Y teniendo además todos muy dominado el tema de los idiomas.

Lo bueno es que además la serie traspasa fronteras y para ello están los roles de Manolo Solo, Cosmio Fusco y Francisco Reyes. Con agrado descubriréis que HBO no ha escatimado en medios para esta producción. El mismo opening ya lo augura, es exquisitamente siniestro. La fotografía de Pablo Roso nos da imágenes de alto contraste y un fondo a veces con luces que queman la imagen. La serie huye de lo colorido y convierte a Pedraza, un pueblo de lechazo, cabras y campanario, en un lugar ominoso. Y también pasa por lugares como el Círculo de bellas artes, el Instituto Cervantes, la biblioteca de Patrimonio e incluso creo haber reconocido la de la Universidad de Salamanca poniéndolos a merced de su narrativa.

A si es que os animo a preparar vuestras monedas para comprar estos nuevos cromos de monstruos o para hacer un “instert coin” y jugar a este thriller de acción que tampoco pierde de vista el humor negro de su director. Predisponeos para más y más, que también puedo poneros en conocimiento de que la serie está pensada para tres temporadas, como se desveló en Sitges.

Crítica: ‘Érase una vez…’

Sinopsis

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Antes de que Alicia fuera al País de las Maravillas y que Peter se convirtiera en Pan, los dos personajes eran hermanos. Cuando su hermano mayor sufre un terrible accidente, Peter y Alicia tendrán que elegir entre quedarse en casa y su propia imaginación, lo que creará el escenario de sus legendarios viajes al País de las Maravillas y a Nunca Jamás.

Crítica

Una invitación a volver a las ensoñaciones de la infancia

¿Y si Peter Pan y Alicia hubiesen tenido un pasado en común? ¿Y si hubiesen formado parte de la misma familia? Ese es el what if que nos propone Brenda Chapman en una película que cuenta con actores como Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine o Gugu Mbatha Raw. Ellos hacen de soporte para la historia de los auténticos protagonistas: Alicia (Keira Chansa) y Peter (Jordan Nash).

Reconozco que apostaba poco por este pastiche o crossover. Pero ha resultado ser una película entretenida. Sí que es cierto que habría necesitado un guión con más profundidad o un rodaje que consiga impactar más en el espectador. La apuesta consiste en coger cuentos súper manoseados y darles una visión diferente. En ese sentido ‘Hook (El Capitán Garfio)’ fue mucho más efectiva, pero cualquier película comparada con esa obra maestra de Steven Spielberg saldría malparada.

‘Érase una vez…’ es una película de Brenda Chapman, la directora de ‘Brave’ y ‘El príncipe de Egipto’. Es la primera vez que dirige en solitario y se nota que está acostumbrada a poner el foco en la infancia. En esta historia alternativa Peter sigue siendo el niño que solo quiere jugar y que tiene una mente talentosa pero huidiza. Y Alicia tiene atisbos de alucinaciones y huye del clásico adoctrinamiento femenino de la época. La modificación imaginaria del mundo está bien realizada y no abusa de artificios realizados por ordenador.

Es atrevido coger los dos míticos personajes de J M. Barrie y de Lewis Carroll y unirlos de esta manera. Más que consistir en un cuento en el que nos relatan cómo era Peter Pan antes de que fuese el niño de Nunca jamás y qué hacía Alicia antes de ir al País de las maravillas ‘Érase una vez…’ reinventa la manera en que se crearon los personajes y da otra explicación, más terrenal, para sus mitos. Se ha criticado esta mezcla desde la aparición de su tráiler pero a mí no me parece tan alocada, al fin y al cabo ambas historias son muy británicas, comparten que se desarrollan a orillas del Támesis, fueron publicadas casi en el mismo siglo y giran en torno a la misma temática: jugar, huir de lo convencional e imaginar nuevos mundos. Se comentará también el hecho de que les interpreten personas de raza negra, pero sinceramente, eso me es indiferente pues todos hemos sido niños y todos hemos adornado la realidad con nuestros juegos.

‘Érase una vez…’ se las va apañando para ir introduciendo todos y cada uno de los elementos de los cuentos. Algunas veces esa mezcla se antoja original y otras bastante pillada por los pelos, casi improvisada. Se busca la manera de introducir a Campanilla, a Garfio, al Sombrero, a los niños perdidos… Y se establece un vínculo común más allá de haber hecho hermanos a ambos personajes, el reloj. ¿Podría ser el reloj del conejo blanco el mismo que se traga el temido cocodrilo de Garfio?

‘Érase una vez…’ es un cuento dramático en el que los fantasiosos mundos de ambos personajes sirven de refugio. La ruina y la tragedia están muy presentes y la cándida mirada de Peter y Alicia maquilla esos traumas con brochazos de imaginación y algo de enajenación. La idea es mucho mejor de lo que pintaba, la pena es que no está tan brillantemente desarrollada o definida. Esta precuela o versión alterna sirve sobre todo para recordar a los adultos que no hay que olvidar nuestros evasivos sueños, pero le falta hacerlo con un ahínco más eficaz o crudo.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Come Away. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Brenda Chapman. Guion: Marissa Kate Goodhill. Música: John Debney. Fotografía: Jules O’Loughlin. Reparto principal: Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine, Clarke Peters, Gugu Mbatha Raw, Keira Chansa, Jordan Nash, Anna Chancellor, David Gyasi. Producción: Endurance Media, Hammerstone Studios, Lakeview Entertainment, ACE Pictures Entertainment, Creasun Entertainment, Fred Films, Yoruba Saxon Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantasía, drama, aventura. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/come_away

Crítica: ‘Resistencia’

Sinopsis

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Todo lo que Marcel Marceau (Jesse Eisenberg) quiere es una vida para el arte. Trabajando en la carnicería de su padre durante el día, el talentoso mimo intenta hacer realidad su sueño en los pequeños escenarios de la ciudad y ganarse el afecto de la políticamente activa Emma (Clémence Poésy, Tenet). Para complacerla, Marcel acepta enrolarse en una misión peligrosa que cambiará el curso de su vida para siempre: intentar salvar a 123 huérfanos judíos del alcance de los nazis alemanes (entre los que se encuentra Bella Ramsay, Juego de tronos). Y, en concreto, del despiadado Obersturmführer de las SS Klaus Barbie (Matthias Schweighöfer, Valkiria). Su objetivo será conseguir llevarlos al otro lado de la frontera con Suiza. Junto a Emma, Marcel se une a la resistencia francesa para confrontar firmemente las atrocidades de la guerra. Su arte será la mejor arma contra los horrores que les rodean.

Crítica

‘Resistencia’ nos descubre al héroe Marcel Marceu

Este viernes, 27 de noviembre, llega a Movistar+ ‘Resistencia’, protagonizada por Jesse Eisenberg y que nos trae la quizás desconocida historia de Marcel Marceu, al menos para mí lo era y ha sido bastante agradable que me muestren este gran detalle de su vida, aparte de ser uno de los mejores mimos de la historia.

La historia comienza el fatídico 9 de noviembre de 1938, en Munich comienza La Noche de los Cristales Rotos, donde un montón de exaltados decidieron destruir y asesinar a infinidad de familias judías, dejando a un centenar de niños huérfanos y en manos de los nazis.

El general Patton, interpretado por Ed Harris, comienza a contar una historia a sus soldados para presentar a Marcel Marceu, y de aquí nos vamos de nuevo a 1938, unos días después de aquella noche donde una de las niñas protagonistas, Elsbeth (Bella Ramsey) llega a Estrasburgo, junto a más huérfanos en busca de una nueva oportunidad de ser feliz.

Allí conocen a Marcel que se convierte en ese saco de píldoras de felicidad que estos niños necesitan. Aunque al principio le pesase, pues el se veía como un actor y no un payaso para hacer feliz a los niños.

‘Resistencia’ quizás no nos aporte mucho en cuanto a todas las película que ya hemos visto sobre esta época. Pero como he dicho al principio, ver a la figura de Marcel Marceu como un libertador, al menos para mí ha sido bastante interesante. Un hombre que pese tener que abandonar su hogar, perder a mucha gente en el camino, incluido su padre que fue deportado a Auswitch. Tuvo la valentía de plantarles cara a los nazis, salvar a un sin fin de niños y aun así , ser capaz de hacer reír a todo el mundo.

Escrita y dirigida por Jonathan Jakubowicz, director de ‘Manos de piedra‘, la película cuenta con un reparto bastante bueno. Destacar a Jesse Eisenberg, que no es santo de mi devoción, pero aquí está bastante bien, puesto que el personaje le ofrece la oportunidad de exaltar sus típicos gestos y poder así dar vida a Marcel. También tenemos a Clémence Poésy (‘Tenet‘), que como siempre, está bastante comedida.

Matthias Shweinghöfer, que hace de Barbie, jefe de la Gestapo, está muy bien en su papel, aparte que se parece bastante físicamente al real. Conocido como el «carnicero de Lyon», logró escapar durante un tiempo hasta que fue detenido en Sudamérica.

Pero sin duda a la que no podemos pasar por alto es a Bella Ramsey, tampoco es que haga un papelón, pero demuestra una ve más que no debemos de quitarle el ojo de encima a esta joven actriz que ya nos sorprendió con su actuación en ‘Juego de Tronos‘.

La manufactura de la película es bastante buena, no han escatimado en detalles y toda la ambientación me parece estupenda. La música suave, nos deja libre el poder adentrarnos en los sonidos de las distintas ciudades asediadas, disparos, alarmas o ese silencio para no ser descubiertos, logran que nos sintamos dentro de la historia.

‘Resistencia’ nos deja una nueva historia de las muchas que desconoceremos sobre la II Guerra Mundial. Héroes anónimos o no tanto que lucharon por salvar miles de vidas y que lograron sacar sonrisas en una época que no era para nada feliz.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2020. Título original: Resistance. Duración: 121 min. País: Reino Unido. Dirección: Jonathan Jakubowicz. Guion: Jonathan Jakubowicz. Música: Angelo Milli. Fotografía: Miguel I. Littin-Menz. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Clémence Poésy, Matthias Schweighöfer, Bella Ramsay, Edgar Ramírez, Ed Harris. Producción: Pantaleon Films, Vertical Media, Bliss Media, Epicentral Studios, Ingenious Media, Riverstone Pictures, Rocket Science. Distribución: Vértigo Films, Movistar+. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/resistencia/

Desveladas nuevas incorporaciones a ‘Stanger Things’ T4

La serie ficha a Robert Englund, Jamie Campbell Bower o Eduardo Franco

Netflix acaba de desvelar las nuevas incorporaciones al reparto de ‘Stranger Things’ para su cuarta temporada. Una temporada que inició su rodaje el pasado 4 de marzo y que probablemente se haya visto afectada por la pandemia. Pero vamos a lo interesante y novedoso, ojo a los nombres.

Jamie Campbell Bower, Eduardo Franco, Joseph Quinn, Robert Englund, Sherman Augustus, Mason Dye, Nikola Djuricko y Tom Wlaschiha.

A ellos podremos verles si todo va bien en el lanzamiento de la nueva temporada en 2021.

Jamie Campbell Bower (‘Cazadores de sombras: Ciudad de hueso’’, Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet’) interpretará a Peter Ballard, un hombre bondadoso que trabaja como paramédico en un hospital psiquiátrico. Cansado de la brutalidad de la que es testigo cada día, ¿Será capaz de hacer algo al respecto?

Eduardo Franco (‘Súper empollonas’, ‘The Binge’) interpretará a Argyle, el nuevo mejor amigo de Jonathan, un drogadicto amante de la diversión que entrega, con orgullo, deliciosas pizzas para Surfer Boy Pizza.

Joseph Quinn (‘Catherine the Great’, ‘Howards End’) interpretará a Eddie Munson, un audaz metalero de los 80 que dirige el Club Hellfire, el club oficial de D&D de la escuela de Hawkins. Odiado por los que no le entienden, y querido por los que sí lo hacen, Eddie se encontrará en el aterrador epicentro del misterio de esta temporada.

Sherman Augustus (‘Into the Badlands’, ‘Westworld’) interpretará al teniente coronel Sullivan. Un hombre inteligente, que no se anda con tonterías y que cree saber cómo acabar con el mal en Hawkins de una vez por todas…

Mason Dye (‘Bosch’, ‘Los Goldberg’) será Jason Carver. Jason parece tenerlo todo… Es guapo, rico, una estrella del deporte y sale con la chica más popular del colegio. Pero cuando un nuevo mal amenaza Hawkins, el perfecto mundo de Jason comenzará a desmoronarse…

Nikola Djuricko (‘Genius’, ‘En tierra de sangre y miel’) dará vida a Yuri, un sórdido e impredecible contrabandista ruso al que le encantan los chistes malos, el dinero en efectivo y la mantequilla de cacahuete crujiente.

Robert Englund (Franquicia ‘Pesadilla en Elm Street’, ‘V’) interpretará a Victor Creel, un hombre perturbado e intimidante que fue internado en un hospital psiquiátrico tras cometer un terrible asesinato en los años 50.

Tom Wlaschiha (‘Juego de tronos’, ‘Jack Ryan’) será Dimitri, un guardia de prisión ruso que se hace amigo de Hopper. Dimitri es inteligente, astuto y encantador, pero… ¿Se puede confiar en él?

Tráiler de ‘Porvenir’, una docuserie sobre el cambio climático

Estreno el 6 de diciembre en Movistar

El cambio climático es el mayor reto al que se va a enfrentar la humanidad en las próximas décadas, quizá el mayor al que se ha enfrentado nunca. Lo que está en juego no es el planeta, es la supervivencia del ser humano, la vida tal y como la conocemos hoy.

En `Porvenir´, nueva serie documental Movistar+ sobre el cambio climático, se analizan por primera vez las causas y las consecuencias del calentamiento global en España y se hace a través de sus protagonistas: nosotros.

Conducido por Iñaki Gabilondo, `Porvenir´ aborda esta problemática desde un novedoso punto de vista: el de la docuficción.

Iñaki Gabilondo nos guiará por dos mundos, el puramente documental, en el que se desplazará por diferentes lugares de España en los que el cambio climático y la mano del hombre están causando estragos tal vez irreparables (Parque Nacional de Doñana, Los Pirineos, El Hierro, Cap de Creus, Vigo) y donde conocerá y conversará con científicos, biólogos, expertos y habitantes de diversos lugares en los que veremos con claridad lo que el futuro nos puede deparar si no lo remediamos a tiempo.

Y el mundo de la ficción, con un reparto de lujo formado por Roberto Álamo, Marian Álvarez, Víctor Clavijo y Stephanie Gil. Ellos darán vida a tres hermanos y la hija de uno de ellos, que se reencuentran en la antigua casa familiar tras la muerte de su madre para ponerse de acuerdo con la herencia recibida en pleno estado de alarma, que les obligará a quedarse confinados en la misma. Una familia que realizará un viaje sentimental, geográfico y temporal y que, sin saberlo, atraviesa un momento esencial de sus vidas en el que, si no actúan de la manera adecuada, los cambios y las consecuencias pueden ser irreparables. Lo mismo que le sucede a nuestro planeta.

Iñaki Gabilondo, como prescriptor y narrador de ‘Porvenir’, nos guía en esta travesía para entender qué está pasando, qué puede pasar y qué podemos hacer. Necesitamos imaginar el futuro, una nueva historia que cambie la historia. Hemos de poner a la naturaleza en el centro de nuestras decisiones. La Tierra es el único hogar que tenemos y aún estamos a tiempo de actuar.

`Porvenir´, una producción original Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers, constará de tres episodios titulados `Tierra´, `Mar´ y `Aire´ que llegarán a Movistar+ el próximo 6 de diciembre.

 

Crítica: ‘The Mystery of the Pink Flamingo’

Sinopsis

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Rigo Pex es un ingeniero de sonido serio, lógico pero excéntrico que sueña con un extraño fenómeno que lo perturba: The Pink Flamingo. El flamenco, este pájaro rosado, estilizado y andrógino de mirada inquietante, posee un magnetismo increíble. Rigo se siente atraído y disgustado. Intenta ignorarlo, pero es inevitable. Estos pájaros rosas parecen seguirlo a todas partes como señales que llevan a Rigo a una investigación para revelar su misterioso significado. Estudiará su impacto en nuestra sociedad y eventualmente viajará a Estados Unidos para conocer una serie de personajes dispares que refuerzan su personalidad con la figura del pájaro: la sensación de Internet Pink Lady of Hollywood, la gurú de la música Allee Willis, la banda pop Kero Kero Bonito o el cineasta de culto John Waters, entre muchos otros. Rigo será nuestro guía a lo largo de este viaje sobre cómo los iconos pueden ayudarnos a encontrar nuestra propia identidad y eventualmente cambiar nuestras vidas.

Crítica

Se gana con creces el certificado de autenkitschidad

Pulula por España un falso documental llamado ‘Pirámides murcianas’ (crítica aquí) que a través de un viaje intenta desvelar un misterio insólito. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ también trata a cerca de un viaje y la resolución de un enigma. Pero en este caso es un viaje personal y la película a través de una historia que mezcla una identidad ficticia con una real enmascara un documental.

A partir de aquí poned videclips de Meneo, Little Big o similares. El músico Rigo Pex interpreta a un ingeniero de sonido que quiere dar sentido a las grabaciones que hace a todo lo que le rodea, pero sobre todo a la plaga de flamencos rosas. Presentando al palmípedo animal como un icono de la cultura pop, ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ se convierte en una exploración de lo kitsch. La voz de Camilo García (habitual de Anthony Hopkins) le da mucho empaque a un documental que tiene bastante simpatía y que se narra de manera lineal, a base de entrevistas y conversaciones a veces oníricas.

Al igual que nos pasó a los lectores de cómics cuando Marvel los convirtió en un producto mainstream y de consumo masivo y casi vacío, el movimiento kitsch es defendido como una corriente que solo es auténtica si se hace sentida, con el corazón y sin afán de forzar su popularidad. Según esta película se entiende como kitsch aquello que marca la diferencia, define o provoca de un modo involuntario, convirtiéndose además en una especie de arte o gusto que no sigue ningún patrón específico.

Está claro que este es un ensalzamiento por parte de los hermanos Polo que dejan claro que todo esto está relacionado con lo pulp, lo hortera, lo descarado, lo pretencioso o lo extravagante. Un exponente de todo esto en nuestro país son Alaska y Mario, que precisamente en su balcón lucen flamencos. La pareja no aparece en la película, pero si Eduardo Casanova, cuya filmografía está teñida de rosa y él explica por qué. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ cuenta con representantes de dentro y fuera de nuestras fronteras. El filme ostenta el lujo de contar con John Waters (‘Pink flamingos’, ‘Hairspray, fiebre de los 60’) y con personas tan peculiares como la reina del rosa Kitten Kay Sera, el grupo Kero Kero Bonito o la compositora y coleccionista Allee Willis (a quien los productores dirigen una dedicatoria).

Este es sin duda un largometraje saturadísimo de color que sabe buscar referentes y argumentos para defender su postura. Os hará ir desde la definición estrictamente biológica hasta puntos muy creativos, pasando por el flamenco más español. Un buen acto de rebeldía contra lo canónicamente establecido como “bonito”.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre. Título original: The Mystery of the Pink Flamingo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Javier Polo Gandía. Guion: Javier Polo Gandía, Sixto Xavier García. Música: Santero y los muchachos. Fotografía: Guillermo Polo. Reparto principal: John Waters, Eduardo Casanova, Rigo Pex, Antonyo Marest, Allee Willis, Kero Kero Bonito, Ana Urbiola, Claude Chapelaine, Sarah Schutt, Cindy Dunlow, Patricia Altschul, Brian Antoni, Denis Casali, Kitten Kay Sera. Producción: Los Hermanos Polo, Japonica Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: documental. Web oficial: http://versusent.es/pelicula/the-mystery-of-the-pink-flamingo-2/

Crítica: ‘Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto)’

Sinopsis

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En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero, cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas, en especial la de la muerte de Aitor, hermano gemelo de Néstor. Ahora, como entonces, Karmen culpa de todo a su cuñado Estanis y trata de convencer a Néstor de que ellos serán los próximos y deben hacer algo.

Crítica

Transmite un dolor que es como una brasa, que no prende pero quema

La novela ’33 ezkil (33 campanas)’ de Miren Gorrotxategi cobra vida. Imanol Rayo es el director que la ha adaptado junto a Joanes Urkixo (‘Lasa y Zabala’, ‘Goomer’) y vuelve con un largometraje tras estrenar en 2011 ‘Dos hermanos’. Y precisamente de hermanos (y mucho más) trata ‘Hil Kanpaiak’.

La película está rodada en euskera y precisamente el primer actor en ganar un Goya hablando en esa lengua con ‘Handia’ es el protagonista de esta cinta. Eneko Sagardoy (y su gemelo) encabezan el reparto, con el permiso de Itziar Ituño que con una actuación soberbia acapara buena parte de la atención.

Sagardoy es el protagonista ya que es un potente eje para una historia que transcurre entre diferentes épocas. ‘Hil Kanpaiak’ es un título de suspense que se separa de los convencionales con una narrativa un tanto distinta y no por eso confusa. La historia está muy bien hilvanada y crea mucho misterio. Trata sobre unos huesos que aparecen poco antes de que aquel que los ha descubierto aparezca también muerto en la ermita cercana. Pero para más enigma los huesos desaparecen a las pocas horas. Sagardoy es el hijo del fallecido y tanto él como su madre se quedan solos en el caserío con el peso de las dudas y las pesquisas.

‘Hil Kanpaiak’ es un título de investigaciones, policiales y familiares. Está cargado de rencillas, rencores, despechos, cobardías, decisiones erradas… y dolor, mucho dolor. Pero al final todo puede resumirse en un solo sentimiento, que detectaréis cuando se os resuelva el enigma. El daño que han sufrido los protagonistas, casi todos, es como una brasa, que no prende pero que igualmente quema. Tienen latente una pena y una congoja que no acaba de desaparecer y les ha carcomido.

Para llegar transmitirnos como espectadores ese sinvivir y esa amargura no solo nos han dispuesto a un buen reparto, también se hace uso de muchos planos cerrados y vistas en detalle. Con esa fotografía llegamos a un ambiente frío, en el que parece que nosotros tampoco queremos mirar a al rostro de quien tenemos delante y cuando nos obligan a hacerlo es frente a frente, dándolo todo. Me han gustado particularmente los planos de los entierros. Además nos acompañan secuencias que se van tensando cada vez más, sobre todo cuando suena un coro de coces in crescendo.

Las campanas redoblan mucho en este thriller de ambiente frío, de tristes imágenes y de sonidos tan melancólicos como la música de Xabier Lete. Y todo esto a pesar de lucir verdes campos y una aparentemente apacible vida campestre. Pero bajo la tierra se encuentran secretos que se van desvelando adecuadamente para darnos un final que sorprende y cuadra.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre. Título original: Hil Kanpaiak. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Imanol Rayo. Guion: Joanes Urkixo. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Javier Aguirre Eauso. Reparto principal: Itziar Ituño, Enejko Sagardoy, Yon González, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Dorleta Urretabizkaia, Josean Bengoetxea, Kandido Uranga, Patricia López Arnaiz, Andrés Gertrudix, Itsaso Arana, Ander Sagardoy. Producción: Abra Prod. Distribución: Barton Films. Género: thriller. Web oficial: http://abraprod.com/producciones/campanadas-a-muerto/

Crítica: ‘Historias lamentables’

Sinopsis

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Ramón, un joven apocado a punto de heredar el imperio levantado por su riguroso y hermético padre; Bermejo, un veraneante metódico enfermizo del orden y enemigo de la improvisación; Ayoub, un africano sin papeles que persigue su sueño acompañado por una mujer insoportable que parece haberlos perdido todos y Alipio, un pequeño empresario sumido en el pozo de la ludopatía y la desesperación, protagonizan esta comedia, muy de Fesser, formada por cuatro historias de humor interconectadas que nos llevan a la conclusión de que nada es tan divertido como la desgracia ajena y que cuanto peor lo pasen los protagonistas mejor lo pasará el espectador.

Crítica

De los campeones a los conformados

Javier Fesser vuelve por los derroteros de lo absurdo. Tras conseguir un éxito sonadísimo y merecido con ‘Campeones’ aterriza de nuevo de la mano de Universal Pictures con ‘Historias Lamentables’. Pero no es una llegada a cines, no de primeras, porque en un atípico movimiento ser estrenará primero en Amazon Prime Video.

Tampoco suelen ser típicas o convencionales las comedias de Fesser. Sin necesidad de ser extravagante consigue alcanzar un humor histriónico, estrafalario y contrariamente campechano. En esta ocasión se alía de nuevo con Claro García, con quien ya había trabajado en ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’. Juntos nos cuentan una concatenación de historias que efectivamente son lamentables, por la tristeza que esconden y por sus patéticos personajes. Una tristeza que no es del tipo ‘Camino’ pero que si hará que aflore en vosotros la compasión y descubráis a un Fesser más crítico de lo habitual.

Rayito, el hombre de la playa, el cumpleaños de Ayoub y la excusa. Esos son los títulos de los episodios de esta película que bien podría emitirse por partes, quizá por eso ha recaído en el regazo de Amazon. El tono es cómico pero hay momentos de auténtica lástima o pena. La historia de Chani Martín es la más hilarante y me reafirma en mi opinión de este actor como una bomba por explotar. Lastima que ‘Historias lamentables’ no siga esos derroteros y esa cadencia cómica, hay momentos en los que se repite un poco y no consigue acertar con los gags. Sin embargo nos lleva del ancla al azadón a ritmo de música electrónica, timbales y desventuras sin aburrirnos un instante.

Como decía Fesser regresa un poco a las historias alocadas e intentando tocar nuestra humanidad. Las cuatro narraciones tienen en común que se componen de personajes resignados a las normas o patrones sociales, que dan penica (así, con acento maño) pero también de muchísimo jeta, como se suele decir para referirnos a los aprovechados. No sé qué tiene el director madrileño que siempre consigue una cercanía muy tierna e imprime a sus películas un sabor honesto. Puede que sea a través de los componentes que introduce que consiga que sintamos más proximidad con sus películas. Casi siempre inunda sus escenas con elementos de los años 60 u 70: los coches, el vestuario, las cámaras, el color la música…

En ‘Historias lamentables’ también se mantienen algunos actores que han trabajado previamente con Fesser. Janfri Topera, Sergio Olmo, Gloria Ramos, Alberto Nieto e incluso vuelve a hacer un cameo Itziar Castro.

No puedo evitar pensar siempre en los personajes de Fesser como en unos dibujos animados llevados a la realidad. Los efectos especiales que incorpora siempre, sus primeros planos tan caricaturescos y sus momentos tan disparatados parecen puro cartoon. Es un director que al igual que Quentin Dupieux consigue siempre hacerme sonreír con tramas que parten de lo insulso y acaban desembocadas de manera jaleosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2020 (Amazon). 11 de junio de 2021 (cines). Título original: Historias lamentables. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Javier Fesser. Guion: Javier Fesser, Claro García. Música: Rafael Arnau. Fotografía: Álex Catalán. Reparto principal: Chani Martín, Laura Gómez-Lacueva, Matías Janick, Alberto Castrillo-Ferrer, Pol López, Fernando San Segundo. Producción: Morena Films, Películas Pendelton. Distribución: Amazon Prime Video. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/historias-lamentables/?portfolioCats=79

Ya podemos ver a Adra Day como Billie Holiday

eOne Films estrenará ‘The United States Vs Billie Holiday’ en 2021

Dirigida, coescrita y producida por el nominado al Óscar Lee Daniels (‘El mayordomo’) ‘The United States Vs Billie Holiday’, se centra en la mítica figura de Billie Holiday, una de las más grandes cantantes de jazz de todos los tiempos, y en su tormentosa relación con la fama, la adicción y el amor. Su estreno en cines tendrá lugar el próximo año de la mano de eOne.

La cantante Andra Day, en su primer papel protagonista para la pantalla grande, es la encargada de dar vida y voz a la gran estrella del jazz Billie Holiday. Le acompañan en el reparto Trevante Rhodes (‘Bird Box’), Natasha Lyonne (‘Orange is the New Black’) y Garrett Hedlund (‘Mudbound: el color de la guerra’), entre otros.

La película está inspirada en el aclamado bestseller del New York Times de 2015 ‘Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs’, escrito por Johann Hari.

El guión de ‘The United States Vs Billie Holiday’ está coescrito por Suzan-Lori Parks. Parks fue la primera mujer afroamericana en recibir el Premio Pulitzer por su obra ‘Top Dog/Underground’ a la que siguió el guión ‘Native son’ en 2019.

La película está producida por New Slate Ventures, Lee Daniels Entertainment, Roth Kirschenbaum Films con Jordan Fudge, Lee Daniels, Pamela Oas Williams, Tucker Tooley, Joe Roth y Jeff Kirschenbaum. Productores ejecutivos: Hilary Shor, Jeremy Allen, Patty Long, Johann Hari, Cassian Elwes, Mark Bomback y Dennis Stratton.

Sinopsis oficial:

La legendaria Billie Holiday (Andra Day), una de las mejores intérpretes de jazz de todos los tiempos, pasó la mayor parte de su carrera siendo adorada por sus fans alrededor del globo. Todo mientras el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos la fijó como objetivo mediante una operación encubierta liderada por el Agente Federal Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), con quien Billie había tenido un tumultuoso romance. Inspirada en la historia de su vida, ‘The United States Vs Billie Holiday’ examina íntimamente su lucha contra la adicción, la fama y un corazón roto.

‘Chaos Walking’, cartel de la película de Doug Liman

Protagonizada por Tom Holland y Daisy Ridley

Ya podemos ver el cartel de ‘Chaos Walking’. Una película basada en el aclamado best-seller de Patrick Ness, que eOne Films estrenará en cines en 2021. Es una fantástica aventura repleta de acción, suspense y espectaculares efectos visuales protagonizada por Tom Holland (‘Spider-Man: Lejos de casa’) y Daisy Ridley (‘Star Wars: El ascenso de Skywalker’) junto a Nick Jonas (‘Midway’), Mads Mikkelsen (‘Hannibal’) y Cynthia Erivo (‘El visitante’).

‘Chaos Walking’ está dirigida por Doug Liman (‘El caso Bourne’) y cuenta como en un futuro no muy lejano, Todd Hewitt (Tom Holland) encuentra a Viola (Daisy Ridley), una enigmática chica que se ha estrellado en su planeta, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres están afectados por “el ruido” –una fuerza que exhibe todos sus pensamientos–. En un entorno tan peligroso, la vida de Viola se ve amenazada y al prometer Todd protegerla, deberá descubrir su propia fuerza interior y revelar los oscuros secretos del planeta.

Crítica: ‘¡Ni te me acerques!’

Sinopsis

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En la cabeza de Juan, escritor en paro, parecía una buena idea: currar como guarda del Hotel Balneario de Ariño, la misma antigua zona minera donde está ambientando su novela, su soñado best seller histórico con el que debutar por fin. Pero de repente se para el mundo, aparece la pandemia, España entera entra en cuarentena y lo que iba a ser un sencillo trabajo de quince días se convierte en un encierro de la nueva normalidad.

Juan, atascado y desquiciado, vivirá la cuarentena con las llamadas de su madre y las videollamadas de su dominante novia, con la que está a punto de casarse. También las de su compañero de piso experto en conspiraciones y las del mismísimo Juan Manuel de Prada, su tutor en un curso de escritura creativa. Solo se relacionará con Evaristo, el mecánico más jeta y porrero de Aragón, con Antonio, el brazo fuerte de la Ley, y con la esquiva y bella Alicia, encargada de traerle los víveres del súper.

Todos nos aburrimos mucho en la cuarentena. Juan no.

Crítica

De contagios y literatos

Nadie podrá negar que estamos en época de improvisaciones. Así me gusta pensar tras ver ‘¡Ni te me acerques!’, una película escrita por Manu Riquelme, Norberto Ramos del Val e Iván Reguera. Una comedia rápida y con algo de improvisación, tanto por sus autores, como por sus actores y sobre todo por parte del personaje protagonista.

No podemos evitar en pensar constantemente en virus, infección, equipos de protección individual, distanciamiento… ‘¡Ni te me acerques!’ hace alusión obviamente a todo eso. Es una película grabada justo tras salir del confinamiento domiciliario iniciado en marzo de 2020 en España. En ella a un escritor le pilla la cuarentena en un balneario vacío donde ha aceptado el trabajo de vigilante, para así tener tiempo y tranquilidad para escribir.

Este largometraje cómico tiene muchas alusiones a la literatura, de la que intenta sacar chistes ágiles. Está claro el paralelismo españolizado con ‘El Resplandor’, de hecho, se menciona eso en múltiples ocasiones convirtiéndose en un running gag. Pero la película es consciente de que estamos en una época en la que los youtubers rivalizan con los Revertes en los tops ventas de las librerías y por supuesto ni hay terror ni thriller ni drama, solo una sátira pocas veces punzante.

Y temas que están en boca de todos también salen a la luz. El postureo a la hora de aplaudir a los sanitarios, el trato de apestado hacia los que viven en Madrid, los bulos, la dificultad para mantener la distancia social… El humor negro y tontorrón está muy presente pero no se percibe ninguna falta de respeto y eso que la película tiene cierto grado de atrevimiento. No solo me refiero a la alusión de los siempre sospechados negros de Stephen King y Ana Rosa Quintana, si no a poder tratar de un modo que roza lo chanante una situación que nos tiene de los nervios. Ramos del Val tampoco busca trivializar ni por el contrario demandar nada, simplemente el filme consigue relajar el ambiente.

Además el título también alude a la incapacidad de escribir por parte del autor. ‘¡Ni te me acerques!’ se convierte en un romance donde no solo hay que eludir los virus, también las tentaciones.

En Ariño recae este escritor que se cree listillo, pero suele pecar de pringado. Está interpretado con gracia y de una manera dicharachera por parte de Edu Ferrés. Cuando este comparte escena con Emilio Buale es cuando la película gana más chispa.

En estas tierras entre Teruel y Zaragoza que dan cobijo a Dinópolis se ha ubicado un “Overlook aragonés” en el que también hay espacio para lo paranormal. No es una locura de comedia, pero si goza de cierto resplandor.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de noviembre de 2020. Título original: ¡Ni te me acerques! Duración: 95 min. País: España. Dirección: Norberto Ramos del Val. Guion: Manu Riquelme, Norberto Ramos del Val, Iván Reguera. Música: José Sánchez-Sanz. Fotografía: César Montegrifo. Reparto principal: Edu Ferrés, Rosalía Mira, Emilio Buale, Rubén Hernández, Aloma Martínez, Claudia Molina, Juan Vinuesa, Jose Manuel de Prada, José Semprún, Sonia Almarcha, Antonio Muñoz Pérez, Ksenia Kovalenko, Joaquín Noé. Producción: Norberfilms. Distribución: Norberfilms. Género: comedia. Web oficial: http://www.norberfilms.com/